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Apprenez à dessiner un cerf dans ce didacticiel étape par étape

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Comment dessiner un cerf

Photo: Photos de Delbars / Shutterstock

Les cerfs sont connus pour leur nature paisible et leurs allures gracieuses. C'est pourquoi ils figurent en tête de liste des animaux préférés des artistes à dessiner. Cependant, si capturer l'élégance tranquille d'un cerf semble intimidant, ne vous inquiétez pas. Tout comme pour tout nouveau sujet, l'apprentissage des bases et la pratique continue récolteront les meilleures récompenses.

Nous avons rassemblé ce tutoriel étape par étape pour vous aider à mieux comprendre comment dessiner un cerf, ainsi que comment rendre ses bois enviables. Tout ce dont vous aurez besoin pour commencer, c'est quelques fournitures de dessin de base, du papier et une attitude positive. Prêt à essayer? Ensuite, prenez vos fournitures de dessin et du papier. Il est temps de dessiner un cerf!

Apprenez à dessiner un cerf étape par étape

Comment dessiner un cerf

Photo: Photos de Delbars / Shutterstock

Étape 1: Faites vos recherches

Avant de commencer à dessiner, il est important de prévoir du temps pour vous familiariser avec l'anatomie du cerf. Bien qu'il s'agisse d'animaux à sabots comme les chevaux, il existe plusieurs différences à prendre en compte lors du dessin des cerfs. En particulier, vous constaterez qu'ils ont des têtes plus petites et des corps plus élancés. De plus, il est utile de préciser les sous-espèces de cerfs que vous souhaitez représenter et de rassembler quelques photos de référence que vous pouvez consulter.

Ce tutoriel se concentrera sur le dessin d'un cerf de Virginie mâle, également connu sous le nom de Cerf de Virginie.

Étape 2: Commencez par un petit cercle

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Commencez légèrement esquisser un petit cercle sur le papier. Ce sera la tête du cerf.

Étape 3: Ajoutez le cou et le museau

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Ensuite, ajoutez un museau de forme rectangulaire sur le côté du cercle, et un col rectangulaire épais s'étendant vers le bas à un léger angle.

Étape 4: Construisez le corps

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Maintenant, il est temps de construire le corps du cerf. Pour ce faire, nous allons esquisser deux grands cercles. Le cerf regardera par-dessus son épaule dans cette image, de sorte que le premier cercle qui compose la poitrine chevauchera avec le cou par une grande marge. Ensuite, dessinez un cercle pour l'arrière-train un peu plus loin. Assurez-vous que ces cercles sont à une hauteur parallèle.

Après, connecter les cercles pour créer le corps du cerf. La ligne du dos doit légèrement s'incliner lorsqu'elle rencontre les épaules et la ligne du ventre doit se courber sous la poitrine.

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Étape 5: Esquissez les jambes

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Avec le corps en place, il est temps de ajouter des pattes au cerf. Esquissez légèrement les pattes antérieures en utilisant de longues formes rectangulaires et en indiquant les articulations des genoux et des chevilles par de petits cercles. Ensuite, dessinez la patte arrière la plus proche avec une forme de trompette pour la cuisse, en vous assurant que la partie la plus large rencontre le corps. Ajoutez un cercle au niveau de l'articulation du genou et esquissez un rectangle plus fin sous un angle, se terminant également par un cercle. Dessinez la patte arrière la plus éloignée de la même manière, mais pliez un peu plus près des pattes avant.

Étape 6: Ajoutez les sabots et les oreilles

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Après avoir dessiné les jambes, il est temps de ajouter les sabots du cerf. Esquissez légèrement des formes trapézoïdales au bas de chaque jambe.

Ensuite, tournez votre attention vers le haut et dessiner de grandes oreilles en forme de pétale au sommet de la tête du cerf. Si vous le souhaitez, vous pouvez également ajouter un œil en haut au centre de la tête à ce moment.

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Étape 7: Affinez le visage

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Maintenant que nous avons dessiné les formes de base du cerf, nous allons commencer à lentement affiner. En commençant par la tête, découpez un museau légèrement plus étroit à partir de la forme initiale que nous avons dessinée. Assurez-vous que le nez dépasse légèrement de la bouche. Ajouter une narine au nez et un pli sur l'œil en forme d'amande. N'oubliez pas d'effacer toutes les lignes directrices restantes autour de la tête lorsque vous avez terminé.

Étape 8: Définissez le corps

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Ensuite, nous allons donner le corps du cerf plus de définition. En commençant par le cou, affinez la ligne qui se connecte à la poitrine, en vous assurant qu'elle dépasse à mi-chemin des jambes. De même, affinez les lignes du dos et du ventre. Effacez toutes les lignes directrices restantes dans le corps.

Étape 9: Affinez les jambes

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Enfin, il est temps de affiner les jambes. En utilisant les formes que vous avez dessinées, connectez-les en des jambes fortes et anguleuses. A ce moment, aussi ajouter un orteil supplémentaire juste au-dessus de chacun des quatre sabots. Effacez toutes les lignes directrices restantes jusqu'à ce que vous ayez un contour net du cerf.

Étape 10: Ajoutez les bois

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Vous pouvez laisser votre cerf tel quel si vous voulez dessiner un faon. Cependant, dans ce tutoriel, nous dessinons un cerf mâle adulte, ou cerfdonc nous serons ajouter une paire de bois à la tête. Selon l'âge du cerf et la période de l'année, ceux-ci peuvent être de différentes formes et tailles. Ici, nous ajouterons deux bois de taille moyenne. En commençant entre les oreilles, créez des formes en forme de branche qui couronnent au-dessus de la tête du cerf.

Étape 11: Esquissez un arrière-plan

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Puisque votre dessin de cerf est presque terminé, il est temps de lui donner une maison. La plupart des cerfs vivent dans les forêts ou les prairies, donc dessiner un paysage approprié de votre choix pour compléter l'illustration.

Étape 12: Passez en revue le dessin à l'encre

Comment dessiner un tutoriel de cerf

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Enfin, il est temps de revoir le dessin à l'encre. À l'aide du stylo de votre choix, tracez soigneusement vos traits de crayon. Pour vous assurer de ne pas maculer d'encre, assurez-vous de garder un morceau de papier de rechange sous votre main de dessin. Ensuite, utilisez pointillé sur la fourrure du cerf pour lui donner de la texture.

Lorsque vous avez fini d'encrer, vous pouvez soit ajouter de la couleur à la composition, soit la laisser telle quelle pour une illustration frappante en noir et blanc d'un cerf mâle dans une forêt enneigée!

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Les lauréats des Drone Awards 2020 présentent de nouvelles perspectives époustouflantes sur notre monde

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École de saumon en forme de cœur

«Love Heart of Nature» de Jim Picôt. Gagnant, 2020 Drone Awards.
«En hiver, un requin se trouve à l'intérieur d'un banc de saumon lorsque, chassant le poisson-appât, la forme est devenue une forme de cœur.

Vous pouvez avoir une perspective différente sur le monde grâce aux gagnants du Prix ​​photo drone 2020. Organisé dans le cadre du prestigieux Festival des prix de Sienne, le concours photo met en avant la meilleure photographie aérienne par drone du monde entier.

Cette année, le photographe australien Jim Picôt a remporté le grand prix pour son image Amour coeur de la nature. La photographie brillante montre un requin nageant parmi un banc de saumons. Picôt a réussi à capturer le moment magique où le saumon s'est réuni dans ce qui ressemble à un cœur, créant une image dynamique et charmante. Son n'est qu'une des images gagnantes spectaculaires dans neuf catégories, y compris Faune, Gens, Urbain, et sport.

Les entrées dans le spécial La vie sous Covid-19 Catégorie. Le photographe israélien Tomer Appelbaum a remporté la catégorie pour avoir montré comment ses compatriotes protestaient pacifiquement à l'ère de la distanciation sociale. Parmi les autres photos remarquables, citons celle de Mohamed Azmeel Mariée tropicale, qui a remporté la catégorie mariage. Cette image a vu le photographe maldavien faire preuve de créativité avec des décorations florales pour dresser un portrait mémorable d'une nouvelle mariée.

Quarante-cinq des photographies gagnantes seront exposées dans l'un des plus anciens musées scientifiques d'Italie, l'Accademia dei Fisiocritici de Sienne. Programmée du 24 octobre au 29 novembre 2020, c'est la seule exposition de groupe consacrée à la photographie aérienne en Italie.

Découvrez d'autres lauréats des Drone Photo Awards 2020 et découvrez le monde sous un autre angle.

Photo aérienne des tours jumelles Petronas

«Structure extraterrestre sur Terre» de Tomasz Kowalski. Gagnant, Urbain.
«Parfois, nous devons changer de perspective pour ressentir la force de la structure plus forte que nous ne l'avions jamais pensé. Les tours Petronas, également connues sous le nom de tours jumelles Petronas, sont des gratte-ciel jumeaux à Kuala Lumpur. »

Traversée de la rivière gelée en traîneau

«Frozen Land» par Alessandra Meniconzi. Gagnant, les gens.
«Avec des températures de moins 30 ° C, les hivers dans la steppe eurasienne peuvent être brutaux. Mais la vie ne s'arrête pas et les populations locales se déplacent d'un village à l'autre avec un traîneau, traversant rivières et lacs glacés.

Hérons qui nichent dans la cime des arbres

«Où vivent les hérons» de Dmitrii Viliunov. Gagnant, Faune.
«Beaucoup pensent que les hérons font des nids dans des roseaux ou dans un marais. En fait, ils nichent au sommet d'immenses arbres et avec un drone, il est parfois possible de les voir.

Vue aérienne des nageurs dans l'océan

«Sur la mer» de Roberto Corinaldesi. Vainqueur, Sport.
«Une vue aérienne des nageurs, où la mer devient le lieu de refuge, entre le tapis bleu et l'écume blanche des vagues.

Photo de mariée créative

«Tropical Bride» de Mohamed Azmeel. Gagnant, mariage.
«J'ai utilisé les fleurs et les feuilles restantes de la décoration d'un mariage pour créer quelque chose de créatif.»

Baleine grise poussant un bateau plein de touristes

«La baleine grise joue en poussant les touristes» de Joseph Cheires. Gagnant, Nature.
«À la fin de la saison des baleines grises, on m'a parlé d'une baleine grise qui, depuis 3 ans, jouait avec les bateaux, les poussant doucement. Nous sommes donc revenus l'année suivante et incroyablement la baleine grise est apparue et cette photo est le résultat.

Congrégation Eid-ul-Fitr

«La plus grande congrégation» par Azim Khan Ronnie. Finaliste, résumé.
«Plus de 600 000 fidèles ont participé à la plus grande congrégation Eid-ul-Fitr d'Asie du Sud. Les prières ont commencé à 8h30 avec des fidèles venant de différentes parties de la région. Eid-ul-Fitr est une fête musulmane du bonheur célébrée dans le monde entier. »

La marina de Dubaï vue depuis un drone

«Dubai Marina» par Carmine Chiriacò. Finaliste, Urbain.
«Il est extrêmement intéressant de voir les conceptions architecturales des bâtiments, des rues et de la jetée de la marina de Dubaï qui contrastent avec l'eau de l'océan.»

Usine de fabrication EVRAZ

«Continuité» par Yura Borschev. Finaliste, série.
«Il s'agit d'un projet photo pour le calendrier d'entreprise EVRAZ, montrant toutes les usines de fabrication du Groupe, situées à des milliers de kilomètres les unes des autres.»

Vue de dessus du tennis jouant au service

«Ball Up» par Brad Walls. Finaliste, Sport.
«Les mouvements physiques du joueur de tennis contre la lignée abstraite épurée du court ont créé un effet harmonieux pour les yeux.

Place vide à Varsovie pendant Covid-19

«Coeur de Varsovie» de Rafal Ganowski. Finaliste, Life Under Covid-19.
«La partie la plus ancienne et déserte de Varsovie qui, avant la pandémie, était remplie de parasols de restaurants à proximité et de foules de gens.

Vue de dessus des manifestants qui marchent à Hong Kong

«2 000 001» par Tugo Cheng. Finaliste, les gens.
«Deux millions de Hongkongais sont descendus dans la rue le 16 juin 2019, appelant le gouvernement à retirer le projet de loi controversé sur l'extradition. La veille de la marche historique à laquelle près d'un tiers de la population a participé, le manifestant Leung Ling Kit a mis fin à ses jours après avoir accroché une banderole des revendications du peuple dans le centre-ville.

Munk's Mobula Rays nageant dans l'océan

«Mobula Rays Schooling de Munk» par Mark Carwardine. Finaliste, faune.
«Bien que depuis un bateau, il était difficile d'apprécier à quel point ce banc était énorme, le drone a révélé une masse de milliers de rayons Mobula de Munk (également appelés rayons pygmées du diable de Munk), tous nageant dans la même direction circulaire.

Vue aérienne du port marin animé

«Mers vides et rivages bondés» par Srikanth Mannepuri. Gagnant, Série.
"C'est une histoire de la vie marine qui s'effondre lentement où les poissons les plus rapides ne sont pas assez rapides, les gentils géants pas assez grands et les prédateurs au sommet pas assez forts pour supporter le poids de la cupidité humaine et de la surconsommation."

Photographie de mariage par drone

«Amoureux sur le terrain» de Krzysztof Krawczyk. Finaliste, mariage.
«Nous recherchions une certaine abstraction. Nous avions un bateau, un drone et…. beaucoup de temps. Un vent fort a créé une belle tempête sur le terrain. Des conditions météorologiques parfaites m'ont montré «l'œil du tigre» ou «l'œil du cerf» à travers le couple dans le kayak. Une merveilleuse combinaison: de beaux amoureux, une nature fantastique, un vent fort et cette perspective.

Flamants roses au lac Logipi

«Flamants roses au lac Logipi» par Martin Harvey. Finaliste, Nature.
«Le soleil matinal éclaire une scène de flamants roses rassemblés au bord du lac Logipi, à côté d'une intéressante formation géologique en forme d'éventail.

Des manifestants lors d'un rassemblement israélien contre le Premier ministre israélien Benjamin Netanyahu

«Black Flag» par Tomer Appelbaum. Gagnant, Life Under Covid-19.
«Des milliers d'Israéliens maintiennent leurs distances sociales en raison des restrictions de Covid-19 tout en protestant contre le Premier ministre israélien Benjamin Netanyahu sur la place Rabin le 19 avril 2020.»

Processus de régénération sur le site minier industriel du lac Owens

«Phoenix Rising» de Paul Hoelen. Gagnant, résumé.
«Le phénix qui se lève est un symbole de la renaissance des cendres du feu. Ceci est symbolisé par les débuts d'un véritable processus de régénération sur le site minier industriel du lac Owens. Après un passé destructeur et la création du bocal à poussière le plus toxique d'Amérique, les oiseaux migrateurs reviennent et la vie recommence.

Drone Photo Awards: Site Web | Facebook | Instagram

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Dave Grohl écrit et interprète une chanson thème pour la musicienne de 10 ans Nandi Bushell

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Dave Grohl écrit une chanson thématique pour Nandi Bushell

Cette année, la musicienne zoulou-britannique Nandi Bushell, 10 ans, a pris d'assaut le monde et son incroyable talent a même attiré l'attention de son héros, Dave Grohl. En août 2020, Bushell a défié la légende des Foo Fighters dans une bataille de tambours, déclenchant un va-et-vient épique de vidéos de couverture de batterie que les deux hommes ont partagées sur Twitter. Récemment, Bushell a remporté le premier tour avec son incroyable performance de Amis de l'impasse par Them Crooked Vultures. Cependant, elle a eu plus que la simple satisfaction de gagner – Grohl a écrit une chanson thème en son honneur.

Le 14 septembre, Grohl a partagé un vidéo de lui interprétant la chanson pour Bushell. «Chaque super-héros a besoin d'une chanson thème», écrit-il. "En voici une pour vous!" Grohl joue de plusieurs instruments et chante, tandis que ses filles (alias «les Grohlettes») fournissent des voix de sauvegarde. En plus de hurler «Nandi» tout au long, d'autres paroles incluent: «Elle a le pouvoir. Elle a l'âme. Va sauver le monde avec son rock & roll! » L'enregistrement en studio à domicile comporte même des graphiques de bricolage et plusieurs vues en écran partagé qui montrent chaque élément musical de la chanson.

Bushell a été époustouflé par la chanson de Grohl et a répondu: «Je ne peux pas croire que M. Grohl ait écrit une chanson sur moi!?! C'est tellement tellement #EPIC !! » Elle a poursuivi: "Je pense que c'est la meilleure chanson de tous les temps, au MONDE, JAMAIS !!!" Il ne fallut pas longtemps avant que le jeune musicien se prépare pour le deuxième round de la bataille de tambour. "Gagner le deuxième tour sera le plus grand défi de ma vie", a écrit Bushell sur Twitter. «Je peux faire tout ce que je veux! Ma chanson pour toi est presque prête! » Nous avons hâte de l’entendre!

Découvrez ci-dessous la chanson thème de Grohl pour Bushell.

Le musicien zoulou-britannique Nandi Bushell et Dave Grohl, 10 ans, se sont lancés dans une bataille de batterie épique en ligne.

Bushell a remporté le premier tour, alors Grohl a écrit sa propre chanson thème!

Le jeune musicien se prépare déjà pour le deuxième tour!

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=LuIFi9EwCWM (/ incorporer)

Nandi Bushell: Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
Foo Fighters: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube

Toutes les images via Nandi Bushell / Dave Grohl.

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Des dessins au pastel majestueux Explorez la beauté d'un glacier en Patagonie

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Des dessins au pastel majestueux Explorez la beauté d'un glacier en Patagonie

Glacier Perito Moreno par Zaria Forman

L'artiste Zaria Forman est connue pour ses dessins au pastel de grand format qui explorent la beauté de la nature. En particulier, son intérêt pour les formations glaciaires – et leur disparition de la Terre – l'ont amenée à explorer certaines des régions les plus reculées du globe. Pour sa prochaine exposition à Seattle, elle s'est perfectionnée sur un glacier spécial situé en Patagonie, le glacier Perito Moreno.

Situé dans le parc national Los Glaciares en Patagonie, en Argentine, le glacier Perito Moreno s'étend sur plus de 19 miles de long et couvre près de 100 pieds carrés. C'est l'un des 48 glaciers alimentés par le champ de glace sud de la Patagonie. En tant que troisième plus grande réserve d'eau douce au monde, le champ de glace est une ressource précieuse.

L'exposition Forman, bien intitulée Glacier Perito Moreno, est une dissection singulière de ce spectaculaire bloc de glace. En tant que seul glacier des champs de glace du sud de la Patagonie qui ne recule pas actuellement, il s'agit d'une étude sur ce à quoi devraient ressembler ces magnifiques formations. Forman effectue un zoom avant et reproduit les détails de ce glacier avec une précision rigoureuse.

Comme d'habitude, elle utilise des pastels pour faire ressortir les qualités lumineuses de la glace et explorer les différentes textures qui composent ces géants glacés. En regardant le glacier Perito Moreno sous tous les angles, Forman crée une série obsédante qui peut presque être considérée comme une lettre d'amour au bloc de glace bien conservé.

Ses dessins photoréalistes, basés sur des photos et des vidéos qu'elle prend sur le terrain, sont un rappel brutal de ce que nous avons à perdre. En se poussant à rechercher ces paysages et à les documenter pour le public, Forman contribue à créer une plus grande prise de conscience de notre environnement changeant.

Glacier Perito Moreno ouvre le 24 octobre 2020 à Winston Wätcher Fine Art à Seattle, Washington.

Zaria Forman est connue pour ses dessins au pastel à grande échelle de glaciers.

Dessin au pastel d'un glacier par Zaria FormanZaria Forman Dessin PastelZaria Forman Dessin PastelNouvelle oeuvre de Zaria Forman chez Winston Watcher Fine Art

Sa nouvelle exposition est centrée sur les représentations du glacier Perito Moreno en Patagonie.

Glacier Perito Moreno par Zaria FormanDessin au pastel d'un glacier par Zaria FormanGlacier Perito Moreno par Zaria FormanDessin à grande échelle de Zaria FormanZaria Forman Dessin PastelDessin au pastel d'un glacier par Zaria FormanDessin à grande échelle de Zaria Forman

Zaria Forman: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Winston Wätcher Fine Art.

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Hasbro lance le monopole des «méchants de Disney» qui encourage les joueurs à être très sournois

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Monopole des méchants de Disney

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La plupart des fans de Monopoly savent que vous devez être assez impitoyable si vous voulez gagner le jeu de société de trading immobilier. Mais préparez-vous à être très sournois; Hasbro vient de sortir une édition «Disney méchants». Plutôt que d'acquérir et de vendre des biens immobiliers, les joueurs du jeu Disney Villain Monopoly doivent acheter les contrats d'autres méchants pour créer le meilleur gang de méchants Disney.

La nouvelle édition vous permet d'incarner l'un des six méchants emblématiques de Disney: Cruella de Vil de 101 Dalmatiens, Crochet de Peter Pan, Scar de Le roi Lion, la méchante reine de Blanc comme neige, Maléfique de La belle au bois dormant, ou Jafar de Aladdin. Chaque personnage a un pouvoir unique qui est activé après avoir passé GO. Lorsque vous vous déplacez sur le plateau, vous êtes encouragé à comploter et à vous frayer un chemin vers la victoire. Le jeu comprend également des «Poison Apple Cards» qui donnent aux joueurs des avantages tels que le vol de pièces et de contrats ainsi que le placement de fourrés gratuits qui en gênent les autres. Pour gagner, prouvez que vous êtes le plus méchant de tous, sans perdre tout votre argent.

Vous pensez avoir ce qu'il faut? Découvrez-le en jouant à ce jeu de Monopoly. Vous pouvez acheter l'édition Disney Villain Monopoly sur Amazon.

Le nouveau monopole des méchants de Disney encourage les joueurs à planifier et à voler leur chemin vers la victoire.

Monopole des méchants de DisneyHasbro Pulse: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter
h / t: (POPSUGAR)

Toutes les images via Hasbro Pulse.

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Un photographe crée de superbes paysages avec des corps humains musclés

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Un photographe crée de superbes paysages avec des corps humains musclés

Photographie artistique du corps humain

L'artiste conceptuel et photographe Carl Warner est connu pour ses paysages culinaires élaborés, où il utilise des ingrédients comestibles pour créer des environnements fantastiques. Mais pour une autre série, Warner utilise autre chose pour donner vie à ses paysages fictifs: le corps humain. Le sien Bodyscapes Utilisez différents éléments anatomiques pour créer des compositions de paysages réalistes accrocheuses et choquantes.

Bodyscapes est un animal complètement différent de ses paysages alimentaires, qui sont soigneusement planifiés et orchestrés à l'avance. Alors que Warner a toujours le résultat final en tête, travailler avec le corps humain est un défi et le pousse à travailler spontanément et à voir où le tournage le mène. Bien que chaque bodyscape ressemble à une collection de différents corps entrelacés, Warner travaille en fait avec un modèle pour obtenir le look final de chaque image. Après avoir photographié leur corps sous différents angles, tout est réuni en post-production. C'est un choix délibéré du photographe.

«Je sais que les gens aimeraient que ceux-ci soient faits avec de nombreux corps différents, mais cela signifie avoir des tons de peau différents qui perdront le sens de la continuité dans le paysage», a déclaré Warner à My Modern Met. «J'aime aussi le fait que tout soit fait à partir d'un seul individu car il offre un aspect de portrait alternatif et devient une connexion plus intime avec le sujet. Je veux aussi éviter que les images ne paraissent trop sexuelles et je pense que mélanger les corps au stade de la prise de vue peut faire pencher les images de cette façon. Je m'intéresse davantage à la forme et à la structure qui donnent au corps une impression de place en tant qu'espace dans lequel nous habitons.

Avec des titres comme Vallée de la femme allongée et La grotte des Abdo-hommes, Warner apporte un peu d'esprit et d'humour au travail. Mais en même temps, il y a un vrai sens du grand art dans l'œuvre. L'utilisation de la lumière et de l'ombre par Warner, ainsi que sa capacité à composer habilement les corps, font de chaque image un régal esthétique.

Bodyscapes est une série qui utilise le corps humain pour former des paysages surréalistes et époustouflants.

Bodyscapes de Carl WarnerPaysages abstraits formés à partir de corps humainsPaysages du corps humain de Carl WarnerArt conceptuel par Carl WarnerPaysages surréalistes fabriqués à partir de parties du corpsPhotographie d'art par Carl WarnerBodyscapes de Carl WarnerPaysages surréalistes fabriqués à partir de parties du corps

Carl Warner: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Carl Warner.

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Théière coloniale en argent

Une théière en argent par Eleazar Baker, fabriquée dans le Connecticut, 1785-1800. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

L'Amérique a une longue et distinguée tradition de création, de vente et de possession d'argenterie – des assiettes de fantaisie dans le cabinet de grand-mère aux cuillères en argent dans les boutiques de souvenirs. Argenterie fait référence à plus que les couverts auxquels on pense aujourd'hui. Considéré à la fois comme un artisanat et un art, orfèvres a créé des pièces allant de simples cuillères à d'énormes plateaux décoratifs. Dans une grande partie de l'histoire américaine, exposer de l'argent chez soi était un signe de richesse et de statut. L'argenterie a conservé sa valeur pour la revente, et l'argenterie ancienne peut encore atteindre des prix élevés. Comme d'autres arts décoratifs, l'argenterie a changé avec l'époque artistique – des chopes à boire martelées faites par le célèbre Paul Revere aux pièces modernes en vente chez Tiffany & Co.

L'argent joue un rôle essentiel dans la conception et la culture américaines. Lisez la suite pour explorer l'histoire de l'utilisation et de la finalité artistique de ce matériau précieux.

Outils d'orfèvre

Échelles et poids d'un orfèvre, 18e siècle. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

Argenterie coloniale

Arrivés avec les premiers colons, les orfèvres coloniaux ont apporté leurs connaissances de la métallurgie outre-Atlantique. Ils ont laissé derrière eux les guildes restrictives de l'Europe, qui avaient longtemps limité qui pouvait pratiquer le métier. Dans les colonies anglaises, de nombreux orfèvres exerçaient également comme forgerons, orfèvres, bijoutiers et même dentistes. Ces carrières avaient des outils et des compétences qui se chevauchaient.

Urne à thé en argent Paul Revere

Une urne à thé en argent incrustée d'ivoire par Paul Revere, 1791 (Photo: Wikimedia Commons (CC0 1.0))

Dans leurs ateliers, les artisans chauffaient l'argent, en ajoutant d'autres métaux comme permis. L'argent traditionnel anglais avait été normalisé à 92,5 pour cent d'argent pendant des centaines d'années. Cela a empêché que les alliages métalliques moins chers ne soient considérés comme de l'argenterie véritable. Les premiers orfèvres américains ont rencontré des difficultés pour acquérir suffisamment d'argent pour maintenir des normes similaires. Les colonies anglaises n'ont pas extrait d'argent; et sans un accès facile aux matières premières, les orfèvres américains fondaient souvent des pièces de monnaie et des plaques d'argent existantes qui étaient devenues démodées.

Orfèvre Paul Revere par John Singleton Copley

Portrait de Paul Revere par John Singleton Copley, v. 1768-1770. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

La période révolutionnaire a produit de nombreux orfèvres prodigieux, y compris le célèbre Paul Revere. Connu pour sa chevauchée de minuit en 1775, Revere était orfèvre, graveur et métallurgiste. Talentueux dans la création de pièces sur mesure, il a également utilisé l'innovation technique pour produire de grandes quantités de produits en argent prêts à l'emploi. Revere a bénéficié de la révolution de la consommation qui a balayé l'Angleterre et les colonies américaines au milieu du 18e siècle. Une classe moyenne montante était capable – et très intéressée – d'acheter symboles de statut. Une montée parallèle boire du thé offrait toute une gamme de possibilités – des cuillères en argent aux théières.

Théière Paul Revere

Cette théière en argent de Paul Revere a été fabriquée en 1795. Son design cannelé démontre les premières étapes de l'influence néoclassique sur l'argent américain. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

Argenterie républicaine

L'indépendance américaine de l'Angleterre a apporté la standardisation de l'argent américain. La Monnaie américaine a fixé des quantités d'argent. En 1792, le la norme a été fixé à 89,2% d'argent. Les pièces de cette date, jusqu'en 1837, sont connues sous le nom de Argenterie «pièce». Une version plus pure de l'argent, connue sous le nom de argent sterling, a toujours maintenu les 92,5% de la tradition britannique. Une telle réglementation était importante dans le marché de consommation croissant de la nouvelle République.

Urne Néoclassique En Argent 1830

Une urne en argent néoclassique de Fletcher et Gardiner, 1830. Modelée d'après une amphore et surmontée du dieu Neptune, cette pièce a été commandée comme cadeau en l'honneur de l'achèvement d'un canal. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

Les styles d'argent ont changé rapidement. Néo-classique les formes et les motifs ornementaux étaient populaires au début du 19e siècle. Bien qu'indépendants de l'Europe, les Américains étaient encore sensibles aux modes européennes. Suivant les modes ornées du nouvel Empire français de Napoléon, les serpents, les lions et les aigles américains ont compliqué les conceptions plus simples du début de l'argent américain.

Dans les années 1830, le Renaissance rococo encouragé des motifs floraux forts et en relief (connus sous le nom de repoussé style). A cette époque, la célèbre maison de joaillerie Tiffany et compagnie. a été fondée par Louis Comfort Tiffany. Aujourd'hui connu pour ses bijoux magnifiques, le savoir-faire artisanal de Tiffany a influencé les arts décoratifs américains avec des vitraux, de l'argenterie et même des lampes (bien connues sous le nom de lampes Tiffany). D'autres grands ateliers ont vu le jour avant la guerre civile américaine, car les tarifs de 1842 rendaient les importations européennes d'argent très chères.

Pichet en argent Tiffany

Ce pichet Tiffany & Co. de la renaissance rococo a été créé par William Gale et Son entre 1862 et 1867, mais vendu par Tiffany & Co. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

Dans les années 1830 et 40, une nouvelle technologie appelée galvanoplastie a été développé en Angleterre. Ce processus a permis de revêtir des métaux moins chers comme le cuivre d'une fine couche de plaque d'argent. Moins cher et plus durable, plat en argent était souvent appelé "hôtel argent»Pour son utilisation dans les salles à manger des hôtels et les wagons-restaurants des trains. Le «look» d'avoir un ensemble de salle à manger complet en argent est devenu plus abordable pour les Américains de la classe moyenne.

La tradition de l'orfèvrerie s'est également répandue vers l'ouest. L'orfèvre navajo et leader politique Atsidi Sani est généralement reconnu comme ayant commencé la forte tradition de travail de l'argent de la nation Navajo. Les Navajo se procuraient auparavant leurs articles en argent auprès de forgerons mexicains qualifiés. Après la guerre civile, l'argenterie américaine est restée ornée de dessins élaborés. À la fin du siècle, le mouvement Art nouveau s'est étendu des arts décoratifs européens aux arts décoratifs américains. L'argent Art Nouveau reflétait les formes organiques visibles sur les affiches et les illustrations de l'époque.

Table en argent Martele

Une table en argent Martelé aux motifs Art Nouveau. Martelé était une ligne spéciale de produits en argent extra-pur fabriqués au tournant du siècle par Gorham Manufacturing Company. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Argent du XXe siècle

La période moderne de l'argenterie américaine présente un visage plus élancé que ses prédécesseurs du XIXe siècle. Les artisans et designers modernes ont introduit de nouvelles formes pour les théières, cuillères et chandeliers classiques. Art Déco créations des années 1920 et avant-garde des pièces des années 1930 peuplent aujourd'hui les collections des musées. Cependant, dans la première moitié du XXe siècle, ces pièces étaient souvent également offertes directement aux consommateurs par le biais de grands magasins. Un exemple intéressant, le service à thé austère mais gracieux en argent du designer Paul Lobel a été inclus dans une exposition d'art industriel du Metropolitan Museum of Art en 1934. Les consommateurs pouvaient également acheter l'ensemble auprès de Wilcox Silver Plate Company.

Service à thé Lobel Service

Un service à thé ou à café en argent moderne conçu par Paul A. Lobel et produit par Wilcox Silver Plate Company, 1934. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

Malgré des défis tels que la Grande Dépression et les guerres mondiales successives, de nombreuses entreprises fondées au 19e siècle ont continué à produire de l'argenterie, des assiettes d'argent et d'autres articles ménagers connexes. Le célèbre producteur d'argenterie Oneida Limited a continué à créer des couverts en grandes quantités. Fondé dans le Connecticut en 1898, le International Silver Company a exploité les pouvoirs d'Hollywood de l'âge d'or pour vendre ses meubles de table en argent. Des actrices célèbres ont fait des spots radio et sont apparues dans des publicités imprimées pour la société. L'entreprise a produit de l'argent jusqu'en 1983.

Moderne du milieu du siècle l'argenterie fait face à la concurrence de la popularité croissante de l'acier inoxydable. Influencé par l'argent scandinave et l'art de l'orfèvre danois Georg Jensen, les artisans ont continué à brouiller les frontières entre l'artisanat et l'art. Des designers tels que Robert J. King et Robert Ebendorf produit de l'argenterie aux côtés de bijoux en argent complexes.

Robert King Mid-Century Modern Argent

Un service à café trois pièces en argent sterling au motif emblématique «Contour», conçu par Robert J. King et John Van Koert, fabriqué par Towle Manufacturing Company, 1951-1953. (Photo: Yale University Art Gallery (domaine public))

Aujourd'hui

Les artistes et artisans modernes continuent à travailler l'argenterie. On peut toujours acheter de l'argenterie neuve auprès de producteurs légendaires tels que Tiffany & Co. Cependant, l'attrait de l'argenterie américaine antique – du colonial au moderne du milieu du siècle – attire de nombreux collectionneurs. Les marchés d'antiquités évoluent avec l'économie et les préférences des acheteurs changent au fil des générations. L'histoire de l'argent américain offre une fontaine de variété pour piquer divers intérêts.

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Regardez cet adorable canard endormi hocher la tête avec une fleur sur la tête

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Bébé canard s'endort

L'année 2020 a vu sa juste part d'événements terribles. Des incendies de forêt et des inondations à une pandémie mondiale et à des troubles politiques, chaque titre de presse semble plus sombre que le précédent. Cependant, nous sommes là pour vous remonter le moral avec un contenu mignon qui montre qu'il y a encore du bien dans le monde. Cette bonté se présente sous la forme d'un adorable bébé canard.

Utilisateur Twitter @wamlart a partagé une vidéo de 20 secondes du petit canard qui s'endort avec une fleur sur la tête, avec la légende: «Si vous vous sentez triste, regardez ce joli canard.» La vidéo est naturellement devenue virale et, au moment de l'écriture, compte plus de 280000 retweets. Cela a même inspiré du fan art!

La vidéo originale a été publiée par Mother The Mountain Farm, une ferme biologique du Bundjalung en Australie, dirigée par deux sœurs, Julia et Anastasia Vanderbyl. «Un canard endormi sous un chapeau de soleil à fleurs de capucine, faisant une sieste au milieu du jardin de menthe», écrivent-ils sur Instagram. "Ce petit est de notre dernier lot de canards Call qui ont éclos il y a deux jours!" Les sœurs Vanderbyl ont nommé la nasturtium, désormais célèbre sur Internet, d'après la fleur qu'elle porte dans la vidéo.

La capucine n'est pas le seul canard de la ferme. Il abrite une foule de mignonnes jaunes moelleuses qui aiment jouer dans le jardin de menthe. Dans une autre vidéo, Capucine et son petit canard, appelé Mint, sont capturés tous deux portant de jolis chapeaux de fleurs.

Regardez la vidéo de Nasturtium ci-dessous et faites défiler vers le bas pour un contenu de poussin plus adorable de la ferme Mother The Mountain.

Besoin de remonter le moral? Regardez cette vidéo d'un bébé canard qui s'endort avec une fleur sur la tête.

L'adorable canard a même inspiré un fan art!

La vidéo originale a été publiée par Mother The Mountain Farm en Australie.

Voici plus de contenu de canard adorable de la ferme.

Mother The Mountain Farm: Facebook | Instagram | Youtube
h / t: (point quotidien)

Toutes les images via Mother The Mountain Farm.

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Le robot japonais «Gundam» de 60 pieds de haut peut maintenant marcher, s'agenouiller et tourner la tête

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Le robot japonais RX-78-2 Gundam peut bouger

Photo: Photos de Unique Shutter / Shutterstock

Plus tôt cette année, nous avons présenté le gigantesque robot japonais RX-78-2 Gundam qui subit actuellement une série de tests de mouvement à l'usine Gundam de Yokohama, juste au sud de Tokyo. En juillet, les ingénieurs ont publié une vidéo montrant comment le droïde de 60 pieds de haut était capable de soulever et d'abaisser ses énormes jambes mécaniques. Aujourd'hui, environ huit semaines plus tard, de nouvelles vidéos ont fait surface et montrent comment les mouvements de Gundam ont progressé. La merveille mécanique de 55 500 livres peut maintenant marcher, s'agenouiller, tourner la tête et même pointer vers le ciel.

L'impressionnant robot est basé sur le personnage populaire de Gundam qui a fait ses débuts dans les séries animées de Yoshiyuki Tomino et Sunrise, Combinaison mobile Gundam, en 1979. Gundam Factory Yokohama travaille sur le robot depuis janvier 2020 et espérait le terminer en même temps que l'ouverture du parc d'attractions Gundam Factory, prévue pour octobre 2020. Cependant, en raison de la pandémie actuelle de COVID-19 , l'ouverture a été retardée indéfiniment et le robot RX-78 Gundam restera au port de Yokohama pendant environ un an.

Malgré le revers, il semble que les ingénieurs sont sur la bonne voie pour terminer le projet. Les vidéos – capturées par des habitants du quartier de la baie de Yokohama – montrent le Gundam grandeur nature se déplaçant lentement et délibérément. Dans une vidéo en particulier, il a été vu bouger son bras vers le haut avant de pointer un doigt vers le ciel – chacune de ses mains de 6,5 pieds de long pèse à elle seule 1 300 livres! Dans un autre clip, l'énorme échelle du robot peut vraiment être comprise. Les ingénieurs apparemment minuscules peuvent être vus à côté de l'immense robot alors qu'il tourne la tête pour les regarder.

Découvrez les vidéos fascinantes du robot RX-78-2 Gundam ci-dessous.

Le gigantesque robot japonais RX-78-2 Gundam subit actuellement une série de tests de mouvement à l'usine Gundam de Yokohama.

De nouvelles vidéos montrent comment le droïde de 60 pieds de haut peut désormais marcher, s'agenouiller, tourner la tête et même pointer vers le ciel.

Usine Gundam Yokohama: Site Web | Twitter

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Une «lune bleue» rare sera visible dans le monde entier à l'Halloween

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Blue Moon en 2015

Lune bleue au-dessus de la Virginie en 2015 (Photo: NASA / Joel Kowsky)

Les amateurs d'astronomie ont un régal spécial en réserve pour Halloween. Une lune bleue rare sera visible dans tous les fuseaux horaires pour la première fois depuis 1944. Mais, si vous avez l'espoir de voir la lune réellement teintée de bleu, vous devrez attendre un autre moment – une lune bleue n'a rien à voir avec la couleur.

Il existe deux types de lunes bleues. Le premier fait référence à la deuxième pleine lune d'un mois civil. L'autre type est une lune bleue saisonnière, qui est la troisième des quatre pleines lunes d'une saison. Parfois, une lune bleue peut être à la fois mensuelle et saisonnière, mais c'est très rare. En fait, cela n'arrivera pas avant 2048.

La lune bleue que le monde regardera le 31 octobre est la variété mensuelle. Cette deuxième pleine lune d'octobre intervient après la première pleine lune du 1er octobre. Alors que la dernière lune bleue mensuelle s'est produite le 31 mars 2018, la version de cette année est encore plus rare, ce qui est dû à l'étendue de sa visibilité. La lune bleue d'Halloween sera pleinement exposée, peu importe où vous vivez sur Terre, ce qui ne se reproduira pas avant 19 ans!

