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Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

L'Annonciation de Fra Angelico

Fra Angelico, «Annonciation» (détail) (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Qu'il s'agisse de perfectionner une technique, de maîtriser un sujet ou simplement d'explorer un intérêt, les artistes reviennent souvent à la même iconographie encore et encore. Cette approche a été adoptée par certaines des figures les plus influentes de l’histoire de l’art, Fra Angelico– un peintre religieux de la Renaissance – au premier plan.

Au cours d'une quinzaine d'années environ, Angelico a réalisé plusieurs interprétations du Annonciation, un événement éthéré qui reste au cœur de certains enseignements chrétiens. Rendus sous forme de tableaux animés, de retables chatoyants et de fresques vibrantes, Angelico Annonciations semblent flotter au-dessus des interprétations des autres artistes.

Qu'est-ce que l'Annonciation?

L'Annonciation dans l'histoire de l'art

Artiste inconnu, «Annonciation», ca. 1410-1430 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons)

Dans les traditions catholique et orthodoxe orientale, l'Annonciation fait référence à l'événement au cours duquel l'Archange Gabriel a dit à Marie qu'elle avait été choisie par Dieu pour concevoir et porter son fils, Jésus. L'Annonciation est décrite dans Luc 1: 26-28:

Au sixième mois, Gabriel l'ange a été envoyé de Dieu dans une ville de Galilée appelée Nazareth, 27 à une vierge fiancée à un homme appelé Joseph, de la famille de David. La vierge s'appelait Marie.

28 "Salutations, favorisé!", A déclaré l'ange à son arrivée. "Que le Seigneur soit avec vous!"

Étant donné à la fois sa signification religieuse et la simplicité de la scène elle-même, l'Annonciation est un sujet privilégié parmi les artistes depuis des siècles. Les rendus notables de cette scène incluent une ancienne fresque romaine dans la catacombe de Priscilla (une carrière utilisée pour les sépultures chrétiennes au 3ème siècle); une peinture à grande échelle richement détaillée du pionnier de la Renaissance du Nord, Jan van Eyck; un panneau symbolique peint par un jeune Léonard de Vinci; et, bien sûr, une série d'œuvres dédiées à Fra Angelico, un frère d'origine toscane dont les peintures ont contribué à façonner la Haute Renaissance.

Angelico Annonciation Séries

Étant donné la popularité de l'Annonciation parmi toutes sortes d'artistes, son attrait pour Fra Angelico – dont le nom adopté se traduit par «frère angélique» – n'est pas une surprise.

le Annonciation de San Giovanni Valdarno (1430-1432)

L'Annonciation de Fra Angelico

Fra Angelico, «Annonciation de San Giovanni Valdarno», 1430-1432 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Angelico a exploré cette iconographie pour la première fois en 1430 avec Annonciation de San Giovanni Valdarno, une pièce nommée d'après la ville toscane où elle réside actuellement. Rendu à la détrempe – une peinture à base de jaune d'oeuf populaire parmi les artistes médiévaux – cette pièce a jeté les bases de Fra Angelico plus tard Annonciations, qui se caractérisent par le Gabriel ailé sur le côté gauche de la composition, la Vierge Marie à droite, et l'accent mis sur les détails de leur environnement, y compris l'architecture de cadrage et Adam et Eve – au milieu de leur l'expulsion du Jardin d'Eden – au loin.

le Annonciation de Cortona (1433-1434)

L'Annonciation de Fra Angelico

Fra Angelico, «Annonciation de Cortona», 1433-1434 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Un an seulement après avoir terminé Annonciation de San Giovanni Valdarno, Angelico a commencé à travailler sur une deuxième toile similaire. Connu aujourd'hui comme Annonciation de Cortona, ce tableau à détrempe présente des similitudes frappantes avec son prédécesseur. Il existe cependant des différences perceptibles, notamment un changement dans le geste de Gabriel (plutôt que de croiser les bras sur son cœur, il pointe maintenant une main vers Marie et tient l'autre contre sa bouche), l'ajout de colonnes corinthiennes et une accentuation subtilement croissante sur la présence d'Adam et Eve.

le Annonciation à Madrid (vers 1435)

L'Annonciation de Fra Angelico

Fra Angelico, «Annonciation», ca. 1435 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons)

En 1435, Angelico a terminé son troisième Annonciation. Dans cette interprétation, les bras de Gabriel reviennent à sa poitrine – un choix esthétique qu'Angelico conserverait lors de l'achèvement de ses deux derniers Annonciation peintures. Contrairement à ses autres pièces, cependant, cette version comprend un faisceau de lumière qui perce la composition. Destiné à représenter le Saint-Esprit, ce rayon diagonal attire le regard d'Adam et Eve – qui, dans ce tableau, sont les plus grands – sur la Vierge Marie assise.

le Annonciation au couvent de San Marco (1440-1445)

L'Annonciation de Fra Angelico

Fra Angelico, «L'Annonciation», (1440-1445) (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

En 1440, Fra Angelico a transformé sa vision peinte en fresque. Commandée pour le couvent de San Marco, couvent dominicain entièrement décoré par Angelico, cette pièce reste la plus célèbre de ses Annonciation représentations. Ironiquement, cependant, avec sa palette de couleurs naturalistes, ses paysages séculaires et son manque d'Adam et Eve, il est également parmi ses plus simples – juste derrière un autre Annonciation fresque trouvée dans la chapelle.

La fresque de l'Annonciation

Fra Angelico, «Annonciation» (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Située dans un couloir de cellules endormies, cette pièce se détache des autres peintures d'Angelico de l'Annonciation, car elle est intelligemment installée dans le couvent lui-même.

L'héritage du Annonciation

L'Annonciation par El Greco

El Greco, «L'Annonciation», ca. 1590-1603 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Alors que Fra Angelico était loin d'être le premier artiste à explorer la Annonciation, ses interprétations sont parmi les tendances les plus connues de la tendance durable – à la fois dans l’art de la Renaissance et au-delà. En fait, c'est cette chaîne d'œuvres qui a incité Vasari, un historien important et contemporain d'Angelico, à identifier et à louer son «talent rare et parfait».

De plus, le dévouement inlassable d'Angelico à ce sujet séculaire a inspiré les futurs artistes à emboîter le pas. Par exemple, El Greco – un artiste espagnol considéré comme le «premier grand peintre religieux depuis Fra Angelico» – a également revu le sujet à plusieurs reprises tout au long de sa vie et de sa carrière, poussé par la croyance pertinente selon laquelle «vous devez étudier les maîtres mais garder le style original qui bat dans votre âme. "

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Portraits réalistes de Damian Lechoszest

L'artiste polonais Damian Lechoszest peint des portraits magistraux qui capturent l'individualité de chaque personne, sans oublier le moindre détail de leurs caractéristiques, vêtements et accessoires. Pour le montrer, l'artiste photographie ses sujets à côté de leur ressemblance à l'huile tandis qu'ils portent les mêmes vêtements. Ce faisant, les téléspectateurs peuvent vraiment reconnaître les résultats des compétences de Lechoszest et apprécier son sens aigu du détail.

La façon dont les gens considèrent les peintures présente un intérêt particulier pour l'artiste polonais, qui s'est lancé dans des études indépendantes en biologie, psychologie et physiologie de la vision. Selon sa déclaration d'artiste, Lechoszest «essaie de discerner comment l'œil humain réagit et enregistre les stimuli visuels ainsi que la façon dont l'esprit humain perçoit l'image globale.» En conséquence, Lechoszest combine des éléments d'abstraction, d'impressionnisme et de réalisme dans ses œuvres —Dans un effort pour recréer l'observation initiale d'une personne.

Ces splendides portraits à l'huile témoignent non seulement du dévouement de l'artiste à la peinture figurative mais aussi de son amour pour la culture polonaise. Dans de nombreuses peintures de Lechoszest, les modèles sont posés en tenant compte des traditions, coutumes et rituels polonais qui s'éteignent lentement. La sélection de vêtements classiques et le placement d'objets anciens confèrent à ses toiles une qualité intemporelle et pourtant nostalgique.

Faites défiler vers le bas pour apprécier pleinement les réalisations artistiques de cet admirable peintre. Et pour vous tenir au courant des dernières créations de Lechoszest, vous pouvez le suivre sur Instagram.

L'artiste Damian Lechoszest peint des peintures à l'huile incroyablement réalistes.

Portraits réalistes de Damian Lechoszest

Une fois le portrait terminé, l'artiste photographie ses sujets à côté de la toile, démontrant leur ressemblance impressionnante.

Portraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestPortraits réalistes de Damian LechoszestDamian Lechoszest: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Damian Lechoszest.

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Sacs à main brodés par des artistes avec de charmantes créatures des bois et la nature

Sacs brodés par Alexandra Goltsova Mart Bag

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Inspirée par la nature, l'artiste russe Alexandra Goltsova (de Mart Bag) fabrique de charmants sacs brodés ornés de motifs floraux et de créatures forestières cousues. Des sacs mignons aux sacs à bandoulière, la collection gaie de Goltsova permet aux porteurs de porter un petit morceau de plein air avec eux partout où ils vont.

Goltsova commence par coudre méticuleusement à la main son motif de broderie sur un tissu velours luxuriant. Une fois terminée, elle confectionne ensuite le matériau dans ses sacs en forme de larme et les termine en ajoutant des fermoirs métalliques décoratifs et de jolies chaînes. Goltsova veille toujours à sélectionner le tissu de fond pour que la couleur complète ses sujets inspirés de la nature. Dans un design, un brin de lavande cousu est joli contre le tissu violet foncé, et dans un autre, un oiseau de jardin se distingue de manière colorée sur du velours bleu marine profond.

Découvrez ci-dessous quelques-uns des charmants sacs de Goltsova et rendez-vous dans sa boutique Etsy pour les acheter par vous-même.

L'artiste russe Alexandra Goltsova fabrique des sacs brodés d'inspiration naturelle.

Sacs brodés par Alexandra Goltsova Mart BagSacs brodés par Alexandra Goltsova Mart BagSacs brodés par Alexandra Goltsova Mart Bag

Chaque motif est méticuleusement cousu à la main sur un tissu velours luxuriant.

Sacs brodés par Alexandra Goltsova Mart BagSacs brodés par Alexandra Goltsova Mart Bag

Chaque charmant sac comporte un joli fermoir et une chaîne en métal.

Sacs brodés par Alexandra Goltsova Mart Bag

Certains des fermoirs sont également sur le thème de la nature!

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h / t: (donc super génial)

Toutes les images via Alexandra Goltsova / Mart Bag.

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La Chine interdit les sacs en plastique dans toutes ses grandes villes d'ici la fin de 2020

Plastique à usage unique

Photos de Photka / Shutterstock

La Chine joue un rôle important en contribuant à la pollution par les déchets plastiques. Des plastiques gaspillés dans les décharges aux sacs suspendus aux arbres ou aux articles à usage unique dans les cours d'eau, ce grave problème environnemental nécessite une solution radicale. Le gouvernement chinois le reconnaît, et il a récemment annoncé des directives pour réduire le nombre de plastiques jetables qui jonchent le paysage. Ils ont l'intention d'interdire les sacs en plastique non biodégradables, les couverts et les pailles dans toutes les grandes villes d'ici la fin de 2020 et toutes les sources de déchets en plastique à Pékin, Shanghai et dans d'autres «riches provinces côtières» d'ici la fin de 2022. Le plastique l'interdiction s'étendra à l'ensemble du pays d'ici la fin de 2025.

"La consommation de produits en plastique, en particulier les articles à usage unique, n'a cessé d'augmenter", a écrit la Commission nationale chinoise de développement et de réforme dans une explication des lignes directrices. «Il faut une planification globale plus solide et un déploiement systématique pour éliminer la pollution plastique.»

Alors, qu'est-ce que cela signifie pour les entreprises? Les restaurants cesseront de fournir aux clients des pailles en plastique et ils réduiront le nombre de leurs articles en plastique à usage unique de 30% cette année. Et d'ici 2025, il n'y aura plus d'articles en plastique à usage unique gratuits dans les chambres d'hôtel. Tout cela dans le but de réduire les 60 millions de tonnes de déchets plastiques produits par la Chine au cours d'une année donnée. Le pays est le plus grand pollueur plastique avec les États-Unis non loin derrière avec 38 millions de tonnes. Mais étant donné que la population de la Chine est plus de trois fois supérieure à celle des États-Unis, la personne moyenne dans le pays occidental génère plus de plastique que son homologue asiatique.

L'interdiction du plastique à usage unique n'est qu'une des initiatives prises par le gouvernement chinois pour limiter sa contribution à la pollution. Depuis 2018, ils n'ont pas autorisé l'importation de plastiques et autres matières recyclables en provenance d'autres pays étrangers; et en 2008, a rendu illégale la production de sacs en plastique ultra-fins.

h / t: (IFL Science !, New York Times)

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Interview: Les artistes reconstruisent les souvenirs émotionnels des réfugiés dans leurs valises intérieures

L'art à propos de la crise des réfugiés

En collaboration avec l'écrivain Ahmed Badr, l'architecte et sculpteur Mohamad Hafez a écouté les histoires de familles de réfugiés vivant en Amérique et a aidé à mettre en lumière leurs expériences. En tant que deux anciens réfugiés eux-mêmes – Hafez de Syrie et Badr d'Irak – c'est une question qui leur tient à cœur. Le résultat est Déballé, une installation multimédia émouvante où les voix de chaque famille racontent leurs expériences alors que les téléspectateurs se livrent à une incroyable maquette à l'échelle des maisons qu'ils ont laissées.

Chaque modèle, créé par Hafez, est emballé dans une valise comme symbole des bagages que ces familles transportent dans leur nouvelle vie. Ces pièces ont été abandonnées, devenant des vestiges d'une vie antérieure interrompue en raison de la guerre ou de troubles civils. Pendant que Hafez écoutait attentivement pendant les entretiens, qui duraient souvent de six à sept heures, il esquissait ce qu'il avait entendu. En utilisant ce qu'il a découvert, il a pu façonner leurs souvenirs en une représentation visuelle qui ne laisse aucun doute sur les circonstances désastreuses auxquelles ces réfugiés ont été confrontés.

En associant une voix et un visuel, Hafez et Badr espèrent construire un pont de compréhension entre l'Est et l'Ouest. Trop souvent, le public américain n'entend parler des réfugiés que sous un jour négatif, à travers le filtre des tiers. Avec Déballé, le public peut voir, écouter et juger par lui-même après avoir appris des informations de première main.

Déballé sera visible à l'Université de Madison-Wisconsin du 5 février 2020 au 15 mars 2020. Lisez la suite pour en savoir plus sur le processus de création de ce projet socialement important dans l'interview exclusive de My Modern Met avec Mohamad Hafez.