Photo de médecin de la lune teintée de bleu

Image améliorée pour rendre la lune bleue. (Photo: Stock Photos de kdshutterman / Shutterstock)

Bien que vous puissiez finir par voir des photos de lunes aux teintes bleues en ligne après l'événement, ne vous laissez pas berner. Ce sont des images trafiquées qui ont été bleuies par des filtres ou Photoshop. La couleur des lunes bleues n'est pas différente de celle d'une pleine lune ordinaire. Les lunes peuvent parfois être bleues, mais pour une raison différente. Certains changements des conditions atmosphériques peuvent libérer des particules dans l'atmosphère qui diffusent la lumière rouge, provoquant l'apparition de bleu. Cela peut se produire après une éruption volcanique ou un incendie.

Mais même si la lune bleue n'est pas bleue, cela ne signifie pas qu'elle ne vaut pas la peine d'être recherchée. Et en regardant le ciel, vous pouvez vous émerveiller du fait que partout sur Terre, les gens voient la même lune bleue.

h / t: (Unilad)

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Les lettres des enfants incitent LEGO à rendre ses produits plus durables

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Emballage LEGO durable

Avec les reculs croissants dus au changement climatique, les gens s'inquiètent de plus en plus de l'état de l'environnement et de notre impact individuel direct sur celui-ci. Heureusement, une entreprise géante s'est engagée à apporter de grands changements par petites étapes au cours des deux prochaines années. Le PDG du groupe LEGO, Niels B. Christiansen, a déclaré dans un communiqué: «Nous avons reçu de nombreuses lettres d'enfants au sujet de l'environnement nous demandant de retirer les emballages en plastique à usage unique. Nous explorons des alternatives depuis un certain temps et la passion et les idées des enfants nous ont incités à commencer à opérer le changement.

Le groupe LEGO – qui est bien connu pour ses jouets de construction en plastique emblématiques – est maintenant confronté aux réalités du rôle du plastique dans les préoccupations environnementales mondiales. Depuis la création de l’entreprise en 1949, on estime que LEGO a produit en masse environ 440 milliards de pièces et pièces en plastique. Et selon une étude récente publiée dans Environmental Pollution, ces petites briques en plastique colorées pourraient persister dans l'environnement de 100 à 1 300 ans.

Cette nouvelle n’a pas échappé à l’attention des jeunes qui cherchent des moyens de lutter contre le changement climatique en contactant leurs entreprises préférées pour les interroger sur leurs pratiques en matière de développement durable. Au cours des derniers mois, LEGO a reçu des lettres d’enfants détaillant leurs préoccupations concernant les produits et l’emballage de la société. Valorisant les voix d'une grande partie de sa clientèle, l'énorme gourou du jouet s'engage maintenant dans une refonte de la durabilité de 400 millions de dollars pour les trois prochaines années.

LEGO aura un nouvel emballage recyclable

L'un des objectifs les plus ambitieux de l'entreprise est de transformer tous ses produits en des matériaux plus durables d'ici 2030. Cela inclut tous les emballages rendus durables d'ici la fin de 2025 et ses opérations de fabrication pour devenir véritablement neutres en carbone d'ici la fin de 2022. «Nous ne pouvons pas perdre de vue les défis fondamentaux auxquels sont confrontées les générations futures », admet Christiansen. «Il est essentiel que nous prenions des mesures urgentes dès maintenant pour prendre soin de la planète et des générations futures.»

Entre-temps, LEGO prévoit de remplacer les sacs en plastique contenant les pièces de jouets par des sacs en papier. Les sacs seront recyclables et fabriqués avec du papier certifié par le Forest Stewardship Council. Certains de ces changements de LEGO ont été directement influencés par les lettres des enfants eux-mêmes. Comme le fait remarquer Hannah, huit ans, du Royaume-Uni: «J'ai trouvé un peu ridicule que le kit de sauvetage en mer Lego Friends soit livré dans des sacs en plastique qui nuisent à nos belles créatures marines. Une autre lettre d'un enfant résonne: «J'ai une plainte au sujet de votre emballage. Je trouve inutile d'utiliser autant de plastique et j'aimerais que vous utilisiez à la place une substance respectueuse de l'environnement. Veuillez changer votre emballage en plastique. »

Bien que le processus prenne du temps, les actions immédiates de LEGO donnent espoir et validité aux jeunes voix qui s'engagent à s'engager dans des pratiques de durabilité et à construire leur avenir.

Des enfants ont écrit des lettres à LEGO, demandant à l'entreprise de jouets en plastique de se pencher sur ses pratiques de développement durable.

Lettre d'un enfant à LEGO sur la durabilité

Maintenant, LEGO répond avec un grand plan pour éliminer complètement les emballages en plastique et les remplacer par du papier (un matériau beaucoup plus durable) dans les cinq prochaines années.

Emballage LEGO durable

Le PDG du groupe LEGO, Niels B. Christiansen, déclare: «Il est essentiel que nous prenions des mesures urgentes dès maintenant pour prendre soin de la planète et des générations futures.»

LEGO aura un nouvel emballage recyclableLEGO: Site Web | Instagram
h / t: (IFLScience)

Toutes les images via IKEA.

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10 cadeaux parfaits pour tous les couples à apprécier ensemble

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Cadeaux pour les couples

Acheter une personne est déjà assez difficile, mais acheter une paire peut être deux fois plus difficile. Qu'il s'agisse d'un anniversaire, d'un anniversaire ou de Noël, il y a de nombreuses occasions où vous devrez peut-être acheter deux. Donc, pour faciliter ces événements, My Modern Met Store a organisé une collection spéciale de cadeaux que les couples adoreront à coup sûr.

Parfois, il est agréable de recevoir un cadeau que vous n’achetez pas pour vous-même. Si vous sentez que votre instinct vous tire de cette façon, gardez votre esprit ouvert aux cadeaux amusants et fantaisistes que vos amis en couple apprécieront. le Disparaître La tasse Constellation, par exemple, révèle l'image d'un ciel étoilé lorsqu'elle est remplie d'une boisson chaude. Donnez à chaque moitié que vous achetez l'une de ces tasses sympas pour qu'elles puissent observer les étoiles ensemble. Ou, si les destinataires sont fans d'histoires réconfortantes, pensez à les surprendre avec un beau livre qui en regorge. Écrit par les fondateurs de My Modern Met Eugene Kim et Alice Yoo, Par amour est «dédié aux gens ordinaires qui font des choses extraordinaires».

Une autre excellente façon de magasiner pour les duos est de trouver une activité qu'ils peuvent faire ensemble. Les concepteurs de puzzles basés à Vancouver chez Four Point Puzzles créent de superbes défis de 1000 pièces qui sont aussi amusants à relever qu'ils frappent dans un cadre. Leur Moon Puzzle phare est basé sur l'image la plus claire de la lune à ce jour et l'un des articles les plus populaires de notre magasin. De même, le Earth Puzzle célèbre la beauté spectaculaire de notre planète dans le même grand format circulaire.

Faites défiler vers le bas pour voir certains de nos cadeaux préférés pour les couples, et dirigez-vous vers My Modern Met Store pour acheter toute la collection.

Shopping pour un couple? Ces cadeaux sont parfaits pour les paires!

Puzzle de lune à quatre points

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Puzzles à quatre points | 25 $

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Ensemble-cadeau de chaussettes d'artistes modernes

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Ensemble de chaussettes d'artiste par Many Mornings

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Plusieurs matins | 33 $

Serre-livres Supergal

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Artori Design | 27,50 $

Livre et héros Serre-livres de super-héros

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Modèles de papier Frank Lloyd Wright

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Enquête My Modern Met Reader: Participez pour gagner une carte-cadeau pour My Modern Met Store

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Mon enquête sur la rencontre moderne

Photo: Photos de Dean Drobot / Shutterstock

Ici, à My Modern Met, nous faisons de notre mieux pour fournir un contenu enrichissant à notre communauté créative de lecteurs. Dans le but de mieux comprendre notre public et d'améliorer votre expérience en tant que lecteur, nous avons élaboré un sondage de 10 à 15 minutes. Cela nous aidera à mieux vous servir à l'avenir.

En prime, nous offrons un total de 300 $ en cartes-cadeaux pour My Modern Met Store. Toute personne qui répondra au sondage courra la chance de gagner l'une des trois cartes-cadeaux de 100 $ pour My Modern Met Store. Le dernier jour pour remplir le sondage sera le 5 octobre 2020. Il sera officiellement fermé dans deux semaines (le 6 octobre), lorsque nous sélectionnerons un heureux gagnant au hasard, via Random.org.

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Des parents partagent des photos de leurs filles habillées en Ruth Bader Ginsburg pour honorer son héritage

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Il existe de nombreuses façons de célébrer l'héritage de la juge de la Cour suprême Ruth Bader Ginsburg. Une façon dont Internet rend hommage à cette femme incroyable est de se déguiser, en quelque sorte. Les parents partagent des photos de leurs filles habillées comme le Notorious R.B.G. pour les événements scolaires et les vacances. Les jolies photos accompagnent des messages qui soulignent l'impact qu'elle a eu sur les jeunes filles avec tout leur avenir devant elles.

Les filles considèrent Ginsburg comme un super-héros. Selon plusieurs des tweets partagés, ces enfants ont choisi de se déguiser en elle pendant les «jours des héros» à l'école ou pour des présentations sur une personne qu'ils admiraient. «Quand ma fille était en 2e année, ils ont dû suivre un programme de musée de cire,» une femme a expliqué. «Chaque enfant devait se déguiser en quelqu'un qu'il admirait et faire un bref discours sur cette personne. Ma douce enfant déguisée en Ruth Bader Ginsburg. Un autre tweet de Jessica Zeaske mettait en vedette un groupe de jeunes filles toutes habillées en Ginsburg. «Nous avons regardé nos filles se débarrasser de leurs cols pour leurs robes de justice et leur pouvoir posé,» elle a écrit, "Et nous savions que rien ne pouvait les arrêter."

Faites défiler vers le bas pour voir certains des costumes et entendre parler de l'impact de Ginsburg.

Les parents célèbrent l'héritage de Ruth Bader Ginsburg en partageant des photos de leurs filles habillées en juge de la Cour suprême.

h / t: (Panda ennuyé)

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Des archéologues découvrent des dizaines de cercueils vieux de 2500 ans en Égypte

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Pyramide à degrés de Djoser à Saqqarah

Photo: Photos de Linda Harms / Shutterstock

Les archéologues égyptiens ont mis au jour un autre trésor d'anciens cercueils, cette fois près de l'emblématique pyramide à degrés de Djoser à Saqqarah. Ce site a servi de nécropole à Memphis, l'ancienne capitale de l'Égypte, et possède certains des plus anciens bâtiments en pierre de l'histoire. Après avoir découvert un puits funéraire menant à une tombe, ils ont pu récupérer 27 cercueils bien conservés.

Les sarcophages non ouverts auraient été enterrés il y a 2500 ans. Initialement, les archéologues ont trouvé 13 cercueils dans un puits de 36 pieds de profondeur plus tôt en septembre. Puis, la semaine dernière, ils en ont découvert 14 supplémentaires dans un autre puits. Neveine el-Arif, porte-parole du ministère du Tourisme et des Antiquités, a annoncé que les archéologues travaillent toujours à la découverte des origines des cercueils et que d'autres seront révélés au fur et à mesure que le mystère sera élucidé.

Selon le ministère du Tourisme et des Antiquités, les premières études montrent que les cercueils n'ont jamais été ouverts. Ils sont également convaincus que davantage de cercueils seront récupérés sur les côtés des puits. Les images initiales et les séquences vidéo montrent à quel point la découverte est spectaculaire. Les cercueils conservent encore une bonne partie de leurs décorations peintes et sont ornés de hiéroglyphes.

Ce n'est que la dernière découverte passionnante qui s'est produite ces dernières années. En 2019, 30 cercueils ont été découverts au cimetière de Louxor au cimetière d'El-Assasif. Chacun contenait une momie bien conservée et maintenant ces artefacts incroyables ont été transférés au Grand Musée égyptien. Actuellement en construction, le musée abritera une myriade d'artefacts et est situé à proximité de la Grande Pyramide.

Saqqarah a également révélé d'autres découvertes importantes ces derniers temps. Cela ne devrait pas surprendre étant donné l'importance pour les Égyptiens au cours des 3000 ans où il a été utilisé comme lieu de sépulture. En 2019, les archéologues ont trouvé sur place une tombe vieille de 4000 ans parfaitement conservée. On pense qu'ils ont été créés pendant la cinquième dynastie, les murs ont conservé leur couleur vibrante.

À chaque annonce passionnante, nous nous rapprochons pour en apprendre davantage sur les anciens Égyptiens et leur culture. Il ne fait aucun doute que d'autres révélations sont à venir étant donné le nombre de découvertes en cours.

Regardez ces vidéos pour voir les anciens cercueils égyptiens bien conservés découverts à Saqqarah.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=nyUeNiSYcBI (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=-wHUvzd6IXA (/ incorporer)

Ministère égyptien des antiquités: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (ABC News, Unilad)

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La statue «Fearless Girl» de New York porte un col en dentelle blanche pour honorer la regrettée Ruth Bader Ginsburg

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Les États-Unis ont perdu un titan de la justice avec le décès de la juge de la Cour suprême Ruth Bader Ginsburg le vendredi 18 septembre 2020. La femme emblématique, décédée des suites d'un cancer métastatique du pancréas, était une avocate héroïque de l'égalité des sexes et symbole culturel de force et d'espoir pour les jeunes générations, ce qui lui a valu le surnom de «RBG notoire» (une pièce de théâtre sur le nom du rappeur Notorious B.I.G.). En hommage à Ginsburg, le Fille intrépide statue à l'extérieur de la Bourse de New York portait un col en dentelle pendant le week-end, rendant un hommage visuel au penchant de la Justice pour les accessoires de cou ornés.

Les célèbres colliers de Ginsburg étaient plus qu’une simple déclaration de mode. Les accessoires élaborés symbolisaient sa position de force en tant que deuxième femme à siéger à la Cour suprême des États-Unis. Les cols de Ginsburg lui ont permis de se démarquer d'une mer de robes judiciaires sombres comme une lumière brillante. "Vous savez, la robe standard est faite pour un homme parce qu'elle a une place pour montrer la chemise et la cravate", a déclaré Ginsburg dans une interview en 2009 avec Le Washington Post. "Donc Sandra Day O'Connor (la première femme juge sur le terrain) et moi avons pensé qu'il serait approprié que nous incluions dans notre robe quelque chose de typique d'une femme."

Ginsburg avait une grande collection de cols, mais sa pièce en dentelle blanche est un favori des fans. Une réplique du collier a été placée sur le Fille intrépide statue dans le cadre de un avertissement par State Street Global Advisors, la société de gestion d'actifs qui a initialement commandé la statue. L'annonce a été présentée dans l'édition du dimanche de Le New York Times, montrant la statue portant le col en dentelle inspiré de Ginsburg, avec les mots «Voici l'original».

le Fille intrépide La statue a été installée pour la première fois dans le Lower Manhattan lors de la Journée internationale de la femme en 2017, face à la statue de taureau emblématique de Wall Street (qui a ensuite déménagé à l'extérieur de la Bourse de New York). La sculpture en bronze témoigne de l’engagement de State Street Global Advisors à inclure plus de femmes dans les conseils d’administration des entreprises. «Ce que cette fille représente, c'est le présent, mais aussi l'avenir», a déclaré Stephen Tisdalle, directeur du marketing de State Street. «Elle n’est pas fâchée contre le taureau – elle est confiante, elle sait de quoi elle est capable et elle veut que le taureau en prenne note.» L’ajout du col en dentelle à la statue est une façon de rendre hommage à la vie et à l’héritage du juge Ginsburg et de souligner le travail considérable qu’elle a accompli pour améliorer les droits des femmes.

En hommage à feu la juge Ruth Bader Ginsburg, le Fille intrépide statue à l'extérieur de la Bourse de New York portait un col en dentelle pendant le week-end.

'Fearless Girl' enfile un col en dentelle en hommage à Ruth Bader Ginsburg de r / pics

Quelqu'un a ajouté un collier à la statue de Fearless Girl à New York. Célèbre. de r / pics

Le collier a été placé sur le Fille intrépide statue dans le cadre d'une publicité par State Street Global Advisors.

h / t: (Reddit)

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Le Met Museum célèbre son 150e anniversaire en réinventant le jouet «Dunny» de Kidrobot

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Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Pour célébrer le 150e anniversaire du Metropolitan Museum of Art, le Met Store a collaboré avec Kidrobot pour publier une collection en édition limitée de figurines Dunny inspirées de la collection permanente de l'institution.

Si vous n'êtes pas familier avec Dunnys, ce sont des jouets d'art en vinyle de collection créés à l'origine par l'entrepreneur Paul Budnitz et l'artiste Tristan Eaton, et ils ont été produits par Kidrobot depuis 2004. Dans le passé, les personnages mignons avec des oreilles de lapin ont présenté les œuvres d'artistes graffeurs et contemporains révolutionnaires ainsi que d'illustrateurs. Cette nouvelle série adopte cependant une approche plus classique. le Kidrobot x Le Met Dunny La collection met en valeur des artistes emblématiques de l'histoire tels que Vincent van Gogh, Piet Mondrian, Katsushika Hokusai, etc.

Doté de graphismes imprimés intégralement, chaque «Masterpiece Dunny» porte des peintures célèbres comme l'art corporel. Il existe quelques modèles de huit pouces: un avec celui de Van Gogh Iris; un autre mettant en vedette Louis Comfort Tiffany Magnolias et iris; et un troisième avec la célèbre gravure sur bois de Hokusai, La grande vague. En outre, la collection comprend des modèles plus petits de trois pouces, y compris un Dunny inspiré de Mondrian qui présente le célèbre tableau de l'artiste de 1921, Composition. Il existe également deux autres pièces maîtresses de Dunnys, dont une inspirée d'un ancien navire grec de la collection The Met.

«Le partenariat entre Kidrobot et le Metropolitan Museum of Art reconnaît le 150e anniversaire de notre fondation d'une manière audacieuse et colorée», déclare The Met Store. «(The) Dunny (s) offre une nouvelle perspective inspirante sur le Met et notre collection, chaque achat soutenant la collection, l'étude, la conservation et la présentation de 5 000 ans d'art, ainsi que des programmes éducatifs essentiels.»

Vous pouvez trouver le plein The Kidrobot x Le Met Dunny collection sur le Met Store et le magasin Kidrobot.

Le Met Store a récemment collaboré avec Kidrobot pour publier une collection en édition limitée de personnages Dunny inspirée de la collection permanente du musée.

Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Inspiré de la «grande vague» de Hokusai

La série célèbre le 150e anniversaire du Metropolitan Museum of Art.

Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Inspiré des «Iris» de Van Gogh

Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Inspiré par Piet Mondrian

Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Inspiré d'un navire grec

Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Inspiré d'une broderie chinoise du 17-18ème siècle

Collection Kidrobot Dunny du Met Store

Inspiré des «Magnolias et iris» de Louis C. Tiffany

Kidrobot: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter
The Met Store: Site Web | Facebook | Instagram | Pinterest
h / t: (Hypebeast)

Toutes les images via The Met Store / Kidrobot.

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Des enfants ougandais inspirants montrent leurs incroyables talents de danse dans des routines chorégraphiées

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Masaka Kids Africana Dancing

La danse apporte de la joie à la fois à ceux qui la jouent et aux spectateurs. Pour preuve, ne cherchez pas plus loin que les vidéos produites par Masaka Kids Africana, une organisation qui se consacre à soutenir les enfants dans «l'éducation et le bien-être social, à travers leurs talents». La troupe est composée d'enfants (âgés de deux ans et plus) de l'Ouganda. Ils sont tous des danseurs incroyables et montrent leurs mouvements impressionnants dans des routines charmantes sur des airs africains.

Les vidéos musicales fascinantes incorporent les talents de danseurs des enfants avec des costumes, des accessoires et un aperçu de la culture de leur village de Kayirikiti à Nyendo. L'énergie contagieuse des danseurs et la joie qu'ils ressentent sont également poignantes une fois que vous apprenez l'histoire derrière Masaka Kids Africana. L'organisation parraine des enfants qui ont perdu l'un de leurs parents ou les deux dans des circonstances dévastatrices, notamment la guerre, l'extrême pauvreté et la maladie. «Malgré la tragédie qui a gâché leur jeune vie», explique Masaka Kids Africana, «les enfants sont radieux d'espoir, doués en musique et merveilleusement divertissants.» Cela leur permet de voir leur propre potentiel et de rêver pour leur avenir.

Faites défiler vers le bas pour regarder plus de vidéos de ces enfants dansant. Pour en savoir plus sur l'organisation, y compris sur la manière dont vous pouvez offrir votre soutien, visitez le site Web de Masaka Kids Africana.

L'organisation Masaka Kids Africana crée des vidéos étonnantes d'enfants dansant.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=dXUSAHTazxI (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=_ynkzpwUEMQ (/ incorporer)

Les enfants vivent en Ouganda et font partie de la Masaka Kids Africana parce que la tragédie a frappé leur vie et ils ont perdu un ou les deux parents.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=IkOlwbjUofI (/ incorporer)

«Malgré la tragédie qui a gâché leur jeune vie», explique Masaka Kids Africana, «les enfants sont radieux d'espoir, doués en musique et merveilleusement divertissants.»

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=UJVzDiPK8_8 (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=fWFRpsE5vZI (/ incorporer)

Masaka Kids Africana: Site Web | YouTube | Facebook | Instagram

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Cette auberge japonaise propose des soirées pyjama avec des chats pour encourager l'adoption

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Un chat résidant à My Cat Yaguwara au Japon

Si vous vous êtes surpris à imaginer une vie avec un chat, mais que vous n'avez pas eu le courage de vous engager auprès d'un colocataire inconnu, il existe une auberge située au Japon qui pourrait être le terrain d'essai idéal pour vous. Située dans la ville thermale de Yugawara, dans la préfecture de Kanagawa au Japon, My Cat Yugawara est une auberge qui séduit ses visiteurs avec une proposition câline: une soirée pyjama «d'essai» avec un félin câlin.

Les auberges japonaises traditionnelles connues sous le nom de «ryokans» sont surtout reconnaissables à leurs designs et à leur mobilier minimalistes, ainsi qu'à leurs bains communs et à leurs services personnalisés. Ce ryokan particulier a l'avantage supplémentaire de l'invité de nuit se terminant potentiellement par la possession d'un animal de compagnie. Le propriétaire de My Cat Yugawara, Akihiro Ochi, a vu une opportunité d'aider ceux qui recherchaient des compagnons de chat, mais aux prises avec des incertitudes en raison de diverses conditions de vie. Le propriétaire voulait offrir aux espoirs un essai sûr de la possession d'un animal. Les «packages d'essai» sont attachés au prix d'une réservation de chambre normale. Les tarifs de l'auberge sont modestes, mais les prix varient en fonction de la taille de la chambre. Certaines chambres peuvent accueillir jusqu'à cinq personnes, de sorte qu'une famille entière peut vivre une journée dans la vie de propriétaire d'un animal.

Ceux qui recherchent les forfaits doivent d'abord passer du temps dans le café pour chats de l'établissement, où le personnel peut évaluer à quel point ils sont à l'aise avec ses résidents félins. Ochi commente: «Nous, le personnel, connaissons la personnalité de chaque« enfant »chat que nous avons en raison de notre proximité. Les chats sont intelligents, sympathiques, obéissants et calmes. Le propriétaire explique également que cette soirée pyjama spéciale est un projet passionnel. «Nous n'agissons pas dans un but lucratif», admet Ochi. «Une grande partie de nos revenus est consacrée à l'entretien de l'établissement, notamment à nourrir les chats et à maintenir leur santé.»

Les résidents du My Cat Yaguwara Inn

Les invités (appelés «parents d'accueil») devront accepter les règles de l'auberge pour être un colocataire hospitalier et un soignant. Après cela, un chat arrivera dans la chambre à 17h30 et restera jusqu'à 9h00 le lendemain matin. Pendant ce temps, les invités ne sont pas autorisés à laisser le chat sans surveillance. C'est pour les encourager à créer des liens avec un visiteur félin via l'alimentation, le nettoyage de la litière et le jeu.

Si les invités apprécient leur soirée pyjama, ils peuvent passer à la phase suivante: ils doivent remplir une demande d'adoption suivie d'un entretien. Cette dernière étape permet au personnel de déterminer si l'invité et le chat sont parfaitement adaptés l'un à l'autre. Une fois adoptés, les chats sont alors appelés «diplômés» et sont célébrés à leur départ. Cette nouvelle approche de l'adoption d'animaux de compagnie et des relations félines entre chats est certaine de fournir des histoires mémorables et des ajouts bien accueillis aux familles.

Le My Cat Yagawara Inn situé au Japon offre à ses clients la possibilité de passer une soirée pyjama avec l'un des chats de l'auberge.

Il y a des chambres désignées pour les soirées pyjama, mais certaines chambres offrent suffisamment d'espace pour que toute une famille puisse aimer créer des liens avec un chat.

L'auberge japonaise est un moyen charmant pour les propriétaires d'animaux d'espoir de faire connaissance avec un futur colocataire potentiel.

Mur de chats à l'auberge My Cat Yugawara

Voici des photos de certains des résidents flous de l'auberge.

Un chat résidant à My Cat Yaguwara au JaponUn chat résidant au My Cat Yaguwara Inn

Ces félins amicaux sont prêts à se câliner, à jouer et à s'allonger.

Chats prêts pour une soirée pyjama au My Cat Yugawara InnRésidents de My Cat Yaguwara au JaponChats prêts pour une soirée pyjama au My Cat Yugawara Inn

Surtout, ils sont prêts à «passer» à la vie avec leur nouvelle famille pour toujours!

Diplômé de My Cat Yugawara

Voici une vidéo montrant plus de la vie à My Cat Yugawara et ses résidents minets:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=ogvJb8w3KvM (/ embarqué)

My Cat Yugawara: Site Web | Twitter | Youtube
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via My Cat Yugawara.

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RIP Ruth Bader Ginsburg: les gens partagent des hommages au juge pionnier de la Cour suprême

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Le vendredi 18 septembre 2020, la juge de la Cour suprême Ruth Bader Ginsburg est décédée à l'âge de 87 ans en raison de complications d'un cancer métastatique du pancréas. La mort marque la perte de la deuxième femme jamais confirmée à la Cour suprême et d'une pionnière qui a défendu les droits des femmes. Au cours de ses dernières années, elle est devenue une icône culturelle pour les jeunes générations, revêtant des «colliers dissidents» populaires tout en gagnant le surnom de «Notorious R.G.B.» (une pièce de théâtre sur le nom du regretté rappeur Notorious B.I.G.).

Ginsburg laisse un héritage qui a commencé bien avant de prendre la magistrature de la plus haute cour des États-Unis.Avant de rejoindre la Cour suprême en 1993 (à 60 ans), elle était une avocate qui a plaidé des affaires devant elle ainsi que d'autres tribunaux fédéraux. . Grâce à son travail sur les affaires d'égalité de protection des sexes, la Cour suprême a finalement conclu que le 14e amendement était garanti pour les hommes et les femmes. En tant que juge Ginsburg à la Cour suprême, elle a poursuivi son travail en écrivant une opinion majoritaire importante pour les États-Unis contre la Virginie dans laquelle la politique d'admission entièrement masculine du Virginia Military Institute, financé par l'État, était jugée inconstitutionnelle. Ce n'est là que l'une des célèbres opinions écrites pendant son mandat à la Cour suprême; Apprenez-en davantage sur ses décisions notables et ses dissensions dans cet article éclairant.

Alors que les gens pleurent son décès, les artistes ont partagé leurs représentations de Ginsburg – y compris ses célèbres citations – sur les réseaux sociaux. Faites défiler vers le bas pour voir certains des hommages les plus beaux et les plus créatifs qui lui ont été rendus.

Les gens pleurent le décès de la juge de la Cour suprême Ruth Bader Ginsburg avec un art hommage représentant son portrait et des citations notables.

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L'hilarant «Schitt’s Creek» vient de faire l'histoire des Emmys en étant la comédie la plus gagnante

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À l'instar des autres remises de prix de l'ère pandémique, les Emmy Awards 2020 étaient différents cette année. La 72e tranche de la cérémonie a eu lieu à distance, et les nominés ont été habillés à neuf dans leurs emplacements respectifs et séparés. Les acteurs et les membres de l’équipe nominés de Schitt’s Creek ont ​​cependant décidé de célébrer ensemble à Toronto, après avoir tous été testés négatifs pour le virus. Et c’est une bonne chose qu’ils ont faite: la comédie bien-aimée a établi un record du plus grand nombre de victoires en une seule saison. En plus de ses neuf prix historiques, c'était aussi la première fois qu'une comédie balayait toutes les quatre grandes catégories d'acteurs en une saison.

La sitcom a commencé à être diffusée en 2015 sur les stations de télévision au Canada avant de se rendre sur Netflix en 2017, où elle a ensuite gagné en popularité. L'émission a remporté ses premières nominations aux Emmy l'année dernière (quatre au total) mais n'en a remporté aucune. Cette année, il semble qu'ils ont rattrapé le temps perdu en enregistrant victoire après victoire. Catherine O’Hara a commencé la soirée avec son premier Emmy pour le rôle principal de Moira Rose. «Je serai à jamais reconnaissante à Eugene et Daniel Levy pour l'opportunité de jouer une femme d'un certain âge – mon âge – qui devient pleinement son moi ridicule», a-t-elle déclaré lors de son discours d'acceptation. Faisant écho à cette gratitude dans son discours, Daniel Levy, qui joue David, a remporté le prix du meilleur acteur de soutien. «Cela a été la plus grande expérience de ma vie», a-t-il déclaré. «C'est complètement écrasant.»

Les comptes de médias sociaux de Schitt’s Creek ont ​​détaillé la soirée, y compris le tapis rouge qu'ils ont mis en place pour que les acteurs puissent montrer leurs tenues et se sentir comme s'ils étaient à la cérémonie de remise des prix. Faites défiler vers le bas pour voir des moments de cette période joyeuse.

La sitcom canadienne Schitt's Creek a eu une soirée historique aux Emmy Awards 2020. Ils ont établi un record du plus grand nombre de victoires en une seule saison.

En plus de ses neuf victoires historiques, c'était aussi la première fois qu'une comédie balayait toutes les quatre grandes catégories d'acteurs en une saison.

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Studio Ghibli publie gratuitement 400 images fixes de ses films emblématiques

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Studio Ghibli Release 400 Images fixes à télécharger gratuitement

"Enlevée comme par enchantement"

De la sortie de ses films sur Netflix à l'offre d'arrière-plans Zoom gratuits, le célèbre Studio Ghibli a commencé à s'ouvrir récemment, donnant aux fans encore plus d'accès à son monde fantaisiste. Le studio d'animation n'a pas encore fini de distribuer des cadeaux. Plus tôt ce mois-ci, Ghibli a aimablement publié des centaines d'images fixes de ses films au public, sans frais.

Les fans de Ghibli peuvent désormais télécharger gratuitement 400 images de huit des films du studio, dont Ponyo, Enlevée comme par enchantement, et L'histoire de Princesse Kaguya. L'archive spéciale a été publiée avec une note personnelle du producteur de Ghibli, Toshio Suzuki, qui a écrit: «Veuillez les utiliser librement dans le cadre du bon sens.»

Que vous souhaitiez les utiliser comme économiseur d'écran ou les imprimer pour décorer votre maison, la superbe collection regorge d'images colorées et inspirantes. Le simple fait de parcourir la collection en ligne est un régal – chacun donne toujours un aperçu plus détaillé de l’art artistique nécessaire à la création des incroyables animations dessinées à la main de Ghibli. La meilleure partie? Il y a aussi une promesse de nouvelles images à venir dans un proche avenir.

Découvrez quelques-unes des images des archives ci-dessous et trouvez la collection complète sur le site Web de Ghibli.

Le Studio Ghibli vient de publier au public 400 images fixes de huit de ses films, disponibles en téléchargement gratuit.

Studio Ghibli Release 400 Images fixes à télécharger gratuitement

«Quand Marnie était là»

Studio Ghibli Release 400 Images fixes à télécharger gratuitement

«L'histoire de la princesse Kaguya»

Studio Ghibli Release 400 Images fixes à télécharger gratuitement

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Studio Ghibli Release 400 Images fixes à télécharger gratuitement

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«De Up On Poppy Hill»

Studio Ghibli: Site Web

Toutes les images via Studio Ghibli.

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La version de Banksy de «Water Lillies» de Monet devrait rapporter jusqu'à 6,5 millions de dollars aux enchères

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Banksy peint aux enchères

Un autre tableau de Banksy est aux enchères et il devrait se vendre pour une somme importante. Sotheby's London a annoncé que l'insaisissable artiste de rue 2005 Montre-moi le Monet fera partie de leur vente aux enchères de la soirée d'art contemporain le 21 octobre 2020. Estimé pour atteindre entre 3 et 5 millions de livres sterling (3,9 millions de dollars à 6,5 millions de dollars), le tableau est un hommage à 1899 de Claude Monet L'étang aux nymphéas.

L'œuvre a été créée à l'origine dans le cadre de la série de pétrole brut de Banksy pour sa «galerie de chefs-d'œuvre remixés, de vandalisme et de vermine» qui a duré un peu plus d'une semaine dans une petite boutique de Londres en 2005. L'exposition présentait 22 peintures de grands maîtres réinterprétés par Banksy. Cela comprenait des pièces montrant Van Gogh's Tournesols fané et un homme en short Union Jack brisant la fenêtre chez Edward Hopper Nighthawks le dîner.

Montre-moi le Monet comprend l'étang aux nénuphars idyllique de Giverny à Monet avec quelques intrus. Des caddies d'épicerie et un cône de signalisation orange flottant dans l'eau mettent en lumière la vision dystopique de Banksy sur la société. «Dans l'une de ses peintures les plus importantes, Banksy a repris la représentation emblématique de Monet du pont japonais dans le célèbre jardin du maître impressionniste à Giverny et l'a transformée en un endroit moderne pour faire basculer les mouches», déclare Alex Branczik, responsable européen de Sotheby's Contemporary Art. «Toujours prémonitoire en tant que voix de protestation et de dissidence sociale, Banksy met ici en lumière le mépris de la société pour l’environnement en faveur des excès inutiles du consumérisme.»

Banksy Montre-moi le Monet est à l'affiche à la galerie New Bond Street de Sotheby's à Londres avant de déménager à New York et Hong Kong plus tard dans le mois. Il reviendra à Londres à temps pour la vente aux enchères du 21 octobre, qui se déroulera en direct.

Tous les yeux sont sûrs d'être sur le tableau de Banksy. En octobre dernier, son Parlement décentralisé a été mis en vente chez Sotheby's avec une estimation de pré-vente aux enchères de 2,46 millions de dollars. En fin de compte, le tableau a été vendu pour un record de 12,1 $, battant le précédent record d'enchères de Banksy de plus d'un million de dollars. Les yeux du monde de l'art regarderont certainement pour voir s'il peut reproduire ce succès.

La vente aux enchères de Sotheby's n'est pas la seule raison pour laquelle Banksy a fait l'actualité ces derniers temps. Ses efforts pour marquer son emblématique Lanceur de fleurs images a été déjouée, l'office de la propriété intellectuelle de l'Union européenne ayant déclaré sa demande invalide. En 2019, Banksy a ouvert sa boutique de produit intérieur brut, déclarant à l'époque que c'était «dans le seul but de remplir les catégories de marques sous EU. loi."

Ces mots sont revenus le hanter, car le bureau les a cités dans sa décision et a déclaré que sa demande avait été faite de mauvaise foi. Banksy aurait également dû révéler son identité, conformément à la loi sur le droit d'auteur, ce qui aurait détruit son identité anonyme soigneusement cultivée. Désormais, la société britannique de cartes de vœux qui a déménagé pour faire invalider sa demande vend des cartes de vœux basées sur Lanceur de fleurs.

Sotheby's: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (The Guardian, Hypebeast)

Toutes les images via Sotheby's.

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Les mini bonsaïs peuvent faire pousser des pommes, des coings et des grenades de grande taille

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Pommier Bonsaï

Un pommier Bonsaï. (Photo: Photos de ABHIJEET KHEDGIKAR / Shutterstock)

Saviez-vous que les petits arbres fruitiers bonsaï peuvent porter des fruits de taille normale, tout comme leurs homologues à croissance naturelle? Malgré leur petite stature, ces mini bonsaïs sont de puissants porteurs de fruits car ils proviennent des mêmes graines que les arbres ordinaires. Comme un arbre fruitier Bonsaï en pot est génétiquement identique à ceux d'un verger, le fruit produit atteint souvent la taille trouvée dans les épiceries. Les pommes, les citrons et les coings de taille normale poussent sur de minuscules branches de bonsaï dans une belle juxtaposition de tailles.

La plupart des types d'arbres peuvent devenir des bonsaïs avec des soins et des compétences appropriés. Le bonsaï est en fait une tradition japonaise de taille, de culture et de formation des arbres pour qu'ils restent miniatures. Après plusieurs années d'élagage, d'alimentation et de câblage par un jardinier, les arbres commencent à prendre la forme souhaitée. Plutôt que de ressembler à une bouture d'une plante plus grande, les feuilles rétrécissent pour paraître miniatures. Cependant, les fruits restent souvent gros. Les pommes, les citrons, les coings, les olives et les grenades atteignent une taille normale et sont comestibles. En raison de la petite taille de l'arbre, la quantité de fruits récoltés sur un bonsaï est inévitablement limitée, mais les bonsaïs sont destinés à être une forme d'art plutôt qu'une plante productive.

En tant que processus, Bonsai encourage la contemplation et la discipline. Le cultivateur doit continuellement façonner l'arbre avec des supports en fil de fer et l'élagage. Même les racines doivent être coupées périodiquement pour s'adapter à l'intérieur des petits pots classiques. Il est conseillé de se renseigner sur les bonsaïs et leur culture intensive avant d'en acheter un. Il existe de nombreux types et formes de bonsaï, chacun nécessitant des stratégies de soins différentes. Le bonsaï est un engagement de temps et d'énergie, mais les arbres peuvent vivre des centaines d'années. Le plus ancien bonsaï connu a plus de 1 000 ans.

Si vous êtes intéressé par les bonsaïs, vous pouvez explorer les nombreux cépages et en savoir plus sur leurs soins en ligne.

Les petits bonsaïs peuvent porter des fruits de taille normale car ils sont génétiquement identiques aux arbres de taille normale.

Bonsaï à la grenade

Un arbre Bonsaï de grenade. (Photo: Photos de stock de LILLIAN_GZ / Shutterstock)

La plupart des types d'arbres fruitiers peuvent devenir des bonsaïs avec une culture appropriée – cela comprend la formation et l'élagage de l'arbre.

Bonsaï Coing Chinois

Un coing chinois Bonsaï. (Photo: Photos de KHUNTAPOL / Shutterstock)

Alors que les feuilles d'un bonsaï rétrécissent pour paraître miniatures, les fruits (comme les pommes, les citrons ou les grenades) atteignent souvent leur taille maximale.

Olivier Bonsaï

Un olivier Bonsaï. (Photo: Photos de PYTRALONA / Shutterstock)

Les bonsaïs sont une forme d'art, mais pas très productifs en tant que producteurs de fruits en raison de leur taille.

Bonsaï Star Fruit

Un arbre fruitier Bonsaï. (Photo: Photos de HUY THOAI / Shutterstock)

Les soins des bonsaïs peuvent être intensifs, alors assurez-vous de vous renseigner sur les types de bonsaïs et leurs soins appropriés avant d'en acheter.

Crabe Pomme Bonsaï

Un pommier Bonsaï. (Photo: photos de WALTER PALL / Shutterstock)

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Belles éventails en soie cousus à la main à double face fabriqués par des brodeurs traditionnels en Chine rurale

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Éventails en soie chinoise brodés par House of Peach Blossoms

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L'art traditionnel de la broderie sur soie chinoise remonte à 2500 ans, mais l'artisanat se perpétue encore aujourd'hui. Pei Wen – un administrateur des arts basé à Singapour – vise à soutenir les brodeuses de la Chine rurale qui pratiquent encore l'ancien métier. Elle a fondé House of Peach Blossoms, une boutique d'art en ligne qui met en valeur les talents des femmes qui font de magnifiques fans de soie.

Doté de motifs brodés à la main et inspirés de la nature d'importance symbolique, chaque éventail capture magnifiquement la culture traditionnelle chinoise. Par exemple, le lotus représente la pureté et l'illumination parce qu'il sort de la boue comme une fleur parfaite. Chaque motif brodé double face est réalisé à l'aide de fils de soie vibrants qui scintillent et rayonnent d'un éclat irisé à la lumière.

Avec les récentes restrictions de voyage et l'accès limité à Internet dans ces communautés rurales, les artisanes peinent à vivre de leur art. Wen déclare: «En aidant à partager leur broderie chinoise sur les réseaux sociaux et en mettant en place un canal de vente en ligne, j'espère soutenir ces femmes brodeuses et préserver leur héritage.»

Faites défiler vers le bas pour voir certains des superbes fans chinois de la collection House of Peach Blossoms, et achetez le vôtre chez Etsy pour soutenir la cause de Wen.

Ces magnifiques éventails en soie double face sont cousus à la main par des artisanes de la Chine rurale.

Éventails en soie chinoise brodés par House of Peach Blossoms

Pei Wen a fondé la boutique d'art en ligne House of Peach Blossoms afin de présenter les talents de ces femmes au monde.

Éventails en soie chinoise brodés par House of Peach BlossomsÉventails en soie chinoise brodés par House of Peach BlossomsÉventails en soie chinoise brodés par House of Peach Blossoms

Chaque motif est réalisé à l'aide de fils de soie vibrants qui scintillent à la lumière.

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My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Pei Wen / House of Peach Blossoms.

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15 tapis de yoga mignons conçus par des artistes indépendants pour vous aider à vous entraîner avec style

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Fille faisant du yoga dans un endroit exotique sur un tapis de yoga mignon

Photo: Aaron Haxon
Cet article est sponsorisé par Fine Art America. Nos partenaires sont triés sur le volet par l’équipe de My Modern Met car ils représentent le meilleur en matière de design et d’innovation.

Si vous cherchez à soulager le stress et à améliorer votre qualité de vie, ainsi qu'à gagner en équilibre et en flexibilité, le yoga pourrait être l'astuce. En fait, si vous êtes déjà yogi, vous connaissez bien les bienfaits de la pratique. L'une des choses qui rend le yoga particulièrement attrayant de nos jours est qu'il peut être facilement pratiqué n'importe où et sans beaucoup d'équipement – il suffit de prendre votre tapis de yoga et de partir.

Alors pourquoi ne pas faire une déclaration spéciale et obtenir un tapis de yoga mignon qui laissera transparaître votre personnalité? Fine Art America propose une large gamme de tapis de yoga de haute qualité, conçus par des artistes indépendants. Ces tapis de yoga haut de gamme mesurent 24 pouces de largeur sur 72 pouces de hauteur et un quart de pouce d'épaisseur. Fabriqué à partir de caoutchouc naturel avec un dessus en microfibre, chaque tapis est imprimé d'une belle œuvre d'art.

Des dessins abstraits apaisants aux images vibrantes qui égayeront votre humeur, les illustrations peuvent aider à rendre votre routine de yoga encore plus satisfaisante. Particulièrement maintenant, à une époque où la plupart d'entre nous s'entraînent à domicile, ces tapis de yoga peuvent apporter une touche personnelle pour élever votre journée.

Lors de la sélection du design qui vous convient, Fine Art America vous a donné un contrôle total. Bien que la composition suggérée pour le tapis s'affiche automatiquement, vous êtes libre de retourner l'image verticalement ou horizontalement et de déplacer le motif pour le faire tomber exactement comme vous le souhaitez.

Et, comme toujours, si vous ne voyez pas quelque chose qui attire votre attention, vous pouvez télécharger votre propre image et créer un tapis de yoga personnalisé qui est uniquement le vôtre.

Voici 15 jolis tapis de yoga qui rendront votre entraînement très spécial.

Yoga Zen Mat

Linda Woods | 60 $

Tapis de yoga mignon

Jennie Marie Schell | 62 $

Tapis de yoga personnalisé

Scott Norris | 75 $

Tapis de yoga artistique

Guido Borelli | 75 $

Meilleurs tapis de yoga conçus par des artistes

Sharon Cummings | 60 $

Yoga Zen Mat

Stelios Kleanthous | 69 $

NYC Map Yoga Map

Michael Tompsett | 60 $

Tapis de yoga personnalisé

Designs Spacefrog | 60 $

Tapis de yoga artistique

Nicklas Gustafsson | 60 $

Meilleurs tapis de yoga conçus par des artistes

Hailey E Herrera | 68 $

Meilleurs tapis de yoga conçus par des artistes

Marionette Taboniar | 60 $

Tapis de yoga coloré

Olga Shvartsur | 62 $

Tapis de yoga mignon

Bess Hamiti | 70 $

Tapis de yoga personnalisé

Scott Norris | 75 $

Tapis de yoga avec des feuilles

Priska Wettstein | 74 $

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6 artistes de diorama contemporains qui créent des mondes miniatures fascinants

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Artistes de diorama

Photo: Randy Hage
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L'art miniature peut être de petite taille, mais il fait souvent une grande impression. Des artistes du monde entier ont adopté le diorama comme moyen de créer des scènes miniatures en trois dimensions à partir de bois, de papier et d'autres objets du quotidien. Des modélistes experts aux photographes imaginatifs, poursuivez votre lecture pour découvrir le travail de six artistes de diorama qui transportent les spectateurs dans de minuscules environnements d'un autre monde.

Alors, qu'est-ce qu'un diorama? Le terme «diorama» est né en 1823 en France et faisait référence à un appareil de visualisation d'images utilisé pour les spectacles de théâtre. Le mot signifie littéralement «à travers ce qui est vu», du grec «di» (à travers) et «orama» (ce qui est vu, une vue). Aujourd'hui, le diorama fait référence à un modèle tridimensionnel qui représente une scène en miniature. Ils sont souvent utilisés comme expositions éducatives dans les musées, mais de nombreux artistes contemporains créent des dioramas afin de capturer des lieux, des concepts et des idées particuliers.

Voici 6 artistes de diorama qui créent des scènes incroyablement détaillées en miniature.

Randy Hage

Art de Diorama de Randy Hage

L'artiste Randy Hage rend hommage aux bâtiments historiques de New York en les recréant en miniature. Hage s'est particulièrement intéressé aux anciennes devantures de magasins à la fin des années 90, alors qu'il photographiait de vieux bâtiments en fonte à SoHo. «Les couleurs, la patine, l'âge, le délabrement, étaient assez convaincants», dit-il à My Modern Met. «Ces façades ont une histoire à raconter et les propriétaires sont une partie importante de l’histoire de la ville. Les vitrines de New York, en particulier les anciens magasins Mom and Pop, sont plus que de simples points de vente, elles font partie intégrante de la communauté. » L'artiste de talent a pour objectif d'immortaliser ces magasins avant qu'ils ne disparaissent définitivement. Chaque modèle tridimensionnel détaillé est soigneusement fabriqué à la main à partir de bois, papier, résine, verre, plastique et métal.

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Andy Acres

Art Diorama Andy Acres

Le modéliste londonien Andy Acres (of Chimerical Reveries) crée des boîtes d'ombres détaillées qui représentent des scènes étranges. Des fermes abandonnées et des vieux greniers aux forêts et tombes remplies de brouillard, Acres invite les téléspectateurs à «regarder dans un autre monde». Chaque scène miniature et fantasmagorique est fabriquée à la main avec du bois, des vis en laiton, des plastiques et du verre. Les boîtes d'ombre encadrées sont souvent rétro-éclairées avec des lumières LED, qui peuvent être allumées et éteintes à l'aide d'une bascule antique.

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Derrick Lin

Le photographe Derrick Lin, basé à Seattle, construit des mondes miniatures à partir de fournitures de bureau quotidiennes. De minuscules figurines sont placées parmi des crayons, des trombones, des agrafes et souvent la tasse à café de l’artiste. À travers ses dioramas, Lin reflète ses propres expériences personnelles. «En plus de l'humour et de la fantaisie, j'ai commencé à porter plus d'attention aux sujets liés à la solitude, à la santé mentale et à la gentillesse», révèle-t-il. «Je m'efforce de décrire et de mettre en lumière le type de pensées que nous nous réservons généralement.»

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Mohamad Hafez

L'artiste d'origine syrienne du Connecticut, Mohamad Hafez, crée des dioramas architecturaux d'environnements urbains du Moyen-Orient à partir d'objets trouvés et de ferraille. Architecte de métier, il construit des sections transversales de rues battues qui regorgent de détails réalistes. Souvent emballé dans des valises et des cadres, chaque pièce murale est destinée à être examinée de près. Hafez espère que son travail mettra en lumière les problèmes politiques et sociaux de sa patrie déchirée par la guerre et «exposera les conflits du Moyen-Orient au monde dans une approche artistique modeste pour attirer un public contemporain plus large».

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Aleia Murawski et Sam Copeland

En adoptant une approche plus comique de l'art du diorama, Aleia Murawski et Sam Copeland, basés dans l'Illinois, créent des mondes miniatures pour les escargots. Ce ne sont cependant pas des escargots de jardin ordinaires; ils vivent une vie de luxe dans les scènes élaborées à la main du duo créatif. Les créatures visqueuses sont photographiées en train de glisser jusqu'à une limousine, se prélassant sous la lueur d'une boule disco et même volant dans des avions.

Suivez Aleia Murawski et Samuel Copeland: Site Web | Instagram

Grégory Grozos

Gregory Grozos Diorama Art

L'artiste grec Gregory Grozos donne une nouvelle vie aux bijoux anciens en enfermant des scènes miniatures dans des montres de poche et des pendentifs. Chaque bijou soigneusement composé raconte une histoire, et les minuscules figurines sont placées parmi de petites maisons, des lieux de travail et même des forêts. «Il y a quelques années, j'ai eu l'idée de créer tout un monde minuscule qu'une personne puisse porter sur elle», révèle Grozos. «J'ai alors commencé à développer des moyens de faire exactement cela. Mon travail est très minutieux et la plupart des pièces prennent des jours, voire des semaines. »

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Un photographe préserve la beauté oubliée des sites abandonnés au Royaume-Uni

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Centrale électrique abandonnée

Le photographe Matt Emmett adore explorer des lieux qui ont longtemps été ignorés. En utilisant sa prise de vue, il aide à percer les mystères cachés de ces espaces et apporte une attention renouvelée aux zones qui auraient autrement été «perdues». Et tandis que le photographe britannique a l'habitude de voyager dans les coins les plus reculés de l'Europe pour ses explorations, ces derniers temps, il trouve l'inspiration plus près de chez lui.

Un changement de carrière et le COVID-19 ont ancré ses voyages ces derniers temps, mais cela ne l'a pas rendu moins productif. Au lieu de cela, cela a forcé Emmett à regarder l'incroyable héritage qui l'entoure au Royaume-Uni. Tout aussi passionnants, ces ruines ou projets de restauration architecturale n'ont fait que nourrir sa passion pour la photographie.

«Chaque endroit a sa propre histoire, parfois les indices d'une partie de cette histoire ou de cette histoire vous attendent sur place et encore plus peuvent être découverts en lisant et en faisant des recherches en ligne. En raison de la nature de ces lieux et du fait qu'ils existent tranquillement, à l'abri de la vue du public, ces histoires sont souvent inconnues du grand public », raconte-t-il à My Modern Met. «Les huit dernières années m'ont montré qu'il y a un public enthousiaste qui aime découvrir ces endroits dans le confort de sa maison. Non seulement cela, mais je crois que nous fournissons un service important à la société en enregistrant les lieux de travail, les résidences, les hôpitaux, les sites industriels et bien d'autres avant qu'ils ne soient démolis ou réaménagés en quelque chose d'entièrement différent. Il est important de se rappeler d'où nous venons, je pense.

Actuellement, pendant son séjour à la maison, Emmett a exploré tout ce qui se trouve à une courte distance en voiture ou à vélo. Cela a conduit son art à s'ouvrir d'autres manières, alors qu'il a commencé à travailler avec des groupes patrimoniaux locaux et qu'il fait même une incursion dans la vidéo. Bien que les choses évoluent, ce qui reste le même, c'est son désir de partager sa joie de découvrir ces lieux étonnants.

Le photographe Matt Emmett est un maître du documentaire sur les ruines abandonnées.

Gare et voies abandonnéesSalle des volantsEscalier abandonnéIntérieur d'une chapelle abandonnée en décomposition

Bien qu'il voyage souvent en Europe, ces dernières années l'ont vu explorer beaucoup plus sa propre arrière-cour au Royaume-Uni.

Ruines de la cabane de pêcheForts de sable rougeRuines d'une épave de bateauDes piles de voitures abandonnées avec de la mousse qui pousse sur euxVoitures abandonnées et en décomposition

Matt Emmett: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Matt Emmett.

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Les photos à longue exposition transforment les routes d'escalade en épiques rafales arc-en-ciel à travers le paysage

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Les photos à longue exposition transforment les routes d'escalade en épiques rafales arc-en-ciel à travers le paysage

Photographie longue exposition

Fisher Towers près de Moab, Utah

Luke Rasmussen, alias PhLuke Photos, crée des arcs-en-ciel qui illuminent le désert la nuit. Avec ses incroyables compétences en photographie à longue exposition et en escalade, il produit des traînées de couleurs qui couvrent la hauteur de hautes formations. Rasmussen le fait en attachant des lumières LED à son corps, puis en laissant l'obturateur de son appareil photo ouvert. Il travaille ensuite rapidement de haut en bas sur le rocher choisi. «Je dois grimper le plus vite possible pour obtenir le bon look« fluide »que je recherche», a expliqué Rasmussen sur Reddit. L'effet résultant ressemble à une boule d'énergie qui vibre en de courtes rafales à travers le paysage.

Depuis notre dernière rencontre avec Rasmussen, il a continué à grimper et a voyagé au-delà de sa maison dans le Nevada afin de capturer d'incroyables clichés à longue exposition. Il a récemment travaillé avec la marque d'appareils photo Lumix pour une photo spectaculaire des Fisher Towers près de Moab, dans l'Utah. «Pour l'obtenir, j'ai utilisé le mode de composition Live View de Lumix qui prend une série d'expositions et les construit ensemble dans l'appareil photo pour produire une image finale», a-t-il écrit sur Instagram. «Cela supprime une grande partie des conjectures qui entrent généralement dans le réglage des paramètres pour les images à exposition longue. Et, ce soir-là, j'étais très heureux d'avoir éliminé cette hypothèse. Il s'avère que même à minuit, il fait assez chaud dans le désert en août. Et qu'il fait encore plus chaud lorsque vous enfilez un sweat-shirt avec un tas de lumières super brillantes. "

Faites défiler vers le bas pour voir plus des dernières photos de Rasmussen, et assurez-vous de consulter notre interview avec lui où il jette encore plus de lumière sur la façon dont il crée son travail.

Le photographe Luke Rasmussen escalade des rochers pour créer des images à longue exposition qui transforment le paysage en rafales d'arcs-en-ciel.

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Luke Rasmussen: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Luke Rasmussen.

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5 livres de dessin les mieux notés qui vous apprendront à esquisser la figure humaine

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Comment dessiner des personnes

Photo: Stock Photos from river34 / Shutterstock
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Pour de nombreux artistes, maîtriser la figure humaine est l'un de leurs plus grands défis. Heureusement, il existe une vaste gamme de comment dessiner des livres qui enseignent l'anatomie réaliste, la perspective et même comment aborder le rendu du corps humain en mouvement.

Avec autant de livres éducatifs disponibles, il peut être difficile de savoir lequel choisir. C'est pourquoi nous avons compilé une liste des meilleurs livres sur comment dessiner des gens. Parmi eux se trouve un best-seller sur Amazon: Le dessin de la figure pour tout ce qu'il vaut par Andrew Loomis. Il présente un style épuré et réaliste du début des années 1900 qui a inspiré de nombreux artistes, dont l'icône de la bande dessinée Alex Ross. De plus, nous avons inclus quelque chose pour ceux qui ont du mal à représenter le mouvement: Anatomie humaine classique en mouvement: le guide de l'artiste sur la dynamique du dessin de figure. Écrit et illustré par l'artiste Valerie L. Winslow, ce guide explore différents aspects du corps humain et comment tout cela fonctionne ensemble lorsqu'il est actif.

Faites défiler vers le bas pour consulter notre liste complète des cinq meilleurs livres sur la façon de dessiner la figure humaine.

Si vous avez besoin de nouvelles fournitures artistiques avant de commencer à dessiner, assurez-vous de consulter nos guides sur les meilleurs crayons à dessin, les meilleurs carnets de croquis et les meilleurs crayons de couleur.

Vous voulez apprendre à dessiner la figure humaine? Consultez notre liste des meilleurs livres de dessin!

Le dessin de la figure pour tout ce qu'il vaut par Andrew Loomis

Livres de dessin

Andrew Loomis | 28,32 $

L'artiste et auteur Andrew Loomis (1892-1959) était un illustrateur et concepteur publicitaire de premier plan au début du XXe siècle. Maître de la figure humaine, son livre met l'accent sur un style expressif et intemporel. Art Sketch dit: «Tenir ce livre, c'est comme tenir une capsule temporelle, magnifiquement conservée dans l'esprit pour la prochaine récolte d'artistes futurs dans les générations à venir.»

Anatomie humaine classique en mouvement: le guide de l'artiste sur la dynamique du dessin de figure par Valerie L. Winslow

Livres de dessin

Valerie L. Winslow | 39,87 $

Le livre pédagogique de Valerie L. Winslow se concentre sur la dynamique de la forme humaine. À l'intérieur se trouvent des centaines d'études de dessin de la vie accompagnées de mots de Winslow, ainsi que des graphiques et des diagrammes qui illustrent l'anatomie et ses composants structurels. C'est le guide idéal pour tous ceux qui souhaitent apprendre à dessiner des gens dans un style classique.

Dessiner la tête et la figure: un manuel pratique qui facilite le dessin par Jack Hamm

Livres de dessin

Jack Hamm | 17 $

Dessiner la tête et la figure par l'auteur à succès Jack Hamm fournit des instructions faciles à suivre qui vous aideront rapidement à vous familiariser avec le dessin de portraits ainsi que le corps humain. Il comporte de nombreuses illustrations dans un style américain vintage.

Le manuel de l'artiste figuratif: un guide contemporain du dessin, de la peinture et de la composition de figures par Robert Zeller

Livres de dessin

Robert Zeller | 28,35 $

Le manuel de l'artiste figuratif comprend un éventail de dessins et de peintures d'art de l'artiste Robert Zeller ainsi que près de 100 exemples de maîtres de différentes époques, comme Michel-Ange, Peter Paul Rubens, Gustav Klimt, Edward Hopper et Andrew Loomis.

Anatomie et perspective: les principes de base du dessin de figures (Dover Art Instruction) par Charles Oliver

Livres de dessin

Charles Oliver | 12,95 $

Ce livre pédagogique de l'artiste Charles Oliver aborde l'anatomie humaine et les règles de la perspective, ainsi que les principes élémentaires du dessin et de l'utilisation de la lumière et de l'ombre. En outre, ce livre contient une section sur la façon de rendre les vêtements et les draperies.

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Le carton déchiré est repensé comme de vastes océans pour ces minuscules nageurs peints

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Peintures en carton de Golsa Golchini

L'artiste iranienne Golsa Golchini se spécialise dans l'ajout de minuscules personnes vivant dans l'océan à ses peintures. Auparavant, elle les a placés dans des traits de peinture sculpturaux, et maintenant, elle explore des médiums plus non conventionnels pour montrer ses figures fantaisistes. Admissible Eaux invisibles, La nouvelle série de Golchini réinvente des feuilles de carton comme toile de fond aquatique pour les rendus en acrylique de nageurs, baigneurs et autres amateurs de plage.

Comme son nom l'indique, cette série dépeint un décor de plage par l'attention portée aux personnages plutôt qu'à l'arrière-plan. Golchini imprègne chaque personne de riches détails dans ses maillots de bain et accessoires, ce qui transforme le carton uni en un nouvel environnement. Certaines silhouettes arborent du matériel de plongée et des palmes, tandis que d'autres se détendent sur leurs serviettes et s'imprègnent des rayons imaginaires du soleil. Bien que ces minuscules personnes peintes soient généralement solitaires sur leurs toiles, Golchini ajoutera occasionnellement un poisson coloré ou un jouet de piscine flottant pour améliorer la composition. L'artiste utilise également une lumière et une ombre convaincantes pour que ces rendus semblent être en trois dimensions, même sur une surface plane. Toutes ces touches intelligentes transforment un matériau négligé en un monde miniature vivant.

Vous pouvez acheter des peintures et gravures originales de l'art de Golchini via sa boutique Return of Art, et vous tenir au courant de ses dernières créations en suivant l'artiste sur Instagram.

L'artiste iranienne Golsa Golchini peint de minuscules personnages sur du carton.

Peintures en carton de Golsa Golchini

La série s'appelle Eaux invisibles et imagine la surface en carton comme un décor aquatique pour les nageurs et autres habitants de la plage.

Peintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa GolchiniPeintures en carton de Golsa Golchini

Regardez cette vidéo pour voir de plus près l'un des Golchini Eaux invisibles pièces:

Golsa Golchini: Boutique | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Golsa Golchini.

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Illustration de chardon par Grasset

Chardon (chardon) d'après «La Plante et ses Applications Ornementales» d'Eugène Grasset (1896). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Le mouvement Art nouveau était connu pour la belle façon dont il représentait les formes naturelles. Maintenant, vous pouvez obtenir plus d'informations sur l'esthétique qui a balayé l'Europe de 1890 à 1910 avec le livre La Plante et Ses Applications Ornementales (La plante et ses applications ornementales). Publié en 1896 par le graphiste et professeur d'art suisse Eugène Grasset, le livre richement illustré a joué un rôle déterminant dans la définition du style du mouvement. Ses étudiants en design ont créé le contenu du livre et, ensemble, ils ont transformé des croquis réalistes de 24 plantes en motifs Art nouveau élaborés à utiliser dans la peinture ou la sculpture.

Les deux douzaines de plantes choisies par Grasset comprennent le pissenlit, l'iris et le géranium sauvage. Chaque fleur est représentée de trois manières. La première image montre le rendu naturel de chaque plante sous plusieurs angles. Les deux autres images donnent des exemples de dessins stylisés incorporant la fleur. Cette méthode de présentation d'illustrations en trois parties démontre la philosophie du dessin de Grasset. «L'art du dessin n'est pas seulement l'art d'observer des formes et des objets, ce n'est pas une simple mimétisme de ces objets; c'est l'art de savoir jusqu'où et où, et avec quelles limites justes, ces formes et objets peuvent être reproduits dans une image ou dans une œuvre décorative », écrit-il.

En tant que professeur d'art à Paris, le livre de Grasset était une aide pédagogique. Son public cible d'origine était d'autres artistes qui souhaitaient incorporer des motifs floraux dans leur propre travail. Les élèves de Grasset – dont le créateur d'affiches Art Déco Maurice Pillard Verneuil – se sont fait connaître pour leur travail dans les vitraux, les bijoux, les affiches et autres arts décoratifs.

Les créations de Grasset sont maintenant disponibles pour les artistes modernes à consulter via la numérisation sur le site Web de la Bibliothèque publique de New York. Vous pouvez lire le livre original La Plante et Ses Applications Ornementales ici et perdez-vous dans la fantaisie complexe de l'Art nouveau.

La Plante et Ses Applications Ornementales (La plante et ses applications ornementales) est un livre de 1896 d'Eugène Grasset, designer et professeur d'art suisse vivant à Paris.

Illustration de chardon

L'assiette réaliste de chardon (chardon) de «La Plante et ses Applications Ornementales» d'Eugène Grasse (1896). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Le livre est une étape importante dans le développement du style Art Nouveau à la fin du 19e siècle. L'Art nouveau a utilisé de nouvelles formes et conceptions organiques, en particulier dans les arts décoratifs.

Illustration de chardon

Illustration Art Nouveau montrant une colonne avec un dessin de chardon (chardon). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Le livre de Grasset a été illustré par ses élèves et comprend 24 plantes différentes.

Assiette de pissenlit

Dessin de pissenlit (pissenlit). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Chaque plante est dessinée de manière réaliste, suivie de deux assiettes avec des exemples de design stylisés.

Assiette de pissenlit

Abstractions de pissenlit (pissenlit). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Assiette de pissenlit

Grasset a présenté des exemples de la façon d'incorporer ses motifs floraux dans des meubles. (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Le livre était un outil pédagogique et d'autres artistes pouvaient faire référence aux créations de Grasset pour leur propre travail.

Grasset de capucine

Une représentation réaliste de la capucine (capucine). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

Motif floral Capucine Grasset

Modèles incorporant de la capucine (capucine). (Photo: Original de la bibliothèque publique de New York. Amélioré numériquement par rawpixel (CC0))

h / t: (Culture ouverte)

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Design Studio réinvente les sièges de cinéma pour un monde post-COVID

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Sièges de cinéma post-COVID par LAYER Studio

Certains aspects de l'industrie du divertissement ont été abandonnés à contrecœur cette année en raison des verrouillages du COVID-19 et des précautions nécessaires, dont l'un est l'accès à une expérience cinématographique sûre et exaltante. Sur le plan positif, le studio de design londonien LAYER aide non seulement à réinventer à quoi pourrait ressembler la vie de divertissement après les verrouillages, mais il le présente également de manière optimiste et réfléchie. Le studio de design innovant a créé une série de sièges pour aider à apaiser les angoisses COVID-19 des cinéphiles inquiets. La série de sièges lustrés – qui sont intitulés SUITE—Aspire à contribuer à une nouvelle renaissance de la culture du divertissement après le COVID-19.

Les unités sont conçues avec la «sécurité» comme priorité, mais elles espèrent aussi mêler les expériences liées au voyage et au confort. Les sièges entièrement réglables sont plus espacés et comprennent des détails optimaux pour l'assainissement. Les futurs cinéphiles pourraient être attirés par des détails tels que des écrans de protection givrés amovibles et une lampe UV-C qui stérilise le siège lui-même, sans parler d'un petit espace de rangement destiné à contenir des effets personnels. Le revêtement en tissu du siège (qui est tricoté en 3D) est hydrophobe et comprend des fils de cuivre antibactériens qui sont tissés de manière à dissuader l'accumulation de saleté dans les crevasses. Le cadre mince du SUITE Les unités (qui pourraient être considérées comme inconfortables par rapport aux plus grands sièges de théâtre d'antan) sont inspirées des sièges Airbus de LAYER, conçus pour supporter différents types de carrosserie de diverses manières.

SUITE comprendra également toutes les garnitures cinématographiques, y compris les haut-parleurs avec son immersif, les accoudoirs mobiles et les tables à plateau plat. Il y a même des panneaux LED intégrés dans les appuie-tête individuels qui sont destinés à faire clignoter le nom et le numéro de siège du client. Le matériau antitache utilisé dans les sièges permettra au personnel du théâtre de nettoyer rapidement les espaces après chaque spectacle. Le siège comprend même un aspect esthétique cinématographique en présentant une palette de couleurs inspirée des pastels utilisés dans les films de Wes Anderson.

Gardez un oeil sur SUITE unités, qui peuvent arriver dans un théâtre près de chez vous!

Le studio de design LAYER a créé la prochaine génération de sièges de cinéma pour un monde post-COVID-19.

Conception du siège de la salle de cinéma post-COVID-19

Les sièges sont appelés SUITE et leur esthétique est influencée par le cinéaste Wes Anderson et la palette de couleurs de son film.

Sièges de cinéma post-COVID-19

La technologie incluse sur les sièges est conçue pour assurer un confort physique, une utilisation facile et une sécurité hygiénique.

Accoudoir de SEQUEL by LAYER

Les chaises sont plus espacées que les sièges de théâtre traditionnels et comprennent des écrans de protection givrés amovibles.

Conception du siège arrière du cinéma

L'éclairage LED fera également clignoter les noms des détenteurs de billets pour mieux attribuer les sièges et éviter toute confusion des sièges.

SEQUEL par LAYERCOUCHE: Facebook | Site Web | Instagram
h / t: (Yanko Design)

Toutes les images via LAYER.

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Une élégante fresque murale de calligraphie accueille les passants avec une citation édifiante d'un poète du 14ème siècle

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Calligraphie murale par Seb Lester

«Je souhaite», Holborn, Londres, 2020

L'art séculaire de la calligraphie célèbre la beauté de la langue, et il y a des artistes incroyables qui perpétuent son héritage aujourd'hui. Seb Lester est l'un d'entre eux; il est mondialement connu pour ses lettres fascinantes de mots et de phrases dans une variété de styles captivants. Récemment, il a dévoilé une peinture murale à grande échelle à Londres de son scénario fantaisiste. Admissible Je souhaite que, l'élégante calligraphie noire englobe un mur blanc entier, représentant une citation du poète persan Hafez (également connu sous le nom de Hafiz, vers 1315-1390). Il dit: «J'aimerais pouvoir vous montrer, quand vous êtes seul ou dans les ténèbres, la lumière étonnante de votre propre être.»

Lester a été formellement formé en design graphique à Central Saint Martins à Londres. Avant de démarrer un projet, il dit qu'il aime souvent chercher un morceau de poésie ou de prose qui l'inspire. «La Perse a produit d'incroyables poètes au Moyen Âge», explique Lester à My Modern Met. «Hafez est probablement mon préféré. Sa poésie intemporelle transcende les cultures, les frontières et la politique parce qu'elle concerne la condition humaine. L'artiste a travaillé avec le London Mural Festival pour créer Je souhaite que, que tout le monde peut voir en personne au 10 John St, Holborn, WC1N 2EB.

En plus de la peinture murale, Lester a publié deux tirages d'art en édition limitée du poème. Une version présente une calligraphie métallique en or rose sur du papier d'art noir Plike (16,5 x 9,5 pouces), et une autre présente une calligraphie à la feuille d'or 22 carats sur du papier d'art noir Plike (16,5 x 9,5 pouces). Ces deux éditions sont disponibles à l'achat via la boutique Lester et expédiées dans le monde entier.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'images de Je souhaite que, et suivez Lester sur Instagram pour rester au courant de son dernier art de la calligraphie.

L'artiste britannique Seb Lester crée un art de la calligraphie exquis.

Calligraphie par Seb Lester

«Je souhaite», Holborn, Londres, 2020

Sa nouvelle peinture murale Je souhaite que représente une citation du poète persan Hafez (également connu sous le nom de Hafiz, vers 1315-1390).

Calligraphie par Seb Lester

Impression en édition limitée «I Wish»

Lester a également publié une édition limitée du poème avec un script à la feuille d'or.

Calligraphie par Seb Lester

Impression en édition limitée «I Wish»

Calligraphie par Seb Lester

Impression en édition limitée «I Wish»

Calligraphie par Seb Lester

Impression en édition limitée «I Wish»

Regardez ces vidéos pour voir comment Lester crée sa calligraphie exquise:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Ydo-NEITQ3s (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=lgLFoQwOpXE (/ incorporer)

Seb Lester: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Seb Lester.

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L'intelligence artificielle revitalise la séquence de 1902 d'un trajet en «train volant» dans une ville allemande

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Encore des enfants marchant

Montrant toujours des enfants marchant devant une ferme. (Vidéo du MoMA et mise à l'échelle par Denis Shiryaev)

Si vous vous êtes déjà demandé à quoi ressemblait la vie au début du XXe siècle, regardez les images de Le train volant pour un aperçu. Tourné en 1902, le court métrage capture une vue imprenable sur une ville allemande depuis les fenêtres du Wuppertaler Schwebebahn, une voie ferrée suspendue. Il nous emmène dans une visite d'une journée typique à l'époque: des poulets caracolent dans des rues pavées, des femmes marchent avec des enfants et des chevaux tirent de lourdes charrettes.

Les images originales en noir et blanc provenaient de la collection du Museum of Modern Art (MoMA), mais elles ont récemment été mises à niveau grâce à l'intelligence artificielle. Étant donné que les premiers films ne peuvent pas correspondre à la résolution ou à la vitesse d'image des médias numériques actuels, Denis Shiryaev de Neural Love a utilisé des réseaux de neurones pour restaurer et améliorer (ou «mettre à l'échelle») Le train volant. Les réseaux de neurones apprennent d'autres films antiques et appliquent ces «connaissances» à chaque nouvelle restauration. Cela comprend la coloration des images dans des tons naturels et sourds et la création d'images supplémentaires par seconde (ips) pour obtenir un 60 ips fluide.

Le Wuppertaler Schwebebahn (alias le «train volant») a ouvert au public en 1901, ce qui en fait le premier chemin de fer électrique surélevé à wagons suspendus. Plus de 100 ans plus tard, il fonctionne toujours régulièrement. Faites défiler vers le bas pour profiter de la balade virtuelle historique, puis mettez le vrai chemin de fer sur votre liste de voyage.

Des images de film de 1902 ont été récemment restaurées et colorisées. Pris d'un train surélevé en mouvement, c'est une fenêtre sur la vie quotidienne dans une ville allemande.

Vue du train volant

Montre toujours la vie quotidienne en 1902. (Vidéo du MoMA et mise à l'échelle par Denis Shiryaev)

Vue du train volant

Montrant toujours des enfants marchant devant une ferme. (Vidéo du MoMA et mise à l'échelle par Denis Shiryaev)

Regardez des images «à grande échelle» prises depuis le chemin de fer surélevé. La résolution a été améliorée et des images supplémentaires ont été ajoutées à l'aide de l'intelligence artificielle sophistiquée de Neural Love.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=EQs5VxNPhzk (/ incorporer)

Les séquences originales du film, tournées sur film 68 mm, sont conservées dans la collection du MoMA.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=2Ud1aZFE0fU (/ incorporer)

h / t: (PetaPixel)

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4 exercices de théorie des couleurs qui sont un moyen facile d'améliorer vos compétences en peinture

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Palette de couleurs

Photo: Photos de JKesler / Shutterstock

Les sets de peinture sont livrés avec une variété de tubes chromatiques, mais savez-vous comment les utiliser? Choisir la bonne palette pour votre projet est une compétence que tous les artistes doivent apprendre. Que vous soyez un aquarelliste chevronné ou que vous vous aventuriez simplement dans le monde de l'acrylique, une compréhension de théorie des couleurs améliorera considérablement votre peinture.

Si vous vous sentez dépassé par l'arc-en-ciel des choix, ne vous inquiétez pas. Une fois que vous aurez appris les bases de la théorie des couleurs, vous trouverez la joie de choisir les teintes et oui, même de mélanger vos propres peintures. Cependant, comme pour toutes choses, un peu de pratique aide toujours. Ici, nous avons compilé quatre exercices de théorie des couleurs cela vous aidera à faire passer vos peintures au niveau supérieur.

Améliorez votre peinture avec ces exercices de théorie des couleurs amusants et faciles

Faites une roue chromatique.

Peinture de roue de couleur

Photo: Photos de Golubovy / Shutterstock

La plupart des créatifs connaissent la roue chromatique. Outil séculaire, il est essentiellement issu du cercle de couleurs d'Isaac Newton publié en 1665. Il montre les relations entre les couleurs primaires, secondaires et tertiaires.

Pour le premier exercice, vous devez vous familiariser avec la roue chromatique en faire le vôtre. À l'aide d'une photo de référence, vous ajouterez d'abord le couleurs primaires de rouge, bleu et jaune. Dans la plupart des modèles, le jaune est placé en haut du cercle, le rouge en bas à droite et le bleu en bas à gauche. Ensuite, mélangez vos peintures ensemble jusqu'à ce que vous créiez couleurs secondaires de vert, orange et violet, et placez-les en conséquence autour de la roue.

Entraînez-vous à mélanger les couleurs.

Mélanger les couleurs

Photo: Stock Photos from kosmos111 / Shutterstock

Maintenant que vous avez créé une roue chromatique de base, vous pouvez s'entraîner à l'élargir. Recommencez en créant une roue de base avec les couleurs primaires. Ensuite, mélangez-les jusqu'à ce que vous créiez les couleurs secondaires de vert, orange et violet. À ce stade, lorsque vous mélangez une couleur primaire avec une couleur secondaire (ou une couleur secondaire entre elles), vous créez ce qu'on appelle un couleur tertiaire. C'est un excellent moyen d'apprendre combien de couleurs vous pouvez produire avec uniquement les tubes de peinture essentiels.

Lorsque vous créez ces couleurs tertiaires, disposez-les dans la roue. Selon les couleurs que vous créez, votre nouvelle roue peut être très différente de vos photos de référence, alors ne vous inquiétez pas de la rendre parfaite. C'est tout pour la pratique.

Faites correspondre les échantillons de couleurs.

Exercices de théorie des couleurs

Photo: Photos de Julia Lototskaya / Shutterstock

Le troisième exercice développera votre compétences de correspondance des couleurs. En utilisant une roue chromatique complexe comme référence, essayez de recréer les couleurs tertiaires que vous voyez en mélangeant les couleurs primaires rouge, bleu et jaune. Prenez autant de temps que nécessaire pour mélanger et ne vous découragez pas si cela vous prend plusieurs fois pour bien faire les choses, car trouver la bonne combinaison peut être difficile.

Cependant, une fois que vous l'avez maîtrisé, vous pouvez utiliser cet exercice pour vous entraîner avec d'autres échantillons que vous trouvez, comme des vêtements, de la peinture murale et des emballages. Cela améliorera considérablement votre capacité à capturer les couleurs de la vie.

Entraînez-vous à jumeler des couleurs complémentaires.

Exercices de théorie des couleurs

Photo: Photos de katrinshi / Shutterstock

Dans le quatrième exercice, vous explorerez l'importance de des couleurs complémentaires: Couleurs qui apparaissent opposées les unes aux autres sur la roue chromatique. Ces combinaisons incluent le rouge et le vert, le bleu et l'orange, le jaune et le violet. L'association de couleurs complémentaires créera des visuels dynamiques qui pourront améliorer vos créations.

Utilisez vos peintures mixtes pour créer des motifs et des formes en utilisant uniquement des couleurs complémentaires et voyez comment elles se renforcent mutuellement. Par exemple, vous pouvez créer un motif rayé rouge et vert ou peindre un fond bleu avec un cercle orange à l'intérieur. Assurez-vous de laisser un temps de séchage approprié et ne laissez pas les couleurs se mélanger. Ensuite, essayez d'autres combinaisons en utilisant des couleurs non complémentaires et comparez la différence.

Continuez à pratiquer.

Problèmes de couleur

Maîtriser la théorie des couleurs n'est pas facile, il est donc important de continuer à développer vos compétences en mélangeant les peintures et en les testant. Avec pratique constante, vous aurez une meilleure compréhension de la roue chromatique et de toutes les possibilités qu'elle offre. Si vous avez besoin d'aide pour démarrer votre prochain projet, assurez-vous de consulter notre longue liste d'idées de peinture.

Vous voulez en savoir plus sur la couleur? La reproduction d'Emily Noyes Vanderpoel en 1902 Problèmes de couleur book est l'outil ultime pour tous ceux qui souhaitent apprendre la théorie pratique des couleurs.

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Super Zen Cat fait une sieste au milieu d'un jardin zen japonais

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Chat du jardin zen

Les jardins zen japonais sont conçus pour aider les gens à se détendre et à méditer sur le sens de la vie. Et apparemment, les espaces tranquilles traditionnels ne sont pas seulement bénéfiques pour les humains. Utilisateur Twitter kmt (@ syu9ji2) a récemment partagé des photos en ligne, révélant comment un chat a décidé de faire une sieste, en plein milieu des ondulations de gravier ratissées du jardin du temple bouddhiste Kuhonbutsu Jōshinji Jōdo à Tokyo.

Les chats n’ont généralement pas besoin de beaucoup de persuasion pour prendre une pause, mais l’atmosphère paisible du jardin zen a peut-être eu une certaine influence sur ce félin en particulier. Les photos de Kmt montrent à quel point le tom au gingembre est complètement «en harmonie» avec le jardin zen. Traditionnellement, seuls les gardiens du jardin sont autorisés à marcher sur le gravier pour créer les beaux motifs. Cependant, ce chat ne se soucie pas des règles et a pris sur lui de s'étirer sur le sol sacré.