L'art à propos de la crise des réfugiésComment est née la collaboration entre vous et Ahmed Badr?

Le projet a commencé avec l'Université Wesleyan, où Ahmed Badr est étudiant. Ahmed est lui-même un réfugié de Naraku et un écrivain qui travaille avec les jeunes pour les aider à raconter leurs histoires et leurs récits. Donc la vérité est que l'université Wesleyan nous a réunis et nous avons décidé de faire ce projet.

Installation artistique de Mohamad Hafez et Ahmed Badr sur les réfugiésInstallation artistique de Mohamad Hafez et Ahmed Badr sur les réfugiésComment était Déballé conçu et quel est le processus créatif pour donner vie à chaque pièce?

Déballé a été conçu comme dix valises, neuf pièces murales et une grande installation. Nous avons interviewé de nombreuses familles de réfugiés d'Irak, d'Afghanistan, du Congo, de Syrie, d'Iran… Nous ne voulions pas seulement parler de la Syrie et de l'Irak, mais refléter la nature mondiale de la crise des réfugiés. Nous avons donc choisi des gens de partout.

Nous nous sommes assis pendant plusieurs heures avec beaucoup de thé et de biscuits et de baklava et nous avons emporté beaucoup d'enregistrements. Ahmed pourrait poser à la famille les questions que j’ai posées pendant que je prenais des notes et dessinais. Donc, en tant qu'artiste sculpteur, je cherchais des détails architecturaux auxquels ils feraient allusion. Si quelqu'un a commencé à parler d'un salon qu'il a quitté soudainement, j'ai commencé à demander: «Pouvez-vous me décrire votre salon?», «De quelle couleur sont vos meubles?», «De quelle couleur sont les murs?», «Avez-vous des photos? », etc. Les familles ne savaient pas pourquoi je posais ces questions. Bien sûr, je savais que je retournerais dans mon studio et tenterais de recréer cet espace.

Déballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezComment pensez-vous que votre propre expérience a contribué à informer le produit final?

Ahmed est venu ici très jeune et est allé au système scolaire. Je suis également venu ici pour étudier l'architecture. Je suis, de profession et de pratique, architecte à plein temps. Je suis donc venu ici à environ 17 ans et je suis ici depuis environ 20 ans. Je suis citoyen américain maintenant.

Cette expérience d'être ici si longtemps et de pouvoir m'identifier à la société américaine et occidentale, me permet de diluer sept heures de conversation avec chaque famille de réfugiés en un extrait sonore. Cela me permet de sélectionner quelque chose qui intrigue le Joe moyen. Le défi était donc, pour moi en tant qu'artiste, que dirais-je à quelqu'un qui a des opinions épicées contre les réfugiés en trente secondes avant de perdre leur attention qui les intriguerait à en savoir plus sur eux?

Donc, ces casques que vous mettez et vous entendez la voix d'Ahmed Badr les interviewer – nous avons organisé 30 à 60 secondes maximum de cette conversation – vous amènent à en savoir plus sur chaque famille. Ensuite, vous allez à la pancarte sur le côté et vous en apprenez davantage sur la famille.

Ce qui était intrigant dans toute l'exposition: le mot «réfugié» n'apparaît nulle part sur le mur, sauf un petit titre, lorsque vous entrez dans l'exposition. C'est intentionnel simplement parce que nous voulions que le spectateur fasse l'expérience de toutes les histoires avant de s'arrêter et de dire: "Attendez une seconde, ce sont des réfugiés et ils sont ici en Amérique?"

Installation artistique de Mohamad Hafez et Ahmed Badr sur les réfugiésDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezQuelle a été la partie la plus difficile et la plus gratifiante de Déballé?

Je pense que la partie la plus difficile de Déballé prenait l'histoire très émouvante de quelqu'un, six ou sept heures de conversation, et ils nous faisaient confiance pour raconter leur histoire au monde extérieur alors que je sais que je n'ai, la plupart du temps, que 60 secondes avant que quelqu'un ne perde l'attention.

C'était donc le plus grand défi. Que pouvez-vous dire à deux personnes différentes de deux côtés du monde à propos de cette famille? Comment pouvez-vous établir un dénominateur commun, une connexion, un pont humain entre les deux personnes pour leur permettre de dépasser la xénophobie ou les fausses perceptions qu'elles pourraient avoir l'une envers l'autre et établir un dialogue? C'était le plus difficile, et Dieu bénisse le travail car il y avait une véritable intention d'aider ces familles et de raconter leurs histoires. L'œuvre n'est pas à vendre. Ce ne sera jamais à vendre. Donc, c'est juste fait pour sensibiliser et voyager à travers le pays en racontant ces histoires.

Et en contrepartie, la partie la plus gratifiante est que j'ai découvert que mes compétences artistiques sont maintenant mises à profit pour une force humanitaire, un rôle d'activiste qui va au-delà de raconter ma propre histoire et l'histoire de ma famille ou celle d'Ahmed. C'est maintenant beaucoup plus grand que nous et il s'agit d'humaniser une grande population qui est la plupart du temps pensée dans l'abstrait complet.

Déballé: Histoires de réfugiés par Mohamad Hafez

Photo: Rodney Nelson

Maquette d'une maison abandonnéeY a-t-il une histoire ou une pièce particulière qui se démarque pour vous?

Je pense que l'histoire d'Ayman et Ghena est vraiment intéressante. Toutes les histoires sont sur notre site Web, mais avec leur histoire particulière, ils prenaient leur petit-déjeuner et le souvenir vif de la dernière chose dont ils se souviennent avoir été que leur grand-père se précipite dans la pièce et dit que nous devons y aller maintenant.

Et ils ont dit, nous avons laissé le petit déjeuner et tout intact et nous avons pensé que nous serions partis pendant cinq ou six heures et que nous reviendrions pour tout nettoyer. Et je lui ai demandé "Eh bien, combien de temps cela a-t-il été alors"? Et ils ont dit: "Ça fait six ans." C'était dans une interview il y a deux ans. Voilà maintenant huit ans qu'ils sont partis. Cela m'intriguait et vous voyez dans leur valise que le salon et les tasses à thé sont toujours là sur la table basse et ainsi de suite.

Beaucoup de gens en Occident peuvent se rapporter à l'histoire d'Ayman parce que, bien qu'ils n'aient peut-être pas évacué leurs maisons à ce moment-là à cause d'une guerre ou d'une armée entrant dans leur village, beaucoup de gens sont partis et ont perdu leur maison en raison de ouragans, tornades et incendies de forêt sans emporter autre chose que leur pyjama et quelques pantoufles. Donc, cette expérience humaine est maintenant partagée entre quelqu'un à l'Est et quelqu'un à l'Ouest et peut s'appliquer comme une expérience humaine partagée sur laquelle vous construisez une compréhension mutuelle, que vous utilisez pour dire «D'accord, pourquoi cette famille est-elle perçue mieux que l'autre? "Ou" pourquoi cette famille est-elle perçue comme une menace nationale pour la sécurité intérieure? "

Déballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezQu'espérez-vous que les gens retirent de Déballé?

J'espère que les gens verront le dénominateur commun qui nous relie tous. J'espère que les gens comprendraient que la xénophobie est un outil que les politiciens utilisent pour diviser les gens et obtenir leurs agendas politiques, mais cela ne prend pas grand-chose, une fois que vous avez établi un dialogue, une fois que vous avez vraiment commencé à connaître le autre personne… La plupart du temps, vous réalisez qu'il n'y a pas beaucoup de différence et que cette différence ajoute à notre unité et ajoute à notre complexité en tant que cultures.

Nous n'essayons pas de romancer les réfugiés, mais d'essayer de les humaniser. Je ne dis pas aux gens quoi penser ou quoi faire. Mais voici 10 familles, décidez-vous. Les chances sont que 99,9% des gens sont comme moi et vous et tout le monde. Donc, vous savez, si nous pouvons éduquer en des temps divisés et en des temps xénophobes pour que les gens s'investissent les uns les autres avant de qualifier des milliers et des millions de personnes d'un seul coup de pinceau de musulman ou de réfugié ou d'une menace pour la sécurité intérieure. Si nous pouvons éduquer au-delà de cela, je pense que nous devons assumer notre responsabilité en éduquant les politiciens de demain.

Pourquoi? Parce que je ne veux pas grandir dans un monde et vivre dans un monde qui a encore une autre interdiction de voyager musulmane. L’interdiction même de voyager qui m’a obligé à rester ici pendant 10 ans, m’a rendu très nostalgique et a bien établi ma carrière artistique, mais je ne veux pas que cela arrive à qui que ce soit d’autre.

Déballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezInstallation artistique de Mohamad Hafez et Ahmed Badr sur les réfugiésInstallation artistique de Mohamad Hafez et Ahmed Badr sur les réfugiésDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad HafezDéballé: Histoires de réfugiés par Mohamad Hafez

Déballé: Bagages de réfugiés: Site Web | Facebook | Instagram
Mohamad Hafez: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Mohamad Hafez.

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Cette gomme se transforme en un petit mont Fuji avec plus d'erreurs que vous faites

Gomme Mount Fuji par PLUS Stationery

En tant que volcan le plus haut du Japon, le mont Fuji est considéré comme un symbole sacré de la nation. Avec sa forme majestueuse et son sommet enneigé, la montagne immédiatement reconnaissable fait l'objet de nombreuses peintures, photos et toute une gamme d'articles souvenirs. L'un des derniers produits pour célébrer le sommet emblématique est une gomme en édition spéciale du fabricant japonais PLUS Stationery.

Les gommes standard de forme cuboïde peuvent ne pas ressembler au Mont Fuji au début, mais la forme du pic évolue lentement avec une utilisation répétée. Ils contiennent de la poudre de céramique poreuse, ce qui les rend faciles et amusants à utiliser. Au fur et à mesure que la couche extérieure bleue ou rouge s'use, la partie blanche intérieure est révélée. Les utilisateurs peuvent incliner la gomme pendant qu'ils se frottent pour sculpter la tête en un point qui ressemble au sommet enneigé emblématique.

La gomme Mount Fuji est disponible en 6 modèles de boîtier distincts basés sur des motifs japonais traditionnels, y compris un ichimatsu motif à carreaux et shippō motif de cercles qui se chevauchent. Alors que la version bleue de la gomme représente une image classique du mont Fuji, la gomme rouge célèbre le phénomène qui se produit au lever et au coucher du soleil lorsque la montagne apparaît en rouge vif. PLUS Stationery a conçu la gomme Mount Fuji comme un moyen de déstigmatiser les erreurs commises. Désormais, à chaque erreur, les utilisateurs sont plus près de révéler leur propre montagne aux formes uniques!

Vous pouvez acheter une seule gomme pour environ 200 ¥ sur le site Web PLUS Stationery.

Cette gomme révèle lentement le mont Fuji avec le plus d'erreurs que vous faites.

Gomme Mount Fuji par PLUS StationeryGomme Mount Fuji par PLUS StationeryGomme Mount Fuji par PLUS StationeryGomme Mount Fuji par PLUS StationeryPLUS Papeterie: Site Web | Facebook | Twitter | Youtube
h / t: (Japan Today)

Toutes les images via PLUS Stationery.

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7 types importants d'art chinois, de la poterie ancienne à la poésie moderne

Types d'art chinois

Banque de Photos de shutterpix / Shutterstock

En tant qu’une des plus anciennes civilisations du monde, il n’est pas surprenant que Chine possède une riche histoire de l'art. Au cours de plus de 3 000 ans, le pays a créé une culture dynamique composée d'innombrables formes d'art qui, ensemble, aident à brosser un tableau de l'évolution fascinante de la Chine. Ici, nous découvrons quelques-unes des contributions artistiques les plus anciennes du pays, de la poterie ancienne à la poésie classique en passant par l'installation contemporaine.

Ces sept formes d'art sont au cœur de l'histoire de l'art chinois.

Poterie néolithique

Histoire de l'art chinois

Pots de la culture Yangshao en Chine néolithique (Photo: Wikimedia Commons CC0 1.0)

L'un des plus anciens types d'art de la Chine est Poterie néolithique. Nommé pour la période pendant laquelle il a été produit, ce genre d'art comprend pièces en céramique conçu d'environ 10000 avant notre ère à 2000 avant notre ère. Bien que la poterie néolithique primitive n'ait pas été peinte, de nombreuses œuvres, en particulier des pièces créées par le peuple Yanshao, qui a vécu le long du fleuve Jaune de 5000 avant JC à 3000 avant JC, ont été décorées en y pressant des cordes, laissant des empreintes à motifs distinctives.

Vers la fin de l'ère néolithique, les Yanshao ont commencé à peindre leurs céramiques, avec des motifs géométriques et des visages humains parmi les motifs les plus appréciés.

Jades rituels

Art de Jade

Cong de jade de la culture Liangzhu (Photo: Wikimedia Commons CC BY-SA 4.0)

Jade les objets étaient un autre artisanat populaire qui a émergé dans la Chine néolithique. Exploité pour la première fois en 6000 avant notre ère, ce «joyau impérial»Est devenu un aliment de base recherché dans plusieurs cultures chinoises, avec des sites importants trouvés à Liangzhu (une ancienne région du Zhejiang actuel), la province du Liaoning et la Mongolie intérieure.

Extrait de roches métamorphiques, ce minéral vert lumineux a été utilisé pour créer une gamme d'objets. Alors que certains – y compris les tasses, les vases et les ornements – servaient simplement à des fins décoratives et pratiques, d'autres étaient de nature cérémonielle. Artefacts de jade rituels comme le cylindrique cong et le bi Le disque, par exemple, était profondément symbolique, faisant référence à la Terre et au Ciel, respectivement. Trouvés dans les lieux de sépulture de Liangzhu, ces objets funéraires figurent parmi les créations les plus mystérieuses de Chine.

Navires en bronze

Bronze chinois

Vase en bronze de la dynastie Shang (Photo: Wikimedia Commons CC0 1.0)

Alors que la période néolithique diminuait, la Chine ancienne a inauguré une nouvelle ère: la L'Âge de bronze. Commençant vers 2000 avant notre ère, l'âge du bronze se caractérise par l'émergence du bronze. Comme le jade, ce matériau a été utilisé pour fabriquer des objets à la fois utilitaires et rituels, les récipients étant parmi les plus répandus.