Plus tard, Kmt a pris d'autres photos du minou endormi se prélassant dans le jardin, après qu'il se soit réveillé. Ce petit bonhomme poilu est clairement un maître zen!

L'utilisateur de Twitter kmt (@ syu9ji2) a récemment partagé des photos en ligne, révélant comment un chat a décidé de faire une sieste, en plein milieu d'un jardin zen à Tokyo.

Chat du jardin zen

Ce petit bonhomme poilu est clairement un maître zen!

Chat du jardin zenChat du jardin zenkmt / @ syu9ji2: Twitter

Toutes les images via kmt / @ syu9ji2.

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9 bricolages pour transformer de jolies tasses à thé vintage en art utile

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Artisanat de bricolage de tasse de thé vintage

Photo: Photos de MICHELLECOPPIENS / Shutterstock

Qu'ils aient été transmis de génération en génération ou trouvés accidentellement dans une friperie, ne laissez pas tasses à thé vintage recueillir la poussière quelque part dans une armoire sombre. Les tasses à thé sont parfaites pour l'artisanat, et même les tasses à thé ébréchées ou cassées peuvent facilement se transformer en œuvres d'art. Vous pouvez fabriquer une mangeoire à oiseaux pour égayer votre jardin ou fabriquer des bougies romantiques aux arômes délicieux.

Vous cherchez un moyen de montrer votre fine porcelaine de manière unique? Ne cherchez pas plus loin – cette liste de produits artisanaux pour tasses à thé vous donnera beaucoup d'idées sur la façon dont vous pouvez améliorer les tasses à thé vintage.

Essayez ces bricolages pour donner une nouvelle vie à votre décor.

Coussin Vintage Tasse à Thé

Transformer une tasse à thé vintage en coussin à épingles est un moyen charmant d'éviter de perdre des épingles et des aiguilles tout en travaillant sur la broderie ou d'autres objets d'artisanat en tissu. La broderie sur le coussin à épingles ajoute à l'ambiance vintage; cependant, tout gros morceau de tissu fonctionnera. Simple et rapide à réaliser, un pistolet à colle chaude est le seul outil nécessaire. Pour des étapes faciles à suivre, rendez-vous sur Creative Green Living.

Ornement d'arbre de Noël de tasse de thé

Ces ornements de tasse de thé feront de grands cadeaux pendant la saison des vacances. Glissez une petite scène hivernale dans la tasse à thé et nichez-la entre les branches pour une magie des Fêtes. Créés par Kathy Owen pour son blog Petticoat Junktion, ces charmants ornements utilisent de la peinture acrylique abordable, tandis que les matériaux de la scène de Noël peuvent être récupérés d'autres décorations de Noël si nécessaire. Une solution parfaite pour votre crèche cassée ou votre figurine Rudolph inutilisée. Vous pouvez trouver des instructions et une vidéo explicative sur le blog d'Owen.

Bougies élégantes de tasse de thé

Bougie Tasse à Thé

Photo: Photos de NINETTE BAHNE / Shutterstock

Il existe de nombreuses excellentes recettes de bougies de tasse de thé aux parfums variés. En fonction de votre confort et de votre expérience avec la fabrication de bougies, une recette de démarrage facile de Martha Stewart recycle la vieille cire de bougie à partir de bougies partiellement utilisées. Pour les artisans ayant un peu plus d'expérience dans la fabrication de bougies parfumées, cette recette de bougie de soja Earl Grey de Dans Le Lakehouse est le parfum léger parfait. Cette recette de The Craft Patch prend une tournure amusante en utilisant des crayons de couleur pour colorer la cire de votre bougie.

Un support à gâteau de tasse de thé Dainty

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=Amr1WOZgjBA (/ embarqué)

Présentez des friandises sucrées à l'heure du thé de manière innovante. Ce projet incroyablement facile à réaliser par Inaablue ne nécessite que de la superglue. Pour vous assurer que votre support est stable, veillez à ne pas choisir une tasse à thé avec un bord festonné. Avec plusieurs soucoupes ou assiettes, on peut également fabriquer un support à gâteaux à plusieurs niveaux. Ce projet est plus avancé, mais des instructions en anglais et en espagnol vous guideront à travers les étapes.

Recréez Chip de Disney La belle et la Bête

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=YJOJTKW2Ass (/ embarqué)

Si vous avez une tasse de thé ébréchée, honorez le classique Disney des années 90 La belle et la Bête créez votre propre Chip – la petite tasse de thé avec un grand cœur. Vous pouvez commencer avec n'importe quelle tasse de thé de couleur, à condition d'avoir une couche de base blanche (comme le montre la vidéo de Nutty Crafter). Cependant, trouver une tasse à thé blanche avec un bord en or peut aider à une création rapide sans peinture nécessaire. DIY Party Mom fournit des instructions ainsi que des fonctionnalités imprimables pour la petite tasse de thé.

Mangeoire à oiseaux chic

Mangeoire à oiseaux tasse à thé bricolage artisanat

Photo: Photos de SVITLYK / Shutterstock

Il existe de nombreuses façons de fabriquer des mangeoires pour oiseaux en utilisant des tasses à thé vintage. Les instructions pour suspendre les mangeoires, les mangeoires à oiseaux sur les poteaux et les mangeoires à oiseaux utilisant des appliques d'éclairage montrent la gamme de mangeoires créatives que l'on peut construire. Quelles que soient les limites de votre jardin, il existe une mangeoire à oiseaux en forme de tasse à thé qui fonctionnera pour vous.

Jardinières à thé

Pour ceux qui ont le pouce vert, les jardinières de tasse de thé sont charmantes sur n'importe quel rebord de fenêtre. Pour les planteurs succulents, suivez les instructions de Girl in the Jitterbug Dress. Pour les herbes, Intimate Weddings a des instructions pour la plantation. Si une plante nécessite un drainage, les tutoriels pour percer des trous en porcelaine (voir les tutoriels sur les présentoirs à gâteaux à plusieurs niveaux) offrent une solution idéale.

Mosaïque de jardin Stepping-Stone

La porcelaine brisée peut encore être belle lorsqu'elle est utilisée pour fabriquer ces tremplins de jardin en ciment. Des instructions et une vidéo utile sont disponibles sur Over the Big Moon. Le verre de mer, les petites pierres et autres objets durables peuvent également être utilisés pour la texture et la couleur. C'est un métier amusant pour les enfants à aider, et les petites empreintes de mains peuvent être immortalisées à jamais dans la pierre – bien que les adultes doivent veiller à faire attention avec la porcelaine cassée car les bords sont très nets.

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Sculpture surréaliste de masques faciaux s'embrassant explore des idées d'intimité au milieu d'une pandémie

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Toujours dans One Piece III de Johnson Tsang

L'artiste basé à Hong Kong, Johnson Tsang, est connu pour son incroyable capacité à manipuler l'argile pour en faire de magnifiques sculptures en porcelaine. Inspiré par le monde qui l'entoure, Tsang a intégré les conséquences du coronavirus dans son dernier ouvrage, intitulé Toujours dans One Piece III. Dans la sculpture délicate, deux visages – étroitement recouverts de leur masque facial – s'embrassent.

En se concentrant sur les détails du visage humain couvert par les masques faciaux, Tsang attire l'attention sur la transformation de la façon dont les gens interagissent pendant le COVID-19. Voir des personnages s'embrasser tout en portant un masque facial est choquant, car la société a été conditionnée au cours de l'année à garder une distance physique. Pourtant, en même temps, le geste est touchant. C'est un rappel que même avec le besoin de séparation, nous pouvons toujours profiter de moments de proximité.

L'impact émotionnel de la sculpture n'est pas inhabituel si l'on considère l'ensemble de l'œuvre de Tsang. Cette sculpture particulière, créée dans une fine couche de porcelaine, suscite de nombreux sentiments différents. Délicat mais dynamique, il envoie un message puissant sur l'état du monde aujourd'hui.

«Au début du mois de mai, cette idée est venue de nulle part dans mon esprit pendant ma méditation. Des idées me sont venues comme ça très souvent. Beaucoup de mes pièces ont été créées avec des idées surgies pendant la méditation », raconte Tsang à My Modern Met. «J'ai le fort sentiment que ces idées créatives ne viennent pas de moi. Mais je crois qu'il doit y avoir une bonne raison pour que cela m'est venu. Peut-être simplement parce que j'ai la capacité de réaliser ces merveilleuses idées et de les montrer aux bonnes personnes. Pour cette raison, je ne veux pas l'interpréter moi-même. Je pense que quiconque voit mes œuvres a le droit de les interpréter à sa manière, selon ses propres sentiments.

Regardez de plus près la sculpture en porcelaine incroyablement émouvante – et opportune – de Johnson Tsang.

Détail de la sculpture de masque facial en céramique par Johnson TsangJohnson Tsang: Site Web | Facebook | Instagram | Behance

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Johnson Tsang.

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Fares photographie 'Le pouvoir du devenir'

«Le pouvoir de devenir»

En observant le travail du photographe Fares Micue, il est facile de se laisser envoûter par les aspects organiques mais surnaturels infusés dans chaque pièce. Pour le photographe conceptuel autodidacte basé en Espagne, la photographie était un passe-temps modeste; mais il est rapidement devenu une exposition passionnée d'œuvres d'art vibrantes et douces qui plient la réalité. Micue utilise son corps – ainsi que différents objets botaniques – comme une toile externe pour représenter son pittoresque paysage intérieur d'émotions.

«Cela commence toujours par une idée dans ma tête et le sentiment que je veux représenter», explique Micue. «La plupart du temps, je crée un croquis de l'image que je veux créer avec autant de détails que je peux obtenir comme les couleurs, l'humeur, l'emplacement, les vêtements, les accessoires, etc. ainsi qu'une courte histoire sur l'image.»

Le travail de Micue est enraciné dans positivité, responsabilisation, et gentillesse, mais il n’échappe pas à l’importance des thèmes bruts et réels tels que isolement et insécurité. «Je suis fermement convaincu que la façon dont nous pensons et ressentons la vie est la façon dont nous percevrons la réalité», explique Micue. «Nous devons entraîner notre cerveau à toujours rechercher le bon côté et à trouver de l’espoir parmi la désolation.»

Fares photographie 'Souvenirs d'un jour de pluie'

"Souvenirs d'un jour de pluie"

Un autre thème répandu dans les œuvres de Micue est le concept de croissance—La croissance de soi et surmonter les obstacles. Son travail comprend des arrière-plans simplistes, des couleurs saturées et de nombreux objets pour rehausser son esthétique. Certains plans montrent Micue englouti dans des fleurs ou des plumes ou de l'origami. Les objets représentent une forme de prolifération, émergeant symboliquement de son esprit ou de son corps. Le visage de Micue reste caché dans la plupart de ses pièces, mais le positionnement de son corps communique une histoire et une humeur à la fois mythiques et viscéralement réelles. Et son utilisation des fleurs, de la lumière et des ombres de cette manière aérienne est une forme de poésie visuelle – elle associe également cela à de la poésie écrite dans la description de ses œuvres sur son Instagram.

D'autres autoportraits représentent le photographe enlacé ou entrant dans un fourré. Les images évoquent des émotions qui invitent les spectateurs à la suivre dans un voyage intérieur. C’est un effort pour mettre davantage en évidence la nécessité d’examiner et de prioriser sa santé mentale. Elle espère que son travail démontrera le pouvoir de la réflexion et de l'estime de soi en utilisant ces détails de narration.

L'œuvre de Micue reste imprégnée d'une sorte de fantaisie mature qui invite le spectateur à se confronter et à embrasser la croissance sous toutes ses formes métaphoriques. «Mon travail est plein de symbolisme», confirme le photographe, «chaque élément de mes compositions a un but, des couleurs aux accessoires en passant par le langage corporel, et la combinaison de tous ces éléments crée l'image conceptuelle finale. Je veux que mon travail soit considéré comme une histoire entière condensée dans un seul cadre. »

Le photographe Fares Micue crée des autoportraits fascinants aux couleurs vives et pleins de symbolisme.

Autoportrait par Fares Micue

Défensif II

Micue utilise des objets tels que des plumes, des ballons et de l'origami pour décrire ses états émotionnels.

Autoportrait par Fares Micue

«Envole-moi»

Fares Micue est un photographe autodidacte qui s'engage dans des œuvres qui encouragent la positivité et les soins personnels.

Autoportrait par Fares Micue

«Nostalgie positive»

Autoportrait puissant par Fares Micue

Alseide

Autoportrait par Fares Micue

«Belle coquille»

Fares photographie 'Prison imaginaire'

«Prison imaginaire»

Fares photographie 'Open to love'

"Ouvert à l'amour"

Fares photographie 'Inside you'

"À l'intérieur de toi"

Fares photographie 'Si vous m'apportez la lune'

«Si tu m'apportes la lune»

Autoportrait par Fares Micue

"Les rêves sont faits d'or"

Autoportrait par Fares Micue

"L'espoir est dans l'air"

Autoportrait par Fares Micue

«La beauté dans le noir»

Fares photographie une leçon sur l'amour de soi

"Une leçon sur l'amour de soi"

Autoportrait par Fares Micue

Défensif III

Autoportrait par Fares Micue

"Cache-cache"

Fares Micue: Instagram | Saatchi

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Fares Micue.

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Cette femme participe quotidiennement au «défi du Getty Museum» pour recréer des peintures historiques pendant un an

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Défi du musée Getty

«Alionushka» de Viktor Vasnetsov

Plus tôt cette année, le défi du Getty Museum a pris d'assaut le monde. Les gens ont fouillé leurs maisons à la recherche de matériaux pour recréer certaines des peintures les plus connues de l’histoire de l’art. Liza Yukhnyova est une personne qui a décidé de participer et elle est tombée amoureuse de cette façon unique d'honorer l'art tout en ayant la chance d'exprimer sa créativité. Elle est devenue tellement passionnée par le projet qu'elle a décidé de prolonger le défi pour une année entière. Chaque jour, Yukhnyova partage une peinture historique et son interprétation sur son compte Instagram qu’elle appelle «le musée de Liza de chez elle».

L’enthousiasme de Yukhnyova découle d’un diplôme en histoire de l’art, et cette passion est ce qui la fait avancer. «Au début, j'ai décidé de le faire quotidiennement pendant 30 jours (je voulais vérifier ma discipline et les possibilités)», raconte-t-elle à My Modern Met, «mais à la fin de cette période, je n'ai pas pu m'arrêter. Je continue toujours et maintenant j'en suis au 144e jour. » Yukhnyova fait tout seule (sans utiliser Photoshop), du maquillage aux costumes en passant par l'éclairage (en utilisant sa lampe de table) et la prise de photos finales avec son téléphone. «J'utilise des choses très simples qui m'entourent à la maison», explique-t-elle. «Je dois donc être créative.»

La tâche de reproduire une œuvre d'art chaque jour peut être intimidante, alors Yukhnyova reste organisée en recréant des peintures de différentes zones géographiques et de différents genres. «J'ai fait une galerie du Moyen-Orient, une ancienne galerie, des affiches de la Croix-Rouge et d'autres», explique-t-elle. «L'un de mes objectifs est d'éclairer les gens lorsqu'ils comparent mes photos avec des peintures. Je veux mettre en valeur de superbes peintures de différentes traditions culturelles et montrer aux gens qu'ils sont beaucoup plus proches d'eux qu'il n'y paraît. Mes répliques encouragent tout le monde à regarder les peintures en détail, je pense que c'est important.

Liza Yukhnyova participe au Getty Museum Challenge pendant une année entière.

Défi du musée Getty

"Son cadeau d'anniversaire" par John William Godward

Défi du musée Getty

«Portrait d'une jeune femme espagnole» d'Anton Ebert

Chaque jour, elle recrée une œuvre d'art en utilisant des objets autour de sa maison.

Défi du musée Getty

«The Fortune Teller» de Frédéric Bazille

Défi du musée Getty

«Cueillir des roses dès que possible» par John William Waterhouse

Défi du musée Getty

«La Belle Ferronnière» de Léonard de Vinci

Défi du musée Getty

«Repos» par Ilya Yefimovich Repin

Défi du musée Getty

«Portrait de NF Matveeva» par Vasily Ivanovich

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«Portrait de dame à l'éventail» de Paul Cesar Helleu

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«La chemise rose» par Tamara de Lempicka

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«Cassandra» de Frederick Sandys

Défi du musée Getty

«La grande-duchesse Sofia au couvent de Novodievitchi» par Ilya Efimovich Repin

Défi du musée Getty

«Lady Agnew of Lochnaw» de John Singer Sargent

Liza Yukhnyova: Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Liza Yukhnyova.

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Célébrez le 40e anniversaire de «L’Empire contre-attaque» avec cet ensemble LEGO de 1267 pièces

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AT AT Star Wars Ensemble LEGO

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Cela fait 40 ans que l'emblématique de George Lucas L'empire contre-attaque d'abord atterri sur le grand écran. Cette suite de l'original Guerres des étoiles est le cinquième film (chronologiquement) de la série; et pour célébrer cet anniversaire, LEGO a sorti un ensemble commémoratif spécial. Tout fan du film reconnaîtra instantanément l'Imperial AT-AT Walker de la bataille de Hoth, et maintenant vous pouvez construire le vôtre avec des briques jouets.

L'ensemble LEGO de 1 267 pièces comprend six figurines: Luke Skywalker, le général Veers, deux pilotes AT-AT et deux Snowtroopers. Différentes parties du véhicule de transport blindé tout-terrain s'ouvrent et il y a même des fusils à ressort. Les fans du film apprécieront les détails comme le treuil pour remonter Luke Skywalker, qui est livré avec un détonateur thermique.

Le kit AT-AT LEGO est destiné aux enfants de 10 ans et plus et, bien sûr, aux adultes fans de L'empire contre-attaque. L'ensemble n'est que le dernier d'une longue gamme d'équipements LEGO destinés à Guerres des étoiles Ventilateurs. Cela comprend tout, du Millennium Falcon et Imperial Star Destroyer à une figurine en brique du sage Jedi Master vert sage préféré de tous, Yoda. L'ensemble AT-AT se vend 159,99 $ et est maintenant en vente via Amazon et le LEGO Store.

Pour célébrer le 40e anniversaire de L'empire contre-attaque, LEGO a sorti un kit Imperial AT-AT Walker.

Ensemble LEGO Star Wars Walker

L'ensemble comprend six minifigs Star Wars, dont Luke Skywalker.

Minifigs Star Wars

L'ensemble de 1267 pièces comprend des pièces qui s'ouvrent, ainsi qu'un treuil pour tirer Luke Skywalker.

L'Empire contre-attaque LEGO SetL'Empire contre-attaque LEGO SetAT AT Star Wars Ensemble LEGO

h / t: (soie dentaire)

Toutes les images via LEGO.

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Laissez votre dessin parler pour vous en apprenant à dessiner des lèvres étape par étape

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Comment dessiner des lèvres

Photo: Photos de Valentina Razumova / Shutterstock
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Si vous êtes en quête d'apprendre comment dessiner le visage humain, il est important que vous sachiez comment esquisser chaque entité séparément. Cela vous permettra de vous attaquer facilement à chaque partie du visage et de vous assurer que chaque caractéristique reçoit l'attention qu'elle mérite.

Quand il s'agit de dessiner un portrait, les lèvres peuvent être une réflexion après coup. Mais soyons réalistes: ils font bien plus que nous aider à parler et à chanter. Les lèvres sont aussi un moyen de s'exprimer sans avoir à dire de mots. Pensez à plisser vos lèvres ou à bouger votre bouche pour former une grimace. Ces expressions en disent long! Donc, si vous voulez transmettre de l'émotion dans votre art, il est important que vous appreniez comment dessiner les lèvres.

Les lèvres peuvent sembler faciles à dessiner – et en ce qui concerne les autres traits du visage, elles sont plus simples – mais comme elles sont plus faciles, vous voudrez vous concentrer sur la correction exacte de chaque élément et prendre suffisamment de temps pour observer lèvres supérieures et inférieures.

Ce didacticiel de dessin étape par étape vous montrera comment dessiner des lèvres au crayon à partir de plusieurs points de vue: droit, trois quarts et profil (côté).

Lèvres à trois quarts

Photo: Photos de marinafrost / Shutterstock

Points généraux à noter à propos de la bouche

  • le la lèvre supérieure sera toujours un peu plus mince que la lèvre inférieure.
  • le lèvre inférieure a souvent un point culminant car il est visuellement devant la lèvre supérieure. Cela signifie qu'il peut être légèrement plus sombre.
  • le ouverture de la bouche ne sera pas une ligne droite. Regardez comment il se courbe au centre, en particulier lorsque vous le regardez de trois quarts ou de côté.

Avant de commencer votre didacticiel, assurez-vous d'avoir vos fournitures artistiques essentielles à portée de main. Vous voudrez avoir au moins deux crayons de différents tons de graphite, une gomme en vinyle et un carnet de croquis.

Étape 1: Dessinez l'ouverture de la bouche et la forme générale des lèvres supérieures et inférieures.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

La première étape de tout dessin consiste à commencer par les formes les plus élémentaires, quel que soit le point de vue que vous essayez de capturer.

À ce stade, il est plus important de faire beaucoup de légères marques et pour placer les choses dans la bonne zone. Ne vous préoccupez pas (encore) des petits détails; regardez plutôt la forme générale des lèvres et de l'ouverture de la bouche. Pour ce faire, étudiez vraiment votre dessin source. Dans quelle direction est la ligne de la bouche? Est-ce droit ou courbe-t-il? Et si oui, combien? Une fois que vous avez cela, remarquez à quel point les lèvres supérieures et inférieures sont épaisses (ou minces), puis créez des formes ovales au niveau de la ligne.

Étape 2: Affinez vos dessins initiaux.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Une fois que vous avez déterminé la forme générale des lèvres, commencez à affiner ce que vous avez dessiné initialement. Considérez-vous comme un sculpteur qui cisèle une forme en bloc pour exprimer les nuances des lèvres.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Il y aura des parties plus rebondies que d'autres, tandis que d'autres zones seront plus minces. Avec votre œil, tracez la ligne des lèvres – en veillant à faire attention à l'ouverture de la bouche – et reproduisez ce que vous voyez sur du papier.

Étape 3: Bloquez les ombres.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Avec la forme de vos lèvres affinée, il est temps de commencer à penser aux ombres. Étant donné qu'il est plus difficile d'effacer les zones d'ombrage au crayon que de légères lignes de crayon, observez où tombent les ombres et leur forme générale. Marquez-le sur votre dessin. Vous pourriez voir un surlignage – probablement au centre de la lèvre inférieure – alors marquez-le également sur votre papier.

Étape 4: Ajoutez de l'ombrage.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Maintenant que l'ombrage est planifié, il est temps de commencer à l'ajouter à votre dessin. Lorsque vous appliquez des valeurs de niveaux de gris aux lèvres, utilisez la technique de dessin du méthode de va-et-vient pour superposer le graphite.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Comme pour tous les dessins, vous voudrez commencer par les tons plus clairs et construire vers les tons plus foncés. Une fois qu'une zone a atteint son ton correct, continuez à ombrer les lèvres en se déplaçant sur les zones qui sont dans l'ombre plus profonde.

Pour donner la rondeur de certaines lèvres, essayez de créer coups de crayon courbes pendant que vous ombragez. Cela donnera à l'esquisse une sensation supplémentaire de tridimensionnalité.

Maintenant que vous savez dessiner les lèvres, continuez vos cours de dessin de visage en consultant nos guides pour dessiner le nez et les yeux.

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Vans et le MoMA unissent leurs forces pour une collection artistique de chaussures et de vêtements

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Chaussures Vans MoMA Collaboration

Vans a eu un grand succès avec ses collaborations artistiques, que ce soit en s'associant au musée Van Gogh ou en créant une collection capsule de chaussures Frida Kahlo. Maintenant, ils poursuivent cette collaboration en s'associant au MoMA de New York pour la série en deux parties Vans X MoMA. À partir de la fin septembre, des chaussures et des vêtements en édition spéciale inspirés de grands artistes modernes seront mis à la disposition du public.

Les artistes présentés – parmi lesquels Salvador Dalí, Vasily Kandinsky, Claude Monet, Edvard Munch, Jackson Pollock, Lybov Popova et Faith Ringgold – reflètent la diversité de la collection du MoMA. En outre, la collection comprend également une interprétation colorée du damier classique de Vans afin de s'aligner sur l'identité de marque du MoMA. Et il existe une collection pour enfants axée sur l'interaction qui permettra aux enfants de personnaliser leurs chaussures.

Le premier lancement présente l'art de Dalí, Kandinsky et Monet éclaboussé sur des chaussures, des t-shirts, des chapeaux et des sacs à dos. Les amateurs d'art trouveront le travail de l'artiste parfaitement encadré sur les silhouettes ComfyCush Old Skool et Era de Vans.

Véhicules utilitaires MoMA

L'emblématique de Dalí La persistance de la mémoire 1931 ornera les côtés de la Vans Old Skool Twist. Conformément à la perception déformée de la réalité par l'artiste, les chaussures présentent une bande de rousseur déformée. Un t-shirt à manches longues et un sweat-shirt complètent l'expérience Dalí.

Résumé de Kandinsky Orange 1923 est présenté sur les chaussures Classic Slip-On de Vans. L'impression, réalisée alors qu'il enseignait à l'école du Bauhaus, fait une forte impression. Son utilisation de la forme et de la couleur fonctionne incroyablement bien sur les chaussures, ainsi que sur le t-shirt à manches courtes, le col rond et le chapeau snapback qui forment sa collection.

Enfin, Vans plonge dans l'impressionnisme avec une œuvre du magistral Monet. Une peinture de sa bien-aimée Nénuphars est la fin parfaite de cette première version. Les couleurs douces de la nature imprègnent les chaussures et les vêtements, qui incluent Vans Authentic avec un style chapeau, polaire et sac à dos.

Ces offres initiales seront disponibles le 30 septembre 2020 en ligne, dans les magasins Vans, les magasins MoMA Design Store, la boutique en ligne du MoMA et certains détaillants Vans. La deuxième vague d'articles est prévue pour une version de novembre et vous pouvez vous inscrire pour être informé du moment où la collection tombera.

Vans s'est associé au MoMA pour une collection spéciale de chaussures et de vêtements.

Véhicules utilitaires MoMA

La collection initiale tombe le 30 septembre et comprend l'art de Monet, Kandinsky et Dalí.

Chaussures de l'artiste célèbre VansChaussures et vêtements Monet VansChaussures et vêtements Kandinsky VansChaussures et vêtements Salvador Dali VansVans: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (Juxtapoz)

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Plus de 30 fois cette drôle de Shiba Inu a ruiné de façon hilarante ses photos de famille en groupe

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Photos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Nous avons tous cet ami qui parvient toujours à ruiner les photos de groupe. Qu'ils fassent une drôle de tête ou clignotent au mauvais moment, capturer chaque individu sous un jour flatteur peut être un véritable défi. Mais la lutte ne s'arrête pas aux humains – les animaux peuvent aussi être imphotogènes. Prenons par exemple cette famille de Shiba Inus basée à Hong Kong. Lorsque Kikko, Sasha et Momo posent parfaitement pour leur propriétaire Yoko, Hina – le chiot blanc – ne peut s'empêcher d'agir de manière idiote.

Shiba Inus est connue pour sa volonté, mais Hina semble porter son individualité au niveau supérieur. Alors que ses frères et sœurs posent docilement selon les demandes de Yoko, Hina – qui est la plus jeune de la meute – fait son truc. De faire face à la mauvaise façon à tirer la langue, ce chiot effronté n'a clairement pas le temps de prendre des photos de groupe parfaites.

Avec plus de 87000 abonnés Instagram, Kikko, Sasha, Momo et Hina ont un public dévoué en ligne, ce qui n'est pas surprenant. Il suffit de faire défiler les archives de photos de Yoko pour vous apporter un immense sourire. Hina vous rappelle d'être vous-même et de vous amuser!

Découvrez cet adorable groupe de Shiba Inus ci-dessous et amusez-vous devant les poses idiotes de Hina. Si vous ne pouvez pas en avoir assez de ces adorables chiens, vous pouvez suivre Yoko sur Instagram pour plus de manigances de Hina.

Rencontrez Kikko, Sasha, Momo et Hina; une famille adorable de Shiba Inus.

Photos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Alors que ses frères et sœurs posent parfaitement, Hina (le chiot blanc) ne peut s'empêcher d'agir de manière idiote.

Photos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Elle ruine toujours leurs photos de famille de la manière la plus adorable.

Photos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins GroupPhotos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Et si vous pensiez que les choses ne pourraient pas être plus mignonnes, voici Hina en chiot!

Photos drôles de Shiba Inu Ruins GroupYoko: Instagram
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via Yoko.

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La séance photo de mariage obtient un photobomb de conte de fées par un beau papillon monarque

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Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

Les papillons n'interagissent pas souvent avec les gens, mais un insecte en particulier s'est récemment rapproché d'un couple nommé Brooke et Drew lors de leur séance photo de mariage. La photographe Laurenda Marie et les jeunes mariés se sont rendus au Grand Ravines Park à Jenison, Michigan pour les portraits des mariés, mais il ne fallut pas longtemps avant que l'invité improbable les rejoigne.

"Le monarque est arrivé à peu près au même moment que nous, prenant d'abord goût au marié, atterrissant sur sa jambe de pantalon, son bras, sa main et plongeant dans son visage à un moment donné lors de photos avec ses garçons d'honneur", raconte Marie à My Modern Met . «Pendant environ une heure, le papillon atterrissait, volait gracieusement en cercles autour du couple avant d'atterrir à nouveau, généralement sur un bras ou une main.»

Marie a préparé son appareil photo et a demandé à Brooke et Drew de poser. Elle a attendu patiemment que le monarque déploie ses ailes, désireux de capturer sa beauté en détail. Les photos résultantes montrent le joli insecte interagissant de manière ludique avec les mariés et se perchant joyeusement sur leurs mains. «Le papillon était loin d'être timide, ce qui m'a permis de m'approcher à plusieurs reprises», se souvient Marie. "Jamais effrayé, et apparemment profiter de son temps avec mon couple."

C'était la troisième fois que Marie travaillait avec Brooke et Drew, alors qu'elle photographiait auparavant leur proposition et leur séance d'engagement. Le couple avait initialement prévu une célébration élaborée pour leur mariage, mais – en raison du COVID-19 – ils ont dû couper leur liste d'invités en une petite affaire intime de la famille immédiate et de quelques amis. Qu'il ait reçu une invitation ou non, le papillon est quand même apparu et était assez catégorique pour obtenir les photos du couple. Cependant, le joli photobomber pourrait être plus qu'une simple rencontre aléatoire. «Brooke a mentionné que ce devait être sa défunte grand-mère, qui est décédée juste avant leurs fiançailles et avait un amour pour les monarques», dit Marie. «Que l'on y croit ou non, on ne peut nier que cette petite créature a pris un goût unique pour les jeunes mariés.

Regardez les photos fantaisistes ci-dessous et voyez plus du portfolio de Marie sur son site Web. Ce n'est pas la première fois qu'une créature interrompt l'une des prises de vue du photographe. Lors du moment romantique d'un autre couple, un cerf a fait son apparition!

Lorsque la photographe Laurenda Marie photographiait les jeunes mariés Brooke et Drew, ils ont été rejoints par un papillon monarque.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

L'insecte ailé est resté environ une heure et a interagi de manière ludique avec le couple.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

Marie a capturé tout le moment du conte de fées devant la caméra.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

Brooke pense que ce doit être sa défunte grand-mère, qui est décédée juste avant leurs fiançailles et avait un amour pour les monarques.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MarieLaurenda Marie Photography: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Pinterest

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Laurenda Marie Photography.

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Son fils convainc sa mère de partager sa sagesse avec un signe chaque jour sur Instagram

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Maman tenant une pancarte avec des conseils

Les mamans sont pleines de bons conseils – certains dont nous nous souvenons, tandis que d'autres bribes que nous souhaiterions faire. Si vous pouviez utiliser plus de sagesse de maman dans votre vie, le compte Instagram @motherwithsign est un incontournable. Lancé par Pranav Sapra et sa mère Poonam Sapra, il présente les sages paroles de Poonam écrites sur des panneaux qu'elle tient pour la caméra. «Il est normal d’être confus parfois», lit-on. «Nous essayons tous de comprendre la vie.» Associés à son visage souriant, les messages offrent des encouragements pour tout ce que vous pourriez traverser.

Poonam avait aidé les gens dans sa vie bien avant les médias sociaux. «Maman dit généralement: 'faisons les choses une étape à la fois – nous traverserons le pont quand nous y arriverons' assez souvent, et cela a toujours beaucoup calmé les gens autour d'elle (surtout quand ils sont anxieux et pensent à tout ensemble ) », Raconte Pranav à My Modern Met. Inspiré par le compte @dudewithsign, il souhaitait partager un contenu plus significatif, "comme les conseils d'un parent que nous ignorons tout le temps, pour se rendre compte plus tard qu'ils avaient raison depuis le début." Pranav pensait à juste titre que les jeunes seraient plus disposés à écouter les parents si c'était sur une plateforme où ils passent beaucoup de temps en ligne. Le compte @motherwithsign est né et compte désormais plus de 125 000 abonnés.

Mais au-delà de la renommée d'Internet, ce projet a donné à Pranav la précieuse opportunité de passer plus de temps avec sa maman. «C'est une bénédiction déguisée et tout le monde m'en remercie», dit-il. «Au contraire, je devrais remercier tout le monde pour son soutien et son accueil. Les gens écoutent, j'aimerais juste qu'ils écoutent davantage leurs parents et qu'ils discutent pour régler les problèmes avec eux (bien sûr, cela exige que leurs parents écoutent aussi – cela doit être un dialogue). J'ai la chance d'avoir de tels parents.

Avez-vous besoin de la sagesse de maman? Pranav Sapra et sa mère Poonam Sapra ont créé le compte Instagram @motherwithsign qui partage des conseils utiles.

Maman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMère avec un signeMère avec un signeMère avec un signeMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMère avec un signePoonam Sapra: Instagram
Pranav Sapra: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Pranav Sapra.

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Lampes Cloud flottantes aux couleurs changeantes qui se synchronisent avec votre musique

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Lampe nuage interactive Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Illuminez votre maison avec ce Cloud interactif lampe: un nuage cumulatif moelleux avec des lumières LED cachées qui se synchronisent avec votre musique. Conçu par Richard Clarkson Studio, Cloud interactif vient dans une gamme de tailles et de fonctions. Suspendez-le au plafond ou regroupez plusieurs nuages ​​pour recréer le ciel à l'intérieur. Partout où il est affiché, Cloud interactif unit la lumière et le son pour un effet époustouflant.

Le studio écrit: «Il y a quelque chose de magique dans les nuages, la façon dont ils flottent et glissent dans le ciel, leur transformation radicale de vaporeux et éthéré en dramatique et puissant.» Chaque Cloud interactif La lampe incarne cette philosophie éphémère dans sa lumière en constante évolution. Pour ceux qui préfèrent un look naturel, la lumière blanche du mode ambiant de la lampe illumine le nuage comme une pleine lune la nuit. Lorsque vous écoutez de la musique, les lumières LED se synchronisent avec chaque chanson pour un spectacle de lumière privé coloré.

Chaque lampe est disponible en quatre tailles: minuscule, petite, moyenne et grande. La taille moyenne du cloud est également disponible en tant que haut-parleur – tout ce dont vous avez besoin pour un concert à domicile est dans le cloud. La meilleure partie est que le Cloud interactif la lampe n'est qu'un élément de la Nuage collection par Richard Clarkson Studios. Les autres designs sont tout aussi spectaculaires. le Abat-jour Nuage vient dans une variété de tailles pour les luminaires suspendus et debout. le Nuage flottant est une lampe de table à LED qui flotte par lévitation magnétique. Inspiré des sculptures parfaitement calibrées d'Alexander Calder, le Cloud Mobile est décrit comme «objet d'art et lampe fonctionnelle à parts égales».

Bien que cette collection tombe à l'extrémité la plus chère de l'éclairage contemporain (les prix commencent à 480 $), chacun Nuage La lampe porte la décoration intérieure à de nouveaux sommets. Visitez le site Web de Richard Clarkson Studio pour découvrir l'intégralité du Nuage collection et pour en savoir plus sur chacun des modèles.

Richard Clarkson Studio conçoit un éclairage de nuage cumulatif moelleux qui se présente sous différentes formes, tailles et fonctions.

Lampe Nuage Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

le Cloud interactif lampe est une lampe LED qui se synchronise avec votre musique avec un affichage lumineux coloré.

Lampe Nuage RVB Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

le Nuage La collection de lumières, d'abat-jour et de mobiles est fantaisiste, enchanteur et éphémère, tout comme de vrais nuages.

Cloud Shade Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Lampe Mobile Cloud par Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Studio de petit nuage Richard Clarkson

Photo: Studio Richard Clarkson

Cloud Shade Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

le Nuage flottant lampe utilise la lévitation magnétique pour planer comme par magie au-dessus d'une plate-forme.

Lampe Nuage Flottant Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Parfait pour votre maison, le Nuage la collection peut également être vue dans les lieux publics. Ces pièces servent à la fois d'éclairage et d'art.

L'aéroport d'Oakland Clouds

Richard Clarkson Studio nuages ​​dans l'aéroport d'Oakland. (Photo: Studio Richard Clarkson)

Richard Clarkson Studio: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Richard Clarkson Studio.

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14 des ensembles Lego les plus cool pour enfants et adultes

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Ensemble LEGO Fiat 500

LEGO | 89,99 $
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La brique LEGO emblématique, brevetée en 1958, divertit et inspire les gens depuis des décennies. Des générations d'enfants ont perfectionné leur motricité fine et ont développé leur imagination avec ces blocs polyvalents. Pour les fans adultes, LEGO s'est développé dans des constructions difficiles et des modèles à collectionner. Les artistes contemporains utilisent même de minuscules briques en plastique pour créer d'immenses sculptures LEGO. Que vous choisissiez un ensemble ou que vous créiez du freestyle, la brique LEGO est un symbole de créativité et d'imagination.

Pour célébrer l'inspiration sans fin de LEGO, nous avons rassemblé une sélection des ensembles LEGO les plus attrayants pour tous les âges. Qu'il soit offert en cadeau ou acheté comme divertissement pendant la quarantaine, on peut parcourir le site Web de LEGO pour obtenir des informations sur tous les ensembles, y compris les âges recommandés et les avertissements concernant les petites pièces. À vos marques, prêts, créez!

Ensembles LEGO pour les plus jeunes constructeurs

Ensemble LEGO de grue à tour et de construction

LEGO | 129,99 $

le Grue à tour et construction L'ensemble pour les 2 ans et plus est inclus dans la collection LEGO DUPLO pour les jeunes constructeurs. Les plus gros blocs aident à développer la motricité fine, tandis que les personnages offrent de nombreuses opportunités pour raconter des histoires imaginatives. Les parents féministes seront ravis d'apprendre qu'il y a des ouvriers du bâtiment, hommes et femmes, représentés dans le décor, opérant et conduisant la grue fonctionnelle.

Ensembles LEGO pour enfants

Bricks Bricks Bricks Ensemble LEGO

LEGO | 59,99 $

le Briques Briques Briques L'ensemble est le booster de créativité ultime pour les enfants de «4 à 99 ans». Les 1500 pièces LEGO aux nuances brillantes sur tout le spectre de couleurs offrent des possibilités de construction presque infinies. Durables et réutilisables, ces LEGO sont un élément classique de tout coffre à jouets.

Ensemble LEGO de mission de service satellite

LEGO | 9,99 $

Vous cherchez un cadeau incroyablement abordable qui vous fait ressembler à la tante ou à l'oncle cool? Ce Mission de service satellite L'ensemble coûte moins de 10 $, mais il encourage également un intérêt pour la science et l'exploration spatiale. Pour les 5 ans et plus, les enfants peuvent utiliser Instructions PLUS avec cet ensemble de vaisseaux spatiaux. Instructions PLUS est un guide de construction 3D interactif numérique qui comprend un mode de vue fantôme (qui montre combien de modèle vous avez construit à un moment donné). Une fois construite, la figurine de l'astronaute peut vivre des aventures galactiques.

Ensemble LEGO de yacht de plongée

LEGO | 19,99 $

Alors que les vacances tropicales peuvent être suspendues pour le moment, le Yacht de plongée L'ensemble apporte l'aventure nautique à un prix raisonnable. Pour les enfants de cinq ans et plus, le yacht est complet avec un projecteur, une terrasse ensoleillée et un espace de couchage. Il y a aussi un coffre au trésor que les jeunes explorateurs peuvent trouver au fond de l'océan.

Ensemble LEGO du château mystérieux

LEGO | 99,99 $

Les préadolescents adoreront le Château mystérieux défini pour sa narration numérique effrayante. Après avoir construit avec les 1035 pièces, l'application LEGO Hidden Side AR les envoie dans une quête interactive de chasse aux fantômes. Le château s'agrandit pour inclure une cour où les figurines effrayantes peuvent jouer. Les adultes qui se souviennent des dessins animés classiques de Scooby Doo apprécieront également les vibrations surnaturelles mystiques de ce château hanté.

Ensembles LEGO pour adultes

Ensemble LEGO de fossiles de dinosaures

LEGO | 59,99 $

Les constructeurs plus matures peuvent canaliser leur paléontologue intérieur avec le Fossiles de dinosaures Ensemble LEGO. Ce ne sont pas vos pièces LEGO ordinaires, le livret d'instructions enseigne aux constructeurs la construction LEGO ainsi que les vrais fossiles. Le plus grand des trois fossiles, le Tyrannosaurus rex mesure 7 "x 15" – les trois pièces sont parfaites pour votre propre exposition digne d'un musée.

Ensemble LEGO Casque Stormtrooper

LEGO | 59,99 $

Guerres des étoiles les fans peuvent s'en réjouir Casque LEGO Star Wars Stormtrooper ensemble. Un casque Stormtrooper réaliste et méticuleusement construit est présenté avec toute l'élégance d'un buste romain. Les fans de l'Empire peuvent honorer leurs héros comme l'ont fait les Romains, en affichant leur ressemblance. Comparé à d'autres ensembles LEGO Star Wars, l'ensemble casque Stormtrooper est un point d'entrée abordable. Découvrez un ensemble Millennium Falcon abordable et sa version de luxe (l'ensemble LEGO le plus cher actuellement sur le site Web).

Ensemble LEGO Porsche 1974

LEGO | 14,99 $

le Porsche 911 Turbo 3.0 de 1974 L'ensemble est recommandé pour les 7 ans et plus, mais les adultes apprécieront peut-être le plus le réalisme du modèle. LEGO vante le «becquet arrière emblématique de la« queue de baleine ».» Un pack d'extension acheté séparément permet aux utilisateurs de «conduire» numériquement cette voiture de rêve.

Ensemble de la librairie LEGO

LEGO | 179,99 $

Les rat de bibliothèque et les hipsters se délecteront du Librairie LEGO Creator Expert ensemble. 2 504 pièces créent deux maisons de ville, dont l'une contient une charmante librairie. À l'intérieur des bâtiments, vous trouverez une cheminée, des chambres et même un caméléon. LEGO propose de nombreux ensembles de construction modulaires pour agrandir votre petite ville.

Ensemble LEGO de la grande salle de Poudlard

LEGO | 99,99 $

LEGO propose de nombreux ensembles pour les fans de Harry Potter. Si vous n'êtes pas tout à fait prêt à débourser 399,99 $ pour l'ensemble complet du château de Poudlard, le Grande salle de Poudlard est la réponse la plus abordable. De superbes poutres voûtées, un escalier mobile et le Miroir d'Érisé donnent aux constructeurs l'impression d'être entrés dans le monde des sorciers. Pour les 9 ans et plus, c'est un ensemble pour toutes les générations.

Ensemble LEGO Fiat 500

LEGO | 89,99 $

Si vous avez déjà rêvé de voyager en Italie dans une Fiat vintage, ce Fiat 500 set est la prochaine meilleure chose. Avec une trappe arrière mobile, un toit ouvrant et un capot avant, cet ensemble est comme une véritable pièce d'affichage à collectionner. Un mini chevalet et une peinture inspirent davantage les constructeurs à voyager et à vivre pleinement la vie.

Ensemble LEGO Friends Central Perk

LEGO | 59,99 $

Pour le 25e anniversaire de l'émission télévisée bien-aimée, LEGO a publié un copainsensemble LEGO sur le thème. Cet ensemble Central Perk comprend le lieu de rencontre emblématique de Ross, Rachel, Chandler, Monica, Joey, Phoebe. L'ensemble comprend des figurines des six personnages principaux, ainsi que le manager de Central Perk Gunther. Chaque personnage est également livré avec un accessoire spécifique (y compris la guitare de Phoebe pour qu'elle puisse jouer "Smelly Cat" à sa guise).

Ensemble LEGO Aston Martin James Bond

LEGO | 149,99 $

Les créations de voitures LEGO offrent quelque chose pour tout le monde. Le jaune soleil de la Fiat 500 contraste fortement avec l'élégant argent James Bond Aston Martin DB5. Une superbe réplique de 1295 pièces de la voiture de James Bond dans le film Le doigt d'or, la voiture comprend des caractéristiques mécaniques spéciales. Un siège éjectable, des faux de pneus montés sur les roues, des plaques d'immatriculation tournantes sont adaptés aux missions de 007.

Ensemble LEGO Taj Mahal

LEGO | 369,99 $

Les créateurs à la recherche d'un défi extrême peuvent aspirer à compléter l'ensemble LEGO Creator Taj Mahal. LEGO écrit: «Avec plus de 5 900 pièces, c'est l'un des plus grands modèles LEGO jamais créés.» 20,5 pouces de largeur et 16,9 pouces de hauteur, la construction finie se décompose en pièces transportables (et facilement combinables). Loin des jouets pour enfants de l’imagination populaire, cet ensemble permet aux constructeurs de créer une œuvre d’art basée sur une merveille de l’architecture.

LEGO: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube

Toutes les images via LEGO.

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Le petit-fils de Jacques Cousteau construit le plus grand centre de recherche sous-marine du monde

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Laboratoire Proteus de Fabien Cousteau

Pour Fabien Cousteau, le petit-fils de Jacques-Yves Cousteau, l'eau est un art de vivre. En tant qu'aquanaute et défenseur des océans, Cousteau a consacré sa vie à suivre les traces de son grand-père et à percer les mystères de la vie sous-marine. Désormais, il se concentre sur un nouvel objectif: créer le plus grand laboratoire de recherche sous-marine au monde.

Nommé d'après un dieu mythologique de la mer, Proteus sera un habitat habitable de 4 000 pieds carrés pour les chercheurs océaniques. S'appuyant sur l'héritage des bases sous-marines dont Jacques Cousteau a été le pionnier dans les années 1960, Proteus fait un pas en avant. Équipé de laboratoires à la pointe de la technologie, il permettra aux chercheurs de traiter leurs échantillons en temps réel. L'habitat de recherche sous-marin, qui sera situé au large de Curaçao à 60 pieds sous l'eau, deviendra l'ISS de la mer.

«Proteus offrira non seulement un accès sans précédent à l'océan pour les aquanautes et les scientifiques à bord, mais aussi pour le monde», a déclaré Cousteau à My Modern Met. «Il y aura un laboratoire de production ultramoderne sur place qui permettra de diffuser des conférences en direct, d'établir des connexions via les médias sociaux et d'organiser des entretiens avec la presse. Avoir ce type d’accès à l’océan est nécessaire pour tout changement, car, comme le disait mon grand-père: «Les gens protègent ce qu’ils aiment, ils aiment ce qu’ils comprennent et ils comprennent ce qu’on leur enseigne. Sans que la connaissance de l'océan ne soit davantage exploitée et partagée, comment pouvons-nous commencer à créer un changement significatif? »

Fabien Cousteau en Verseau

Fabien Cousteau en Verseau (Photo: Christopher Marks)

Les conceptions récemment publiées pour Proteus, qui ont été créées par Yves Béhar de fuseproject sont bien loin des bases sous-marines d'antan. En fait, ils donnent à Aquarius Reef Base, la seule station de recherche sous-marine restante, un aspect minuscule. Cousteau a passé un mois à bord d'Aquarius en 2014, et bon nombre des défis auxquels il a été confronté sont abordés dans Proteus.

Cela comprend non seulement l'ajout de laboratoires sur place, mais une disposition qui maximise la qualité de vie tout en vivant sous l'eau. La base de recherche est structurée sur deux niveaux reliés par une rampe courbe. L'espace social central est entouré de modules qui abritent des quartiers d'habitation, des laboratoires, des installations médicales et des salles de bains. Les hublots et les puits de lumière aident à apporter autant de lumière naturelle que possible, tandis que les lumières à spectre complet garantiront que les scientifiques reçoivent le minimum d'exposition aux UV nécessaire chaque jour.

L'un des avantages passionnants de Proteus est qu'il permettra une étude approfondie de la vie en haute mer. «Vivre sous l'eau donne le don de temps et la perspective incroyable d'être un résident sur le récif. Vous n'êtes plus qu'un simple visiteur », déclare Sylvia Earle, légendaire biologiste marine, exploratrice et ambassadrice océanique du Fabien Cousteau Ocean Learning Center.

Laboratoire de recherche sous-marine Proteus

Avoir une base sous l'eau atténue certains des défis que la plongée sous-marine présente aux chercheurs. La nature de la plongée signifie que pas plus de deux à trois heures par jour peuvent être passées en toute sécurité dans des eaux plus profondes. C'est un contraste frappant avec les huit à 12 heures qui peuvent être passées dans l'eau en raison de la plongée à saturation. Cette technique pour réduire le mal de compression fonctionne sur le principe qu'après 24 heures, le corps humain a atteint son niveau de saturation en azote. À partir de là, il est possible de rester indéfiniment dans un habitat sous-marin sans effets néfastes.

Actuellement, Cousteau et son organisation à but non lucratif, le Fabien Cousteau Ocean Learning Centre, amassent les 135 millions de dollars nécessaires pour construire et faire fonctionner la base pendant les trois premières années. Grâce à ce projet, il espère sensibiliser à la nécessité de faire progresser la recherche océanique.

«Bien que Proteus puisse sembler une idée folle, tous ceux qui participent à la réalisation du projet sont passionnés, compétents et audacieux», explique Cousteau. «Vous devez être, être impliqué dans quelque chose comme ça. Le défi vient avec encore plus de gens passionnants à ce sujet et illustrant à quel point l'exploration sous-marine est tout aussi impressionnante que l'exploration spatiale. Et sinon aussi important, plus important. Alors que je suis un fervent partisan de l'exploration spatiale – et j'espère un jour explorer les eaux de Mars – pourquoi aller à des centaines de milliers de kilomètres de là, alors que vous pouvez plonger sous l'eau sur notre propre planète Terre?

Proteus, une idée originale du petit-fils de Jacques Cousteau, Fabien, sera le plus grand centre de recherche sous-marine au monde.

Conception du centre de recherche sous-marineLaboratoire Proteus de Fabien Cousteau

Fabien Cousteau Ocean Learning Center: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Fabien Cousteau Ocean Learning Center.

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25 faits d '«histoire étrange» qui prouvent que le passé est fascinant et vraiment drôle

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Depuis 2011, Andrew Rader, ingénieur aérospatial et responsable de mission SpaceX, partage son amour pour les subtilités de l'histoire. Via le compte Twitter Histoire étrange, ce passionné d'histoire autoproclamé et passionné de jeux-questionnaires met en évidence certains des faits les plus intéressants et inattendus sur le passé.

Qu'il se concentre sur des artefacts intéressants comme la brosse à dents de Napoléon ou le cahier radioactif de Marie Curie ou des bouts sur l'histoire sociale, chaque tweet aide ses abonnés à en apprendre davantage sur le passé. Par exemple, vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les vêtements de bébé utilisent la couleur pour désigner le sexe? Ou à quoi ressemblait le jeu Monopoly original? Ne vous demandez plus, Rader l'a couvert.

Plus de 154 000 personnes suivent Weird History pour s'immerger dans des faits plus étranges que la fiction. Amusant pour les amateurs d'histoire et tous ceux qui aiment apprendre un peu de nouvelles anecdotes, Weird History est une mine d'informations dont vous n'auriez jamais cru avoir besoin. Et c'est un excellent moyen d'encourager les esprits curieux à approfondir une partie de l'histoire que Rader partage.

Pour célébrer le monde merveilleux de Weird History, nous avons compilé 25 de ses meilleurs tweets, alors faites défiler et vous pouvez simplement apprendre un petit quelque chose de nouveau.

Weird History est un compte Twitter qui publie des faits étranges et intéressants sur le passé.

Depuis 2011, le compte compte plus de 154 000 abonnés.

Histoire étrange: Twitter

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Fontaine pour chat non électrique élégante conçue pour garder votre chat hydraté et en bonne santé

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Chats buvant à la fontaine pour chat non électrique KittySpring

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Tous les amoureux des chats veulent ce qu'il y a de mieux pour leur ami félin, et cela inclut de s'assurer qu'ils ont beaucoup d'eau propre à boire tout au long de la journée. Bien que cela semble simple, il est facile pour l'eau de stagner ou pour votre chat de boire toute l'eau ou de faire basculer son bol pendant que vous êtes dehors pour la journée. Heureusement, KittySpring est venu pour faire de l'hydratation de votre félin préféré une expérience facile qui sera moins stressante pour vous deux.

Cette fontaine pour chat non électrique et compatible avec les moustaches contient suffisamment d'eau pour durer deux jours et est conçue pour rester debout quel que soit le nombre d'attaques de pattes auxquelles elle est confrontée. En utilisant uniquement la force de gravité, KittySpring s'assurera qu'il y a juste la bonne quantité d'eau dans le bol. Et un filtre spécial en acier inoxydable intégré signifie que l'eau restera toujours fraîche et propre.

Pourquoi le bon bol d'eau est-il si important pour votre chat? Les chats ont intrinsèquement une faible soif, ce qui les rend sujets à la déshydratation et, par conséquent, aux problèmes rénaux. Par conséquent, il est essentiel d'optimiser leur station de boisson pour la rendre agréable. Les bols ordinaires peuvent être basculés facilement et peuvent entraîner des problèmes de stress des moustaches. Le bol peu profond de KittySpring est spécialement conçu pour laisser les moustaches d'un chat en paix et sa conception légère et stable est difficile à renverser.

Fontaine pour chat KittySpring

Un autre avantage est que KittySpring n'a pas besoin d'électricité. Non seulement cela vous fera économiser sur votre facture d'électricité, mais cela vous donnera plus d'options pour savoir où placer la fontaine afin d'optimiser l'hydratation de votre chat. Et, mieux encore, l'absence d'électricité signifie que KittySpring est complètement silencieux et ne surprendra ni n'effraiera votre chat.

En fait, KittySpring est soigneusement conçu parce que les esprits derrière sont en fait des propriétaires de chats. Rayman Wu de Desimore Inc s'est lancé dans le projet après que son chat bien-aimé Oscar a été diagnostiqué de déshydratation. Après un long chemin de guérison, Oscar a appris à Wu ce qui fonctionnait – et ce qui ne fonctionnait pas – en matière d'hydratation des chats. Une fois que tout allait mieux, l'équipe de Desimore Inc a décidé de mettre leurs têtes ensemble et de proposer la fontaine parfaite pour chat.

«Lors de la conception de KittySpring, nous avons pris en compte chaque détail de la physiologie féline pour transformer l'expérience de consommation d'alcool de nos amis à fourrure en la plus agréable et la plus confortable», révèle Wu. «Nous avons également essayé d'équilibrer les préférences des chats pour l'eau courante et l'eau calme, créant une fontaine à gravité étonnante parfaite pour tous les chats. Avec KittySpring, nous espérons améliorer la vie de nos peluches, les garder en bonne santé et aider les parents de chats aimants comme vous à mieux prendre soin d'eux.

Après une campagne Kickstarter très réussie, KittySpring est maintenant disponible sur Indiegogo à partir de 38 $. L'expédition devrait commencer en janvier 2021.

KittySpring est une fontaine pour chats contemporaine conçue pour garder les chats en bonne santé et hydratés.

Fontaine pour chat KittySpring

Étant donné qu'il n'est pas électrique, KittySpring est si silencieux que votre chat peut faire une sieste à côté.

Fontaine pour chat non électrique

Le plat à eau est également conçu pour rester droit, quelle que soit la force avec laquelle votre chat essaie de le renverser.

Fontaine pour chat KittySpring

Et le bol peu profond signifie que votre chat peut boire sans irriter ses moustaches.

Chat buvant dans un bol d'eau contemporainKittySpring: Site Web | Indiegogo | Instagram | Facebook

Toutes les images via KittySpring.

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Une adorable chatte japonaise pense qu'elle est un chien comme ses frères et sœurs Shiba Inu

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Chat avec frères et sœurs Shiba Inu

Les chats et les chiens ont généralement des relations turbulentes, c'est pourquoi les gens disent souvent que les frères et sœurs qui se disputent se battent «comme des chats et des chiens». Cependant, il y a une famille heureuse et poilue au Japon qui prouve que le dicton est faux. Rencontrez Kiki, l'adorable chat American Shorthair qui vit paisiblement avec ses trois frères et sœurs Shiba Inu; Saki, Ibuki et Hazuki.

Non seulement Kiki semble apprécier la compagnie des chiens, mais elle agit en fait comme si elle était l'un d'entre eux. La tribu adorable a sa propre page Instagram, où son propriétaire partage des photos et des vidéos d'eux jouant, mangeant et même se blottissant ensemble. Les chiens semblent également totalement imperturbables par la présence de Kiki et sont capturés joyeusement assis à côté d'elle.

Alors que la plupart des chats font ce qu'ils veulent, Kiki est tout aussi obéissante que ses copains chiots. Elle a été capturée en train de poser en synchronisation avec ses frères et sœurs Shiba pour des photographies, et est même vue imitant leur comportement dans plusieurs vidéos. Une vidéo en particulier montre l'adorable groupe à l'heure du repas. Tous les quatre – y compris Kiki – sont capturés en attendant patiemment le signal de leur propriétaire indiquant qu'ils sont autorisés à commencer à manger, avant de manger à l'unisson.

Découvrez les photos et vidéos de Kiki, Saki, Ibuki et Hazuki ci-dessous. Et si vous ne pouvez pas en avoir assez de ce pack super mignon, vous pouvez les suivre sur Instagram pour en savoir plus.

Rencontrez Kiki, l'adorable chat American Shorthair qui vit paisiblement avec ses trois frères et sœurs Shiba Inu; Saki, Ibuki et Hazuki.

Chat avec frères et sœurs Shiba Inu

Elle pense et agit comme un membre de la meute.

Chat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba Inu

Kiki a même été formée pour imiter le comportement de ses frères et sœurs canins!

saki.ibuki.hazuki: Instagram
h / t: (raisin)

Toutes les images via @ saki.ibuki.hazuki.

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Faites la fête de votre sœur avec l'un de ces cadeaux uniques

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Cadeaux pour soeur

Parfois, plus vous êtes proche de quelqu'un, plus il est difficile de faire des emplettes – alors trouver un cadeau pour votre sœur? C’est beaucoup de pression. Heureusement, My Modern Met Store a rendu le processus beaucoup plus facile en organisant une sélection spéciale de produits que votre sœur adorera à coup sûr. Des accessoires à la mode aux jeux amusants, vous êtes sûr de trouver le cadeau parfait.

Votre sœur a-t-elle un côté bohème? La marque créative Shovava fabrique des écharpes et des châles exquis basés sur des motifs originaux peints à la main. Le châle Nikola est inspiré du plumage vibrant du paon, avec de grandes ailes bleues et vertes qui s'étendent sur toute la longueur du tissu. Fabriqué à partir de tissu 100% coton biologique, cet accessoire gardera votre sœur au chaud à l'intérieur comme à l'extérieur toute l'année. De même, la bague écureuil ajustable en trois pièces de Mary Lou est un moyen adorable pour elle de montrer son côté sauvage. Elle n'a qu'à mettre les trois pièces différentes et l'écureuil en émail aura l'air de se précipiter sur ses doigts vers la noix précieuse.

Une autre excellente idée cadeau pour un spectaculaire soeur est un puzzle amusant et beau – cela lui offrira une excellente façon de passer son temps libre. Le puzzle de la lune en quatre points a été salué par les amateurs de l'espace et les amateurs de puzzle. Sur la base de l'image la plus claire de la Lune à ce jour, votre sœur adorera traverser la surface rocheuse en complétant ce puzzle circulaire. Associez-le au collier courbe de phase de lune en argent pour créer un coffret cadeau d'inspiration lunaire qu'elle n'oubliera pas de sitôt.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de cadeaux pour votre sœur, et dirigez-vous vers My Modern Met Store pour parcourir toute la collection.

Surprenez votre sœur avec l'un de ces fabuleux cadeaux!

Châle Nikola

Grand jeu de tas de chat en bois

Feuilles de couleurs Viviva

Figurine articulée de Frida Kahlo

Puzzle de lune à quatre points

Kit de broderie loup

Collier de phase de lune incurvé en argent

Bague écureuil ajustable en trois pièces

Pochette livre Orgueil et préjugés

Pendentif roue de couleur

Trouvez d'autres cadeaux uniques pour votre sœur dans My Modern Met Store!

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Inktober: le défi artistique mondial qui fait dessiner tout le monde en octobre

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Inktober

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Quand il s'agit de créer de l'art, se lancer est souvent la partie la plus difficile. Cela est toutefois un peu plus facile lorsque des milliers de personnes le font en même temps. Nous avons vu comment des projets de photographie quotidiens et mensuels peuvent étirer votre imagination et apporter des développements nouveaux et passionnants dans votre travail. Mais si le dessin est plus votre style, nous avons le défi créatif parfait pour inspirer la création artistique quotidienne: Inktober. Cet événement annuel a lieu chaque année en octobre, invitant des personnes du monde entier à y participer.

Qu'est-ce que Inktober?

Inktober remonte à près d'une décennie. L'illustrateur Jake Parker l'a créé en 2009 pour améliorer ses «compétences encrage et développer des habitudes de dessin positives». Le principe est simple: chaque jour d'octobre, réalisez un dessin à l'encre et partagez-le en ligne en utilisant le hashtag #Inktober. À partir de 2016, Inktober a eu une liste d'invites officielle avec des mots pour inspirer votre routine quotidienne. Ils sont précis, mais pas trop pour que les dessins de chacun se ressemblent; il y a beaucoup de place pour l'interprétation.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Q320efwokQk (/ incorporer)

Voici les invites Inktober pour 2020:

Invites Inktober 2020

Inktober est certainement un engagement, mais il y a une marge de manœuvre si dessiner chaque jour n'est tout simplement pas possible. «Vous pouvez le faire tous les jours, ou suivre l'itinéraire du semi-marathon et poster tous les deux jours, ou simplement faire le 5 km et poster une fois par semaine», explique Parker. «Quoi que vous décidiez, soyez cohérent avec cela.» Par-dessus tout, Inktober consiste à être cohérent et à s'améliorer grâce à la pratique. Essayez d'enregistrer votre travail dans un carnet de croquis, un journal d'art ou un carnet de croquis Inktober en édition limitée!

Fournitures pour Inktober

Le nom Inktober dit tout: vous voudrez utiliser une sorte d’encre pour vos dessins d’octobre. Cependant, si vous n'êtes pas familier avec l'encre, consultez nos stylos et marqueurs de dessin préférés pour les artistes ou essayez ces stylos et ensembles très appréciés:

Réaliser un dessin quotidien est un excellent moyen de tester différents types d'encre, de pinceaux et de stylos. Mais pour tirer le meilleur parti d'Inktober, vous voudrez avoir une compréhension de base des matériaux et des techniques.

Voici quelques cours en ligne qui vous présenteront le stylo, l'encre et l'aquarelle. Mieux encore, vous pouvez les emporter dans le confort de votre studio.

Stage de dessin à l'encre, Skillshare: Vous serez prêt pour Inktober en un rien de temps après ce bootcamp, qui vous apprendra les fournitures, vous permettra de découvrir les grands maîtres du dessin à l'encre et d'acquérir de nouvelles compétences.

Techniques de dessin à l'encre, partage de compétences: Ce cours couvre les techniques de base du pinceau, de la plume et de l'encre, les bases de l'esquisse et de la numérisation, et les principes de base de l'encrage.

Plume et encre florales, partage de compétences: Dans ce cours, vous apprendrez à créer des fleurs à la plume et à l’encre avec plusieurs outils et à maîtriser les différents traits qui peuvent être créés.

Créer des illustrations avec des stylos à encre et de l'aquarelle, Skillshare: Découvrez les différents stylos que vous pouvez utiliser avec des aquarelles, ainsi que comment les utiliser avec des encres et du papier.

Illustrations inspirantes d'Inktober

Découvrez ce que d'autres artistes et illustrateurs ont proposé lors des Inktobers passés.

Inktober invite 2018

Stéphanie Mai

Inktober

Mark Richards

Dessins Inktober 2018

Nina Rintala

Invites Inktober

Paul Jackson

Invites Inktober

Vicki Tsai

Inktober invite 2018

Ramaoart

Inktober invite 2018

Mili Koey

Inktober invite 2018

Laurie Conley

Invites Inktober

@Sweeney_Boo

Inktober

Coco Abeille

Inktober invite 2018

Sibylline Meynet

Invites Inktober

Jake Parker

Liste des défis artistiques

Leigh Ellexson

Inktober invite 2018

Chen Naje

Dessins Inktober 2018

Galerie Brian

Liste des défis artistiques

Sydney Nielsen

Dessins Inktober 2018

Marie Vanderbemden

Inktober: Site Web | Facebook | Twitter | Instagram

Cet article a été édité et mis à jour.

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Des orbes réfléchissants géants, des toiles d'araignées et des plantes aériennes envahissent un palais de la Renaissance à Florence

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Constellation thermodynamique de Tomas Saraceno

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

L'artiste argentin Tomás Saraceno poursuit son exploration de l'art, de la vie et de la science avec son exposition au Palazzo Strozzi de Florence. Aria est un ensemble d'installations et d'expériences immersives qui déplacent les humains hors du centre de l'univers et leur demandent au lieu de se tenir côte à côte avec la nature pour créer une nouvelle harmonie. À travers des orbes réfléchissants, des toiles d'araignées et des plantes aériennes, Saraceno envoie un message que nous ne pouvons pas nous permettre d'attendre plus longtemps pour sauver nos écosystèmes.

«Les émissions de carbone remplissent l'air, les particules flottent à l'intérieur de nos poumons tandis que le rayonnement électromagnétique enveloppe la terre», déclare Saraceno. «Pourtant, une autre époque est possible, une époque aérocène – celle de la sensibilité interplanétaire à travers une nouvelle écologie de la pratique. Les écosystèmes doivent être considérés comme des réseaux d’interactions, au sein desquels l’écologie de chaque être vivant co-évolue. En nous concentrant moins sur les individus et plus sur les relations réciproques, nous pourrions penser au-delà des moyens nécessaires pour contrôler nos environnements et davantage sur la formation partagée de notre quotidien. Laissez la toile d'araignée vous guider ici. »

Les visiteurs sont immédiatement plongés dans le monde de Saraceno en entrant dans la cour du Palazzo Strozzi. Suspendu dans l'air est Constellations thermodynamiques, un ensemble de trois orbes qui reflètent l'architecture du palais Renaissance. Les sphères sont des prototypes de sculptures aérosolaires qui se déplaceraient librement sans frontières et sans produire d'émissions de carbone. Leur place ici est un rappel pour réfléchir aux possibilités qui pourraient s'ouvrir si nous étions aussi libres d'explorer sans barrières pour nous gêner.

D'autres salles présentent une variété d'expériences. Cela inclut les formations en forme de nuage appelées Connectome, dont les formes irrégulières et les surfaces réfléchissantes tracent les rayons du soleil, ainsi que Un imaginaire thermodynamique. Ce modèle de paysage exploite le potentiel illimité du Soleil et place les humains à leur place en les mettant à l'échelle du cosmos.

Saraceno joue également avec différents éléments comme l'air dans son installation de Jardins volants. Les plantes délicates de Tillandsia, également connues sous le nom de plantes à air, sont installées dans des sphères de verre soufflées à la main suspendues au plafond. Ces plantes, qui n'ont pas de racines, acquièrent ce dont elles ont besoin pour survivre dans l'air. De cette manière, ils se présentent comme une métaphore de l'adaptabilité et de la liberté.

Tout le voyage à travers l'exposition est centré autour de Saraceno Cartes d'arachnomancie, un ensemble de 33 cartes qui célèbrent l'interdépendance radicale de toutes choses, vivantes et non vivantes. Chaque installation du Palazzo Strozzi est liée à une carte qui crée un fil d'interdépendance. Saraceno Aria se déroule jusqu'au 1er novembre 2020 au Palazzo Strozzi.

Tomás Saraceno a transformé le Palazzo Strozzi en une expérience immersive qui fusionne l'art, la vie et la science.

Installation de Tomas Saraceno Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomas Saraceno au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Installation de l'usine d'air par Tomas Saraceno

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Jardins volants Tomas Saraceno au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomas Saraceno Connectome au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomas Saraceno Connectome au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Un imaginaire thermodynamique par Tomas Saraceno

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Aérographies de Tomas Saraceno

Photo: Studio Tomás Saraceno

Installation de Tomas Saraceno Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomás Saraceno: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Palazzo Strozzi.

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`` Circuit automobile d'allée '' par CanyonChasers

Lorsqu'un homme du nom de Dave a commencé à recevoir des alertes nocturnes de son système de sécurité domestique, il a découvert qu'un enfant du quartier entrait tous les jours dans son entrée. Le petit tyke n'a pas pu s'empêcher de profiter de la chaussée lisse sur la propriété de Dave et, par conséquent, a été capturé à la caméra à plusieurs reprises en profitant d'une promenade sournoise autour de l'allée à vélo. Cependant, plutôt que de chasser son visiteur quotidien, Dave a décidé de l'accueillir.

«Chaque soir, je recevais une alerte de la caméra de sécurité de mon entrée, et au début j'étais un peu ennuyé, mais ensuite je me suis retrouvé à attendre avec impatience l'alerte du soir», révèle Dave. «Et puis l'inspiration est venue, sous la forme de ma femme qui m'a donné cette excellente idée. Un soir, Dave a dessiné une piste de course de fortune sur son allée à la craie. Il ne fallut pas longtemps avant que le jeune garçon se présente pour profiter de la route sinueuse. Il est filmé avec enthousiasme en faisant du vélo vers la ligne d'arrivée. Chaque fois qu'il pleuvait, Dave créait un nouveau morceau, et chacun devenait plus élaboré avec le temps. Le petit garçon venait tous les jours et améliorait ses compétences en course. Dans un clip, lui et ses parents saluent la caméra en guise de remerciement.

Le plaisir ne s’est pas arrêté avec un seul enfant. L’hippodrome fait maison a attiré l’attention de tout le quartier, et bientôt plus d’enfants – et même d’adultes – ont commencé à se présenter pour faire du vélo dans l’allée de Dave. Dave dit: «Ce qui s'est passé est devenu la meilleure partie d'un été pandémique par ailleurs morne.»

La passion de Dave pour la course dépasse cependant sa cour avant. Il travaille en tant qu'instructeur de sécurité moto, et il a même une chaîne YouTube dédiée au partage de techniques de conduite et de conseils appelée CanyonChasers. Pour en savoir plus sur les mises à jour de l'hippodrome de quartier de Dave, vous pouvez le suivre sur Instagram.

Quand un gars a découvert qu'un enfant utilisait son allée pour faire du vélo tous les jours, il a décidé de le rendre encore plus amusant.

Comment ce type gère les enfants qui jouent dans son allée. de r / nextfuckinglevel

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=3xj-J0NUuk8 (/ incorporer)

Dave / CanyonChasers: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube
h / t: (Reddit)

Toutes les images via Dave / CanyonChasers.

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Icônes de la mode des amis âgés

La mode est généralement associée à la jeunesse, mais jetez un coup d'œil aux styles pimpants de Günther Krabbenhöft et Britt Kanja et vous verrez que l'âge n'a rien à voir avec cela. Ils sont tous deux impeccablement habillés. Krabbenhöft, 75 ans, porte souvent un costume trois pièces avec une variété de chapeaux, tandis que Kanja ne manque pas d'accessoires de déclaration et de robes élégantes. Il est clair que le monde est leur piste, et chaque fois qu’ils sortent, c’est un défilé de mode en direct.

Ce n’est pas la première fois que Krabbenhöft est reconnu pour son style. Il y a cinq ans, il est devenu viral pour des tenues composées d'un nœud papillon et d'un gilet associé à une paire de jeans fuselés et de bottes à lacets. Il a fait sensation sur la scène de la mode berlinoise et n’a pas cessé depuis. Krabbenhöft est maintenant un mannequin géré par MARTA PR, et il a même écrit un livre intitulé Soyez vous-même, vous n’êtes jamais trop vieux pour être jeune. Le livre est centré sur la sagesse que Krabbenhöft a acquise tout au long de ses années. «Hé, peu importe ce qui t'arrive, si tu penses avoir échoué dans la vie, le jour viendra où tu verras la faiblesse comme une force», dit Krabbenhöft à propos du livre. «C'est seulement rétrospectivement que je reconnais mes propres jours de désespoir et que je peux les apprécier.»

Avec cette perspective optimiste, Krabbenhöft a appris à apprécier tout ce que la vie a à offrir – et cela se voit. Ses médias sociaux présentent non seulement ses looks qui volent la scène, mais lui apprécie la culture de Berlin avec Kanja et des amis de tous âges.

Günther Krabbenhöft et Britt Kanja sont des icônes de la mode qui prouvent que le style époustouflant existe à tout âge.

Icônes de la mode des amis âgés

Gunther Krabbenhoft et Britt Kanja dans une mode impeccable

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgés

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgés

Photo: Britt Kanja

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Icônes de la mode des amis âgés

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgés

Ils prouvent également que la danse n'a pas d'âge.

Günther Krabbenhöft: Instagram | Facebook
Britt Kanja: Instagram | Facebook

Toutes les images via Günther Krabbenhöft, sauf indication contraire. My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Günther Krabbenhöft.

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Bébé tortue couverte de Birmanie

L'une des tortues les plus menacées au monde fait son retour. le Tortue à toit birmane (Batagur trivittata) est connue pour ses grands yeux et son sourire loufoque, et maintenant ces tortues ont certainement de quoi sourire. Endémiques du Myanmar, on pensait autrefois qu'ils étaient éteints jusqu'à ce qu'ils soient redécouverts au début des années 2000. Aujourd'hui, grâce à un programme de sélection, leur nombre augmente.

Les rivières du Myanmar débordaient autrefois de tortues couvertes de Birmanie jusqu'à ce que le piégeage dans le matériel de pêche et l'exploitation de leurs œufs aient décimé la population. L'espèce elle-même est assez intéressante, les femelles devenant beaucoup plus grandes que les mâles et les mâles changeant de couleur pendant la saison de reproduction. Pendant ce temps, les mâles transforment leurs couleurs douces en chartreuse avec des marques noires. Ils sont également aimés pour le grand sourire qui leur est toujours visible.

Une fois les tortues redécouvertes, la Wildlife Conservation Society (WCS) et la Turtle Survival Alliance (TSA) sont entrées en action. Ils surveillent les bancs de sable que les femelles utilisent pour la nidification, puis collectent les œufs. Les œufs sont incubés et conservés en sécurité dans une installation du village de Limpha au Myanmar. Cela a abouti à une population captive de 1000 tortues, ce qui signifie que la tortue à toit birmane n'est plus en danger d'extinction biologique.

Éclosion de tortues couvertes de Birmanie

Cependant, ces tortues ne sont pas encore sorties du bois. Toujours répertorié comme Critiquement gravé, il ne reste que cinq à six femelles adultes et aussi peu que deux mâles adultes à l'état sauvage. L'accent sur la conservation se déplace maintenant vers la population sauvage et aide à la transition des nouveau-nés captifs vers la nature.

Pourtant, les chercheurs considèrent la tortue à toit birmane comme un succès de conservation. Et quand on considère que les tortues et les tortues ont l'un des taux d'extinction les plus élevés au monde – plus de la moitié des 360 espèces sont en danger – c'est un grand pas dans la bonne direction.

Grâce aux programmes d'élevage, la tortue à toit birmane – connue pour son sourire idiot – n'est plus en danger de disparaître.

Tortue à toit birmane

h / t: (IFLScience !, NYTimes)

Toutes les images via Myo Min Win – Programme WCS Myanmar.

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Le musée du bonheur

Le Musée du bonheur demande: «Le bonheur est-il à vendre?» (Photo: Le musée du bonheur)

Bienvenue au Happiness Museum, «un petit musée sur les grandes choses de la vie». Situé à Copenhague, au Danemark, le musée de huit salles est le nouveau bras public du Happiness Research Institute – un groupe de réflexion consacré à la théorie et à la pratique du bonheur. Le Danemark est connu pour être l'un des pays les plus heureux du monde; cependant, le musée aborde les thèmes du bonheur, de la qualité de vie et du bien-être d'un point de vue global.

Les visiteurs du musée trouveront de nombreuses expositions interactives. Chaque salle est consacrée à une approche spécifique de l'étude du bonheur. La politique du bonheur L'exposition pose des questions sur le rôle des élections et du PIB dans la détermination du bonheur national. Dans L'histoire du bonheur salle, les visiteurs peuvent en apprendre davantage sur les philosophies du bonheur d'Aristote aux Lumières. En parcourant les publicités commerciales promettant le bonheur, on peut réfléchir aux relations entre le consumérisme, le capitalisme et le bonheur.

Certaines expositions de musée impliquent les perceptions personnelles des visiteurs du bonheur. Pouvez-vous déterminer quelle moitié de la Mona LisaLa bouche de vous sourit? Que feriez-vous si vous trouviez un portefeuille qui traîne? Comment définissez-vous le bonheur? Le Musée du bonheur demande à ses visiteurs de s'engager à un niveau personnel, et les nombreux post-it laissés avec de bons souvenirs témoignent de cette mission réussie. Le chef du Happiness Research Institute, Meik Wiking, écrit à propos de la mission du musée: «Nous espérons que les invités partiront un peu plus sages, un peu plus heureux et un peu plus motivés pour rendre le monde meilleur.»

Les visiteurs du musée repartiront également avec une meilleure compréhension du «bonheur nordique» – une connaissance qu'ils peuvent rapporter dans leur pays d'origine. Au-delà des aspects techniques des impôts et des services sociaux qui en découlent, les visiteurs auront la chance d'embrasser hygge, un mot danois décrivant une petite sensation chaleureuse. Le Musée du bonheur espère que ce sentiment apportera de la joie aux visiteurs longtemps après leur sortie du musée.

Pour en savoir plus sur leur mission et leurs expositions, visitez le site Web du Happiness Museum.

Le Musée du bonheur de Copenhague, au Danemark, est un petit musée dédié à la théorie et à la pratique du bonheur, du bien-être et de la qualité de vie.

Trust Experiment Happiness Museum

Une expérience de confiance «quelqu'un a perdu son portefeuille» au Musée du bonheur.

Musée du bonheur du sourire de Mona Lisa

Mona Lisa sourit-elle à gauche ou à droite?

Fondé par le Happiness Research Institute, le musée apporte le concept danois de hygge (se sentir à l'aise) à un public plus large. D'autres qualités du «bonheur nordique» sont explorées dans les expositions.

Musée du bonheur Hygge Corner

Les clients peuvent se détendre dans le «coin hygge».

Real Smiles The Happiness Museum

Pouvez-vous distinguer un vrai sourire d'un faux sourire?

Le musée présente huit expositions, dont deux consacrées à «La politique du bonheur» et «L'histoire du bonheur». Le musée pose des questions telles que «le PIB affecte-t-il le bonheur national?»

La politique du bonheur Le musée du bonheur

Salle «La politique du bonheur» au Musée du bonheur.

Élections Musée du bonheur

L'élection Trump a provoqué le jour le plus malheureux de cette année au Royaume-Uni, rapporte le Happiness Museum.

Saviez-vous qu'Aristote était l'un des premiers philosophes du bonheur? Les écrivains des Lumières ont aussi souvent envisagé la signification du bonheur. Vous pouvez voir leurs livres exposés au musée.