Un développement majeur qui aide à définir l'âge du bronze en Chine est moulage pièce-moule, une méthode de «sculpture» du métal. «Dans le moulage à la pièce», explique le Metropolitan Museum of Art, «un modèle est fait de l'objet à couler et un moule en argile est pris du modèle. Le moule est ensuite coupé en sections pour libérer le modèle, et les sections sont réassemblées après la cuisson pour former le moule à couler. »

Populaire au cours de la dynastie Shang (1600 à 1046 avant notre ère), le moulage à la pièce a été favorisé par les artisans, car il leur a permis de réaliser facilement des conceptions délicates et détaillées en inscrivant les moules.

Poésie

Poésie chinoise

Du Fu, un poète chinois (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Alors que les beaux-arts occupent une place importante en Chine depuis des millénaires, poésie s'est avéré tout aussi important. Depuis son émergence il y a plus de 2000 ans avec Shih Ching (un recueil de 305 poèmes compilé dans «Le livre des chansons» ou, plus littéralement, «Le classique de la poésie») et le Chu Ci (une anthologie de 17 sections dont le titre se traduit par «Versets de Chu»), cette forme d'art est restée un aliment de base de la culture chinoise.

Poésie élaborée jusqu'au Mouvement du 4 mai—Un bouleversement culturel et politique entraîné par les manifestations étudiantes en 1919 — est connu sous le nom de classique. Il est principalement défini par une utilisation concise des caractères et, souvent, la présence de rimes. La poésie moderne, au contraire, est de nature plus expérimentale, employant des vers libres et une gamme de langues chinoises. Dans les deux cas, les poèmes peuvent être parlés, chantés ou écrits, souvent en calligraphie.

Calligraphie

Écriture chinoise

Calligraphie du poète de la dynastie Yuan Yang Weizhen, 1279-1368 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Calligraphie est un genre unique d'art graphique. Fabriquée au pinceau et à l'encre, la calligraphie a mis en évidence la beauté discrète des caractères chinois depuis la dynastie Shang (vers 1600-1100 avant notre ère). Cependant, ce n'est qu'au IVe siècle de notre ère qu'elle a atteint un statut presque éthéré.

Calligraphie se traduit littéralement par «belle écriture. "Ne laissez pas ce titre simple vous tromper, cependant; la calligraphie n'est pas une forme d'art ordinaire. En fait, comme le note la Asia Society, «en Chine, dès le tout début, la calligraphie n'était pas considérée uniquement comme une forme d'art décoratif. Au lieu de cela, il était considéré comme la forme suprême d'art visuel, était plus valorisé que la peinture et la sculpture, et classé aux côtés de la poésie comme un moyen d'expression de soi et de culture. »Cela est dû non seulement à son esthétique, mais à l'habileté physique et l'alphabétisation dont il a besoin.

Peinture de paysage

Peinture chinoise

Huang Guangwang, «Logement dans les montagnes de Fuchun», 1350 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

La calligraphie a continué à jouir de son monopole artistique pendant des siècles. Cependant, pendant la dynastie des Song du Nord (960–1127), La peinture a finalement rejoint ses rangs. Bien que les deux formes d'art aient beaucoup en commun, y compris la technique et les matériaux, elles divergent en ce qui concerne le sujet. Alors que les calligraphes se concentrent sur les personnages, les peintres du Xe siècle se sont concentrés sur le monde qui les entoure. Plus précisément, ils se sont tournés vers les paysages.

À l'instar des œuvres calligraphiques, les peintures de paysages sont plus que ce que l'on voit. En plus de mettre en valeur la beauté de la nature, ces œuvres traitaient de «convictions sociales, philosophiques ou politiques spécifiques». Cependant, elles servaient aussi simplement de moyen de expression de soi, offrant un aperçu du «paysage intérieur du cœur et de l'esprit de l'artiste».

Installation contemporaine

Art chinois contemporain

«Ai Weiwei on Porcelain», installation au musée Sakip Sabanci Stock Photos de Bulent Demir / Shutterstock

Aujourd'hui, cette capacité à plonger le spectateur dans l'esprit de l'artiste est présente sous une autre forme d'art: installation. L'art d'installation est un mouvement moderne caractérisé par des œuvres d'art interactives, à grande échelle et généralement propres au site. Ce genre est devenu populaire parmi de nombreux artistes chinois contemporains, avec Ai Weiwei à la pointe.

Figure de premier plan dans le domaine de l'art contemporain, Ai Weiwei a mis en place une pratique qui invite le public d'aujourd'hui à voir l'histoire de la Chine sous un angle moderne. "Mon travail est toujours prêt à l'emploi", a-t-il dit, "culturel, politique ou social, et il pourrait aussi s'agir d'art – pour inciter les gens à revoir ce que nous avons fait, sa position d'origine, pour créer de nouvelles possibilités. "

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18 accessoires d'hiver pour vous garder élégant toute la saison

Accessoires d'hiver

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Quand vous entendez «mode d'hiver», des visions de chapeaux et de vestes volumineuses dansent-elles dans votre tête? Si c'est le cas, il est temps de repenser votre garde-robe d'hiver et de saupoudrer quelques accessoires créatifs.

Avec ces pièces tendance hivernales, vous pouvez rester à la mode tout au long du printemps. Des boucles d'oreilles qui ressemblent à des branches enneigées et une bague inspirée d'un glaçon mettent en valeur la beauté du froid, tandis qu'une charmante coque de téléphone met en valeur les adorables animaux associés à la saison. Et, si vous voulez associer forme et fonction, enfilez des chaussettes de lapin et des gants personnalisés pour rester au chaud avec style.

«C’est la saison pour être créatif!

Profitez de l'hiver avec style grâce à ces accessoires saisonniers.

Boucles d'oreilles glacées

Bague en résine et bois

Patron de crochet DIY

Écharpe Ailes blanches

Couverture Moon Phases

Manchette d'arbre

Chaussettes de lapin

Étole de renard roux

Étui pour téléphone Arctic Animals

Pendentif flocon de neige

Robe Skadi

Broche émail Hedgehat

Bague en quartz rose brut

Gants personnalisés

Chapeau de lama

Chaussettes pingouins et ours polaires

Broche émail Corgi

Bonnet brodé Panda rouge

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Björk et Microsoft créent une musique générée par l'IA qui change avec la météo

Björk est connue pour son style de musique expérimentale d'avant-garde, et son dernier projet ne fait pas exception. L'artiste islandais a récemment collaboré avec Microsoft et l'hôtel Sister City à New York pour créer une musique générée par l'IA qui change en fonction de la météo. Titré Kórsafn (qui signifie «archive de choeur» en islandais), la composition a été réalisée à partir d'arrangements choraux que Björk a enregistrés au cours de sa carrière.

«Une structure architecturale du centre-ville de Manhattan m'a offert la main dans un tango IA et j'ai accepté l'appel», explique Björk. «Je suis alerte avec curiosité en attendant les résultats. Je leur ai offert mes archives de chorale, écrites sur 17 ans, qui flotteront à travers le flipper de l'intelligence artificielle par la grille des migrations d'oiseaux, les nuages, les avions et cette chose voluptueuse appelée baromètre! »À l'aide d'images en direct d'une caméra installée sur le toit de Sister City et l'IA de Microsoft, le paysage sonore en évolution s'adapte aux levers, couchers de soleil, nuages, pluie et même au mouvement des oiseaux.

Au fur et à mesure que l'IA apprend à identifier de nouveaux objets et à reconnaître les conditions météorologiques complexes avec plus de précision, les arrangements choraux changeront avec le temps. "Il ne se contente pas de trouver des nuages, mais indique la densité et le type de nuage, cumulus ou nimbus", explique Microsoft. "Et il ne trouvera pas seulement un oiseau, mais il distinguera également tout un troupeau d'oiseaux." Cela signifie que vous pouvez littéralement "écouter le ciel".

Vous pouvez regarder l'horizon de NYC et entendre comment Björk et Microsoft AI l'interprètent en temps réel via le site Web de Sister City.

Björk a collaboré avec Microsoft et l'hôtel Sister City à New York pour créer une musique générée par l'IA qui change en fonction de la météo.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=HXSSA064EEs (/ incorporé)

Björk: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
Microsoft: site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
Ville sœur: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (designboom)

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Les rues de San Francisco par Helene Havard

Célèbre pour ses rues pittoresques bordées de maisons colorées et d'une architecture charmante, San Francisco est le sujet de la dernière série du photographe Helene Havard. Havard a voyagé de son domicile en Polynésie française à la «City by the Bay», où elle a capturé la magie de cette ville unique aux couleurs de bonbons.

«Je me promène dans les rues au hasard et je laisse simplement couler mon inspiration», explique Havard à My Modern Met. «Je m'intéresse principalement à la forme et aux couleurs.» Connue pour ses palettes de couleurs de rêve, Havard fait ressortir l'ambiance décalée et libre de San Francisco en appliquant numériquement des tons pastel à ses photos. Les bâtiments de style victorien et édouardien de la ville vallonnée sont capturés dans des tons rose bubblegum et vert menthe, tandis que les charmantes devantures de magasins, les motels de la vieille école et les cinémas classiques sont présentés dans des tons rétro. Même les plans des intérieurs de café semblent n'avoir pas changé depuis les années 1950 – chaque établissement mignon est capturé avec des panneaux originaux peints à la main et des sièges de style salle à manger.

Faites défiler pour découvrir la cinématique de Havard Rues de San Francisco série et découvrez plus de la talentueuse photographe du portfolio sur son site Web.

La photographe Helene Havard capture le charme de San Francisco dans sa dernière série.

Les rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene Havard

Elle fait ressortir le côté ludique de la ville en appliquant numériquement des tons pastel colorés à ses photos.

Les rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene HavardLes rues de San Francisco par Helene Havard

Hélène Havard: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Hélène Havard.

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Une photo parfaitement cadrée encadre une éclipse solaire autour d'un homme conduisant un chameau dans le désert

Photographie de paysage de l'éclipse solaire par Joshua Cripps

Les photographies impressionnantes ont toutes quelque chose en commun: le photographe était au bon endroit au bon moment. Parfois, c'est par hasard; mais, comme le démontre le photographe Joshua Cripps, c'est souvent le résultat de mois de préparation. Le créateur californien prévoyait d'être au Moyen-Orient à la mi-décembre 2019 lorsqu'il a découvert qu'il y aurait une éclipse solaire annulaire. Cet événement l'a convaincu de prolonger son voyage pour prendre une photo de la vue magnifique. Et grâce à sa «quantité folle de planification», il a pu capturer une photo de l'éclipse cadrant parfaitement un homme marchant à dos de chameau sur une dune de sable.

Alors, comment Cripps a-t-il retiré cette photo? "L'ensemble du tournage a été méticuleusement planifié", révèle-t-il à My Modern Met, "du pays (Emirats Arabes Unis) à l'endroit (désert de Liwa), jusqu'aux coordonnées GPS de l'endroit où moi et le chameau nous tenions tous les deux, ainsi que la focale la longueur de l'objectif que j'utiliserais. Même le timing était prévu, jusqu'à la minute où l'éclipse apparaîtrait dans le cadre derrière l'homme et son chameau. "

Cripps a utilisé une application appelée PhotoPills pour déterminer d'abord l'emplacement idéal, puis il a commencé à réfléchir au sujet. Il voulait quelque chose qui serait «représentatif de la région et du paysage» et il a finalement opté pour un chameau car c'était un animal domestique plus facile à contrôler qu'une créature comme un faucon ou un cheval arabe.

Quant aux dérives de sable, pas n'importe quelle dune ferait l'affaire. Cripps avait des exigences spécifiques quant à la hauteur de la dune pour obtenir le tir. Il savait qu'il devrait se tenir à presque exactement 1 000 pieds du chameau pour obtenir les proportions correctes entre la taille du chameau et le soleil. Il a également réalisé qu'il aurait besoin d'une dune visible contre le ciel lorsqu'il se tenait à un angle de 6,15 degrés. Heureusement, Cripps a pu trouver une dune de sable répondant à ses critères rigoureux.

Avec toute la planification effectuée, Cripps ne pouvait qu'attendre le début de l'éclipse. Et une fois cela fait, il était en mouvement constant: mettre les choses en place, photographier des expositions d'essai et modifier continuellement ses compositions pour chasser le soleil. L'éclipse entière a duré près de deux heures et demie, et Cripps a passé 23 minutes à prendre une série de 133 images qui capturaient l'essence de ce qu'il avait l'intention de faire.

Cripps songe déjà à filmer de futures éclipses, et il n’aura pas à attendre trop longtemps. Il y aura une éclipse solaire totale visible dans une "petite tranche" d'Amérique du Sud le 14 décembre 2020. Il réfléchit maintenant à ce qu'il va tirer pendant cette période.

Grâce à une planification méticuleuse, Joshua Cripps a pu capturer une incroyable photographie d'éclipse solaire d'un homme marchant à dos de chameau sur une dune de sable.

Photographie de paysage de l'éclipse solaire par Joshua Cripps

Cripps ne parle pas arabe et l'homme ne parle pas anglais, alors Cripps a dessiné une image de ce à quoi il voulait que la photo ressemble.

Photographie de l'éclipse solaire par Joshua Cripps

En 23 minutes, Cripps a pris 133 photos.

Photographie de paysage de l'éclipse solaire par Joshua CrippsPhotographie de paysage de l'éclipse solaire par Joshua CrippsPhotographie de paysage de l'éclipse solaire par Joshua CrippsJoshua Cripps: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Joshua Cripps.

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Plus de 30 idées de peinture à l'aquarelle pour les artistes débutants et les professionnels chevronnés

Idées faciles de peinture à l'aquarelle

Photos de TorriPhoto / Shutterstock
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La peinture à l'aquarelle est l'une des activités créatives les plus faciles à prendre. Il n'y a que quelques fournitures dont vous avez besoin – un ensemble de peintures, de pinceaux, de papier et d'eau – et il n'y a qu'une poignée de techniques essentielles à connaître avant de mettre du pigment sur du papier. Cette simplicité brillante signifie que c'est un jeu d'enfant de commencer et terminer une aquarelle le même jour. Alors, qu'allez-vous peindre?

Décider de ce que vous allez peindre peut parfois être la partie la plus difficile de tout le processus créatif. Voulez-vous un sujet qui mettra vos compétences à l'épreuve? Cherchez-vous à affiner la façon dont vous dépeignez le réalisme, ou êtes-vous intéressé à tester la limite de votre abstraction? Quels types de techniques d'aquarelle aimeriez-vous utiliser dans votre projet? Prendre ces décisions s'avérera vital pour ce que vous décidez de peindre, mais ils peuvent vous sembler accablants et vous laisser vous gratter la tête.