Musée du bonheur des livres

Que peuvent nous dire des livres centenaires sur le bonheur?

Aristote le premier chercheur sur le bonheur

Aristote, le premier chercheur sur le bonheur.

Les expositions peuvent être interactives, comme une expérience de confiance avec un portefeuille perdu. Les visiteurs sont également invités à apporter leurs propres définitions du bonheur.

Science du bonheur Musée du bonheur

Où trouve-t-on le bonheur dans le cerveau?

L'invité définit le bonheur

Les invités écrivent leurs propres définitions du bonheur.

Quelle est votre définition du bonheur? Les fondateurs du musée espèrent qu'il pourra apporter un peu plus de joie au monde.

Qu'est-ce que le bonheur Le musée du bonheur

Les invités répondent à la question «Qu'est-ce que le bonheur?»

Le musée du bonheur: site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Happiness Museum.

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L'artiste peint des portraits de femmes noires utilisant de vrais cheveux pour montrer la beauté des styles naturels

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Portrait de cheveux 3D par Tyler Clark

L'artiste Tyler Clark donne vie à ses peintures de femmes noires en utilisant un matériau non conventionnel. Chacun de ses portraits présente des visages peints qui incorporent de vrais cheveux afin de mettre en valeur à la fois la beauté et la polyvalence des styles naturels. «J'aime le plus les tresses et les serrures», dit Clark à My Modern Met. «Les tresses parce qu'il y a tellement de styles différents que je peux créer avec elles. J'adore les serrures car elles symbolisent magnifiquement la force et l'engagement envers moi.

Clark est allée à l'école pour les mathématiques et le génie mécanique, et elle s'est tournée vers l'art pour soulager le stress de ses cours rigoureux. «Je voulais que mon art soit différent et je n'avais jamais vu de cheveux sur l'art auparavant», explique-t-elle. «J'ai décidé de repousser les limites de ce que j'ai vu pour essayer quelque chose de nouveau. J'adore les cheveux et j'en ai beaucoup, donc c'était toujours important pour moi d'apprendre à les coiffer. Ce style artistique est pour moi un moyen de mélanger l'art et la coiffure. Depuis lors, ses portraits sont devenus viraux et ont séduit les internautes, y compris des célébrités comme Chance the Rapper.

L'utilisation de vrais cheveux témoigne d'une intention plus large derrière les superbes créations de Clark. En présentant ses sujets dans de nombreux types de coiffures élégantes, elle espère les montrer comme un vecteur d'individualité, et quelque chose dont les femmes et les filles noires devraient être fières. «En tant que femme noire aux cheveux bouclés crépus, il y a une découverte de l'amour-propre qui accompagne les cheveux», explique-t-elle. «J'avais l'habitude d'avoir un défrisant pour lisser définitivement mes cheveux parce que je ne trouvais pas de beauté dans la texture naturelle de mes cheveux. Ça a toujours semblé beaucoup à gérer. Maintenant que je suis devenu naturel et que j'ai adopté la texture de mes cheveux, je veux aider d'autres filles et femmes à faire de même.

Clark vend son travail comme des originaux ainsi que des impressions sur toile 3D avec de vrais cheveux ajoutés. Vous pouvez tout acheter via sa boutique en ligne sur son site Web.

L'artiste Tyler Clark crée des portraits de femmes noires avec de vrais cheveux.

Portrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait 3D par Tyler Clark

Les variétés de coiffures mettent en valeur la beauté et la polyvalence des cheveux naturels.

Portrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait 3D par Tyler ClarkPortrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait de cheveux 3D par Tyler ClarkPortrait de cheveux 3D par Tyler ClarkPortrait utilisant de vrais cheveux par Tyler Clark

Clark montre son travail en détail sur son Instagram:

Tyler Clark: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Tyler Clark.

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La bibliothèque audio gratuite présente «Sons de la forêt» du monde entier

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Soundmap de la forêt

Photo: Photos d'Inga Linder / Shutterstock

L'archive audio gratuite Sons de la forêt est une carte sonore interactive célébrant les bruits des forêts du monde entier. Cette bibliothèque open source d'enregistrements de la nature est gérée par Timber Festival, une célébration annuelle des forêts et des arbres basée au Royaume-Uni. Lorsque le festival physique a dû être annulé en raison du COVID-19, Timber Festival a décidé d'utiliser le pouvoir du son pour rassembler les amoureux de la nature.

Sons de la forêt montre comment les écosystèmes peuvent produire des bruits étonnamment distincts. Les enregistrements sont identifiés par emplacement; cependant, certains incluent également des notes sur les oiseaux et les insectes vocaux. Dans la forêt de Rota (sur l'île de Rota, îles Mariannes du Nord), un enregistrement tôt le matin par Andria Kroner comprend les cris d'oiseaux du Mariana Crow, du Rufous Fantail, du Micronesian Starling, du Feral Chicken et du Black Drongo. Dans la forêt de biome du parc national Banff, au Canada, le contributeur Luba D. a enregistré l'appel d'un faucon à queue rousse. L'enregistrement est enrichi par une petite histoire jointe – le contributeur a trouvé une plume délicate du faucon susmentionné. Ces enregistrements forestiers représentent un partage de sons et de souvenirs.

Les archives internationales contiennent des enregistrements de la nature de tous les continents à l'exception de l'Antarctique. Sur la carte du site, les forêts britanniques et d'Europe occidentale sont densément peuplées de sons soumis par les utilisateurs. D'autres forêts, comme l'Amazonie, ont peu ou pas d'enregistrements répertoriés. Pour élargir davantage la collection, les gens du monde entier sont encouragés à enregistrer et à soumettre leurs propres enregistrements forestiers. Pour leur célébration de 2021 dans la forêt nationale, Timber Festival écrit: «Les artistes sélectionnés répondront aux sons recueillis, créant de la musique, du son, des œuvres d'art ou autre chose d'incroyable.» Le festival prévoit d'organiser sa célébration en personne du 2 au 4 juillet 2021.

Pour ceux qui manquent du monde naturel ou qui cherchent à se détendre au son de la nature, le Festival du bois Sons de la forêt est l'évasion numérique parfaite.

L'archive audio gratuite Sons de la forêt est une carte sonore interactive célébrant les bruits des forêts du monde entier.

Sounds of the Forest Sound Map Festival du bois

Créé par Timber Festival, le projet vise à unir les amoureux de la nature du monde entier grâce au son. Les gens sont invités à utiliser les enregistrements librement et à apporter les leurs pour élargir la collection.

Découvrez les divers bruits d'oiseaux et d'insectes à travers le monde, de la buse à queue rousse à l'étourneau micronésien.

Certains enregistrements contiennent des histoires ou des notes liées à la faune des bois.

Le Festival du bois prévoit de célébrer en personne en juillet 2021. Lors du festival, les artistes présenteront un travail créatif en réponse à la Sons de la forêt archive audio.

Profitez des enregistrements relaxants et revivez les souvenirs de la forêt.

Festival du bois: Site Web | Instagram | Facebook | Twitter | Youtube
h / t: (Culture ouverte)

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Le chef japonais fabrique des bonbons Wagashi colorés qui ressemblent à de petits oiseaux

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Oiseau Wagashi par Kurokazu

Si vous avez déjà été dans une confiserie japonaise, vous savez que ce sont des trésors remplis de confiseries créatives. Un style populaire de bonbons est nerikiri wagashi (qui signifie littéralement «bonbons japonais»). Inventées au Japon pendant la période Edo, les friandises traditionnelles sont généralement préparées à partir de mochi (riz pilé), d'anko (pâte de haricots rouges sucrés azuki) et / ou de fruits. Les ingrédients mous permettent aux chefs de façonner le wagashi en toutes sortes de designs passionnants, mais il y a un roi de la confection en particulier qui porte l'art du wagashi à un nouveau niveau de créativité.

Kurokazu – qui a une confiserie appelée Wagashidokoro Kisshōan à Shōnan, préfecture de Kanagawa – fabrique d'adorables wagashi inspirés de la nature. Certains de ses desserts les plus récents prennent la forme de petits oiseaux dodus qui ont été magnifiquement décorés dans des couleurs vives. Le troupeau de Kurokazu comprend de jolis cockatiels jaunes faits de koshian (pâte de haricots rouges lisse) à l'intérieur. Le boulanger créatif fabrique également des perruches bleues et vertes. Les oiseaux bleus ont koshian à l'intérieur, et les oiseaux verts ont yuzu-an (pâte de haricots à saveur de yuzu).

Lorsqu'il ne fabrique pas d'oiseaux, Kurokazu crée toutes sortes de personnages wagashi. Il fabrique également des friandises de poisson-globe dans une variété de saveurs, ainsi que des collations inspirées des fleurs qui ont l'air presque trop jolies pour être mangées!

Faites défiler vers le bas pour découvrir le wagashi de Kurokazu et découvrir d'autres de ses créations sur Instagram et Twitter.

Le chef japonais Kurokazu fait nerikiri wagashi des bonbons qui ressemblent à de jolis petits oiseaux.

Oiseau Wagashi par KurokazuOiseau Wagashi par Kurokazu

Il prépare également ces collations inspirées du poisson-globe dans une variété de saveurs amusantes.

`` Blow Fish Wagashi '' par Kurokazu`` Blow Fish Wagashi '' par Kurokazu

Ce chef pâtissier montre sans fin sa créativité!

Lapin Wagashi par KurokazuCitrouille Wagashi par KurokazuWagashi par KurokazuWagashi par KurokazuKurokazu: Instagram | Twitter
h / t: (raisin)

Toutes les images via Kurokazu.

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Emballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera Zvereva

Les bons graphistes savent comment créer des emballages alimentaires accrocheurs qui se démarquent sur les rayons des supermarchés, et l'artiste russe Vera Zvereva ne fait pas exception. Le talentueux designer – qui travaille en tant que directeur artistique pour l'agence de marque Depot – a été chargé de repenser l'emballage de quatre produits laitiers de la ligne Bryansk Dairy Plant (Milgrad). Le résultat? Un adorable motif de chat bleu qui crée différents récits en fonction de la présentation de l'emballage.

Le marché laitier occupe plus de 22% de la structure des produits alimentaires FMCG, ce qui signifie qu'il est assez surpeuplé en termes de marques. C'est pourquoi Zvereva a décidé de concevoir des emballages uniques qui attireraient l'attention des consommateurs et les encourageraient à essayer les produits Milgrad. Le nouveau design de l'emballage présente un adorable chat bleu aux yeux écarquillés qui est illustré dans diverses poses ludiques. Depot dit: «Il regarde le consommateur avec intérêt, joue avec une corde, regarde dehors ou se fige par anticipation.»

L'illustration du chat se déplace d'un côté de l'emballage à l'autre, créant plusieurs options d'affichage sur les étagères. Même les codes-barres des produits sont en forme de griffes comme une tête de chat. Nous sommes sûrs que Zvereva se sent comme "le chat qui a eu la crème" avec ces designs d'emballage parfaits.

Découvrez le nouvel emballage de lait Milgrad ci-dessous.

La directrice artistique russe Vera Zvereva (de Depot) a créé ces adorables designs d'emballage pour les produits laitiers de Milgrad avec un chat bleu ludique.

Emballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera Zvereva

L'illustration du chat se déplace d'un côté de l'emballage à l'autre, créant un nouveau récit en fonction de la façon dont ils sont affichés.

Emballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera Zvereva

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=FZ_Pc-MpgAY (/ incorporer)

Vera Zvereva: Facebook | Behance

Toutes les images via Vera Zvereva / Depot.

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Le designer révèle les polices utilisées dans les logos des plus grandes marques du monde

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Police Starbucks

Starbucks

Avez-vous déjà regardé un logo et pensé: "De quelle police s'agit-il?" Eh bien, le designer Emanuele Abrate répond à cette question avec son projet fascinant appelé Logofonts. Comme son nom l’indique, Abrate révèle les polices utilisées dans certaines des plus grandes marques du monde, de Nike à Spotify en passant par YouTube. Il montre exactement comment ils sont utilisés en définissant le nom de la police de la même manière qu'il apparaît dans le logo de l'entreprise.

Le but de Logofonts est simple. "Il s'agit d'essayer de savoir quelle police a été utilisée pour le logo (ou quelle police a été modifiée ou utilisée comme base, puisque la plupart des logos célèbres utilisent une typographie personnalisée)", explique Abrate à My Modern Met. Cela implique de la recherche. «Je consulte les différents manuels de la marque, puis je compare visuellement la police d'origine avec le logo. Je reconnais souvent la police en un coup d’œil, mais je m’aide aussi avec des outils comme WhatTheFont, ou je consulte les différents forums. »

En parcourant le populaire Instagram de Logofonts, vous verrez combien d'entreprises utilisent une variante d'Helvetica dans leur image de marque. Mais cela ne devrait pas être une surprise: la quantité de polices qu'elle propose, associée à son esthétique épurée, fait de cette police un excellent choix pour une variété de marques. (Il existe même un excellent documentaire sur l'héritage d'Helvetica.)

Abrate aborde cette tendance en réfléchissant au projet jusqu'à présent. «Chaque police de logo est pour moi une découverte surprenante», explique-t-il. «Le plus intéressant est d'observer comment la même police peut prendre un visage différent selon le logo où elle est utilisée et selon le poids Omega, Supreme, Gillette, PayPal, RedBull utilisent Futura, mais elles ont un impact complètement différent, approche et humeur.

Faites défiler vers le bas pour voir quelles polices les grandes entreprises ont utilisées. Pour en savoir plus, suivez le Instagram de Logofonts.

Dans son projet Logofonts en cours, le designer Emanuele Abrate révèle les polices utilisées dans certaines des plus grandes marques du monde.

Police Twitter

Twitter

Police USA Today

"États-Unis aujourd'hui"

Police cible

Cible

Police Reddit

Reddit

Police Spotify

Spotify

Police Whatsapp

WhatsApp

Police de Trip Advisor

Conseiller de voyage

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Facebook

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Google Maps

Police de Tiktok

TIC Tac

Police Instagram

Instagram

Police Adidas

Adidas

Police Nike

Nike

Police Adobe

Adobe Creative Cloud

Logofonts: Instagram
Emanuele Abrate: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Emanuele Abrate.

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Ces carnets de croquis révolutionnaires ont été spécialement conçus pour Inktober

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Feuilles de couleurs Viviva

Chaque année, des milliers de créatifs de tous niveaux participent à Inktober, un défi artistique d'un mois qui oblige les participants à dessiner quelque chose chaque jour ou chaque semaine. Maintenant, l'illustrateur et créateur primé d'Inktober, Jake Parker, s'est associé à la marque créative Viviva pour présenter un nouveau carnet de croquis révolutionnaire afin de rendre le prochain défi artistique encore plus amusant.

Appelé le Carnet de croquis facile, cette offre d'art en édition limitée a été récemment lancée sur Indiegogo et a déjà reçu un financement complet. Il est répertorié comme "le premier carnet de croquis au monde avec un miroir de dessin parfaitement intégré" et est fabriqué avec "des matériaux de la plus haute qualité et proposé à un prix très abordable spécialement pour Inktober!" Le hardbound Carnet de croquis facile est disponible dans un format A5 standard (5,8 x 8,3 pouces), dispose d'une couverture en similicuir et comprend un tampon argenté avec les logos Inktober 2020 et Viviva. Chaque carnet de croquis comprend également 64 pages de papier Lessebo Design, un demi-miroir en acrylique de haute qualité et un support de fente en aluminium fraisé correspondant pour permettre aux artistes de dessiner des images affichées sur leur téléphone. «L'art peut sembler intimidant et un défi comme Inktober encore plus», admet Viviva, «mais avec les bons outils, cela peut être rendu amusant et facile.»

Ils publient également trois autres carnets de croquis avec des fonctionnalités légèrement différentes. Il y a le carnet de croquis A5 Ivory avec 64 pages de papier lisse Lessebo Design, le carnet de croquis A5 Cotton avec 40 pages de papier coton texturé et le carnet de croquis Square Cotton avec 40 pages de papier coton texturé. Tous les carnets de croquis Viviva et Inktober s'ouvrent à plat et incluent la liste d'invites Inktober 2020. En outre, Viviva a publié une édition spéciale de son ensemble de feuilles de couleurs, comprenant 3 couleurs d'encre ainsi que du blanc dans le même format de livret portable.

Vous pouvez acheter l'édition limitée de Viviva et Inktober Carnet de croquis facile pour 30 $, les autres carnets de croquis pour 20 $ et les feuilles de couleurs de l'édition Inktober pour 20 $ via Indiegogo. Assurez-vous d'agir rapidement car les fournitures sont limitées. Toutes les commandes passées avant le 16 septembre seront exécutées à temps pour Inktober. De plus, vous pouvez trouver les feuilles de couleurs originales de Viviva dans My Modern Met Store.

La marque créative Viviva s'est associée à Inktober 2020 pour créer un nouvel ensemble révolutionnaire de fournitures artistiques pour le défi d'un mois de cette année.

Feuilles de couleurs Viviva

Appelé le Carnet de croquis facile, cet outil comporte un demi-miroir acrylique spécial pour le dessin.

Feuilles de couleurs Viviva

De plus, Viviva et Inktober publient 3 autres carnets de croquis avec des fonctionnalités légèrement différentes.

Feuilles de couleurs VivivaFeuilles de couleurs Viviva

Viviva publie également une édition spéciale Inktober de ses feuilles de couleurs avec 3 nouvelles couleurs d'encre ainsi que du blanc.

Feuilles de couleurs VivivaFeuilles de couleurs VivivaFeuilles de couleurs Viviva

Regardez cette vidéo pour en savoir plus sur Easy-Sketchbook:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=wGFQbJUaPjk (/ incorporer)

Et en savoir plus sur les feuilles de couleurs Viviva ici:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=uUUnTKhsKNg (/ incorporer)

Feuilles de couleurs Viviva: Site Web | Facebook | Instagram
Inktober: Site Web | Instagram | Twitter

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L'Apple Store de Singapour est une élégante bulle de verre flottant à Marina Bay

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Apple Store - Marina Bay Singapour - Foster + Partners

La Marina Bay de Singapour est déjà emblématique pour son architecture, et maintenant, grâce à Apple, une nouvelle structure contemporaine contribue à améliorer la région. Conçu par les architectes Foster + Partners, Apple Marina Bay Sands est le premier Apple Store entièrement entouré d'eau.

L'espace futuriste est une belle suite à l'Apple Store de Bangkok récemment ouvert par l'entreprise, qui a pris la forme d'un arbre. À Singapour, les architectes ont créé une sphère moderne influencée par le passé. Foster + Partners s'est inspiré du célèbre Panthéon de Rome, interprétant le morceau de l'architecture romaine antique en quelque chose de contemporain.

La structure autoportante est entièrement en verre, avec seulement 10 meneaux verticaux assemblant les 114 panneaux. Cela donne un panorama impressionnant à 360 degrés des environs. À l'intérieur, des pare-soleil circulaires soulagent la chaleur et se rassemblent jusqu'à un oculus central, qui rappelle à nouveau le Panthéon.

«Le dôme semble éphémère», a déclaré Stefan Behling de Foster + Partners. «L'effet est très apaisant, et l'intensité et la couleur changeantes de la lumière sont fascinantes. Ce n’est pas seulement une célébration des produits incroyables d’Apple, mais une célébration de la lumière. »

Apple Marina Bay Sands est accessible via un tunnel sous-marin de 147 pieds de long depuis le centre commercial voisin, donnant aux visiteurs le sentiment qu'ils pénètrent dans un bâtiment flottant. Ce tunnel est une extension de l'expérience Apple, car il est bordé de marchandises et dispose d'un bar Genius au centre.

Plus qu'un simple espace de vente au détail, cet Apple Store, le troisième à Singapour, dispose également d'un mur vidéo qui offre Aujourd'hui chez Apple sessions pour artistes et créateurs locaux. Les entrepreneurs et les développeurs sont également encouragés à rencontrer l'équipe Apple pour obtenir des conseils et une formation dans sa première salle de conférence sous-marine située au niveau inférieur.

En continuant à repousser les limites de ses magasins, Apple laisse une architecture de pointe contribuer à renforcer le message derrière sa marque. Si vous êtes prêt à découvrir Apple Marina Bay Sands, il est désormais ouvert au public sur rendez-vous pour aider à maintenir des politiques de distanciation sociale.

Apple a ouvert son premier magasin pour s'asseoir entièrement sur l'eau.

Apple Store - Marina Bay Singapour - Foster + Partners

Situé à Singapour, Apple Marina Bay Sands s'est inspiré de l'architecture classique du Panthéon.

À l'intérieur de l'Apple Store à Marina Bay Singapour

Outre le shopping, l'espace est également mis en place pour des présentations interactives et des formations.

Femme parcourant des articles à l'Apple Store de SingapourApple Store Singapore Interior par Foster + PartnersIntérieur de l'Apple Store Singapour

Foster + Partners: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (dezeen)

Toutes les images via Apple.

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6 sculptures de Jeff Koons qui ont contribué à définir sa carrière inspirée de la culture pop

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Art Jeff Koons

Photo: Photos de 360b / Shutterstock

Depuis les années 1980, le célèbre artiste Jeff Koons fait de l'art qui remet en question notre perception de la culture de consommation. Il a d'abord choqué le monde de l'art en exposant des aspirateurs commerciaux sous forme de sculptures, suscitant un dialogue sur le rôle des objets matériels dans nos vies. Depuis lors, son travail et son style ont évolué pour inclure certaines des sculptures les plus célèbres de l'art contemporain. Des statues inspirées de la culture pop aux sculptures d'animaux géants en ballon, ses pièces continuent d'inviter les spectateurs à interroger la réalité de manière ludique.

«Le travail de l'artiste est de faire un geste et de vraiment montrer aux gens quel est leur potentiel», a dit un jour Koons. «Il ne s'agit pas de l'objet, ni des images; il s'agit du spectateur. C'est là que l'art se produit. »

Voici six œuvres de Jeff Koons qui montrent comment sa pratique artistique a évolué au fil des ans.

Nouveaux cabriolets Hoover, 1981-1987

Koons a commencé à créer sa première série d'œuvres d'art, intitulée Le nouveau, en 1979 alors qu'il était encore un artiste inconnu et travaillait comme courtier à Wall Street. Tout au long des années 80, il a présenté des aspirateurs dans des vitrines en plexiglas éclairées par un éclairage fluorescent industriel.

Koons a grandi dans les années 1950 lorsque les familles américaines ont été encouragées à adopter des rôles de genre traditionnels et à afficher leur statut à travers les objets qu'elles possédaient. En glorifiant ainsi les aspirateurs, l'artiste invite les spectateurs à réexaminer les objets du quotidien en tant que symboles de genre, de propreté et de classe.

Michael Jackson et bulles, 1988

Cette sculpture opulente et plus grande que nature est basée sur une photographie de presse de Michael Jackson et de son singe de compagnie, Bubbles. L'utilisation intensive de l'or par Koons fait référence aux statues religieuses médiévales et modernes ainsi qu'au coût du statut de célébrité et de la renommée. «Je voulais le créer à la manière d'une icône très divine», a expliqué Koons. «Mais j'ai toujours aimé la radicalité de Michael Jackson; qu'il ferait absolument tout ce qui était nécessaire pour pouvoir communiquer avec les gens.

Chien ballon (rouge), 1994-2000

Désormais parmi les œuvres d'art contemporain les plus emblématiques, Chien ballon (rouge) fait partie de Koons » Fête séries. C’est l’une des nombreuses sculptures inspirées de personnages gonflables. «J’ai toujours aimé les animaux en ballon parce qu’ils sont comme nous», a déclaré Koons à propos de la série ludique: «Nous sommes des ballons. Vous respirez et vous inspirez, c’est un optimisme. Vous expirez, et c'est une sorte de symbole de mort. "

Bien qu'il semble qu'il puisse éclater avec une épingle, Chien ballon (rouge) est en acier inoxydable poli miroir recouvert d'un vernis transparent. Koons a également créé des versions plus petites et à collectionner de cette sculpture, ainsi que des cygnes en ballon, des lapins, des singes et même des Vénus.

En 2013, son 10 pieds de haut Chien ballon (orange) a été acheté pour 58,4 millions de dollars chez Christie’s, établissant un nouveau record pour l’œuvre la plus chère jamais vendue aux enchères par un artiste vivant. Koons a conservé cet honneur pendant cinq ans jusqu'à ce que le peintre David Hockney Portrait d'un artiste (piscine à deux personnages) vendu pour 90,3 millions de dollars (frais inclus) en novembre 2018. Koons a ensuite récupéré le titre en 2019 lorsqu'il a vendu sa sculpture en acier inoxydable de 1986 lapin pour 91,1 millions de dollars.

Pâte à modeler, 1994-2014

Servant de mémorial coloré à l'enfance, Koons a créé l'une de ses sculptures les plus grandes et les plus complexes, Pâte à modeler, entre 1994 et 2014. Bien qu'il semble être fabriqué à partir du matériau de modélisation souple, la pièce comprend en fait 27 pièces d'aluminium imbriquées, maintenues ensemble par la seule gravité. La pièce géante a été inspirée par le propre fils de Koons qui, enfant, a présenté à son père un monticule similaire de Play-Doh. «Il était si fier. Je l'ai regardé, et j'ai pensé que c'était vraiment ce que j'essayais de faire chaque jour en tant qu'artiste, faire des objets sur lesquels on ne peut pas porter de jugement », se souvient Koons. «Que c'est parfait, que vous expérimentez simplement l'acceptation.»

Pâte à modeler fait également partie de Koons » Fête série, dans laquelle l'artiste s'est concentré sur la mise en évidence du passage du temps. De nombreuses pièces font référence au cycle de la naissance, de la croissance et de la volonté humaine de procréer. "Pâte à modeler est un objet qui capte l'énergie brute de la création », dit Koons. «Oui, nous pouvons tous être des artistes.»

Hulk (Amis), 2004-2012

Hulk (Amis) fait partie de Koons » Hulk Elvis série dans laquelle l'artiste a basé un certain nombre de sculptures sur le personnage de bande dessinée, l'Incroyable Hulk. Les sculptures astucieuses ressemblent étroitement à l'apparence des structures gonflables en vinyle, mais chacune est en fait construite en bronze polychromé. La fascination continue de Koons pour les structures gonflables encourage le spectateur à remettre en question ce qui est réel et défie ce qui devrait être considéré comme des beaux-arts.

Les Hulks de Koons représentent le lien entre la culture de la bande dessinée occidentale et le concept de genre. Koons explique: «Ils sont là en tant que protecteurs… mais en même temps, ils peuvent devenir très, très violents. Les Hulks sont comme ça – ce sont vraiment des symboles à haute teneur en testostérone. " C'est peut-être mieux capturé dans Hulk (Amis), où les six personnages gonflables sont perchés sur ses épaules. Koons révèle que ce Hulk en particulier est «un gardien, un protecteur, qui est en même temps capable de faire tomber la maison».

Ballerine assise, 2017

Installé au cœur du Rockefeller Center de New York, Ballerine assise fait partie de Koons ' Antiquité série, qui fusionne l'imagerie de l'art ancien et moderne. La danseuse – posée élégamment laçage de ses chaussons de ballet – fait référence à la mythique déesse romaine Vénus, qui englobe l'amour, la beauté, le sexe et la fertilité.

Le sujet est basé sur une petite figurine en porcelaine d'un artiste ukrainien nommé Oksana Zhnikrup. Cependant, Koons est allé beaucoup plus grand et a créé une version du danseur qui mesure 45 pieds de haut. Doté d'une surface en nylon miroir, le matériau permet au spectateur de se voir dans la sculpture. «Dans une surface réfléchissante, votre existence est affirmée», a expliqué Koons. «Lorsque vous bougez, votre réflexion abstraite change. L'expérience dépend de vous; cela vous permet de savoir que l'art se déroule à l'intérieur de vous.

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Toutes les images via Jeff Koons.

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Travail à domicile

Photo: Photos de Wivoca / Shutterstock

Le travail à domicile est devenu un mode de vie pour beaucoup d'entre nous. Si vous étiez soudainement poussé à faire des affaires depuis votre table à manger et que vous avez maintenant envie d'un espace qui vous appartienne, cherchez de l'aide dans une petite maison élégante. Les hangars de travail à domicile sont devenus extrêmement populaires car ils offrent une intimité et une certaine distance bien nécessaire de vos autres espaces de vie.

Les hangars préfabriqués sont fabriqués par un certain nombre d'entreprises qui offrent différents styles et caractéristiques. Beaucoup mesurent environ 100 pieds carrés. Cela les rend suffisamment grands pour un bureau et des sièges, il est donc temps d'aller au travail, votre environnement dédié sera sans distraction. Et leur commodité ne s'arrête pas là; d'un point de vue logistique, ces structures ne sont pas assez grandes pour nécessiter un permis de construction (bien que vérifiez les réglementations de votre région).

Faites défiler vers le bas pour voir quelques options pour les hangars préfabriqués qui amélioreront votre travail à la maison. Vous ne pouvez pas battre ce trajet!

Les hangars de travail à domicile sont un moyen populaire de se distancier de vos autres espaces de vie.

Mini bureau

Travail à domicile

Photo: Dwellito

Le Mini Office de Dwellito commence petit, avec des modèles de 64 pieds carrés et des tailles allant jusqu'à 112 pieds carrés. Il est conçu avec un espace de travail à l'esprit et les structures plus grandes peuvent accueillir jusqu'à deux bureaux. Vous choisissez les finitions et les extras, qui comprennent une unité de climatisation et un rideau de fenêtre transparent.

Pod de travail Zen

Travail à domicile

Photo: autonome

Autonomous est connu pour son mobilier de bureau, mais il s'est aventuré dans le monde des hangars préfabriqués avec son Zen Work Pod. Minimaliste dans sa conception, l'espace de travail est destiné à promouvoir un style de vie de travail productif. Il n'a pas de détails de conception inutiles et cultive une sensation d'ouverture avec des plafonds voûtés. Cet espace est idéal si vous voulez votre nouvelle configuration maintenant; le pod est livré dans les deux à quatre jours suivant l'achat et l'assemblage peut être fait en moins de 72 heures.

Studio de luxe moderne

Petite maison dans la cour

Photo: Kanga

Peut-être voulez-vous quelque chose de plus qu'un simple espace pour un bureau. Si vous cherchez un moyen de pratiquer le yoga dans votre hangar de travail à domicile, optez pour le Modern Studio Luxe de Kanga. L'espace de 320 pieds carrés a une grande aire ouverte avec de la place pour une salle de bain. Lorsqu'il n'est pas utilisé comme bureau, il peut être une maison d'hôtes pour un visiteur de l'extérieur de la ville.

Hangar moderne

Petite maison dans la cour

Photo: hangar moderne

Déclarant que chaque espace est «fait sur mesure pour vous», Modern-Shed propose trois tailles différentes de structures allant de petite à grande. Vous travaillerez avec un spécialiste de l'entreprise pour créer un abri qui correspond à vos besoins, que ce soit de la place pour un bureau ou quelque chose de plus.

Remise de studio

Petite maison dans la cour

Photo: Remise de studio

Studio Shed crée des espaces de bureau dans une variété de tailles qui peuvent être personnalisés dans leur configurateur 3D. Cela vous permet de concevoir un lieu qui tiendra compte de votre environnement. Des centaines d'orientations de fenêtres et de portes sont possibles afin que vous obteniez toute la lumière naturelle que vous pouvez dans votre bureau.

YardPods

Petite maison dans la cour

Photo: YardPods

Desservant la grande région de la baie de San Francisco, YardPods a quelque chose pour tout le monde, que vous soyez un bricoleur passionné ou que vous préfériez une unité clé en main. Leurs espaces – la plupart mesurant 120 pieds carrés ou moins – peuvent être assemblés par leur équipe ou par vous, en fonction de leurs dessins de construction.

Summerwood

Petite maison dans la cour

Photo: Summerwood

Summerwood possède une variété de structures extérieures, allant des gazebos aux maisonnettes pour enfants en passant par les bureaux pour adultes. Leur Urban Studio a un style élégant et moderne et est un kit personnalisable que vous construirez (ou paierez quelqu'un pour construire) vous-même.

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10+ fournitures artistiques essentielles pour vous aider à commencer à dessiner vos propres bandes dessinées

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Fournitures d'art pour les dessinateurs

Photo: Photos de Yuliia Hurzhos / Shutterstock
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La bande dessinée est un médium passionnant qui raconte une histoire à travers une série d'images et de textes. Depuis le 20e siècle, il a gagné en popularité dans le monde entier, des bandes dessinées et bandes dessinées de super-héros aux États-Unis à la culture manga au Japon. Son utilisation de panneaux séquentiels permet une gamme de récits et d'expressions créatives.

Bien que certains artistes soient passés aux médias numériques, de nombreux dessinateurs, comme la romancière graphique primée Tillie Walden, continuent de raconter des histoires au crayon et au papier. Vous voulez commencer à dessiner vos propres bandes dessinées? Ensuite, assurez-vous de disposer de certaines de ces fournitures artistiques essentielles pour vous aider à démarrer.

Vous recherchez plus de fournitures artistiques? Nous vous avons couvert dans notre guide des meilleurs crayons de couleur et des meilleurs crayons à dessin.

Vous voulez commencer à dessiner des dessins animés? Alors assurez-vous d'avoir ces fournitures artistiques!

Des crayons

Comme les autres formes d'art traditionnelles, la bande dessinée commence également par une phase de dessin, il est donc important de trouver le bon ustensile de dessin pour votre processus. Alors que certains dessinateurs préfèrent un crayon en bois avec une avance plus douce qui les aidera à dessiner rapidement, d'autres peuvent préférer le contrôle d'un porte-mine. Une autre option populaire est un crayon bleu sans photo, qui crée des marques qui ne seront pas détectées par un appareil photo ou un scanner pour arts graphiques.

Crayons Palomino Blackwing (Ensemble de 12)

Crayons Blackwing

Blackwing | 24,95 $

Crayon Pentel Graph Gear 500 (0,5 plomb)

Crayon mécanique par Pentel

Pentel | 5,66 $

Crayon sans photo Staedtler

Crayon non photo

Staedtler | 2,16 $

Papier

Le papier le plus populaire pour les dessinateurs est Papier Bristol. Ceci est disponible en deux surfaces différentes: lisse ou vélin. La surface lisse est très appréciée des supports pour stylos et encres car elle permet à l'encre de glisser facilement sur le papier. D'autre part, la surface en vélin peut être utilisée avec une plus large gamme de supports secs et donnera au crayon ou au stylo un peu plus d'adhérence pour travailler avec.

Papier Bristol lisse de la série 300 Strathmore (9 "x 12")

Bristol lisse

Strathmore | 6,73 $

Papier vélin Bristol série 300 Strathmore (11 "x 14")

Papier Bristol

Strathmore | 12,71 $

Règles et boussoles

Un autre outil essentiel que chaque dessinateur devrait avoir sur son bureau de dessin est un règle. Cela vous aidera à mesurer les panneaux et à dessiner des lignes régulières. De même, un boussole ou rapporteur est un excellent ustensile pour vous aider à dessiner des cercles.

Règle en acier inoxydable Blick (12 ″ —24 ″)

Règle de Blick

Blick | 4,72 $ – 7,76 $

Boussole Bow Alvin

Boussole Alvin

Alvin | 19,58 $

Stylo et encre

Une fois que vous avez dessiné, mesuré et rédigé votre bande dessinée, il est temps de la revoir à l'encre. Cela peut être fait de différentes manières, il peut donc falloir quelques essais pour trouver ce qui convient le mieux à votre style et à votre histoire. Certains des outils d'encrage les plus couramment utilisés par les dessinateurs sont stylos plongeurs ou des pinceaux, qui sont utilisés avec encre indienne, rechargeable stylos pinceaux, technique stylos à pointe fine, et stylos.

Ensemble de projet de stylo et de plume de dessin animé Speedball

Ensemble de dessin animé de speedball

Speedball | 9,34 $

Encre de Chine Speedball Super Black Waterproof (2 oz)

Encre indienne

Speedball | 4,28 $

Stylo pinceau Kuretake

Stylo pinceau Kuretake

Kuretake | 31,71 $

Sakura Manga Comic Pro Set – Ensemble d'esquisse et d'encre, lot de 8

Stylos Sakura

Sakura | 18,42 $

Stylo Plume Pilot Metropolitan Collection

Stylo Plume Pilot

Pilot | 21,99 $

Besoin d'un peu plus d'aide avant de commencer? Alors procurez-vous des livres d'art!

Besoin d'une aide supplémentaire avant de commencer à dessiner? Ne pas s'inquiéter! Il existe une variété de manuels de dessin qui vous guideront à travers les tenants et les aboutissants de la création de bandes dessinées.

Faire des bandes dessinées par Lynda Barry

Faire des bandes dessinées

Lynda Barry | 16,19 $

Comprendre les bandes dessinées par Scott McCloud

Comprendre les bandes dessinées

Scott McCloud | 19,99 $

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Une carte interactive révèle comment votre ville natale s'est déplacée sur Terre pendant des millions d'années

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Carte de la Terre ancienne de New York il y a 120 millions d'années

La ville de New York a effectué le tombé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 120 millions d'années.

Une nouvelle carte interactive permet à quiconque de retracer les changements géographiques de sa ville natale à travers des millions d'années d'histoire de la Terre. Intitulé Ancient Earth, le site est facile à utiliser. Les utilisateurs commencent simplement par déposer une épingle à l'emplacement de leur choix. Ils peuvent ensuite choisir parmi une gamme de dates remontant à 750 millions d'années et observer comment les masses terrestres transportant leur emplacement se sont déplacées, combinées et séparées sur les plaques tectoniques de la Terre.

En plus de suivre leur propre emplacement, les utilisateurs peuvent faire défiler des millions d'années d'histoire. Le globe 3D tourne et tourne un peu comme Google Earth, permettant une vue complète de la Pangée et d'autres formations continentales. Les utilisateurs peuvent même choisir de supprimer les nuages ​​éparpillés sur la surface de la Terre pour obtenir une vue plus claire.

Utile pour les étudiants et les enseignants, un menu déroulant permet aux utilisateurs de trouver des repères monumentaux dans l'histoire de la Terre. Par exemple, les premières plantes terrestres sont apparues il y a 430 millions d'années pendant la période silurienne. Pendant cette période charnière, une extinction massive menaçait les invertébrés marins. Et il y a environ 120 millions d'années, les premières fleurs ont évolué, mais pas dans toutes les régions des États-Unis modernes. Selon une recherche à Sarasota, l'État de Floride et la côte du golfe sont restés sous l'eau jusqu'à il y a environ 35 millions d'années.

Les cartes des anciennes masses continentales et des mers (appelées paléoglobes) ont été élaborées par le géologue Christopher Scotese. L'informaticien et paléontologue Ian Webster les a ensuite visualisés à l'aide de GPlates, un logiciel qui modélise la tectonique des plaques. S'adressant à CNN à propos du projet, Webster a noté: «Cela montre que notre environnement est dynamique et peut changer.» Il a élaboré, en disant: «L'histoire de la Terre est plus longue que nous ne pouvons le concevoir, et la disposition actuelle de la tectonique des plaques et des continents est un accident du temps. Ce sera très différent à l’avenir, et la Terre pourrait nous survivre tous. » Il est facile de penser que le monde est statique, mais la Terre ancienne démontre le drame de la dérive des continents.

Essayez vous-même la carte de la Terre ancienne et apprenez-en plus sur votre ville natale.

La carte interactive Terre ancienne permet aux utilisateurs de suivre l'emplacement de leur ville natale sur la surface de la Terre sur des millions d'années.

NYC Il y a 750 millions d'années, la Terre ancienne

La ville de New York a épinglé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 750 millions d'années.

Les utilisateurs peuvent parcourir 750 millions d'années de dérive continentale et passer facilement à des événements monumentaux de l'histoire de la Terre.

NYC Il y a 430 millions d'années de la Terre ancienne

La ville de New York a épinglé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 430 millions d'années.

De nombreuses fonctionnalités utiles rendent la carte interactive facile à utiliser, notamment la suppression des nuages ​​et le zoom pour un examen plus approfondi.

NYC Il y a 90 millions d'années de la Terre ancienne

La ville de New York a épinglé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 90 millions d'années.

h / t: (IFL Science, CNN)

Toutes les images via Ancient Earth.