Si vous avez besoin d’idées d’aquarelle, n’ayez crainte! Nous avons mis au point une myriade de concepts qui vont de facile à difficile, et ils se prêtent tous à la fluidité insouciante qui est indicative du médium. Nous vous recommandons de choisir quelques idées que vous aimez et, le cas échéant, de faire un croquis de ce que vous aimeriez peindre. Lorsque vous êtes satisfait de la composition, commencez à appliquer la couleur et regardez l'aquarelle travailler sa magie.

Découvrez plus de 30 idées de peinture à l'aquarelle ci-dessous.

Besoin de quelque chose à peindre? Nous avons plus de 30 idées de peinture à l'aquarelle que vous pouvez essayer aujourd'hui, qui vont de concepts simples à complexes.

La grande chose au sujet de bon nombre de ces idées est que les concepts plus simples peuvent évoluer vers des concepts plus difficiles. Avec les fleurs, par exemple, il est relativement facile de peindre une marguerite ou une tulipe. Lorsque vous êtes prêt, essayez d'ajouter une rose à votre bouquet.

Idées faciles de peinture à l'aquarelle

Photos de la Ekaterina Iatcenko / Shutterstock

Idées faciles de peinture à l'aquarelle

  • Expérience! Essayez différentes couleurs et testez une variété de techniques de peinture à l'aquarelle.
  • Des lavages qui ressemblent au ciel – essayez de peindre le coucher du soleil avec l'approche mouillé sur mouillé.
  • Le ciel étoilé. Essayez de préserver votre papier blanc avec du liquide de masquage.
  • Montagnes ou collines.
  • Mettez votre spin sur l'arc-en-ciel emblématique.
  • Un motif décoratif. Assurez-vous de commencer facilement et de travailler sur des motifs plus complexes.
  • Un seul fruit comme une pomme ou une orange. Pour rendre votre composition plus intéressante, essayez de la couper en deux.
  • Une marguerite ou une tulipe.
  • Votre personnage préféré de Disney ou de jeu vidéo.
  • Une scène de lac tranquille ou une plage — bonus si vous incluez un bateau, un animal ou un parasol.
  • Une coccinelle sur une feuille.
  • Vos paires de chaussures préférées.
  • Une vue aérienne que vous verriez d'un avion.
  • Un arbre intéressant que vous avez vu lors d'une récente randonnée.
  • Votre tasse de thé ou de café le matin. Utilisez la fluidité de l'aquarelle pour capter la vapeur sortant de la boisson chaude.
  • Ballons et confettis. Apprenez à créer des teintes éclatantes avec le pigment.
  • Un chat ou un chien moelleux utilisant des lavis aquarelle tachés.

Suivant: Plus d'idées de peinture à l'aquarelle

Un artiste norvégien sculpte des oreillers blancs «en peluche» à partir de blocs de marbre

Sculptures d'oreiller en marbre Hakon Anton Fageras

La capacité de transformer le marbre en peau ou en draperie est une compétence impressionnante qui joue avec notre sens de la vue et du toucher – tromper nos yeux en leur faisant croire que quelque chose que nous savons être rigide peut être doux. L'artiste contemporain Håkon Anton Fagerås rappelle une telle maîtrise classique dans ses sculptures d'oreillers en marbre.

"Le dénominateur commun de la plupart de mon art est la fragilité et la vulnérabilité", explique l'artiste à My Modern Met. «Je sculpte habituellement des figures et des visages, mais de temps en temps, je sculpte des oreillers en marbre.» La série en cours, intitulée Vers le bas, est immédiatement charmant à regarder. Grâce à l'utilisation d'une variété d'outils, y compris un marteau pneumatique, Fagerås parvient à créer des oreillers d'apparence souple, tous présentant les plis et les plis naturels du vrai tissu.

Bien que ces sculptures plumeuses aient une apparence modeste, Fagerås considère ces oreillers comme «un beau symbole de la vie». Il croit que certains des moments les plus beaux et les plus difficiles de la vie se passent au lit et que les oreillers – peut-être dans leurs postures douces naturelles – capturent cela. sens des expériences vécues.

Fagerås produit son travail dans des studios d'Oslo et du nord de l'Italie. Pour voir plus d'images de Fagerås Vers le bas vous pouvez le suivre sur Instagram.

L'artiste norvégien Håkon Anton Fagerås sculpte habilement des oreillers «moelleux» à partir de blocs de marbre blanc.

Sculptures d'oreiller en marbre Hakon Anton Fageras

Ces sculptures incroyables capturent les plis et les plis naturels du vrai tissu.

Sculptures d'oreiller en marbre Hakon Anton Fageras

Sculptures d'oreiller en marbre Hakon Anton Fageras

Sculptures d'oreiller en marbre Hakon Anton Fageras

Håkon Anton Fagerås: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos par Håkon Anton Fagerås.

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La France prévoit d'éliminer tous les plastiques à usage unique d'ici 2040

La France interdit le plastique à usage unique d'ici 2040

Photos de Daisy Daisy / Shutterstock

Si vous êtes soucieux de l'environnement, vous évitez probablement d'acheter des plastiques à usage unique. Cependant, les articles en plastique tels que les pailles, les bouteilles et les emballages alimentaires peuvent parfois être inévitables dans des endroits tels que les restaurants et les supermarchés. C’est pourquoi de nombreux pays dans le monde décident d’interdire ou de restreindre complètement l’utilisation de plastique à usage unique, ce qui écarte le choix des consommateurs. La France, qui a récemment lancé son plan pour éliminer tous les plastiques à usage unique d'ici 2040, en est un exemple.

Ce plan ambitieux fait partie d'une décision plus large à l'échelle de l'UE d'interdire de nombreux articles en plastique à usage unique d'ici 2021. En France, la première phase a commencé le 1er janvier 2020, le gouvernement interdisant déjà l'utilisation de 3 produits en plastique à usage unique courants : assiettes, tasses et cotons-tiges. L'année prochaine, les articles tels que les couverts jetables, les couvercles à emporter en plastique, les confettis, les agitateurs de boissons, les récipients en mousse, les pailles en plastique et les emballages de produits seront tous interdits. Les vendeurs devront légalement autoriser les clients à utiliser leurs propres conteneurs, et il y aura même des sanctions pour ceux qui utilisent un emballage plastique excessif.

D'ici 2022, le public français n'aura plus la possibilité d'acheter des sachets de thé en plastique, des jouets de restauration rapide ou des plats jetables dans les restaurants. Et si vous vous demandez comment le gouvernement prévoit d'éviter les bouteilles en plastique, les fontaines deviendront obligatoires dans les bâtiments publics. Alors que la production mondiale de plastique continue d'augmenter, espérons que la France donnera l'exemple à d'autres pays pour emboîter le pas dans le but de sauver notre planète.

La France a commencé à éliminer progressivement les articles en plastique à usage unique le 1er janvier 2020 – et la nation prévoit de les éliminer complètement d'ici 2040.

La France interdit le plastique à usage unique d'ici 2040

Photos de Igisheva Maria / Shutterstock

h / t: (TreeHugger)

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Un miniaturiste recrée parfaitement des intérieurs historiques à une échelle stupéfiante de 1:12

Intérieurs miniatures par Chris Toledo

Sur son compte Instagram populaire, l'artiste Chris Toledo partage des intérieurs ornés et des rénovations de salle de bain. Il y a cependant une différence nette entre son travail et le type de chose que vous trouverez sur Pinterest. Tous les intérieurs de Tolède sont miniaturisés à l'échelle 1:12. Si ce n'était pas pour sa main entassée dans les petits espaces – ou une brosse à dents pleine grandeur dominant dans la salle de bain ou une vraie tête d'ail occupant la moitié de la cuisine – vous ne vous rendriez jamais compte à quel point ces endroits sont minuscules; ses détails sont juste impeccables.

«Depuis que je suis gamin, j'adorais créer», raconte-t-il à My Modern Met, «de la construction de petites maisons en bâtons et en galets dans mon arrière-cour à la réalisation de portraits de mes amis et de ma famille.» Son père était également une influence en tant que entrepreneur et menuisier qui a transmis l'amour de la fabrication de meubles et de l'architecture.

L'inspiration de Tolède pour ses petites sculptures est venue de son amour de l'art et de l'histoire. «Quand j'ai découvert les miniatures pour la première fois», se souvient-il, «c'était un amour instantané parce que pour la première fois, j'avais découvert une forme d'art qui englobait tous les supports avec lesquels j'ai jamais aimé et travaillé. En plus de pouvoir utiliser tous mes médiums préférés sous une forme, j'ai adoré la tangibilité de travailler avec des miniatures. »Ils servent également à Toledo d'immortaliser l'architecture historique. «Les miniatures me donnent une chance de conserver un moment du passé et me permettent de le tenir dans mes mains et de le voir de mes propres yeux.»

Bien qu'il puisse sembler qu'il devrait repenser complètement la façon de travailler à une si petite échelle, Toledo révèle que ce n'est pas aussi différent que vous pourriez vous y attendre. «En ce qui concerne la création de mes pièces, le processus ressemble beaucoup à la construction d'une structure en taille réelle (à quelques« mini »exceptions près», explique-t-il. «Beaucoup de mes pièces commencent par de simples croquis. Je dessine plusieurs plans d'étage différents pour déterminer ce qui aura le bon débit et l'aspect global. L'échelle dans laquelle je travaille strictement est une échelle de 1:12 ou un pouce, ce qui signifie qu'un pied à l'échelle normale se traduit par un pouce. »Le processus de construction est également similaire à la construction de quelque chose de pleine taille. «De nombreux outils et matériaux que j'utilise ne sont que des versions réduites de leurs homologues normaux», dit-il.

En plus des considérations techniques, il est tout aussi important pour Tolède de décrire comment les miniatures se sentent quand il a fini. «Avec toutes mes pièces, j'aime les faire paraître habitées et portées. Pour moi, cela donne vraiment une âme aux pièces et ce réalisme ultime que je recherche dans tout mon travail. »

L'artiste Chris Toledo crée des intérieurs miniatures impeccables d'architecture historique à l'échelle 1:12.

Design d'intérieur miniatureOeuvre miniature de Chris ToledoOeuvre miniature de Chris ToledoDesign d'intérieur miniatureIntérieur miniature par Chris ToledoArt miniature par Chris ToledoArt miniature par Chris ToledoArt miniature par Chris ToledoOeuvre miniature de Chris ToledoDesign d'intérieur miniatureOeuvre miniature de Chris ToledoDesign d'intérieur miniatureOeuvre miniature de Chris ToledoDesign d'intérieur miniatureChris Toledo: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Chris Toledo.

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LEGO lance la Station spatiale internationale pour célébrer ses 20 ans et plus en orbite

Kit d'espace LEGO

L'emblématique fabricant de jouets LEGO vous invite à construire la Station spatiale internationale (ISS) avec l'un de leurs prochains ensembles épiques. Leur lancement est une célébration de l'ISS, qui est le plus grand vaisseau spatial jamais construit et qui fonctionne depuis plus de 20 ans. Le kit de 864 pièces est un excellent moyen d'en apprendre davantage sur la conception de la station spatiale et de s'émerveiller de cette réalisation humaine. Il existe également un livret de 148 pages qui comprend des anecdotes sur l'ISS.

Bien que le nombre de pièces soit plus petit que certains autres kits (leur récent ensemble Star Wars contient 4 784 pièces stupéfiantes), cela ne signifie pas que ce sera moins difficile. LEGO recommande aux personnes de 16 ans et plus d'assembler l'ensemble, ce qui est probablement dû aux nombreuses pièces complexes à construire. Le kit comprend une navette spatiale d'amarrage miniature, un satellite déployable, le robot canadien, ainsi qu'un ensemble de panneaux solaires réglables. Une fois érigé, l'ensemble fini mesure 19 pouces de large impressionnant.

L'ISS a été proposé par la plateforme LEGO Ideas, qui permet à la communauté des fans d'avoir une voix dans la production de nouveaux sets. Il sera disponible le 1er février 2020 au prix de 69,99 $ en ligne et en magasin. Vous pouvez précommander le kit ISS sur le site Web de LEGO.

Célébrez la Station spatiale internationale avec ce nouveau kit de 864 pièces de LEGO.

Ensembles d'espace LEGOEnsembles d'espace LEGOStation spatiale internationale LEGOStation spatiale internationale LEGOStation spatiale internationale LEGOKit d'espace LEGOEnsembles d'espace LEGOLEGO: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Gizmodo)

Toutes les images via LEGO.

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Créez votre propre collection de poupées animales avec ces adorables kits de broderie tout compris

Kits de broderie Kiriki Press

Il existe de nombreux artistes et designers qui ramènent le métier séculaire de la broderie; Cependant, Kiriki Press se distingue par ses adorables kits tout compris qui permettent à n'importe qui de commencer. Fondée par Michelle Galletta, diplômée en gravure, cette marque canadienne se spécialise dans les modèles de poupées d'inspiration animale, comme le hibou de grange majestueux et le loup noble.

Les kits de broderie pour animaux de compagnie de Kiriki Press sont proposés à différents niveaux de compétences, ce qui en fait le cadeau parfait pour tout artisan de votre vie. Les ensembles de niveau 1 utilisent des points simples qui sont idéaux pour les débutants. Les poupées de niveau 2 comme le lama bien habillé et le charmant renard nécessitent une combinaison de points de base et intermédiaires. Ensuite, pour les brodeurs plus expérimentés, il y a des figurines de niveau 3, qui utilisent une variété de points complexes pour compléter le kit. Les efforts en valent la peine, cependant, lorsque vous voyez les visages charmants de personnages avancés tels que le hérisson et le raton laveur.

Tous les kits de poupée de broderie Kiriki Press comprennent un motif sérigraphié sur coton, un tissu de support, une gamme de fil à broder, un rembourrage écologique et des instructions pas à pas. Vous pouvez acheter ces kits de broderie d'animaux tout compris dans My Modern Met Store.

Ces kits de broderie chérie de Kiriki Press vous aident à créer vos propres poupées d'animaux!