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Monde magique des fleurs géantes inspiré par les rituels d'accouplement élaborés des oiseaux-tiges

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Installation à grande échelle par Petrit Halilaj

L'artiste kosovar Petrit Halilaj a créé une installation fantastique, mais profondément personnelle, pour sa première exposition personnelle au Palacio de Cristal de la Reina Sofía à Madrid. Inspiré par les rituels élaborés de parade nuptiale des oiseaux-broussailles, connus pour décorer des structures pour attirer un partenaire, il a accroché d'énormes fleurs à l'intérieur de la véranda en verre.

Le travail de Halilaj aborde souvent les thèmes de la maison, de la nation, de l'amour et de l'identité culturelle. Le spectacle, intitulé À un corbeau et aux ouragans qui ramènent des odeurs d'humains amoureux d'inconnu des endroits, n'est pas différent. Cette fois, l'artiste utilise la nature pour construire un récit très personnel. Les grandes fleurs de forsythia, de palmier, de fleur de cerisier, de pavot, d'oeillet et de lys qui pendent du toit ont été construites en acier et en toile en collaboration avec le partenaire de vie de Halilaj, Álvaro Urbano.

«Je voulais concevoir le Palacio de Cristal comme un lieu de célébration de l'amour», a déclaré Halilaj. Et en démontrant publiquement leur amour, le couple fait une grande déclaration d'acceptation, en particulier lorsque ni la famille de l'artiste ni la société kosovare ne les embrassent pleinement. Cet appel à l'acceptation s'étend également à la propre nation de l'artiste, car le Kosovo n'est pas un État pleinement reconnu. En fait, l'Espagne ne reconnaît pas le Kosovo et est l'un de ses plus grands opposants à l'entrée dans l'Union européenne.

En tant que concept secondaire, l'espace de nidification créé par Halilaj au sein du Palacio de Cristal est lié à son environnement. Il ne peut pas être séparé de son environnement et ensemble, ils fonctionnent comme un tout. En ouvrant les fenêtres et en aménageant des zones d'alimentation pour que les oiseaux pénètrent dans l'espace, il se fond parfaitement à l'intérieur et à l'extérieur. Et en invitant les spectateurs à se promener parmi les immenses structures, il leur demande de réfléchir à leur propre place dans la nature.

L'exposition de Halilaj est la première à s'ouvrir à la Reina Sofía depuis la fermeture du COVID-19. En fait, la pandémie a perturbé l'installation du spectacle. Mais maintenant, après son ouverture en juillet, le monde aura jusqu'au 28 février 2021 pour assumer l'œuvre et contempler cet espace magique.

Pour sa première exposition personnelle en Espagne, l'artiste kosovar Petrit Halilaj a installé d'énormes fleurs au Palacio de Cristal.

Petrit Halilaj - À un corbeau et des ouragans qui, de lieux inconnus, ramènent des odeurs d'humains amoureuxInstallation d'art contemporain par Petrit HalilajInstallation à grande échelle par Petrit Halilaj

L'exposition, présentée jusqu'en février 2021, est un commentaire sur l'amour, l'identité et l'acceptation.

Installation d'art contemporain par Petrit HalilajPetrit Halilaj - À un corbeau et des ouragans qui, de lieux inconnus, ramènent des odeurs d'humains amoureuxPetrit Halilaj - À un corbeau et des ouragans qui, de lieux inconnus, ramènent des odeurs d'humains amoureuxInstallation de fleurs par Petrit HalilajPetrit Halilaj au Palacio de CristalPetrit Halilaj au Palacio de Cristal

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Site Web | Instagram | Facebook

Toutes les photos via ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán et Rocío Romero). My Modern Met a accordé l'autorisation de présenter des photos du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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L'artiste en carton Sydney Piercey avec des enfants

Une maman basée à Londres a répondu à l'appel de la durabilité d'une manière innovante et amusante. Sydney Piercey recycle et réutilise son excédent de carton en de délicieuses répliques d'objets du quotidien pour que ses enfants puissent en profiter. Commençant par quelques projets (un passe-temps de quarantaine) pour le divertissement des enfants de son quartier, cela a rapidement changé lorsque la jeune fille de Piercey a également attiré l'attention pour les créations. L’amour de Piercey pour la créativité et l’ingénierie s’est accéléré alors qu’elle commençait à réfléchir à différents types d’articles à construire et de matériaux à utiliser.

«Nous achetons de la nourriture pour chiens, de la bière, des lingettes pour bébé et autres en vrac, et ces boîtes retournées deviennent parfaites pour créer des appareils électroménagers», explique Piercey à My Modern Met. Les pièces lui donnent non seulement de nombreuses occasions de poursuivre une pratique quotidienne de la durabilité – quelque chose à laquelle elle s'est engagée – mais ajoutent également une touche divertissante à l'éducation de la petite enfance.

Les charmantes créations de Piercey, axées sur les détails, sont basées sur des objets réels dans sa maison, notamment un grille-pain, un fer à repasser, un lave-vaisselle, une machine à laver et un tourne-disque. Les articles sont équipés de jolis détails tels que des boutons rotatifs, des tiroirs coulissants, des coins de rangement et des éléments coulissants. «J'utilise du ruban recyclable pour tout fixer ensemble», explique Piercey, «et des chutes de carton ou des tubes de papier toilette vides pour créer des mécanismes internes afin que les créations« fonctionnent »aussi.»

Les projets constituent non seulement un défi créatif séduisant pour Piercey, mais aident également à enseigner à son aîné comment utiliser certains articles en toute sécurité et correctement. Au grand plaisir de Piercey, les répliques permettent également à son enfant d'imiter ses actions en temps réel, acquérant ces précieuses compétences de vie. «Cela me procure une grande joie de les produire, non seulement parce que ma fille aime tellement jouer et apprendre avec mes créations, mais aussi pour la satisfaction et le sentiment d'accomplissement que cela me procure. Le sentiment de donner à votre enfant un jouet qu'il aime absolument, ou qu'il a voulu depuis si longtemps, est doublé avec le fait de l'avoir fabriqué pour elle moi-même.

Le travail de Piercey illustre et met l’accent sur la valeur de l’utilisation d’articles (qui autrement iraient simplement dans une poubelle de recyclage) en tant qu’outils utiles pour la conscience environnementale et la parentalité.

L'artiste cartonnière et maman Sydney Piercey crée de délicieuses répliques d'objets réels pour que ses jeunes enfants puissent jouer avec.

Kit d'espionnage de l'artiste en carton Sydney Piercey

Chacune des pièces de Piercey comporte des détails tels que des boutons et des symboles pour aider ses enfants à se familiariser avec les appareils et objets de la vie réelle.

Cardboard Artist Sydney Piercey Baby Macbook

Les métiers de Piercey inspirent de nouvelles façons d'être créatif tout en pratiquant la durabilité.

Carton artiste Sydney Piercey Baby Mac livre

Voici d'autres exemples de ses projets ci-dessous:

Un appareil photo…

Appareil photo de l'artiste en carton Sydney Piercey

Un grille-pain…

Artiste en carton Sydney Piercey grille-pain

Un tourne-disque…

Artiste en carton Sydney Piercey tourne-disque

Un fer à repasser…

Carton artiste Sydney Piercey Iron

Une machine à laver…

Machine à laver Cartonnier Sydney Piercey

… Et un lave-vaisselle (entièrement chargé)!

Cartonnier Sydney Piercey enfant Lave-vaisselleSydney Piercey: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sydney Piercey.

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La plus grande peinture du monde par Sacha Jafri

L'artiste Sacha Jafri cherche à faire un grand changement dans le monde en utilisant son art pour collecter des fonds pour les enfants dans le besoin. Depuis mars, il passe son verrouillage COVID-19 à Atlantis The Palm à Dubaï, où il travaille sur ce qui sera la plus grande peinture sur toile au monde. Titré Le voyage de l'humanité, l'immense oeuvre fait partie de son projet Inspiré de l'humanité et sera utilisé pour collecter 30 millions de dollars pour financer des initiatives de santé et d'éducation pour les enfants vivant dans la pauvreté.

Jafri est dans la dernière ligne droite de sa peinture, qui mesure la taille de deux terrains de football, et devrait être achevée sous peu. Puis, en novembre, il sera dévoilé au public à Atlantis The Palm et évalué par le Livre Guinness des Records du Monde pour certifier qu'il s'agit bien du plus grand tableau sur toile au monde. Par la suite, la toile de Jafri sera découpée en 60 peintures plus petites et vendue lors d'une vente aux enchères caritative en décembre.

L'objectif de Jafri pour le projet n'est pas seulement de collecter des fonds pour aider les enfants, mais il est de connecter un milliard de personnes dans le monde dans un effort pour lutter contre certains des efforts dévastateurs que COVID-19 a déployés sur les communautés les plus pauvres du monde. En s'associant à des organisations comme l'UNICEF, l'UNESCO et le HCR, il espère avoir un impact réel sur la vie des enfants du monde entier.

Nous avons eu la chance de parler avec Jafri de ses objectifs pour le projet et de ce que cela fait de réaliser le plus grand tableau du monde. Continuez à lire pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Sacha Jafri crée la plus grande peinture du mondeQuelle a été la force motrice de ce projet?

Après une conversation avec l'UNICEF au début de l'année, mes yeux se sont ouverts sur le fait qu'environ 385 millions d'enfants vivent dans l'extrême pauvreté dans le monde et que ces enfants sont deux fois plus susceptibles de mourir dans leur enfance. Ces chiffres ont presque doublé au cours des quatre derniers mois en raison de la pandémie de COVID-19. Cette pandémie a touché toutes les communautés du monde entier et a coûté la vie à des milliers de personnes, mais elle a également changé notre état d'esprit, ce qui signifie que nous avons une opportunité de changement.

Mon initiative, Inspiré de l'humanité, vise à être un catalyseur d'un véritable changement sociétal à travers le cœur, l'esprit et l'âme des enfants du monde – un tremplin vers un avenir meilleur pour toute l'humanité. Je vise à connecter le monde et à reconnecter l'humanité à nous-mêmes, les uns aux autres et finalement à l'âme de la terre.

Mon tableau Le voyage de l'humanité soutiendra la fourniture d'une éducation, de soins de santé et de connectivité améliorés, et créera des fonds vitaux pour soutenir les zones et les régions les plus pauvres et les plus désespérément dans le besoin de notre planète. J'espère que ma création révolutionnaire aidera à promouvoir davantage le soutien logistique mondial pour la santé et l'assainissement dans les camps de réfugiés, les bidonvilles, les cantons, les bidonvilles, les favelas et les communautés pauvres du monde les plus touchés.

Comment la relation avec l'UNESCO est-elle née et quel est leur rôle dans le projet?

L'UNESCO et l'UNICEF ont été amenés au projet grâce à son excellence Tariq Al Gurg. Cela s'est avéré être un partenariat très puissant et significatif avec la Global Gift Foundation, nous aidant à connecter notre monde, à collecter 30 millions de dollars, à apporter une connexion Internet et une plate-forme éducative nouvellement développée via le net aux plus pauvres et aux plus désespérés, en -a besoin d'enfants de notre monde et pour la première fois donner à ces enfants une chance très réelle pour un nouvel avenir et changer le monde qui les entoure.

La plus grande peinture du monde par Sacha JafriVous êtes-vous déjà imaginé créer le plus grand tableau du monde?

Oui… j'ai le sentiment que 25 ans de ma carrière d'artiste et d'humanitaire m'ont conduit à ce point.

S'attaquer à quelque chose d'aussi grand est un défi uniquement en termes d'organisation de l'exécution. Comment abordez-vous le processus créatif à une si grande échelle?

Rien n'a été planifié, ça s'est développé au fur et à mesure mais après avoir peint 16 à 17 heures par jour pendant six mois, s'abandonnant à quelque chose de plus grand que moi, quelque chose de magique a commencé à se produire.

Le voyage de l'humanité est notre chance pour un avenir meilleur, de peindre collectivement le monde d'une couleur différente. J'ai abordé cette peinture de la même manière que l'une de mes œuvres d'art de taille normale en utilisant des pinceaux ne dépassant pas deux pouces de large. Cela a abouti à 200 à 300 couches de peinture et un récit fort commence à apparaître à travers les couches.

Quelle est la journée moyenne de travail sur ce projet pour vous?

Café, câlin de ma fille, peindre des vêtements et je suis prêt à partir.

De longues journées à peindre parfois jusqu'aux petites heures du matin.

Restez concentré sur la peinture que je crée et notre objectif de collecter 30 millions de dollars pour aider les enfants les plus pauvres de notre monde qui ont le plus désespérément besoin de notre aide.

Artiste Sacha Jafri posant avec sa peinture Le voyage de l'humanitéQu'espérez-vous que les gens retiennent du travail?

Je veux que mon travail agisse comme un choc électrique, électrise nos sens et réveille quelque chose qui est souvent endormi à l'intérieur. Je pense que la chose la plus importante que nous puissions faire en tant qu'adultes est de garder l'enfant vivant en nous tous. J'espère que mon travail nous permettra de nous reconnecter à nous-mêmes, les uns aux autres et, finalement, à "L'âme de la Terre" – rendant à nouveau le banal et trop familier magique, faisant sortir la lumière de l'obscurité pour un plus plein d'espoir, inspiré et dynamisé futur.

Avec ma peinture Le voyage de l'humanité Je vise à connecter notre monde, en nous amenant à un avenir meilleur à travers les cœurs, les esprits et les âmes des enfants de notre monde. J'espère faire cela à travers la marque, la forme, la forme, la couleur et le récit; toujours avec la plus pure énergie et intentions.

Et après?

Le dévoilement du tableau fini à Atlantis the Palm a lieu à la mi-novembre, puis le dîner de gala royal et la vente aux enchères caritative où je découperai le tableau en 60 panneaux. (Je) vise à collecter 30 millions de dollars pour les enfants les plus pauvres du monde qui ont désespérément besoin de notre aide. Tout cela est en passe de devenir le plus grand projet social, artistique et philanthropique de l'histoire, ainsi que la plus grande vente aux enchères en ligne et l'œuvre d'art la plus chère à vendre en ligne. J'ai hâte de contribuer à rendre le monde meilleur grâce au succès de cette vente aux enchères, grâce à nos partenaires caritatifs, l'UNICEF, l'UNESCO, Dubai Cares, la Global Gift Foundation et Atlantis the Palm.

Projet inspiré de l'humanité à Dubaï

Sacha Jafri – Inspiré de l'humanité: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Humanity Inspired.

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La peinture murale en 3D de tasses à thé précaires prend vie avec la réalité augmentée

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La peinture murale en 3D de tasses à thé précaires prend vie avec la réalité augmentée

Tasse de thé anamorphique murale par Leon Keer

Le street artiste néerlandais Leon Keer est un maître de l'art en trois dimensions. Il peut transformer n'importe quelle surface plane en une illusion hallucinante à l'aide de peinture. Et pour sa dernière fresque, il a créé Bouleversant, un équilibre complexe de tasses à thé qui semblent sur le point de déborder. Peint à Helsingborg, en Suède, la peinture murale de Keer est un commentaire sur la fragilité de la vie.

«La vie est aussi fragile qu'une tasse de thé», a déclaré Keer à My Modern Met. «Je veux montrer que votre vie peut être bouleversée en un instant. Vous pourriez perdre un être cher. Ou votre maison. C'est pourquoi, sur les tasses de thé, j'ai peint toutes sortes de scénarios apocalyptiques. Des marées noires à la fonte des glaciers, chaque tasse de thé est décorée d'une scène qui explore certaines des difficultés auxquelles notre planète est confrontée. En haut, la dernière tasse est sur le point de basculer et de faire tomber toute la pile.

Pour compléter l'histoire de l'œuvre d'art, Keer a collaboré avec le designer de réalité augmentée Joost Spek. En scannant la peinture murale avec l'application Leon Keer, les tasses à thé se brisent grâce à une animation spéciale. L'incorporation de cette technologie était un nouveau défi pour Keer, car elle l'obligeait à faire correspondre parfaitement sa peinture avec l'animation 3D.

En tant qu'artiste de rue, Keer est non seulement attentif aux aspects techniques de son travail, mais intègre également son art à la communauté. Pour cette raison, les tasses à thé qu'il a sélectionnées n'étaient pas peintes dans n'importe quel style. Au contraire, ils sont basés sur la céramique de Rörstrand. Cette marque suédoise est en affaires depuis 1726 et était immédiatement reconnaissable par les habitants. Cela leur a laissé quelque chose de familier, mais quelque chose qui les ferait également réfléchir à l'avenir.

Bouleversant est une nouvelle fresque murale en 3D réalisée par le street artiste Leon Keer en Suède.

Leon Keer Teacup Mural en SuèdeLeon Keer peignant une peinture muraleTravaux en cours sur la peinture murale en Suède par Leon Keer

Chaque tasse de thé est peinte d'une scène qui revient à la fragilité de la vie.

Détail de la peinture murale de tasse de thé par Leon KeerDétail de la peinture murale anamorphique par Leon KeerLeon Keer Teacup Mural en Suède

À l'aide d'une application spéciale, les téléspectateurs peuvent scanner la peinture murale et la voir prendre vie avec la réalité augmentée.

Voyez comment l'artiste a donné vie à cette incroyable œuvre d'art public.

Leon Keer: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Leon Keer.

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LIS: La peinture murale en 3D de tasses à thé précaires prend vie avec la réalité augmentée

Une mère d'épaulard qui a pleuré son veau mort donne naissance à un veau vivant et en bonne santé

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Orques J57 et J35

J35 et J57, respectivement mère et petit, nageant ensemble. (Photo: Katie Jones, Centre de recherche sur les baleines)

Tahlequah, l'épaulard dont le chagrin maternel a été ressenti dans le monde entier en 2018, a donné naissance à un veau vivant. Tahlequah (connue sous le nom de J35 pour les chercheurs) a fait l'actualité mondiale lors de la naissance de son petit il y a deux ans. Cette jeune orque est morte quelques heures après sa naissance. Dans un geste inhabituel, Tahlequah a porté son veau mort en deuil pendant 17 jours lors d'un «Tour of Grief» de 1 000 milles. Cependant, selon le Center for Whale Research, le nouveau veau de Tahlequah «semblait en bonne santé et précoce, nageant vigoureusement aux côtés de sa mère dans son deuxième jour de vie en liberté».

Le Centre for Whale Research est une institution vouée au suivi et à la préservation de la population d'épaulards résidents du sud (SRKW) dans la mer des Salish, les voies navigables côtières entre Vancouver et Seattle. Le 5 septembre, le Centre a entrepris d'enquêter sur les rapports faisant état d'une jeune orque dans le pod J. Ils étaient ravis de trouver le petit nageant aux côtés de Tahlequah, que l'on croyait à nouveau enceinte. La découverte a apporté un certain soulagement. Orca gestation depuis 18 mois et les taux de natalité diminuent en raison du stress nutritionnel et environnemental. Les chercheurs surveilleront de près le veau (connu sous le nom de J57) dans l'espoir qu'il reste en bonne santé.

Little J57 porte à 73 le nombre total d'orques dans le pod J. Les chercheurs estiment que le veau est né le 4 septembre car la nageoire dorsale met un jour à se redresser après la naissance. Le bébé orque apparaît également rosâtre sur son ventre. Ses vaisseaux sanguins reposent sous une peau fine, mais la graisse s'accumule à mesure qu'elle se nourrit. L'isolant de graisse transformera l'estomac du veau du blanc classique d'un épaulard. Les chercheurs espèrent qu'au moins un autre veau naîtra à J pod cette saison.

Pour voir plus de photos de la mère et de son petit, consultez le site Web du Centre for Whale Research. Sur le site, on peut en apprendre davantage sur les menaces auxquelles font face les groupes J, K et L des épaulards résidents du sud. La baisse du nombre est due à l'augmentation du trafic maritime, aux déversements d'hydrocarbures et à l'activité humaine ayant décimé la population de saumon quinnat. Vous pouvez souhaiter bonne chance à ce petit (et à toute sa nacelle) en soutenant les efforts de recherche et de protection des épaulards en voie de disparition.

Tahlequah, l'épaulard qui a porté et pleuré son veau pendant 17 jours en 2018, a de nouveau donné naissance à un veau en bonne santé.

Orca mère et veau nageoires dorsales

La mère et le veau montrent leurs nageoires dorsales. (Photo: Katie Jones, Centre de recherche sur les baleines)

Le Center for Whale Research a enquêté sur les rapports d'un nouveau veau dans la gousse J et a trouvé l'orque d'un jour en train de nager avec sa mère et sa gousse le 5 septembre 2020.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=0gJGQztvIt4 (/ incorporer)

Centre de recherche sur les baleines: site Web | Instagram | Facebook | Twitter | Youtube

h / t: (IFL Science)

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Cyanotype: le processus photographique qui «bleu» tout le monde était absent il y a 170 ans

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Holland Maynard Portrait Cyanotype

Day, F.Hollande, (F.H. Day et Maynard White en costume de marin, portrait), 1911, cyanotype. (Photo: Collection Louise Imogen Guiney, Bibliothèque du Congrès, Division des estampes et des photographies (domaine public))
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Le mot «photographie» dérive des mots grecs signifiant lumière (phōs) et dessin (graphé). On peut donc affirmer que les inventeurs et les photographes ont développé de nombreuses façons innovantes de «dessiner avec la lumière». Une méthode qui a été introduite au 19ème siècle est photographie cyanotype—Un procédé photographique ancien connu pour la teinte bleue brillante (cyan) de l'impression finale.

Il a été développé en 1842 par l'astronome anglais Sir John Herschel, qui cherchait un moyen de faire des copies de ses notes. Les cyanotypes offraient un moyen simple de reproduire des brouillons et des diagrammes. Et comme la photographie couleur n'existait pas encore, elle a fourni une teinte de couleur à des images autrement en noir et blanc. Les cyanotypes sont encore utilisés aujourd'hui comme support d'impression alternatif; cependant, au cours du 20e siècle, à mesure que la photographie et la technologie progressaient, la technique devint quelque peu obsolète. Il est redevenu principalement utilisé pour reproduire des diagrammes architecturaux et des notes de conception. plans.

Newspaper Row, New York

Newspaper Row, New York, v. 1900, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Adopteurs précoces et artistes contemporains utilisant le processus du cyanotype

Alors que le processus de cyanotype était le plus couramment utilisé dans la fabrication de plans, les artistes et les scientifiques ont été attirés par le médium depuis son invention. L'une des premières utilisations du procédé a été Anna Atkins, botaniste et ami de Herschel. Atkins a réalisé des impressions de photogrammes en posant un objet (plutôt qu'un négatif) directement sur la surface sensibilisée. Ses spécimens d'algues séchées ont produit de superbes photogrammes dignes d'être exposés, mais son motif était principalement d'illustrer son livre. Photographies d'algues britanniques: impressions cyanotypiques. En raison de son travail avec le cyanotype, Atkins est considérée comme la première femme photographe.

Cyanotype d'algues Anna Atkins

Photogramme cyanotype d'algues par Anna Atkins. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Produits au XXe siècle, les cyanotypes ont finalement été dépassés par d'autres techniques d'impression. Récemment, des artistes modernes ont relancé le processus pour sa facilité et son attrait esthétique. L'artiste et compositeur suisse américain Christian Marclay a utilisé des procédés de photogramme cyanotype pour capturer des «collages sonores» de cassettes et de disques. La photographe Kate Cordsen crée également des cyanotypes éthérés sur du lin.

Écoliers DC Cyanotype

Johnston, Frances Benjamin. (Enfants faisant de la callisthénie assis à leur bureau dans une salle de classe, écoles publiques de la 5e division, Washington, D.C.), v. 1899, cyanotype. (Photo: Collection Johnston (Frances Benjamin), Bibliothèque du Congrès, Division des estampes et des photographies (domaine public))

Le processus de cyanotype

Comparé à d'autres procédés photographiques, le processus de cyanotype (aka le processus de plan directeur) est chimiquement simple. Des solutions de ferricyanure de potassium et de citrate d'ammonium ferrique sont combinées pour faire un solution de sensibilisation riche en fer. La solution est ensuite brossée uniformément sur du papier, du tissu ou d'autres surfaces poreuses. Les produits chimiques sensibilisateurs réagissent à la lumière lorsqu'ils sont exposés, de sorte que ce revêtement doit avoir lieu dans une faible lumière.

Les feuilles enduites à sec sont placées à la lumière UV comme la lumière du soleil, c'est pourquoi les cyanotypes sont parfois appelés impressions de soleil. Les zones opaques d'un négatif bloquent la lumière tandis que d'autres zones sont exposées. Une réaction chimique des composés de fer a lieu et le papier exposé apparaît jaunâtre ou bronze. La dernière étape est un simple rinçage à l'eau, qui élimine le sensibilisateur non exposé. Sous le jaune sera un brillant bleu dérivé du fer oxydé. Le bleu s'assombrit à mesure que l'impression sèche pour révéler le produit final.

Construction de la Bibliothèque du Congrès, S.W. Court, Washington, D.C., 9 décembre 1891

Handy, Levin C. Construction de la Bibliothèque du Congrès, S.W. Court, Washington, D.C., 9 décembre 1891, cyanotype. (Photo: Photographies panoramiques, Bibliothèque du Congrès, Division des estampes et des photographies (domaine public))

Qu'est-ce que le bleu de Prusse?

Les sections exposées des impressions cyanotypes prennent une couleur spéciale connue sous le nom de bleu de Prusse. Lors du rinçage final, ces pigments restent car le bleu de Prusse ne se dissout pas dans l'eau. Produit par une réaction chimique développée au début du 18e siècle, le bleu de Prusse est devenu un pigment convoité parmi les peintres d'Europe et du Japon (y compris Hokusai). Pour montrer leur richesse, les familles auraient également des pièces de maison peintes dans la teinte profonde.

Katsushika Hokusai Grande vague

Un exemple d'utilisation du pigment bleu de Prusse. Hokusai, Katsushika. La grande vague de Kangawa, première édition c. 1826-1833, réimpression par Adachi de la période Shōwa. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Voici quelques exemples de cyanotypes créés au début du XXe siècle.

Manhattan de Brooklyn Cyanotype

New York de Brooklyn, v. 1901, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Cyanotype du Niagara

(Whirl Pool R) apids, Niagara), v. 1900, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Cyanotype Adirondack

Jackson, William Henry. Ancien moulin à Bartlett's Carry, Round Lake, Adirondack Mountains, v. 1902, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Photographie de cyanotype bricolage

Les cyanotypes sont faciles, amusants et relativement abordables à essayer. Pour les photographes ou artistes plus expérimentés, vous pouvez acheter et mélanger des produits chimiques pour enduire différentes surfaces avec un sensibilisateur. (Voir les instructions ici et ici.) Il existe également des kits de cyanotype disponibles pour les familles ou ceux qui recherchent un processus plus rapide. (Le papier sensibilisé prêt à l'emploi peut également être acheté séparément des fournisseurs d'art.)

Pour ceux qui sont plus habitués à une approche numérique et qui n'ont pas réellement de négatifs de film, vous pouvez utiliser Photoshop (ou un autre programme de retouche photo) pour convertir une photo numérique en noir et blanc en négatif. Ensuite, vous pouvez imprimer votre photo inversée sur un film transparent (en le faisant comme un film négatif).

Ensuite, tout ce dont vous aurez vraiment besoin est la lumière du soleil pour exposer votre papier sensibilisé et de l'eau pour éliminer le sensibilisateur non exposé.

Vous pouvez essayer de créer des cyanotypes en utilisant du papier sensible à la lumière préfabriqué ou des kits de cyanotypes.

Kit de cyanotype

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Galaxie d'Andromède

«La galaxie d'Andromède à bout de bras?» par Nicolas Lefaudeux (France). Gagnant général et Galaxies, gagnant.
Avez-vous déjà rêvé de toucher une galaxie? Cette version de la galaxie d’Andromède semble être à bout de bras parmi les nuages ​​d’étoiles. Malheureusement, ce n'est qu'une illusion, car la galaxie est encore à 2 millions d'années-lumière. Afin d'obtenir l'effet tilt-shift, le photographe a imprimé en 3D une pièce pour maintenir l'appareil photo à un angle au foyer du télescope. Le flou créé par la défocalisation sur les bords du capteur donne cette illusion de proximité avec Andromède.
Télescope réfracteur apochromatique Sky-Watcher Black Diamond 100 mm à f / 9, monture iOptron iEQ30, appareil photo Sony ILCE-7S (modifié), ISO 2000, exposition totale de 2 heures 30 minutes.

Maintenant dans sa 12e année, le concours Insight Investment Astronomy Photographer of the Year continue d'impressionner. Avec plus de 5 000 candidatures d'astrophotographes du monde entier, le niveau de compétition était élevé. Mais au final, le photographe français Nicolas Lefaudeux a remporté le premier prix pour avoir photographié notre galaxie voisine.

Son incroyable photo de la galaxie d'Andromède est un regard créatif sur la galaxie la plus proche de la nôtre. L'effet de décalage d'inclinaison donne l'impression qu'il est à portée de main alors qu'en réalité, il est en fait à deux millions d'années-lumière. «Pour la plupart d'entre nous, la galaxie la plus proche voisine, Andromède, peut également se sentir si distante et hors de portée», a déclaré le juge de la concurrence Ed Robinson. «Pourtant, créer une photographie qui nous donne l'impression qu'elle est juste à notre portée physique est vraiment magique, et quelque peu appropriée car nous nous adaptons après une période aussi éloignée socialement.

Pour ses efforts, Lefaudeux a été nommé photographe de l'année en astronomie 2020 et verra son travail présenté à l'Insight Investment Astronomie Exposition du photographe de l'année au National Maritime Museum. À partir du 23 octobre, l'exposition présentera également tous les finalistes exceptionnels et des images hautement recommandées.

En fait, toutes les images gagnantes sont un régal pour les yeux. Que ce soit en utilisant un télescope pour capturer des corps célestes lointains ou une caméra ordinaire pour documenter des phénomènes colorés comme les aurores boréales, chaque photographe utilise son équipement et ses compétences pour rapprocher l'espace extra-atmosphérique de chez lui. Et avec des candidatures provenant de six continents, le concours est une véritable représentation du talent mondial en astrophotographie.

Découvrez d'autres entrées gagnantes du concours Insight Investment Astronomy Photographer of the Year 2020.

«Le dauphin sautant d'un océan de gaz» de Connor Matherne (USA). Stars & Nebulae, finaliste.
Cette cible est officiellement connue sous le nom de Sh2-308, mais le photographe a toujours aimé l'appeler la nébuleuse du dauphin. C'est une bulle de gaz rejetée par l'étoile bleue brillante au centre de l'image alors qu'elle entre dans sa phase pré-supernova. L'étoile rouge à droite pourrait aussi influencer la forme et pourrait être responsable du bec du dauphin. Même si cela n’explosera pas de notre vivant, voir les signes avant-coureurs est assez soigné. Cela ne fait jamais de mal de dire que les panneaux d'avertissement sont la plus belle partie de cette cible particulière!
Télescope Takahashi TOA-150B à f / 7,3, monture Astro-Physics 1600, caméra FLI ML16200, composite RGB-Ha-OIII, 33 heures d'exposition totale.

Rainbow Sky en Laponie finlandaise

«Peindre le ciel» de Thomas Kast (Allemagne). Skyscapes, gagnant.
Le photographe cherchait un ciel clair en Laponie finlandaise pour capturer la beauté d'une nuit polaire et n'en croyait pas ses yeux quand il a vu ce qui l'attendait derrière les nuages. Les nuages ​​stratosphériques polaires sont quelque chose que le photographe recherche depuis de nombreuses années et n'avait vu que sur des photographies jusqu'à ce jour. Il a emmené son appareil photo sur une rivière gelée pour avoir une bonne vue et a commencé à prendre des photos. Les nuages ​​ont lentement changé de forme et de couleurs. C'était comme regarder quelqu'un peindre, surtout quand le soleil était plus bas – il commençait à prendre un orange plus foncé et les nuances roses devenaient plus fortes.
Appareil photo Nikon D850, objectif 120 mm f / 16, 64 ISO, exposition 1/40 seconde.

Alignement de la Lune et de Jupiter

«Space Between US…» de Łukasz Sujka (Pologne). Planètes, comètes et astéroïdes, gagnant.
Cette image montre l'alignement très proche de la Lune et de Jupiter qui s'est produit le 31 octobre 2019. Dans l'image en pleine résolution, vous verrez que trois des lunes de Jupiter sont également visibles. Ce petit projet est un grand défi qui implique beaucoup de chance et de bonnes conditions d'observation. Capturer ce phénomène à une si grande échelle était assez exigeant en matière d'acquisition de données car Jupiter et la Lune ont traversé le ciel assez rapidement. Cela s'est produit à une altitude de seulement 9 degrés au-dessus de l'horizon. Je voulais montrer l’énorme vide et la taille de l’espace, c’est pourquoi il n’y a pas beaucoup de «rien» entre les deux parties principales de l’image.
Télescope Sky-Watcher Newtonian 10 ″ à f / 4.8, filtre Baader MPCC Coma Corrector, monture Sky-Watcher NEQ-6, caméra ZWO ASI178 MM-C, 300 expositions de 10 millisecondes par canal.

Aurora Borealis en Norvège

«La Dame verte» de Nicholas Roemmelt (Allemagne). Aurorae, gagnant.
Le photographe avait entendu beaucoup d’histoires sur la «dame en vert». Bien qu’il ait eu la chance de photographier les aurores boréales de nombreuses fois, il n’avait jamais vu la «dame verte» auparavant. Lors d'un voyage en Norvège, elle est apparue de manière inattendue avec ses vêtements verts magiques faisant brûler tout le ciel avec des couleurs vertes, bleues et roses.
Appareil photo Canon EOS R, objectif 14 mm f / 1.8, ISO 6400, expositions 4 x 1,6 seconde.

Région centrale de la nébuleuse de Californie

«Waves» de Bence Toth (Hongrie). Prix ​​Sir Patrick Moore du meilleur nouveau venu.
L'image montre la région centrale de la nébuleuse de Californie (NGC 1499). Il essaie de montrer l'immense énergie incontrôlable de la nature, sous une forme qui ressemble aux énormes vagues d'une tempête dans l'océan. Les canaux RVB sont utilisés pour créer les couleurs des étoiles, et toute la nébulosité est synthétisée à partir des canaux hydrogène alpha et SII. L'affectation des couleurs des canaux à bande étroite est effectuée de manière à créer une image proche de la vraie couleur, mais en préservant les détails fins et la profondeur fournis par les filtres à bande étroite.
Télescope Sky-Watcher Quattro 200P à f / 4, monture Sky-Watcher EQ6-R, caméra ZWO ASI1600MM Pro, composite RGB-Ha-SII, exposition totale de 7 heures 50 minutes.

Éclipse lunaire partielle

«Eclipse lunaire partielle HDR avec nuages» par Ethan Roberts (Royaume-Uni). Notre lune, finaliste.
Lors de l'éclipse lunaire partielle de 2019, le photographe a réussi à capturer cette image fantastique de la Lune alors qu'un petit nuage passait devant elle. Vous pouvez voir l'ombre de la Terre en haut à droite et sa couleur orange frappante causée par la lumière du soleil traversant l'atmosphère. Il s'agit d'une image à plage dynamique élevée, ce qui signifie que la région la plus sombre et ombragée est correctement exposée ainsi que les parties beaucoup plus lumineuses de la Lune. Cette technique de traitement permet également de voir les nuages ​​plus clairement, donnant à la Lune une apparence similaire à celle d'une couronne solaire.
Télescope Sky-Watcher Evostar 80ED, monture Sky-Watcher EQ5 SynScan, appareil photo Canon EOS 100D, objectif 600 mm f / 7, ISO 800, composite de 5 secondes, 1 seconde, 1/10 seconde et 1/30 seconde expositions.

Étoiles du désert en Jordanie

«Desert Magic» de Stefan Leibermann (Allemagne). Skyscapes, finaliste.
Le photographe a pris cette image lors d'un voyage à travers la Jordanie. Il est resté trois jours dans le désert du Wadi Rum. Pendant la nuit, le photographe a tenté de capturer l'incroyable ciel étoilé au-dessus du désert. Il a utilisé un dispositif de suivi des étoiles pour capturer le ciel. Le photographe a trouvé cette dune rouge au premier plan et a capturé l'imposant centre de la Voie lactée dans le ciel.
Caméra Sony ILCE 7M3
Ciel: objectif 24 mm f / 2.4, ISO 1000, exposition de 272 secondes
Premier plan: objectif 24 mm f / 8, 800 ISO, exposition de 20 secondes.

Nébuleuse NGC 3576

«Cosmic Inferno» de Peter Ward (Australie). Stars & Nebulae, gagnant.
NGC 3576 est une nébuleuse bien connue dans le ciel du sud, mais elle est représentée ici sans aucune étoile. Le logiciel ne révèle que la nébuleuse, qui a été mappée dans une fausse palette de couleurs. La scène prend l'aspect d'un maelström de feu céleste. L'image est destinée à refléter les images médiatiques prises en Australie en 2019 et 2020, où des feux de brousse massifs ont causé la destruction de forêts indigènes et ont réclamé plus de 12 millions d'acres de terres. Cela montre que la nature peut agir à de vastes échelles et sert d'avertissement brutal que notre planète a besoin d'être nourrie.
Télescope Alluna Optics RC-16 à f / 8, filtre Ha 5 nm, monture Paramount ME II, caméra SBIG STX-16803, 32 expositions de 10 minutes.

Éclipse solaire totale 2019

«145 Seconds of Darkness» de Filip Ogorzeski (Pologne). Notre soleil, finaliste.
Cette image a été capturée lors de l'éclipse solaire totale vue le 2 juillet 2019. Le photographe a parcouru 13 000 kilomètres de la Pologne au Chili pour voir l'éclipse solaire totale. Son plan était de créer l'image la plus minimaliste de cet événement à couper le souffle et de capturer le bref moment où la nature se fige; les oiseaux volent vers leurs nids et la température baisse pendant 145 secondes d'obscurité.
Appareil photo Fujifilm X-T2, objectif Carl Zeiss Touit Planar 32 mm f / 1,8 à f / 5,6, ISO 400, exposition 1/90 seconde.

Grimpeur montant une tour radio la nuit

«Observez le cœur de la galaxie» de Tian Li (Chine). People and Space, finaliste.
Cette image représente le photographe escaladant le radiotélescope et le réseau de radiotélescopes solaires Mingantu. Tout d'abord, le photographe a testé et déplacé son appareil photo pour que les nébuleuses M8 et M20 apparaissent juste à côté du télescope. Après avoir pris l'image au premier plan, il a déplacé un peu son appareil photo tout en pointant vers le même endroit dans le ciel, et a capturé l'arrière-plan avec une monture équatoriale.
Télescope Sigma 135 mm à f / 1.8, monture Sky-Watcher Adventurer, appareil photo Canon EOS 6D (modifié), objectif 135 mm f / 1.8, ISO 1600
Ciel: expositions de 15 x 30 secondes
Premier plan: exposition de 30 secondes.

Cratères colorés sur la lune

«Région du cratère du Tycho aux couleurs» par Alain Paillou (France). Notre lune, gagnante.
Le cratère Tycho est l'un des cratères les plus célèbres de la Lune. Cet impact énorme a laissé des cicatrices très impressionnantes sur la surface de la Lune. Avec les couleurs des sols, Tycho est encore plus impressionnant. Cette image combine une session avec une caméra noir et blanc, pour capturer les détails et la netteté, et une session avec une caméra couleur, pour capturer les couleurs des sols. Ces couleurs proviennent principalement d’oxydes métalliques dans de petites boules de verre et peuvent donner des informations utiles sur la géologie et l’histoire de la Lune. Le bleu montre une concentration élevée en oxyde de titane et le rouge montre une concentration élevée en oxyde de fer. Cette image révèle l'incroyable beauté et la complexité de notre satellite naturel.
Télescope Ceslestron C9.25 à f / 10 et f / 6,3, monture Orion Sirius EQ-G, caméras ZWO ASI178MM et ASI178MC, expositions multiples de 15 millisecondes.