Kit de broderie effraie des clochers (niveau 3)

Kits de broderie Kiriki Press

Kiriki Press | 18 $

Kit de broderie de loup (niveau 3)

Kits de broderie Kiriki Press

Kiriki Press | 18 $

Kit de broderie Lama (niveau 2)

Kits de broderie Kiriki Press

Kiriki Press | 18 $

Kit de broderie hérisson (niveau 3)

Kits de broderie Kiriki Press

Kiriki Press | 18 $

Kit de broderie raton laveur (niveau 3)

Kits de broderie Kiriki Press

Kiriki Press | 18 $

Kit de broderie Fox (niveau 2)

Kits de broderie Kiriki Press

Kiriki Press | 18 $

Kiriki Press: Site Web | Facebook | Instagram

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Un enfant de 6 ans recueille plus de 250 000 $ pour les feux de brousse australiens en faisant des koalas d'argile mignons

Les feux de brousse dévastateurs de l'Australie ont déclenché le choc et la tristesse partout dans le monde. Les flammes féroces ont commencé à brûler en septembre 2019, et ont depuis tué au moins 24 personnes et détruit plus de 18 millions d'acres de terres. Mais les retombées les plus tragiques des incendies sont peut-être que 1 milliard d'animaux, selon les estimations, sont morts. Comme de nombreux amoureux des animaux, Owen Colley, un enfant de 6 ans du Massachusetts, voulait trouver un moyen d'aider les autres créatures touchées par les feux de brousse. Le jeune garçon et sa famille ont eu l'idée créative de fabriquer et de vendre des koalas d'argile, les bénéfices étant alloués aux secours.

Owen a commencé à faire des personnages en argile mignons comme cadeaux de remerciement pour ses amis et sa famille qui ont fait un don de 50 $ ou plus à Wildlife Rescue South Coast, mais l'idée simple s'est rapidement transformée en une campagne lucrative. Les parents de 6 ans ont commencé une page GoFundMe, avec un objectif initial de 1 000 $, mais il n'a pas fallu longtemps pour que l'objectif soit dépassé. «Lorsqu'il a atteint son objectif initial de 1 000 $ et a commencé à attirer l'attention des journaux locaux, nous avons fixé un nouvel objectif ambitieux de 5 000 $ et lancé cette campagne GoFundMe», ont déclaré les parents d'Owen. "Jamais en un million d'années nous ne nous attendions à avoir autant de succès ou à rencontrer et entendre autant de gens incroyables – vous êtes les meilleurs au monde!"

Au moment de la rédaction, Owen et sa famille ont recueilli plus de 250 000 $ pour Wildlife Rescue South Coast – et le chiffre continue de croître. L'argent aidera l'organisation à construire des abris pour les animaux déplacés et aidera les individus à installer des postes d'alimentation sur leurs propriétés, afin que les animaux sans abri aient un endroit sûr où aller.

Owen et sa famille ont travaillé dur pour sculpter et livrer des milliers de koalas en argile, et ils ont même organisé une fête de fabrication de koala en argile pour impliquer davantage de gens. "Merci à TOUS d’avoir aidé un petit garçon à faire une GRANDE chose", disent les parents du garçon. «Owen souhaite pouvoir envoyer un koala d'argile à tout le monde dans le monde! Nous sommes tellement fiers de ce petit garçon et de son bon cœur. »

Vous pouvez faire un don à la campagne de sauvetage de créatures australiennes d'Owen via GoFundMe et vous tenir informé de ses progrès sur Instagram.

Owen Colley, 6 ans, fabrique des koalas d'argile dans le but de collecter des fonds pour les animaux touchés par les feux de brousse australiens.

Jusqu'à présent, il a collecté plus de 250 000 $ pour Wildlife Rescue South Coast.

Owen Colley: Instagram | GoFundMe
h / t: (Mashable)

Toutes les images via Owen Colley.

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L'autoportrait de Van Gogh considéré comme un faux pendant des décennies est maintenant confirmé comme réel

'Autoportrait (1889)' de Vincent Van Gogh

Photo: Le Musée national / Anne Hansteen

Vincent van Gogh est connu pour son talent extrême et son histoire tumultueuse. En proie à une maladie mentale, il a eu des périodes de grande souffrance, ce qui l'a finalement amené à lui couper une partie de l'oreille gauche. Mis à part des œuvres célèbres comme Nuit étoilée et son Tournesols série, il est également connu pour les 35 autoportraits qu'il a créés. Maintenant, les experts ont confirmé un autoportrait supplémentaire et, fait intéressant, c'est le seul qu'il ait jamais peint lors d'un épisode de psychose.

Autoportrait (1889) a été acheté par le Musée national de Norvège en 1910 en tant que Van Gogh original, mais des questions sur son authenticité ont été soulevées dans les années 1970. Les critiques ont souligné ce qu'ils considéraient comme des choix de couleurs inhabituels, ainsi que la décision d'aplatir les coups de pinceau avec un couteau à palette, comme anormale pour le grand peintre. Pour régler ce problème, le musée a fait appel à des experts du musée Van Gogh d'Amsterdam en 2014 pour étudier le travail de près et prendre une décision finale. Selon ces experts, Autoportrait (1889) est très certainement de Van Gogh.

Le chercheur Louis van Tilborgh du Musée Van Gogh a présenté les résultats de l'analyse technique et stylistique de l'équipe, affirmant qu'il ne faisait aucun doute que l'œuvre était du maître du postimpressionnisme. Selon Van Tilborgh, c'est "le seul travail que Van Gogh soit connu pour avoir peint en souffrant de psychose".

Bientôt publié dans The Burlington Magazine, les recherches approfondies de l'équipe ont porté sur la provenance du tableau (historique du propriétaire), un aperçu technique de la toile et des échantillons de couleurs, ainsi qu'une analyse comparative du style et de la composition du tableau.

Chercheurs examinant 'Self-Portrait (1889)' par Vincent Van Gogh

Un restaurateur du Musée national de Norvège examine la peinture avant un prêt. (Photo: Musée national / Anne Hansteen)

Le visage maigre de Van Gogh et ses yeux fatigués montrent certainement son état mental. Dans une lettre du 20 septembre 1889 à son frère Theo, Van Gogh mentionne la peinture d'un autoportrait comme «une tentative de quand j'étais malade». Les chercheurs pensent qu'il faisait référence à cette peinture, comme le type de toile, le pinceau et la couleur palette sont tous en harmonie avec d'autres peintures créées entre la fin de l'été et l'automne 1889. Van Tilborgh pointe même le regard vulnérable de Van Gogh comme preuve de son état mental, déclarant que ce regard timide et latéral «se retrouve souvent chez les patients souffrant de dépression et de psychose . "

En juillet de la même année, il avait été admis dans un asile après avoir tenté d'avaler de la peinture. En août, une fois qu'il était assez bien pour écrire à son frère, il a demandé qu'on lui fournisse des peintures. Van Tilborgh pense qu'il aurait peint Autoportrait (1889) quelques jours plus tard. Fait intéressant, la date de ce tableau le situe environ huit mois après que le peintre eut mutilé son oreille. Dans la peinture à l'huile, son oreille semble être partiellement manquante, mais il est important de se rappeler que Van Gogh aurait cherché dans un miroir pour créer l'œuvre. Cela signifie que l'oreille que nous voyons est en fait son oreille droite, qui était encore intacte.

Pourtant, Van Tilborgh fait valoir que Van Gogh aurait su que les téléspectateurs percevraient l'oreille dans le tableau comme son oreille gauche. L'historien de l'art estime que Van Gogh est entré avec un couteau à palette après avoir peint l'oreille et en a gratté des parties pour essayer de faire ressortir son angoisse.

L'histoire de Van Gogh Autoportrait (1889) est fascinant non seulement pour les amoureux de ce peintre magistral, mais pour ceux qui s'intéressent à l'histoire complexe d'une peinture singulière. L'œuvre est une leçon d'apprentissage sur la façon dont les opinions des historiens de l'art sur les œuvres d'art peuvent changer et évoluer au fil du temps, conduisant à différentes attributions tout au long de la vie d'une peinture.

Actuellement, Autoportrait (1889) est prêté au Musée Van Gogh et fera partie de l'exposition Sur la photo, qui ouvre le 21 février 2020.

h / t: (Le journal d'art)

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Ce n'est pas un secret que les déchets plastiques sont un énorme problème pour l'environnement. Outre les emballages alimentaires, les produits cosmétiques et de toilette font partie des nombreux articles qui remplissent les décharges et polluent les océans. C’est pourquoi la créatrice de produits berlinoise Jonna Breitenhuber a décidé de proposer une alternative zéro déchet aux bouteilles en plastique. Elle a créé SOAPBOTTLE, un emballage fait de savon.

Les formes de savon simples et colorées sont fabriquées à partir d'ingrédients naturels et retiennent le liquide comme le shampooing et le gel douche. Cependant, vous n'aurez pas besoin de mettre ces conteneurs à la poubelle lorsqu'ils seront vides. Les utilisateurs coupent simplement le coin des bouteilles de savon à l'aide de la fermeture métallique réutilisable intégrée et versent le produit. Une fois le contenu épuisé, l'emballage du savon lui-même peut être utilisé comme savon pour les mains ou transformé en détergent. Il se dissout progressivement au fil du temps, ne laissant aucun gaspillage.

En savoir plus sur SOAPBOTTLE sur le site Web de Breitenhuber et faites défiler vers le bas pour regarder une vidéo de ce produit intelligent en action.

Présentation de SOAPBOTTLE – une alternative aux emballages en plastique créés par la designer de produits Jonna Breitenhuber.

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Les formes colorées sont fabriquées à partir de savon naturel et se dissolvent avec le temps, sans laisser de déchets.

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Jonna Breitenhuber: site Web | Instagram
h / t: (Kottke)

Toutes les images via Jonna Breitenhuber.

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Radiohead transforme son site Web en «bibliothèque publique Radiohead» pour permettre aux fans d'accéder à toute leur carrière

Radiohead Public Library

Photos de Roy J. Baron / Shutterstock

Dans le passé, les fans de Radiohead pensaient peut-être que le site Web du groupe laissait beaucoup à désirer. Le groupe lui-même a même qualifié le site Web de «exaspérément peu informatif et imprévisible." Mais plus maintenant! Radiohead.com a été repensé en tant que «Radiohead Public Library» où tout le monde peut accéder aux archives en ligne du catalogue du groupe en un seul endroit pratique.

Si vous êtes un fan du groupe anglais emblématique, vous apprécierez certainement la mise à jour du site Web. Non seulement vous pouvez trouver des liens pour diffuser leurs chansons les plus populaires via Spotify et Apple Music, mais vous pouvez également regarder leurs clips musicaux, leurs performances en direct et commander des produits auparavant épuisés. Le site est également idéal pour découvrir certains des enregistrements les moins connus de Radiohead. Ils répertorient la musique antérieure à leur premier album studio Pablo Honey ainsi que leur premier EP appelé Percer. (Pour le moment, vous ne pouvez pas diffuser de la musique plus ancienne et plus rare.)

Comme toute bibliothèque, la Radiohead Public Library vous offre la possibilité d'être un membre détenteur de la carte de leur «institution». Cliquez simplement sur l'icône d'identification en haut de l'écran et elle générera un numéro de carte unique pour vous. Ensuite, téléchargez votre photo, cliquez sur télécharger et collez-la dans votre portefeuille.

Dans le passé, les fans de Radiohead avaient peut-être l'impression que le site Web du groupe laissait beaucoup à désirer. Le groupe anglais emblématique a accepté.

Leur site Web repensé, la Radiohead Public Library, met leur musique, leurs vidéos et leurs produits en un seul endroit.

Radiohead Public Library

Capture d'écran: Radiohead Public Library

Et comme les autres bibliothèques, vous pouvez obtenir votre propre carte Radiohead Public Library.

Radiohead Public Library

Capture d'écran: Radiohead Public Library

Radiohead Public Library: site Web
h / t: (Mashable, HYPEBEAST)

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Rencontrez Messi, un puma doucement secouru qui agit comme un croisement entre un chat et un chien

Messi est un chat moelleux avec une différence distincte de votre félin typique – c'est un puma! La créature, du nom du célèbre joueur de football, a été sauvée par Aleksandr et Mariya Dmitriev en 2016 après avoir vécu dans un zoo pour enfants à Penza, en Russie. Au zoo, Messi a souffert de problèmes de santé à seulement trois mois. L'institution a décidé que, comme les pumas n'étaient pas originaires de Russie, il n'était pas possible de libérer Messi dans la nature et ses problèmes de santé l'empêchaient de vivre dans un autre zoo ou refuge animalier. Ils avaient prévu de l'euthanasier.

C'était «le coup de foudre» quand Aleksandr et Mariya ont vu Messi pour la première fois au zoo. Le couple a décidé qu'ils devaient accueillir le jeune puma et, après avoir travaillé avec le zoo, ils ont pu le ramener à la maison. Une fois sur place, ils ont commencé à soigner Messi. Il était «faible et exigeait beaucoup d'attention», mais a finalement surmonté ses maux. Maintenant adulte, Messi est plus petit que le puma moyen à deux tiers de la taille.

À la maison, Messi agit comme un croisement entre un chien et un chat. Comme un chiot, il a besoin de beaucoup d'exercice et Aleksandr et Mariya le promènent deux fois par jour. Ils vont également à des cours de formation plusieurs fois par semaine, et Messi a appris 10 commandes. Mais quand il se détend à la maison, il aime grimper dans des boîtes, gratter sur son poste et se détendre avec ses gens préférés. Le puma domestiqué aime également être caressé et jouera avec plaisir avec ses humains, sans utiliser ses griffes.

Messi est devenu une célébrité Internet au fil des ans. Il a même un compte Instagram avec plus d'un million de followers et une chaîne YouTube populaire. Faites défiler vers le bas pour quelques photos adorables de Messi, puis suivez-le sur Instagram pour en voir plus. Il semble qu'il partagera bientôt son compte avec Ichel, un guépard qu'Aleksandr et Mariya ont sauvé au début de 2020.

Messi est un puma qui a été sauvé en 2016 par Aleksandr et Mariya Dmitriev après qu'il a été déterminé par un zoo qu'il ne pouvait pas y vivre ou à l'état sauvage.

Ils ont soigné la docile créature à la santé, et maintenant il fait partie de leur famille heureuse.

Aleksandr et Mariya publient de nombreuses vidéos détaillant la vie avec Messi.

Messi le Puma: Instagram | Youtube
h / t: (Panda ennuyé)

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17 cadeaux originaux inspirés par le surréaliste Salvador Dalí

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Tout sur Salvador Dalí hurle «unique». Artiste avant-gardiste et leader incontesté du mouvement surréaliste, Dalí est réputé pour son art inhabituel inspiré du subconscient et qui rappelle les rêves. Afin de canaliser cette approche unique de l'esthétique, nous avons compilé une collection de cadeaux élégants avec une touche surréaliste.

Dans cette sélection de produits originaux, vous découvrirez des goodies inspirés par différents aspects de la vie de Dalí. Quelques-uns de ces cadeaux sont conçus pour ressembler à l'artiste lui-même, des minuscules poupées aux chaussettes créatives à la pointe des pieds. Certains sont inspirés de ses peintures, notamment l’horloge «fondante» de La persistance de la Mémoire et des boucles d'oreilles qui ressemblent L'œil du temps. Et d'autres capturent simplement son côté décalé, comme en témoigne une tasse à moustache et un fourmilier en peluche – inspiré, si vous pouvez le croire, par le propre animal de compagnie inhabituel de l'artiste!

Capturez votre côté original avec ces cadeaux inspirés de Dalí.

Vous voulez canaliser votre alter ego d'avant-garde? Découvrez ces idées cadeaux Salvador Dalí.

Figurine Dalí

Tasse à moustache

Horloge de fusion

Boucles d'oreilles L'Œil du Temps

Jouet fourmilier

Chaussettes surréalistes

Les éléphants Collier

La persistance de la mémoire Chaussettes

Poupée Dalí Kokeshi

La tentation de Saint Antoine Puzzle

Broche inspirée de la bouteille de parfum

Dalí Livre de recettes

Broche émail Salvador Dalí

Téléphone de homard Cas

Sticker horloge fondante

Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles

Salvador Catli Broche émail

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L’incroyable «dernière cène» de la religieuse du XVIe siècle est restaurée par une équipe exclusivement féminine

Last Supper par Plautilla Nelli

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Malheureusement, en matière d'art, les femmes ne sont souvent pas reconnues dans l'histoire. De nombreuses artistes féminines talentueuses sont souvent négligées en faveur de leurs contemporains masculins, simplement en raison des circonstances ou des opportunités qui leur sont offertes en raison de leur sexe. Mais à Florence, il y a un groupe qui travaille pour s'assurer que les femmes obtiennent la reconnaissance qu'elles méritent. Et grâce à leurs efforts, un incroyable tableau d'une religieuse du XVIe siècle prend sa place à l'honneur.

Advancing Women Artists est une organisation à but non lucratif engagée dans l'identification et la restauration d'œuvres d'art par des femmes dans toute la Toscane. Ils mettent en valeur ces artistes souvent inconnus de la Renaissance grâce à leur vaste base de données et publications en ligne. L'un de leurs efforts les plus récents s'est concentré sur une fresque murale vibrante de Plautilla Nelli. Nelli était à la fois religieuse et artiste autodidacte. Son énorme peinture de 21 pieds du Dernière Cène, créé vers 1568, a été ramené au bord du déclin par un ensemble d'experts de restaurateurs d'art (qui étaient tous des femmes) travaillant avec l'organisation.

Alors que nous associons souvent Dernière Cène représentations avec Léonard de Vinci, c'était un sujet populaire pour les artistes à l'époque. Le rendu de Nelli est une réalisation étonnante, surtout quand on regarde son aptitude à peindre le corps humain. Ses apôtres sont expressifs et pleins d'émotion, avec leurs traits exposés avec précision. Le travail est d'autant plus impressionnant que l'on considère qu'à l'époque, les femmes n'avaient pas le droit d'étudier l'anatomie.

Last Supper par Plautilla Nelli

La table est tout aussi impressionnante. Parsemé de verres à vin, de pain, de couteaux et de caves à sel savamment rendus, il résiste à toute nature morte créée à l'époque. La grande habileté dont Nelli a fait preuve était également connue pendant son temps, mais toujours avec la mise en garde qu'il était malheureux qu'elle soit une femme. Elle n'était qu'une des quatre femmes mentionnées par Giorgio Vasari dans son important La vie des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes. Il la complimente en déclarant: «Il y avait tellement de ses tableaux dans les maisons de messieurs à Florence, il serait fastidieux de tous les mentionner.» Mais il précise également que son sexe, à son avis, est un obstacle . «Elle aurait fait des choses merveilleuses si elle n'avait étudié que comme les hommes.»

C'est ce type de pensée qui fait partie de la raison pour laquelle Nelli, et tant d'autres femmes peintres de l'époque, ont souvent été négligées à l'époque et même aujourd'hui. Nelli's Dernière Cène accrochée dans la salle à manger de son couvent jusqu'à la dissolution de la maison au début du XIXe siècle. À partir de là, l'aventure s'est déroulée, passant du monastère de Santa Maria Novella à être négligé dans un entrepôt pour survivre à la grande inondation de Florence de 1960. Il est ensuite devenu une partie du musée de Santa Maria Novella, mais n'a pas été exposé au public.

Grâce aux efforts de Advancing Women Artists, cela a changé. Après avoir collecté les fonds nécessaires, l'équipe entièrement féminine de restaurateurs de l'organisation a entrepris de redonner vie à la peinture. "Nous avons restauré la toile et, ce faisant, redécouvert l'histoire de Nelli et sa personnalité", a déclaré la conservatrice en chef Rossella Lari. «Elle a eu de puissants coups de pinceau et a chargé ses pinceaux de peinture.»

Maintenant que le travail est terminé, Nelli Dernière Cène a pris la place qui lui revient au musée Santa Maria Novella dans le cadre de son exposition permanente. Plus destinée à l'arrière-plan, Nelli a acquis une renommée accrue grâce au travail de Advancing Women Artists. En savoir plus sur la restauration épique et Nelli's Dernière Cène dans Visible. Plautilla Nelli et son dernier souper restaurés.

Après des années de négligence, la 1568 de Plautilla Nelli Dernière Cène a été restauré.

Dernière Cène de Plautilla Nelli après restaurationDernière Cène par Plautilla Nelli avant la restauration

Nelli était une religieuse et artiste autodidacte travaillant pendant la Renaissance italienne.

Dernière Cène par Plautilla Nelli avant la restaurationLast Supper par Plautilla Nelli

Une organisation à but non lucratif appelée Advancing Women Artists a collecté des fonds pour restaurer la peinture et la mettre en exposition permanente.

Plautilla Nelli Dernière Cène Avant RestaurationPlautilla Nelli Dernière Cène Avant Restauration

Leur équipe entièrement féminine de conservateurs, de scientifiques et de restaurateurs d'art a travaillé sans relâche sur le projet.

Restauration Plautilla NelliRestauration d'œuvres d'art en faisant progresser les femmes artistes

Maintenant, Nelli obtient sa place à côté des meilleurs peintres masculins du 16ème siècle.

Restauration d'œuvres d'art en faisant progresser les femmes artistesAdvancing Women Artists: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Colossal, Smithsonian)

Toutes les images via Rabatti & Domingie.

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Leica M10 Monochrom est spécialement conçu pour la photographie en noir et blanc

Leica M10 Monochrom

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Repoussant toujours les limites de la photographie, Leica a lancé le dernier modèle de sa gamme de caméras de recherche de rangers en noir et blanc. Le Leica M10 Monochrom possède tous les traits de la plate-forme M10-P, mais avec un capteur monochrome plein format de 40 mégapixels. Alors, pourquoi voudrait-on acheter un appareil photo plein format qui ne peut pas prendre de photos couleur? Il y a plusieurs raisons.

Leica revendique l'importance de la photographie en noir et blanc avec la ligne Monochrom. En fait, le capteur du M10 a été spécialement conçu pour la photographie monochrome. Sans matrice de couleurs, il y a moins de couches de verre et de filtre, ce qui le rend capable de prendre des photos dans toutes les conditions d'éclairage tout en conservant un beau contraste et une netteté nette. De plus, la large plage ISO du capteur (160 à 100 000) permet aux photographes d'obtenir des images avec des zones d'ombre et d'éclairage clairement définies, même lors de prises de vue avec un contraste élevé ou une lumière inégale.

Et, bien sûr, le M10 Monochrom contient également certaines des meilleures fonctionnalités du M10-P. Cela comprend un obturateur silencieux, un écran tactile, un design mince et une connectivité Wi-Fi, une première pour le Monochrom. Une note importante, cependant, est que le M10 Monochrom n'a pas de fonctionnalité vidéo. Bien que la dernière génération de Monochrom l'ait inclus, Leica a déclaré avoir constaté que les photographes ne l'utilisaient tout simplement pas, et qu'il a donc été supprimé.

En termes de design, Leica a surtout gardé les choses classiques. Pour empêcher les photographes de se fondre dans la foule, Leica a noirci les boutons d'obturateur et de déverrouillage de l'objectif. Le point rouge de marque Leica sur le devant de l'appareil photo est également manquant, de sorte que les photographes de rue resteront discrets.

À 8 295 $, le prix peut être raide pour certains; mais si vous êtes un photographe spécialisé dans la photographie en noir et blanc, cela en vaut la peine. Actuellement, le Leica M10 Monochrom est disponible en précommande.

Le Leica M10 Monochrom est un appareil photo plein format exclusivement destiné à la photographie en noir et blanc.

Leica M10 MonochromLeica M10 Monochrom

La conception mince et subtile cache un appareil photo puissant avec un capteur de 40 mégapixels.

Leica M10 MonochromLeica M10 Monochrom

Le photographe Alan Schaller démontre le beau contraste et la netteté du Monochrom M10.

Alan Schaller pour Leica M10 Monochrom

Photo: Alan Schaller

Alan Schaller pour Leica M10 Monochrom

Photo: Alan Schaller

Le capteur de l'appareil photo, spécialement conçu pour les photos en niveaux de gris, est conçu pour gérer toutes les situations d'éclairage

Alan Schaller pour Leica M10 Monochrom

Photo: Alan Schaller

Alan Schaller pour Leica M10 Monochrom

Photo: Alan Schaller

Leica: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Leica.

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Une installation immersive raconte le passé et le présent de l'humanité tout en nous incitant à penser à l'avenir

Art de carte 3D par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

L'artiste et scénographe Es Devlin explore l'évolution de la pensée humaine et de l'histoire dans son installation tentaculaire intitulée Palais de la mémoire. L'œuvre massive et immersive a récemment terminé sa présentation au Pitzhanger Manor & Gallery de Londres, où elle a rempli leur espace d'un paysage chronologique qui a tracé des «changements pivots dans la perspective humaine» du début de notre histoire à nos jours.

L'espace monochromatique a été construit dans une pièce arrondie équipée de miroirs pour multiplier la zone et produire l'illusion que le spectateur se tenait aux confins du monde. Le long de sa surface étaient des symboles de ces événements importants sculptés dans du bambou. Certains des souvenirs inclus étaient: les premiers dessins rupestres en Afrique australe; Nicolaus Copernicus dessinant la première carte héliocentrique de l'univers en 1543; Rosa Parks refusant de renoncer à son siège dans le bus en 1955; et Greta Thunberg et sa grève contre le changement climatique en 2018.

À juste titre, Palais de la mémoire a été inspiré par le passé de Devlin. "Quand j'étais enfant, je vivais à côté d'une maquette à l'échelle 1/100 de ma ville qui a présenté un spectacle" son et lumière "", a-t-elle expliqué dans un communiqué. «Les fenêtres des bâtiments individuels allumeraient pour localiser les histoires racontées en voix off. D'une certaine manière, c'était un palais de la mémoire en action: des idées, des mots et des sons indexés dans l'architecture physique: je n'ai jamais oublié aucune de ces histoires car chacune était gravée de manière indélébile dans les bâtiments que je traversais quotidiennement. »

En fin de compte, Devlin est l'éditeur des événements inclus dans son installation. Bien que le spectateur ne soit pas d'accord avec ce qu'elle a présenté, il est difficile de contester ce qu'elle pense être le changement le plus profond que les humains doivent faire ensuite. «C’est le changement que nous commençons maintenant à entreprendre alors que nous réévaluons toutes nos pratiques à la lumière de la crise climatique. J’espère que, entouré des traces de nos sauts d’imagination historiques, le spectateur ressentira un sentiment de possibilité que notre espèce puisse réaliser un autre changement de perspective collectif. "

L'artiste et scénographe Es Devlin explore l'évolution de l'histoire et de la pensée humaines dans son installation artistique immersive intitulée Palais de la mémoire.

Installation d'art immersif par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Art de carte 3D par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Installation d'art immersif par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

La salle en miroir, qui a récemment terminé une exposition au Pitzhanger Manor & Gallery, a des éléments sculptés en bambou.

Carte d'art du palais de la mémoire par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Il décrivait les événements des premières peintures rupestres jusqu'à Greta Thunberg et sa grève du changement climatique en 2018.

Art de carte 3D par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Installation d'art immersif par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Art de carte 3D par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Installation d'art immersif par Es Devlin

Photo: Peter Mallet

Es Devlin: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Es Devlin.

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Qui est Giotto? En savoir plus sur la vie et l'art du père de la Renaissance

Statue de Giotto Florence

Photos de Catay / Shutterstock

le Renaissance italienne est considérée comme l'une des périodes les plus dynamiques de l'histoire de l'art occidental. Des artistes comme Léonard de Vinci et Michel-Ange ont créé des œuvres très réalistes qui ont souligné un regain d'intérêt pour l'anatomie et les proportions. Pour trouver le catalyseur de ce changement remarquable, il faut se tourner vers un peintre du Proto-Renaissance période nommée Giotto.

À une époque où le style byzantin des compositions plates et stylisées dominait l'Italie, Giotto a basé son art sur la vie. Ses peintures naturalistes ont jeté les bases de successeurs comme Botticelli et Michelangelo. À tel point que Giotto est souvent considéré comme le père de la Renaissance italienne, et même le père de la peinture européenne.

Ici, nous explorons la vie mythique de Giotto et le développement de son style naturaliste.

Plafond de la chapelle Giotto Scrovegni

Photos stockées par EQRoy / Shutterstock

Jeunesse

Giotto di Bondone (vers 1267-1337) est estimé être né vers 1267 près de Florence. Selon le mythe, Giotto a été élevé à la campagne en tant que jeune berger, où il dessinait souvent des moutons au sol. L'histoire raconte qu'un jour, le célèbre peintre de style byzantin Cimabue repéré le talent de Giotto et lui a offert une apprentissage.

L'historien de la Renaissance Vasari écrit de nombreux exemples allégoriques de la talent prodigieux. Dans un incident, Giotto a peint une mouche sur le mur qui était si réaliste, Cimabue a tenté en vain de la brosser. Dans un autre, Giotto a démontré son habileté au pape actuel en dessinant un cercle parfait sans utiliser aucun outil. Bien que la précision de ces épisodes soit douteuse, il est vrai que les compétences de Giotto ont dépassé son tuteur après peu de temps, et il s'est imposé comme un peintre dominant.

Peinture Cimabue

Cimabue, «Maesta de Santa Trinita», v. 1280-90. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

La chapelle Scrovegni

Entre 1303 et 1310, Giotto a produit son œuvre la plus célèbre à l'intérieur de Chapelle des Scrovegni à Padoue. Ses fresques étaient divisées en 37 scènes narratives centrées sur le thème du salut et mettant en valeur la Vierge Marie. Il a organisé le cycle en 3 niveaux sur les murs et a placé la peinture de Le jugement dernier sur la façade. Toute la décoration de la chapelle Scrovegni est unifiée par l’utilisation intensive par Giotto des bleu outremer cher… Bien qu'une grande partie de celui-ci ait pourri au fil du temps.