Arbre solitaire en Laponie avec les aurores boréales

«Lone Tree under a Scandinavian Aurora» de Tom Archer (Royaume-Uni). Aurorae, finaliste.
Le photographe a décidé d'explorer à pied autour de l'hôtel lors d'une soirée très fraîche à -35 ° C en Laponie finlandaise. Quand il a trouvé cet arbre, il a décidé d'attendre que les conditions brumeuses changent et ne pouvait pas croire sa chance lorsque le ciel s'est dégagé et que l'aurore est sortie à l'endroit parfait. Le photographe a passé environ une heure à le photographier avant que son appareil photo ne commence à se verrouiller à cause des conditions, mais à ce moment-là, il était heureux de l'appeler une nuit.
Appareil photo Nikon D850, objectif 15 mm f / 2,8, 1000 ISO, exposition de 13 secondes.

«NGC 3628 avec une longue queue de 300 000 années-lumière» par Mark Hanson (USA).
Galaxies, finaliste.
NGC 3628 est une cible de galaxie populaire pour les astrophotographes et les observateurs visuels avec sa voie de poussière distinctive. Des études réalisées par des astronomes professionnels ont montré que l'évolution de certaines galaxies est le produit d'une série de fusions mineures avec des galaxies naines plus petites. Cette image est une entreprise épique de cinq ans d'expositions prises avec trois télescopes différents, bien que la majorité de l'exposition ait eu lieu en 2019. Le but de cette mosaïque ambitieuse est de montrer la queue de marée, mesurant 300 000 années-lumière de longueur, avec suffisamment de profondeur combiné avec un large champ de vision pour le montrer dans son intégralité.
Télescopes Planewave 17, Planewave 24 et RCOS 14,5 à f / 6,8, montures Planewave H200 et Paramount ME, caméra SBIG 16803, composite L-RGB, exposition totale de 54 heures.

Carte de l'entité de la Voie lactée

«Infrared Saturn» de Julie F Hill (Royaume-Uni). Prix ​​Annie Maunder pour l'innovation en image.
Dark River est une œuvre sculpturale qui cartographie, ou reflète, l'entité céleste de la Voie lactée en utilisant l'une des plus grandes images jamais réalisées de ses zones centrales. Faisant référence à la notion d'Elizabeth Kesseler du sublime astronomique, ainsi qu'à l'idée de Gaston Bachelard de «  l'immensité intime '', cette image gigapixel de la Voie lactée, montrant environ 84 millions d'étoiles, est retravaillée en un «  espace affectif '' sculptural qui offre une image corporelle et imaginative engagement avec le spectateur. L’image a été obtenue avec le télescope d’observation VISTA de l’observatoire Paranal de l’ESO au Chili et contient près de neuf milliards de pixels. Il s'agissait d'un fichier incroyablement volumineux à travailler, l'artiste a donc dû le couper en morceaux gérables pour ensuite l'imprimer. Elle a réalisé des sections de 2,2 x 1 mètre, qu'elle a ensuite laborieusement imprimées et collées ensemble à la main pour créer une feuille de 9 x 5 mètres à plat. L'image a été imprimée numériquement à 300 dpi en utilisant des encres pigmentées d'archives, sur un papier japonais léger mais robuste. En créant cette pièce, l'artiste imitait le processus de mosaïque utilisé par les astronomes lors du traitement et de la composition des données. L'artiste a conservé les couleurs naturalistes utilisées par les astronomes pour colorer l'image, ce qui rend le céleste plus terrestre et plus accessible. L'impression en taille réelle est sculptée pour s'adapter à l'espace dans lequel elle est affichée.
Télescope d'étude VISTA, infrarouge J 1,25 μm, infrarouge H 1,65 μm, canaux infrarouges 2,15 μm, ESO / VVV Survey / D. Remerciements Minniti: Ignacio Toledo, Martin Kornmesser.

Albireo double étoile entourée de sentiers de satellites en mouvement

«La prison de la technologie» de Rafael Schmall (Hongrie). People and Space, gagnant.
L'étoile au centre de l'image est l'étoile double Albireo, entourée par les traînées de satellites en mouvement. Combien pourrait-il y en avoir d’autres au moment où nous atteindrons la compétition de l’année prochaine? Il pourrait y avoir des milliers de points mobiles dans le ciel. Afin de créer des astrophotographies, les photographes doivent planifier soigneusement où placer le télescope, et cela sera plus difficile à l'avenir avec plus de satellites sur le chemin.
Télescope astrographique Sky-Watcher Quattro 200/800 (modifié) à f / 4, monture Sky-Watcher EQ6-Pro GOTO, appareil photo Canon EOS 6D, ISO 1600, expositions 5 x 150 secondes.

Alignement planétaire sur l'océan Indien

«Les quatre planètes et la lune» d'Alice Fock Hang (Réunion), 11 ans. Concours jeunesse, lauréate.
Photographier un alignement planétaire demande de la rigueur et de la patience mais aussi beaucoup de chance. Ce soir-là, malgré tout préparer pendant une semaine, le photographe a rencontré des nuages. La magie a commencé après le coucher du soleil, où le coucher de la lune, Vénus, Mercure, l'étoile Antarès, Jupiter et Saturne pouvaient être vus au-dessus de l'océan Indien. En regardant la carte du ciel, le photographe a pu voir que Pluton était là aussi au-dessus de Saturne mais invisible à mon image. A noter également la présence d'Alpha Centuari à gauche de l'image ainsi que notre immense galaxie, la Voie lactée.
Appareil photo Nikon D610, objectif 35 mm f / 3.2, 3200 ISO, expositions 18 x 13 secondes.

Galaxie d'Andromède sur le parc national de Sequoia

"Cours de collision!" par Winslow Barnford (États-Unis), 15 ans. High Commended, Youth Competition.
Il s'agit d'une image de la galaxie d'Andromède (Messier 31) ainsi que de deux galaxies plus petites (Messier 32 et Messier 110). Le photographe a commencé à collecter des données sur cette cible dans le parc national de Sequoia, lors d'un voyage dans le ciel sombre, cependant, en raison de problèmes techniques, il a dû finir l'image de son toit, sous une pollution lumineuse beaucoup plus lourde.
Meade Series 6000 70 mm f / 5 Télescope réfracteur Astrograph Quadruplet APO à f / 5, monture Orion Atlas Pro, appareil photo Nikon D5300, ISO 400-1600, exposition totale de 3 heures.

Vue rapprochée de la surface solaire

«Liquid Sunshine» par Alexandra Hart (Royaume-Uni). Notre soleil, gagnant.
Le minimum solaire peut être vu comme un soleil calme et considéré comme terne en lumière blanche, mais si vous regardez de près la structure à petite échelle, la surface est vivante avec le mouvement. Cette surface mesure environ 100 kilomètres d'épaisseur et le mouvement toujours en ébullition de ces cellules de convection circule pendant environ 15 à 20 minutes. Ils mesurent environ 1000 kilomètres et créent une belle structure de «pavage fou» dont nous pouvons profiter.
Télescope Celestron C11 XLT Schmidt-Cassegrain à f / 50, filtre solaire continu Baader avec film AstroSolar ND3.8, monture Sky-Watcher EQ6 Pro, caméra ZWO-ASI174MM, exposition de 8,431 millisecondes.

Image d'Uranus

«The Outer Reaches» de Martin Lewis (Royaume-Uni). Planètes, comètes et astéroïdes, gagnant.
Le 3 décembre 2019, le nuage s'est dissipé vers le milieu de la soirée pour révéler un ciel exceptionnellement stable au-dessus de la maison du photographe au Royaume-Uni. Tirant le meilleur parti des conditions, il a tourné son télescope vers la planète lointaine Uranus et a commencé à collecter des images vidéo à l'aide d'un filtre infrarouge pour faire ressortir les détails des nuages ​​sur cette planète visuellement fade. Pour obtenir les meilleures images, un photographe doit faire la moyenne du meilleur de nombreuses expositions courtes. Pour un objet aussi faible qu'Uranus, cela signifie que les cadres individuels sont très bruyants. Cette nuit-là, même à travers ces cadres de prévisualisation bruyants, la région polaire plus claire pouvait être facilement vue – une situation des plus exceptionnelles et un témoignage du ciel stable cette nuit-là.
Télescope à réflecteur dobsonien newtonien de 444 mm à f / 12,1, filtre Astronomik 610 nm, support de plate-forme de suivi équatorial construit à la maison, caméra ZWO ASI290MM
Uranus: 13 500 x expositions de 8,6 millisecondes
Lunes: expositions de 1170 x 100 millisecondes.

Photographe de l'année en astronomie d'Insight Investment: site Web

My Modern Met a autorisé l'utilisation de photos de l'Observatoire royal de Greenwich.

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Mattel lance la poupée Barbie «Day of the Dead» pour célébrer le «Dia de Muertos» du Mexique

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Poupée Barbie Dia De Muertos

Lorsque Mattel a sorti sa première poupée Barbie inspirée de Día de los Muertos en 2019, elle a été un énorme succès et a été instantanément épuisée. Cette année, le fabricant de jouets célèbre à nouveau le «Jour des morts» mexicain avec une toute nouvelle poupée qui est tout aussi belle que la précédente.

«Mon espoir pour ces poupées est qu’elles seront en mesure de sensibiliser davantage à la célébration de Dia de Muertos», déclare le créateur de la poupée, Javier Meabe. «La célébration du Dia de Muertos est très importante car elle honore et respecte la famille et les amis qui ne sont plus avec nous.» La superbe Barbie célèbre la tradition et la culture des Mexicains, leur permettant de se voir en elle.

Meabe voulait s'assurer que la deuxième version de la poupée Barbie Dia de Muertos était tout aussi spéciale que la première, il a donc passé beaucoup de temps à réfléchir aux petits détails. «La recherche est toujours la première chose que je fais avant de mettre mon crayon sur du papier», révèle-t-il. «Alors, j'ai regardé de nouveaux éléments que nous pourrions introduire dans la deuxième poupée. L'ajout de nouvelles textures, tissus, fleurs et une nouvelle silhouette de robe étaient des moyens d'introduire les nouveaux éléments de la deuxième poupée tout en conservant les éléments traditionnels qui sont importants pour la célébration de Dia de Muertos.

La nouvelle poupée Dia De Muertos présente un visage peint avec un charmant dessin de calavera («calavera» signifie «crâne» en espagnol), ainsi qu'une couronne de roses et de soucis dans ses cheveux. Les soucis sont particulièrement importants dans la tradition Dia de Muertos. Avec leur couleur vibrante et leur parfum puissant, ils sont censés aider à guider les esprits vers les autels construits pour eux par leurs proches.

La caractéristique la plus remarquable de cette poupée en édition limitée est peut-être sa robe en dentelle extravagante de couleur blush. Il présente de minuscules ornements nacrés et s'ouvre légèrement sur le devant pour révéler une deuxième couche de tissu à motifs, brodée de motifs floraux et squelettiques. Elle capte certainement l'énergie vibrante des vacances mexicaines.

Découvrez la poupée Barbie Dia De Muertos ci-dessous et achetez la vôtre sur le site Web de Barbie.

Vous voulez en savoir plus sur les traditions de Dia De Muertos? Voici comment le Mexique célèbre son «Jour des morts» annuel.

Mattel vient de sortir une nouvelle poupée Barbie «Day of the Dead» pour 2020.

Poupée Barbie Dia De Muertos

La nouvelle poupée Dia De Muertos célèbre la fête mexicaine et honore la tradition avec des détails bien pensés.

Barbie du jour des mortsBarbie du jour des mortsPoupée Barbie Dia De Muertos

Voici la poupée Dia de Muertos de 2019, qui a été un énorme succès!

Poupée Barbie Dia De Muertos

Mattel prévoit de fabriquer une nouvelle poupée d'inspiration mexicaine chaque année.

Poupée Barbie Dia De MuertosBarbie: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (soie dentaire)

Toutes les images via Barbie / Mattel.

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Finalistes hilarants des Comedy Wildlife Photography Awards 2020

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Ours bruns au lac Kuril, Kamtchatka

«Nous avons tous cet ami» © ️ Yarin Klein / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Ours bruns, Lieu: lac Kuril, Kamtchatka

Nous pourrions tous rire et, comme d'habitude, les Comedy Wildlife Photography Awards sont un excellent moyen de voir à quel point les animaux sont vraiment drôles. Un regard sur les finalistes 2020 est un incroyable échantillon de la faune du monde entier et une plongée dans la lumière et l'humour que ces animaux possèdent.

Du veau éléphant maladroit au macareux moine gourmand, chaque animal affiche sa propre marque unique de drôles. Bien que cet aspect plus léger de la faune ne soit pas souvent mis en évidence, les récompenses utilisent cette légèreté pour attirer l'attention nécessaire sur les problèmes de conservation. À cette fin, les prix ont cultivé une relation continue avec son partenaire Born Free Foundation, une organisation à but non lucratif qui œuvre pour permettre aux animaux de vivre dans la dignité et le respect.

Des photographes du monde entier ont été invités à soumettre leurs meilleures photographies au concours et le champ de compétition a été réduit à 44 images. Un jury d'experts – qui comprend les fondateurs des prix Paul Joynson-Hicks et Tom Sullam ainsi que des défenseurs de l'environnement et des photographes animaliers comme Will Burrard-Lucas – aura maintenant la tâche difficile de choisir les gagnants.

La catégorie et les gagnants seront annoncés le 22 octobre lors d'une cérémonie en ligne. L'image du haut remportera un incroyable safari d'une semaine avec Serian d'Alex Walker dans le Masai Mara, au Kenya, ainsi qu'un trophée unique fait à la main du Art Garage à Dar es Salaam, en Tanzanie.

Découvrez une sélection des incroyables finalistes des Comedy Wildlife Photography Awards 2020.

Veau éléphant tombant en Namibie

«Faceplant» © ️ Tim Hearn / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Éléphant d'Afrique, Lieu: Namibie

Renard en Israël regardant une souris

«Négociations difficiles» © ️ Ayala Fishaimer / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Fox, Lieu: Israël

Mangouste naine au Kenya

«Surprise Smiles» © ️ Asaf Sereth / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Dwarf Mongoose, Lieu: Lac Bogoria, Kenya

Deux macareux de l'Atlantique

«Sérieusement, voudriez-vous en partager» © ️ Krisztina Scheef / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Atlantic Puffin, Location: Scotland, UK

Sparisoma cretense aux îles Canaries

«Smiley» © ️ Arthur Telle Thiemenn / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Sparisoma cretense, Lieu: El Hierro, Îles Canaries

Deux girafes au parc national d'Etosha

«Crashing into the picture» © ️ Brigitte Alcalay Marcon / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Girafe,
Lieu: Parc national d'Etosha, Namibie

Sceau en riant en se couchant sur un morceau de bois

«Avoir un rire» © ️ Ken Crossan / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Common Seal, Lieu: Caithness, Écosse

Deux lions dans le désert du Kalahari

«Répandre les potins sur la faune» © ️ Bernhard Esterer / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Lions,
Lieu: Désert du Kalahari

Raton laveur suspendu à une branche

«Just Chillin '» © ️ Jill Neff / Comedy Wildlife Photo Awards 2020.
Animal: Raccoon, Lieu: Jackson, OH, USA

Tortue qui ressemble à retourner l'oiseau

«Terry la tortue retournant l'oiseau» © ️ Mark Fitzpatrick / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Turtle, Lieu: Lady Elliot Island, Queensland Australie

Manchots papous dans les îles Falkland

«Je pourrais vomir» © ️ Christina Holfelder / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Gentoo Penguin, Lieu: Îles Falkland

Macaque à Bali

«Macaque prenant la pose» © ️ Luis Martí / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Macaque, Lieu: Temple d'Uluwatu, Bali.

Grizzly Bears au parc national de Grand Teton

«Je pense que ce pneu va être crevé» © ️ Kay Kotzian / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Grizzly Bears, Lieu: Parc national de Grand Teton

Éléphants des mers du Sud en Patagonie

«Je devais rester tard au travail» © ️ Luis Burgueño / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: éléphant de mer du Sud (Mirounga), emplacement: Isla Escondida, Chubut. Patagonie Argentine

Spermophile en Hongrie

«O Sole Mio» © ️ Roland Kranitz / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Spermophile, Lieu: Hongrie

Écureuil roux eurasien

«La blague à l'intérieur» © ️ Femke van Willigen / Comedy Wildlife Photo Awards 2020.
Animal: Écureuil roux eurasien, Lieu: Espelo, Pays-Bas

Éléphant et son veau mangeant la jacinthe

«Attends maman, regarde ce que j'ai pour toi!» © ️ Kunal Gupta / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: éléphant et veau,
Lieu: Kaziranga, Inde

Deux hippopotames dans l'eau à la réserve nationale du Masai Mara

«Hippo qui rit» © ️ Manoj Shah / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Hippopotame, Lieu: Réserve nationale du Masai Mara, Kenya

Langur en Inde

«Fun For All Ages» © ️ Thomas Vijayan / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Langur, Lieu: Kabini, Inde

Comedy Wildlife Photography Awards: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos aux Comedy Wildlife Photography Awards.

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L'artiste sculpte méticuleusement à la main des scènes complexes dans des feuilles

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Art de la feuille

Avez-vous déjà fait un «visage de feuille» en pliant le feuillage en deux avant de couper deux yeux et une bouche? Loin de ces créations d'enfance déformées, un artiste japonais connu sous le nom de lito_leafart sur Instagram amène l'art des feuilles à un tout autre niveau avec ses designs incroyablement complexes. Il sculpte méticuleusement des scènes entières sur les surfaces délicates et vertes.

Des bestioles au supermarché à une famille de pingouins au sommet d'une tortue, les créations mignonnes de lito_leafart sont non seulement impressionnantes coupées à la main, mais aussi incroyablement imaginatives. Chaque motif de feuille raconte sa propre histoire, comme une illustration de livre fantaisiste pour enfants qui peut être tenue dans la paume de votre main. L'artiste tient chacune de ses feuilles au ciel avant de la photographier, permettant à la lumière du soleil de révéler les nombreux petits détails.

Bien que chaque feuille finisse par se faner, le portefeuille de lito_leafart continue de croître. L'artiste talentueux – qui a le TDAH – fait une œuvre d'art de la feuille par jour, pour se concentrer et se calmer. Chaque feuille met en valeur son incroyable patience et sa capacité artistique.

Découvrez les feuilles de lito_leafart ci-dessous et suivez-le sur Instagram pour en voir encore plus.

Un artiste japonais connu sous le nom de lito_leafart crée un art des feuilles incroyablement complexe.

Art de la feuille Art de la feuille

Ses créations mignonnes sont non seulement impressionnantes coupées à la main, mais incroyablement imaginatives.

Art de la feuille Art de la feuille par lito_leafart

L'artiste talentueux – qui a le TDAH – fait un dessin découpé par jour, comme moyen de se concentrer et de se calmer.

Art de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille par lito_leafartArt de la feuilleArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille Art de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille lito_leafart: Instagram | Twitter
h / t: (Boing Boing)

Toutes les images via lito_leafart.

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L'art complexe des feuilles favorise une planète verte

Art de feuille d'impression de chlorophylle

Art de la feuille coupée

L'artiste met à jour les robes de princesse Disney avec des designs incroyablement modernes

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Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Tiana et le prince Naveen

L'artiste Marta Sánchez García offre aux princesses Disney une nouvelle garde-robe. Elle dessine des belles animées emblématiques, comme Cendrillon et la princesse Jasmine, portant de nouveaux modèles de vêtements qui correspondent à la personnalité et au style uniques de chaque personnage.

«J'ai basé la refonte de la robe des princesses sur les poupées que Disney a lancées récemment, en particulier leur Mascarade de minuit Collection », dit García. «Les robes et les dessins de la collection sont tout simplement incroyables, mais quand j'ai réalisé qu'ils ne seraient visibles que sur les poupées, je me suis demandé:« À quoi ressembleraient les princesses dans ces nouveaux modèles dans les films réels? Alors je suis allé de l'avant et je les ai dessinés avec les robes.

Dans chacune de ses illustrations de fan art, l'artiste parvient à capturer le style emblématique de Disney, donnant l'impression que nous regardons une image du film respectif dans lequel chaque princesse joue. La Belle au bois dormant porte une robe violette frappante avec des broderies dorées, Tiana modèle une robe verte sans manches et un manteau transparent, et Blanche-Neige scintille dans une robe incrustée de strass. Cependant, les relookings de mode de García ne se limitent pas aux princesses. D'autres héroïnes bien-aimées comme Meg de Hercule et Esmeralda de Le Bossu de Notre Dame recevez également de nouveaux looks exquis qui captent leur individualité.

Faites défiler vers le bas pour voir certaines des refontes spectaculaires de García et suivez l'artiste sur Instagram pour plus de fanart de princesse Disney.

L'artiste Marta Sánchez García redessine les robes datées des princesses Disney.

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Princesse Jasmine

Ces robes spectaculairement mises à jour sont inspirées de Disney Mascarade de minuit collection de poupées.

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

La belle au bois dormant

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Pocahontas

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Blanc comme neige

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Cendrillon

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Belle

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Meg

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Esmeralda

Marta Sánchez García: Instagram

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600 femmes du monde entier ont créé une «couverture de guérison» pour lutter contre la violence sexiste [Interview]

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Femmes avec couverture de guérison

Lorsque Marietta Bernstorff a lu l’histoire de la mort violente d’une jeune femme, elle l’a complètement secouée. L'une des vérités les plus déchirantes de la question était que ce type de violence contre une femme n'était pas rare. Elle a continué à apprendre qu'en 2019 seulement, 10 femmes / filles par jour étaient assassinées au Mexique. De plus, la violence contre les femmes dans le monde avait augmenté pendant l'épidémie de COVID-19. Ces faits l'ont amenée à découvrir ce que les Nations Unies ont appelé la «pandémie de l'ombre». Bernstorff passionnée avait observé et puisé son inspiration dans les différentes manifestations de groupes féministes qui avaient déjà lieu à Mexico (où elle est basée), mais elle savait qu'elle devait également agir.

«Un groupe de femmes amies, du Mexique et des États-Unis; artistes écrivains, militants, enseignants, guérisseurs savaient que nous devions faire quelque chose contre cette violence, mais quoi? et comment?" Bernstrorff raconte. Alors, elle a lancé l'initiative intitulée La couverture de guérison patchwork / La Manta de Curacíon. Accompagné d'un groupe d'artistes d'Oaxaca et de Mexico (tous des femmes), Bernstroff a invité des femmes et des créateurs du Mexique et du monde entier à réaliser un projet d'art textile international pièce par pièce et pays par pays qui unirait générations de femmes dans un mouvement mondial contre la violence sexiste.

Le résultat est 600 patchworks différents et dynamiques qui ont été envoyés au groupe de Bernstorff du monde entier – du Mexique à l'Argentine aux États-Unis à l'Allemagne et au-delà. Chaque «couverture de guérison» est maintenant exposée numériquement dans une galerie virtuelle par SPARC pour que quiconque puisse «marcher» et voir, peu importe où ils se trouvent dans le monde.

Nous avons eu l'occasion de parler avec Marietta et d'obtenir plus d'informations sur la façon dont elle a rassemblé 600 pièces du monde entier pour assembler une histoire qui inspire la résilience et la guérison. Continuez à lire pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Couverture de guérisonPouvez-vous nous parler des pièces et des personnes impliquées dans La couverture de guérison patchwork / La Manta de Curacíon?

Les 600 pièces de l'exposition provenaient de femmes et d'enfants âgés de huit à 78 ans. Les sujets sur lesquels nous avons demandé aux femmes de travailler étaient la violence contre les femmes, les enfants et la Terre Mère!

Chaque pièce de patchwork est unique car ces femmes viennent de toutes les régions du monde et le langage visuel qu'elles utilisent dépend de leur pays d'origine et de la manière dont elles choisissent d'interpréter ces problèmes. De toute évidence, le Mexique a en ce moment beaucoup plus de pièces puisque le projet est basé dans ce pays.

Les femmes utilisent différentes techniques de broderie, crochet, patchwork, appliqué, peinture, gravure et photographie. Beaucoup ont des mots écrits ou brodés sur ces actes de violence. Nous avons des écrivains et des journalistes qui se sont également joints à nous pour travailler avec divers groupes d'enfants. Comme les 100 pièces réalisées par des petites filles dans une école primaire de Juchitán, Oaxaca où le journaliste a organisé la participation avec un professeur d'art et un psychologue scolaire. (Son texte sur ces patchworks est dans l'exposition).

Chacune de ces œuvres d'art a été réalisée soit par un artiste individuel, soit en groupe réunissant des femmes et des enfants pour produire leurs œuvres. Ce que vous voyez et ressentez lorsque vous voyez chaque pièce, c'est l'énergie que ces femmes et ces enfants ont lorsqu'ils méditent et contemplent ces problèmes en brodant, crochetant, cousant, patchwork, appliqué, peignant, imprimant chaque pièce. C'est le processus de guérison en fabriquant ces pièces que nous commençons à entamer un dialogue mondial entre les femmes.

La courtepointe massive comprend des pièces soumises d'une douzaine de pays à travers le monde.

Couverture de guérisonLes couvertures de guérison semblent afficher différentes formes d'art de différents coins du monde. Y a-t-il eu des médiums ou techniques communs soumis en fonction de la région?

Les techniques varient, mais de nombreux participants mexicains utilisent la broderie, qui est très populaire dans tout le Mexique, en particulier dans les communautés autochtones. Récemment, les filles de jeunes féministes utilisent cette technique comme moyen de protestation sociale dans toute l'Amérique latine. Les artistes européens utilisent la peinture, la gravure et la photographie.

Quant aux femmes du Canada et des États-Unis, beaucoup ont utilisé des méthodes de patchwork et d'appliqué avec la broderie, qui se transmettent depuis des générations comme au Mexique. Nous encourageons les femmes à penser à reprendre les connaissances transmises par leurs mères et leurs grands-mères, des techniques considérées comme des œuvres féminines, un métier non valorisé dans le «grand art». Nous pensons que toutes les techniques sont valides et peuvent être utilisées dans ce discours d'art social pour le changement social.

Couverture de guérison patchwork à Zocalo, MexicoQu'espérez-vous que les gens retiennent de ce projet puissant? Que doivent-ils garder à l'esprit?

Il est non-violent, créatif et de nombreuses conversations commenceront à se développer pour aider chaque communauté à exprimer et à dialoguer sur la violence que les femmes / enfants / la Terre nourricière vivent dans leurs communautés et pays. À travers ce concept, nous développerons des idées pour arrêter cette pandémie que nous avons trop longtemps négligée.

Nous ne sommes pas un groupe religieux mais plutôt un groupe de guérison spirituelle de femmes qui utilisent les concepts de tissu, de patchwork pour reprendre nos forces, nos voix et nos connaissances de guérison qui sont grandement nécessaires dans le monde aujourd'hui.

Quand on travaille dans des projets d'art social, ce n'est pas seulement théorique mais en fait pratique, comprendre le terme communauté, et ce que signifie vraiment l'art social. L'art social peut enseigner et inspirer les communautés et enseigner aux gouvernements à quel point l'art est d'une importance vitale pour le développement d'une société plus saine, pas seulement un article de luxe à voir ou à acheter. L'art / la culture a une valeur énorme pour nos sociétés, il peut influencer, former et façonner nos sociétés comme il l'a fait dans la civilisation ancienne. C'est une forme de communication qui peut nous permettre d'être des visionnaires.

Cette exposition montre au spectateur que toutes ces pièces réunies ne concernent pas un artiste mais la construction d'une communauté entre chaque femme. Une pratique artistique qui touche un secteur plus large de la société et partage nos histoires, qui peut nous aider à commencer à arrêter cette violence et cette folie qui détruisent notre planète.

Femmes avec couverture de guérisonEnvisagez-vous de poursuivre ce projet avec de plus en plus de femmes souhaitant y participer?

Les femmes de tous âges sont invitées à participer du monde entier à ce projet jusqu'à ce que «nous, les femmes», comprenions la gravité de ces problèmes et formions une unité sur la manière de faire en sorte que les hommes et les gouvernements arrêtent la violence contre les femmes, les enfants et la Terre Mère . Ce sera une œuvre d'art public en cours qui parcourra les villes et les pays.

En tant que conservateur d'art social depuis 25 ans, je sais qu'il faut enseigner à une communauté (locale ou mondiale) que l'art est un puissant outil de justice. C'est un catalyseur de transformation personnelle. Lorsque vous pouvez exprimer cette douleur ou cette colère de manière non violente, vous pouvez vous guérir vous-même, votre famille et votre communauté.

Couverture de guérison patchwork

La couverture de guérison Patchwork: Facebook | Site Web | Instagram
Marietta Bernstorff: Instagram

My Modern Met a obtenu la permission de présenter des photos par le Centre de ressources d'art public et social (SPARC).

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La vidéo sous-marine capture la façon inhabituelle de manger des flamants roses

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Flamant sous-marin nourrissant le zoo de San Diego

Vous êtes-vous déjà demandé comment les flamants roses mangent avec leurs factures courbes? Le zoo de San Diego éduque le public sur les habitudes alimentaires des flamants roses avec une nouvelle vidéo montrant les oiseaux brillamment roses qui se nourrissent sous l'eau. La vidéo a été prise au moment du repas des oiseaux par une caméra sous-marine placée à l'intérieur de la piscine d'alimentation des flamants roses du zoo.

Dans la vidéo, les oiseaux trempent leurs becs crochus pour effleurer le fond. Le zoo explique que les flamants roses mangent naturellement sous l'eau et avec leurs factures presque à l'envers. Leurs factures aspirent l'eau environnante, qui est ensuite passée à travers des plaques de saumure (appelées lamelles) qui filtrent l'eau pour des friandises savoureuses. Les crevettes, les mouches à saumure, les algues et autres petits animaux marins sont piégés dans la bouche du flamant rose pour être consommés. L'eau, la boue et les débris sont ensuite expulsés des côtés du bec. Le mouvement de la langue du flamant rose alimente ce système de filtration d'alimentation.

Le zoo de San Diego dit en plaisantant: "Everybirdy aime les fruits de mer!" Cependant, les téléspectateurs verront que le bassin d'alimentation n'est pas rempli de véritables créatures marines. Les gardiens de zoo du zoo de San Diego utilisent un régime spécial aux granulés riche en nutriments. Lorsqu'ils sont dispersés dans l'eau, les flamants roses peuvent manger comme s'ils vivaient à l'état sauvage. Les pigments caroténoïdes trouvés dans leurs sources de nourriture naturelles doivent être reproduits dans ces pastilles – l'ingestion de ces pigments donne aux flamants roses leurs plumes roses caractéristiques.

Faites défiler vers le bas pour regarder les flamants roses se nourrir sous l'eau et être enchanté par ces oiseaux flamboyants.

Une vidéo sous-marine du zoo de San Diego montre l'heure des repas dans la piscine d'alimentation des flamants roses.

Flamant sous-marin nourrissant le zoo de San Diego

Les flamants roses mangent sous l'eau avec leur bec à l'envers. Des plaques de saumure spéciales (appelées lamelles) dans leurs becs crochus filtrent les crevettes, les mouches à saumure et les mollusques pour que le flamant rose les mange.

Diagramme de projet de loi du zoo de San Diego

Photo: Photos de NICOLAS PRIMOLA / Shutterstock

Regardez une frénésie d'alimentation de flamants roses filmée au zoo de San Diego.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=-1BF2XqboOo (/ embarqué)

h / t: (PetaPixel)

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Un chien adorable pose fièrement à côté de son énorme collection de plus de 50 bâtons

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Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Nommés d'après ce qu'ils font de mieux, les golden retrievers adorent récupérer. Il y a un chien en particulier qui s'est récemment surpassé, cependant. Rencontrez Bruce, le golden retriever de 4 ans qui est un collectionneur passionné de bâtons.

Comme la plupart des chiens, Bruce avait un bâton préféré, mais il s'est perdu sous un pied de neige lors d'une tempête hivernale. «Il a commencé sa collection de bâtons après qu'une neige massive est arrivée dans notre région et a laissé environ 12 pouces de neige sur le sol», explique l'homme de Bruce, Leo Icenhour. «À l'époque, il n'avait qu'un seul bâton et c'était son favori absolu. Eh bien, il a commencé à neiger un soir et il a laissé le bâton dans notre champ. Au cours des deux jours suivants, il était dans une frénésie absolue chaque fois que nous sortions, cherchant sans relâche son bâton. Il creuserait comme un fou et enfouirait même sa tête dans la neige en essayant de le trouver! Depuis lors, Bruce collectionne de nouveaux bâtons lors de ses promenades quotidiennes, et il en a accumulé plus de 50!

Des petits morceaux de bois flotté aux longues branches d'arbres, la collection de Bruce montre qu'il aime les bâtons de toutes formes et tailles. Cependant, aucun d'entre eux ne se compare à l'original qu'il a perdu. Heureusement, le temps s'est réchauffé et Bruce a pu le retrouver. «Après quelques jours de soleil a fait fondre suffisamment de neige, il a finalement trouvé de l'or en creusant et a trouvé son précieux bâton», raconte Icenhour. «Je crois qu'à partir de ce moment, il n'a plus jamais voulu être sans bâton, alors il a commencé la collection.

Bien que Bruce soit représenté fier à côté de son impressionnante collection de bâtons, il n'est en fait autorisé à jouer avec aucun d'entre eux à cause d'un accident survenu il y a deux ans. "Nous avons vécu beaucoup de choses l'un avec l'autre car il a failli perdre la vie après qu'un bâton a perforé son œsophage alors que nous jouions chercher le jour de son 2e anniversaire", se souvient Icenhour. «À partir de là, nous avons commencé à jouer avec un bâton en caoutchouc à des fins de récupération et Bruce a commencé à construire sa collection de bâtons!» Bruce apprécie toujours la vraie chose, et admire chaque bâton chaque jour quand il entre et sort de sa maison. Le fait qu'ils soient uniquement en affichage les rend encore plus spéciaux.

Découvrez Bruce et son musée des bâtons ci-dessous. Si vous ne pouvez pas en avoir assez de cet adorable chiot, vous pouvez trouver plus de photos de lui sur l'Instagram d'Icenhour.

Rencontrez Bruce, le golden retriever de 4 ans qui est un collectionneur passionné de bâtons.

Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Il en a plus de 50!

Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Le passe-temps de Bruce à ramasser des bâtons a commencé lorsque son bâton préféré a été perdu sous un pied de neige en hiver.

Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Heureusement, le temps s'est réchauffé et Bruce a pu le retrouver.

Bruce le Golden Retriever Stick CollectionBruce le Golden Retriever Stick CollectionBruce le Golden Retriever Stick CollectionBruce le Golden Retriever Stick CollectionLeo Icenhour: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Leo Icenhour.

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Dessin d'un dragon et de chevaliers

Si vous êtes un artiste, vous savez probablement que la meilleure façon d’améliorer vos compétences est de vous entraîner. Et nous ne parlons pas de temps en temps – le dévouement est la clé. Lorsque vous êtes au début de votre parcours de dessin et que vous voulez vraiment que votre art soit meilleur, il peut être difficile d'imaginer à quoi cela ressemble. Mais, jetez un œil au travail d'Asur Misoa; Elle a récemment partagé ses œuvres à différentes étapes de son développement de dessin et prouve que la pratique peut amener votre travail dans des endroits que vous n'auriez jamais imaginés. Elle a publié trois images de son art – de 2006, 2016 et 2020 – représentant chacune un dragon et des chevaliers. Les différences chaque année sont incroyables et ne manqueront pas de vous inspirer.

L'inspiration pour l'œuvre initiale est venue à la demande du petit ami de Misoa. «J'ai peint cette scène pour la première fois en 2006», raconte-t-elle à My Modern Met, «parce que mon petit ami m'a demandé une peinture épique pour son anniversaire. Il savait que j'aimais dessiner et pensait que j'étais talentueux. Mais le résultat n’était pas ce qu’elle voulait et cela la décourageait. «Je ne copiais que les artistes que j'aimais jusqu'à présent», explique-t-elle. «Et comme c'était frustrant quand j'ai réalisé que j'étais incapable de représenter la scène que j'avais en tête sur le papier sans la copier quelque part. Je n'ai pas touché un crayon pendant près de 10 ans après ça. "

En 2015, la passion de Misoa pour l’art a refait surface. «J'ai décidé qu'il était temps d'apprendre à dessiner sérieusement», dit-elle. «C'est là que j'ai remarqué une différence et que j'ai compris que le talent n'existait pas. Seulement de la pratique, de la patience et de la passion! » Après s'être consacrée à apprendre à créer une composition et à rendre des formes tridimensionnelles, elle a décidé de réessayer ce dessin de 2006. L'amélioration est stupéfiante alors que Misoa a créé une scène dramatique et enflammée.

«Depuis,» explique Misoa, «je n'ai jamais arrêté de peindre et j'ai décidé de faire une autre version de la peinture cette année également. L'itération 2020 de son dessin est encore meilleure, car sa composition dynamique nous met au milieu d'une bataille avec un énorme dragon. Plein de détails incroyables – jusqu'aux armes et aux coiffures – cela montre à quel point l'artiste a travaillé dur pour arriver à ce point.

Faites défiler vers le bas pour voir la transformation artistique de Misoa, puis suivez-la sur ArtStation pour voir plus de son travail.

L'artiste Asur Misoa montre les incroyables transformations qui peuvent se produire avec une pratique de dessin dédiée.

Dessin d'un dragonDessin d'un dragon et de chevaliersDessin d'un dragon et de chevaliersAsur Misoa: ArtStation | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Asur Misoa.

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Le tapis d'avant-garde semble fondre en une flaque visqueuse

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Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

L'artiste textile de Bakou, Faig Ahmed, est réputé pour ses pièces textiles fascinantes. Il a terminé sa conception de tapis la plus récente après des mois d'interruption causée par la pandémie COVID-19. Admissible Les doutes, cette remarquable tapisserie rouge présente des motifs complexes qui se dissolvent en une forme fluide visqueuse, encadrée par des pompons blancs.

«Nous avons commencé la production de ce travail un mois avant que le monde entier ne plonge dans les doutes sur l'avenir en raison de la situation actuelle causée par la pandémie», explique Ahmed dans un post Instagram. «En raison de la quarantaine, nous avons dû fermer notre studio textile à plusieurs reprises et les œuvres d'art sur le métier attendaient son heure. Il y a quelques jours, après 7 mois, "Des doutes?" ont été coupés du métier à tisser. Il n'y a plus de doutes dans ce tapis, détruisant les limites géométriques intelligibles des motifs – débordant, ils gèlent sur le sol – c'est la limite des doutes.

Les tapis contemporains d'Ahmed sont basés sur l'artisanat textile traditionnel, qu'il déconstruit et réinvente ensuite de manière nouvelle et passionnante. Alors que certains ont des motifs déformés qui semblent «pépins», d'autres jouent avec le volume du tapis lui-même. C'est cette intersection de tradition et d'innovation qui fait des créations d'Ahmed un délice visuel. Pour cette raison, le vaste portefeuille de textiles d'avant-garde de l'artiste a été exposé dans des musées du monde entier. En 2013, l'artiste a également été nominé pour le prix Jameel 3 au Victoria and Albert Museum de Londres.

Vous pouvez en savoir plus sur Les doutes en visitant l'Instagram de Sapar Contemporary. De plus, d'autres tapis étonnants d'Ahmed sont exposés au Musée national d'art, d'architecture et de design d'Oslo, en Norvège, jusqu'au 11 octobre 2020; le Musée moderne d'Istanbul à Istanbul, Turquie jusqu'au 18 octobre 2020; la nouvelle galerie Tretiakov à Moscou, Russie jusqu'au 22 septembre 2020; et à la Colección SOLO de Madrid, Espagne.

Faig Ahmed est un artiste textile de renommée mondiale, surtout connu pour ses designs de tapis innovants.

Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

Il a récemment terminé ses derniers travaux pendant la pandémie COVID-19.

Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

Admissible Les doutes, ce magnifique tapis comprend des motifs complexes qui se fondent dans une flaque d'eau apparemment visqueuse.

Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

D'autres pièces de la collection croissante de tapis surréalistes d'Ahmed présentent des distorsions visuelles variées.

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Regardez de plus près Les doutes Dans cette vidéo:

Faig Ahmed: Site Web | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Faig Ahmed.

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Aucun bureau n'est complet, cependant, sans une agrafeuse et une paire de