Chapelle Giotto Scrovegni Padoue

Photos stockées par EQRoy / Shutterstock

Style

Contrairement à son tuteur Cimabue, Giotto n'a pas suivi le style byzantin, dans lequel les figures étaient stylisées et flottantes. Au lieu, il a puisé dans la vie—Animer ses personnages avec émotion et réalisme. Même les vêtements des personnages ont des draperies naturalistes. De plus, Giotto utilise un raccourci et une perspective forcée dans plusieurs de ses compositions, donnant un sentiment de profondeur à ses peintures.

Giotto Lamentation Peinture

Giotto, «Non. 36 Scènes de la vie du Christ: 20. Lamentation (Le deuil du Christ) », c. 1304-1306. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Des années plus tard

Giotto a acquis une renommée et un prestige remarquables au cours de sa vie et a voyagé dans des commissions à travers l'Italie, y compris Rome, Naples et Assise. À Naples, Giotto a été nommé premier peintre de cour par le roi Robert avec une pension annuelle. Finalement, cependant, Giotto est retourné à Florence, où il a travaillé jusqu'à sa mort en janvier 1337.

Giotto Madonna Peinture

Giotto, «Madonna Ognissanti», 1310. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Héritage

La grandeur de Giotto n'était pas seulement reconnue dans les cercles d'artistes de son vivant. Il a également été immortalisé par son contemporain Dante dans le Comédie divine quand un peintre Purgatorio (XI, 94-96) a déclaré: "Cimabue croyait qu'il tenait le champ / En peinture, et maintenant Giotto a le cri, / Donc la renommée du premier est obscure."

L'émotion et le naturalisme de la peinture de Giotto étaient très populaires et ont suscité un intérêt accru pour les concepts de réalisme et perspective qui était en sommeil depuis l'antiquité. Finalement, ces intérêts humanistes ont abouti à la Renaissance, où le nom de Giotto est devenu une légende.

Peinture Dante

Domenico di Michelino, «Dante et la Divine Comédie», 1465. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

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L'artiste crée des dessins au crayon qui semblent être éclairés par des lampes fluorescentes

Dessins fluorescents d'Enrique Bernal

L'artiste Enrique Bernal (AKA Kike) a trouvé un moyen de faire briller ses croquis au crayon de vie. Ses dessins réalistes, qui vont des portraits aux animaux, sont réalisés à l'aide de crayons mécaniques et de stylos. Récemment, cependant, Bernal a ajouté des effets supplémentaires à ses illustrations avec des résultats étonnants.

Après avoir terminé le croquis au crayon, Bernal utilise l'application de l'artiste Medibang Paint pour ajouter un éclairage artificiel à ses dessins. Cette «lueur» numérique imite une source de lumière fluorescente inconnue. Bernal utilise intelligemment le placement de l'éblouissement, ainsi que la couleur. Dans certaines de ses œuvres, l’artiste utilise la technique pour modeler les traits du visage et du corps d’une personne, comme s’ils étaient réchauffés par une lumière mystérieuse. Dans d'autres, Bernal utilise encore plus la manipulation numérique pour ajouter des effets fantastiques comme des papillons brillants et des tatouages ​​lumineux. Ces choix créatifs semblent ajouter une autre couche aux croquis déjà fantastiques de Bernal. Le mystère de la lueur fait ressortir ces illustrations de la page.

Faites défiler vers le bas pour voir comment Bernal améliore ses dessins avec un éclairage numérique. Pour vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste, vous le suivez sur Instagram.

L'artiste Enrique Bernal fait des dessins au crayon qui semblent être éclairés par des lampes fluorescentes.

Dessins fluorescents d'Enrique Bernal

Après avoir terminé chaque croquis, l'artiste utilise une application appelée «Medibang Paint» pour ajouter des reflets artificiels.

Dessins fluorescents d'Enrique Bernal

Ces détails éclatants semblent donner vie aux croquis de Bernal.

Dessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalDessins fluorescents d'Enrique BernalEnrique Bernal: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Enrique Bernal.

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Illustrations incroyablement détaillées d'arbres géants avec des racines indisciplinées

Dessins Rachael Pease

L'artiste Rachael Pease de Los Angeles explore les souvenirs des paysages ruraux à travers ses dessins complexes. Chaque pièce documente de vrais arbres qu'elle a vus et photographiés. Avant de mettre du papier sur papier, elle réfléchit à des compositions en assemblant un collage à partir de différentes photos. Une fois satisfaite de l’artiste, elle applique de l’encre de Chine sur du mylar dépoli, ce qui donne un effet riche et éclatant.

«Pendant que je dessine, je tisse la réalité avec des chaînes de fantaisie et d'inspiration que j'ai reçues des arbres réels de l'endroit», explique Pease. «Dans mon atelier, je revisite les arbres et leur parle. Je pense aux racines qui cassent le sol sec dans le sol ou à la façon dont une branche se penche au-dessus de la tête vers le ciel. Les arbres me fournissent un miroir pour regarder à l'intérieur. Ils me rendent nostalgique de la liberté sauvage, de l'émerveillement et de la peur que j'ai vécus en grandissant dans mes forêts natales de l'Indiana. Mon objectif en tant qu'artiste est d'aider à permettre aux autres d'accéder à ce miroir auto-réfléchissant, de nous reconnecter au regard et d'être un envoyé de la nature. »

Pease applique des détails méticuleux à la texture des arbres et aux paysages secs à partir desquels ils poussent. Les silhouettes des arbres audacieux sont contrastées par le ciel doux et légèrement coloré, offrant un équilibre visuellement réaliste. Elle encadre également consciemment les dessins en cercle ou en ovale, ce qui semble imiter la perspective de jumelles ou d'un télescope. Dans certaines œuvres, les branches des arbres dominent la composition, dans d'autres, c'est le fort labyrinthe des racines.

Pour vous tenir au courant des dernières créations de Pease, vous pouvez la suivre sur Instagram.

L'artiste Rachael Pease de Los Angeles utilise de l'encre de Chine sur du mylar givré pour composer ses dessins de paysage complexes.

Dessins Rachael Pease

Chaque illustration présente des arbres géants aux racines sauvages et indisciplinées.

Dessins Rachael PeaseDessins Rachael PeaseDessins Rachael PeaseDessins d'arbres par Rachael PeaseDessins Rachael PeaseDessins Rachael Pease

Dessins Rachael PeaseDessins Rachael PeaseDessins Rachael PeaseRachael Pease: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Rachael Pease.

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Interview: L'artiste passe 5 ans à dessiner une carte géante au crayon de couleur en Amérique du Nord

Anton Thomas Cartographie Illustration

L'artiste et cartographe Anton Thomas fait des vagues pour son énorme carte de l'Amérique du Nord dessinée à la main. Exécuté au stylo et au crayon de couleur en près de 5 ans, il a passé près de 4 000 heures à créer cette vue incroyablement détaillée du continent. C’est un projet ambitieux qui a exigé le dévouement de Thomas et beaucoup de sacrifices; mais à la fin, il a été récompensé à la fois personnellement et professionnellement pour ses ennuis.

La carte 5 ′ x 4 ′ s’étend sur une seule feuille de papier et témoigne de la ténacité de Thomas. Pas de carte ordinaire, Amérique du Nord: portrait d'un continent est rempli d'oeufs de Pâques à découvrir. Cela comprend 600 horizons de ville individuels, ainsi que des milliers de détails qui aident à raconter l'histoire d'un lieu individuel. Que ce soit la flore ou la faune locale ou les symboles emblématiques d'une ville ou d'un monument, Thomas a réussi à dessiner exactement ce qu'il fallait pour mettre en valeur chaque lieu.

Le projet de Thomas est d'autant plus impressionnant que l'on considère qu'il n'a pas quitté son emploi de jour jusqu'à la dernière année du projet, ce qui signifie que ses recherches et son exécution ont dû être intégrées dans ses temps libres. Une si longue période de développement signifie également que le style de dessin de Thomas a changé au fil du temps. Alors qu'il accumulait plus d'heures de travail sur la carte, ses compétences se sont aiguisées. Ce raffinement dans ses compétences signifiait également que de grandes parties de la carte devaient être effacées et redessinées afin de rendre le produit fini uniforme.

Au final, tous les efforts de Thomas ont porté leurs fruits. L'achèvement de la carte a laissé à Thomas le temps en 2019 pour commencer une agitation latérale donnant des conférences sur la cartographie et sa carte dans les écoles, les universités et les conférences. Il a également pu exécuter quelques petites illustrations pour The Washington Post. Et, surtout, il a pu répandre son amour de la cartographie et permettre aux gens du monde entier de profiter de sa carte grâce aux impressions qu'il vend sur son site Web.

Vous voulez en savoir plus sur cette carte épique dessinée à la main? Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met avec Thomas.

Anton Thomas - Carte de l'Amérique du Nord dessinée à la mainQu'est-ce que les cartes ont capturé votre imagination d'enfant?

Ayant grandi en Nouvelle-Zélande, il n'est pas difficile de s'inspirer de la géographie. Le paysage est diversifié et d'une beauté spectaculaire. Je me souviens avoir été captivé quand j'étais enfant quand j'ai pris un vol pour la première fois entre Nelson et Wellington. Les lieux de ma vie ont été soudainement révélés d'en haut dans le cadre d'un grand théâtre de géographie, et les cartes m'ont aidé à comprendre cela. Je me sentais appelé à l'aventure par chaque page d'un atlas, chaque feuille de route dans la boîte à gants de la voiture de maman, chaque virage de notre littoral.

Anton Thomas CartographerVotre première grande expérience de dessin de carte a été sur un réfrigérateur. Qu'est-ce que cette expérience vous a appris lors de la préparation de votre prochaine carte?

S'appuyer sur ce réfrigérateur à Montréal en 2012 a eu un impact énorme. Cela m'a donné l'envie et la confiance de poursuivre la cartographie. Alors que je dessinais constamment des cartes quand j'étais enfant, j'ai ignoré cette passion à l'adolescence en échange de jouer de la guitare. Ce réfrigérateur était le premier grand dessin que j'avais fait depuis des années et c'était tellement agréable, et je pouvais me voir m'améliorer chaque jour. Pendant ce temps, des amis répondaient à l'œuvre de la manière la plus fascinante. Ils passeraient du temps réel à le lire, à le montrer, à l'utiliser pour partager des histoires sur leur vie. Et il était clair pourquoi – je dessinais de vrais endroits. Là, j'ai eu un avant-goût du pouvoir de la cartographie, ce cœur battant de la cartographie qui en fait une forme d'art si attrayante: le lieu.

De plus, en dessinant, j'ai écouté plus de musique et de podcasts que jamais auparavant. Cela est devenu l'un de mes aspects préférés en tant qu'artiste visuel; avec le paysage sonore grand ouvert, vous pouvez écouter n'importe quoi pendant que vous travaillez. Cela a un vaste potentiel.

Grande carte dessinée à la main de l'Amérique du NordIl a fallu près de 5 ans pour terminer la carte de l'Amérique du Nord. Comment le projet vous a-t-il changé en tant qu'artiste – ou en tant que personne – pendant cette période?

La carte a tout changé. Il convient de mentionner que pendant la majeure partie du projet, j’avais un emploi de jour, je n’ai effectué mon travail à temps plein que début 2018. C’est une raison majeure pour laquelle cela a pris si longtemps. Je rentrais chez moi, puis dessinais la nuit, les week-ends et les jours fériés. L'ampleur de la tâche, toutes les heures seules, le sacrifice de mon temps libre – parfois je me demandais si je devenais fou. Mais j'ai adoré. Cela m’enseignait tellement et je n’imaginais pas renoncer à ce que j’avais commencé. Cela m'a donné des milliers d'heures d'expérience en dessin et m'a appris beaucoup de patience.

L'une des plus grandes surprises de la carte a été le nombre de retombées auxquelles je ne m'attendais pas. Par exemple, je donne beaucoup de conférences maintenant – des écoles élémentaires aux universités, aux conférences et aux événements du monde entier. Je n'aurais pas deviné que dessiner une immense carte conduirait à une passion pour la prise de parole en public, ce qui à son tour m'a conduit dans de nombreuses nouvelles directions. De tout cela à la version imprimée en passant par toute la musique, les podcasts et les livres audio que j'ai appréciés en la dessinant, la carte m'a appris plus que je n'aurais jamais pu imaginer.

Travail en cours sur la carte d'Anton ThomasQuelle a été la partie la plus difficile de l'exécution de la carte de l'Amérique du Nord?

Quand j'ai redessiné une partie massive parce que mon dessin s'était amélioré. En passant des milliers d'heures à dessiner sur une seule feuille de papier – cet original unique – une grande incohérence de qualité s'est ouverte entre les choses plus anciennes et plus récentes. Ce golfe est devenu si important que j'ai choisi de redessiner une vaste zone (la moitié ouest des États-Unis et une grande partie de l'ouest du Canada), qui comprenait le grattage d'énormes quantités de stylo avec un couteau Exacto. Le grattage de la fine pellicule du papier a été un processus douloureusement lent et délicat que je n'ai pas apprécié. C'était l'étape la plus exténuante et elle a duré plus d'un an. Néanmoins, je suis heureux d'avoir trouvé une technique pour exécuter cela, car la carte en avait besoin. Vous ne pouvez pas simplement laisser une région entière en dessous de la moyenne.

Anton Thomas - Carte de l'Amérique du Nord dessinée à la mainIl y a presque un an qu'il était terminé. Comment ta vie a-t-elle changé depuis cette époque?

Cela a tellement changé. Jusque-là, ma vie tournait littéralement autour du dessin. Dans les semaines qui ont suivi la fin, je ne savais même plus qui j'étais, je sentais que j'essayais d'échapper à l'orbite d'une planète. Comme le dessin de la carte exigeait tout mon temps, j’ai eu beaucoup de travail à rattraper depuis la fin. De la capture d'image à l'impression, à l'expédition, à la création de sites Web, au commerce électronique, au marketing, à l'administration générale et bien plus encore, il y a eu un grand changement par rapport à l'époque du simple dessin d'une carte géante.

Désormais, aucune demande ne se compare à l'énormité de la dessiner, mais il a fallu s'y habituer pour basculer entre ces différentes préoccupations. Depuis la fin de février, j'ai appris que oui, peut-être pouvez-vous faire de votre art votre carrière, mais cela ne signifie pas que vous pouvez toujours créer toute la journée. Tôt ou tard, vous devrez gérer votre entreprise, et 2019 m'a appris cela à la pelle.

Détail d'une grande carte illustrée de l'Amérique du NordCertaines zones de la carte ont-elles une signification particulière pour vous?

Il y a eu de nombreux moments forts, mais je reviens à Cuba avec beaucoup d'amour. À cette époque, j'avais commencé à écouter de la musique pour correspondre aux endroits que je dessinais. En plus de la musique spécifique à la région, je regardais des films, j'écoutais des podcasts, je sortais même pour manger et boire dans la région – tout ce que je pouvais faire pour sentir que je tapais dans un endroit. J'essayais de traiter la cartographie comme un acteur de méthode.

Cette idée a d'abord été débloquée avec Cuba. Je suis devenu fasciné par le pays en regardant Buena Vista Social Club, juste avant de commencer à le dessiner. J'ai vraiment adoré la musique et en dessinant l'île, j'ai parcouru une gamme d'artistes cubains, bien au-delà de Buena Vista. Ce niveau de connexion avec la tâche était tellement amusant – il a enrichi la carte et mon style – et depuis, j'ai exploré l'approche de la cartographie des méthodes. J'ai même célébré l'achèvement du pays avec un cigare cubain. Dessiner Cuba m'a appris de nouvelles façons de me sentir engagé et inspiré par le travail.

Détail d'une grande carte illustrée de l'Amérique du NordLa carte est remplie de tant de détails. Quel type de recherche a été impliqué pour décider quels joyaux cachés définiraient différents domaines?

Au niveau du pays, de l'État ou de la ville, il y a tellement de recherches impliquées. Je ne peux pas simplement inventer les choses. Qu'il s'agisse d'un éléphant de mer ou d'une pyramide maya, il y a des devoirs derrière tout. C’est une entreprise délicate car le monde est vaste et complexe. Toute carte illustrée est une simplification extrême.

Quel que soit l'endroit, j'ai lu tout ce que je pouvais pour avoir une idée de ses caractéristiques. Je vais le planifier en parcourant Internet – photos, cartes, Wikipedia, sites de voyage, blogs, actualités, quoi que ce soit – en l'approchant comme si j'avais l'intention de le visiter. Certaines choses sont des choix emblématiques et faciles (notamment la Statue de la Liberté à New York, Chichen Itza dans le Yucatan), mais à d'autres moments, je pouvais passer des heures à chercher des indices. Il est difficile de simplement se repérer dans les lacs infinis du bouclier canadien, et encore moins de déterminer comment représenter une telle région. Chaque endroit est différent, vous devez donc être flexible au fur et à mesure. Travailler à Miami n'a rien à voir avec travailler au Nunavut.

Bien que je ne puisse pas espérer plaire à tout le monde – les cartes ne sont que ma propre interprétation de la géographie – les cartographes ont un rôle à jouer pour définir les lieux dans l’esprit du public. Il est important de prendre cette responsabilité au sérieux et de traiter toutes les régions avec respect. Je ne sais pas trop ce que c'est de bien faire les choses, mais en choisissant des choses mémorables qui seraient familières à un local, vous vous rapprochez peut-être de quelque chose de réel. Notre monde est si incroyablement intéressant que vous n'êtes jamais loin de bonnes options.

Dessiner des cartes à la mainComment fonctionne des illustrations plus petites, comme les cartes que vous avez faites pour The Washington Post, créativement différent pour vous?

Il est difficile de comparer la carte de l'Amérique du Nord avec quoi que ce soit d'autre – l'ampleur du travail était extrême. Chaque état ou province était comme un nouveau projet. Même son cartouche (l'emblème du titre) a pris plus de temps à dessiner que l'ensemble Washington Post ensemble. Les petits projets sont merveilleux car ils ne nécessitent pas un engagement déterminant dans la vie, et mon efficacité et ma capacité de dessin sont bien plus élevées qu'au début en Amérique du Nord. Presque n'importe quel projet semble plus petit en comparaison, donc je suis très heureux d'utiliser tout ce que j'ai appris sur de nouveaux morceaux gérables. De nouvelles idées, de nouvelles frontières. Il y a tellement de choses à cartographier.

Détail d'une grande carte illustrée de l'Amérique du NordQu'espérez-vous que les gens retirent de votre travail et de votre histoire?

Tout le monde a ses propres expériences avec mes cartes, et ils emportent différentes choses. C'est toujours fascinant d'entendre ce que les gens ont à dire. J'espère contribuer à susciter un intérêt pour la géographie et les cartes – et donc un intérêt pour le reste du monde. En présentant des lieux réels dans ce style illustré vivant, cela attirera peut-être plus de gens dans les cartes. Je voudrais encourager autant que possible la littératie géographique; et avec cela, l'appréciation de notre incroyable planète.

Quant à mon histoire: j'espère encourager les gens à suivre leur passion et leurs instincts créatifs et à être patients et résilients dans ce voyage. N'ayez pas peur de faire des sacrifices pour votre art, surtout au début. Si vous pouvez vous tailler une place dans votre vie pour vous perdre dans votre travail, consacrer les immenses heures nécessaires pour affiner votre métier, cela vous emmènera dans des endroits que vous ne pouvez pas prédire. Si vous aimez créer quelque chose, faites-le, beaucoup. Il n’est pas nécessaire de s’inquiéter immédiatement de sa destination.

Je veux que les gens sachent que c'est bien de se perdre dans le métier que l'on aime, d'y travailler de manière obsessionnelle, de se sentir consommé par lui même. Les gens autour de vous peuvent ne pas comprendre, mais ne vous inquiétez pas de ce que les autres pensent. Il suffit de créer. Si vous êtes profondément inspiré par quelque chose dans lequel vous investissez en temps réel, cette inspiration se répandra dans le reste de votre vie.

Détail d'une grande carte illustrée de l'Amérique du NordEt après?

Rien ne m'excite plus que de penser à la suite. Pour l'instant, je vais me concentrer sur des projets plus petits, en commençant par une petite carte du monde des animaux que j'imagine depuis des années. Je veux également explorer quelques idées sur la cartographie de mon pays d'origine, la Nouvelle-Zélande.
Cela dit, l'Amérique du Nord est sous-titrée Portrait d'un continent de sorte que lorsque je dessine d'autres continents, ils forment un ensemble. J'aimerais dessiner Amérique du Sud: Portrait d'un continent, avec la mer émeraude de l'Amazonie qui balaie jusqu'à la crête des Andes, ou l'Australie – où j'habite actuellement – avec sa géographie unique, ancienne et technicolore. Donc, même si je ne pense qu'à des pièces plus petites aujourd'hui, je sais que je dessinerai le prochain continent encore mieux (et plus rapidement) que l'Amérique du Nord.

Cartographie d'Anton ThomasDétail d'une grande carte illustrée de l'Amérique du NordCarte dessinée à la main de HoustonGrande carte dessinée à la main de l'Amérique du Nord

Réalisation de la carte au crayon de couleur d'Anton Thomas

Journal de temps depuis la création de la carte.

Anton Thomas: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Anton Thomas.

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La bibliothèque publique de New York dévoile les 10 livres les plus empruntés de tous les temps

NYPL les livres les plus empruntés de tous les temps

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Les bibliothèques sont l'une des meilleures parties de toute communauté. Ils sont un paradis pour les amateurs de livres de tous âges et le sont depuis de très nombreuses années. La New York Public Library (NYPL), en effet, célèbre son 125e anniversaire en 2020. Pour honorer cet anniversaire monumental, le système de bibliothèque a calculé ses 10 livres les plus empruntés de tous les temps.

Le NYPL est énorme. Il possède l'une des plus grandes collections de livres aux États-Unis, juste après la Library of Congress. Et compte tenu de la diversité de New York, en particulier de New York, il est sûr de dire que tout livre sur sa liste a un attrait quasi universel.

Alors, quels textes ont vu le plus de caisses? Six des 10 livres de cette liste sont de la littérature pour enfants, ce qui est logique étant donné que les bibliothèques sont une ressource incroyable pour les parents avec de jeunes enfants. La première place est détenue par Ezra Jack Keat, vainqueur de Caldecott. Le jour de neige qui a été publié au milieu du 20e siècle; il a un nombre impressionnant de 485 583 caisses. «Imprimé et dans le catalogue de la Bibliothèque en continu depuis 1962, ce charmant conte joliment illustré d'un enfant appréciant la magie simple que la neige apporte à sa ville est l'un des livres les plus diffusés de la Bibliothèque chaque année», écrit NYPL, «dans tous les quartiers. nous servons."

Faites défiler la liste complète des 10 livres les plus empruntés du NYPL.

En l'honneur du 125 anniversaire de la Bibliothèque publique de New York, l'institution a calculé les 10 livres les plus empruntés de tous les temps:

1. Le jour de neige par Ezra Jack Keat

Top Checkouts au NYPLLe jour de neige en tête de liste 485 583 caisses.

2. Le chat dans le chapeau par le Dr Seuss

Le chat dans le chapeau

Le classique Dr. Seuss a 469650 caisses et comptant.

3. 1984 par George Orwell

1984 de George Orwell1984 arrive en troisième position avec 441770 caisses.

4. Où les choses sauvages sont par Maurice Sendak

Où les choses sauvages sont

L'histoire des enfants bien-aimés (qui a été transformée en un film cinématographique) a 436016 caisses.

5. Tuer un oiseau moqueur par Harper Lee

Tuer un oiseau moqueur

La sensation littéraire de Harper Lee a terminé cinquième de la liste avec 422912 caisses.

6. Web de Charlotte par E.B. blanc

Web de Charlotte

L'histoire classique de Wilbur et Charlotte a 337,948 caisses et comptant.

sept. Fahrenheit 451 par Ray Bradbury

Fahrenheit 451

Un habitué des listes de lecture du secondaire, Fahrenheit 451 est septième sur la liste avec 316404 caisses.

8. Comment gagner des amis et influencer les gens par Dale Carnegie

Comment gagner des amis et influencer les gens

Dale Carnegie’s Comment gagner des amis et influencer les gens est sorti en 1936 et est toujours en circulation constante avec 284524 caisses.

9. Harry Potter à l'école des sorciers par J.K. Rowling

Harry Potter à l'école des sorciers

Le plus jeune livre de la liste, J.K. Le classique contemporain de Rowling a fait le top 10 avec 231022 caisses.

dix. La chenille affamée par Eric Carle

La chenille affamée Un favori des bibliothécaires, ce livre magnifiquement illustré par Eric Carle a 189,550 caisses.

Bibliothèque publique de New York: site Web | Instagram | Facebook
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Un train transportant du maïs a un déversement massif et transforme des voies en une «route en brique jaune»

Par une froide journée d'hiver à Crystal, au Minnesota, Mike Parker a remarqué une vue inhabituelle près de sa maison. Les voies ferrées voisines étaient entièrement recouvertes de grains de maïs dorés à perte de vue. Et le meilleur de tous, ce spectacle magique ressemblait à la fantastique route de la brique jaune de Le magicien d'Oz.

Après avoir pris une photo des pistes, Parker l'a naturellement partagée sur Twitter. Les utilisateurs pensaient que sa photo était fausse; après tout, le déversement était trop propre et aucun animal sauvage ne jouissait de cet embarras des richesses comestibles. Mais malgré tous les sceptiques, il s'avère que l'image de Parker était totalement réelle. Le déversement s'est produit sur la voie ferrée du Canadien Pacifique et s'est étendu sur environ 2 000 pieds de long. On suppose que la quantité de maïs perdue dans les chenilles était d’environ 900 boisseaux, soit environ 3 500 $ de céréales.

Il s'avère que très peu d'animaux ont pu profiter de la générosité des grains de maïs qui les attendaient. Les cheminots ont utilisé un camion-citerne sous vide pour aspirer le déversement et ont pris le chemin d'or avec eux.

Mike Parker a remarqué qu'un train avait renversé beaucoup de maïs en descendant les voies. Après l'avoir publiée sur Twitter, beaucoup de gens pensaient que la photo devait être fausse. Mais d'autres personnes sont allées voir par elles-mêmes la route de la brique jaune.

h / t: (tamis torsadé, TIME)

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Les Australiens reçoivent un soulagement bienvenu alors qu'une pluie torrentielle aide à atténuer les feux de brousse

Intégrer à partir de Getty Images

Il y a enfin un certain soulagement pour ceux qui luttent contre les feux de brousse australiens, qui font rage depuis l'été dernier. Depuis jeudi, une quantité incroyable de pluie a balayé les zones touchées, dont certaines sont confrontées à des sécheresses depuis des années. Bien que les pluies torrentielles n’aient pas éteint tous les incendies – 82 brûlent toujours -, elles ont réussi à éteindre un quart de ce qui brûlait. Partout au pays, les gens célèbrent ce début de pluie, mais il y a des problèmes à cause des tempêtes soudaines.

Alors que la pluie s’installe, certaines zones rapportant un mois de valeur en quelques heures, les inondations soudaines suscitent des inquiétudes. Et comme les prévisionnistes prédisent plus de pluie dans les prochains jours, la menace d'inondation augmente. Une partie du problème est que dans de nombreuses régions touchées par la longue période de sécheresse, ainsi que celles brûlées dans les feux de brousse, il y a un manque de végétation pour absorber l'eau. Cela fait que la pluie coule simplement du sol, lavant les débris et les cendres sur les routes. De plus, les arbres fragilisés par les incendies risquent de tomber.

À Victoria, le service d'urgence de l'État a publié plusieurs photos de l'épave sur Facebook, y compris une photo d'un gouffre massif de 13 pieds de profondeur qui s'est ouvert. Cependant, il ne fait aucun doute que, même avec ces problèmes, la pluie est ce que beaucoup ont prié. Pour ceux qui souffrent des incendies, ainsi que pour les pompiers qui travaillent à éteindre les flammes, il n'y a pas de meilleur cadeau.

"Ce seront tous nos cadeaux de Noël, d'anniversaire, de fiançailles, d'anniversaire, de mariage et de remise de diplôme réunis en un seul", RFS Nouvelle-Galles du Sud publié sur Twitter. "Doigts croisés."

Les pompiers adoptent des averses torrentielles qui soutiennent leurs efforts pour combattre les feux de brousse australiens.

Cependant, la pluie a également causé ses propres problèmes, notamment des arbres tombés et des gouffres massifs.

Mais dans l’ensemble, c’est une bonne nouvelle, les personnes touchées par les incendies et la sécheresse étant également en fête.

h / t: (CNN)

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8 meilleurs jeux de marqueurs aquarelle pour débutants et professionnels

Ensemble de marqueurs aquarelle

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Les peintures à l'aquarelle sont un moyen populaire pour les artistes professionnels et les amateurs. Mais avouons-le: ils peuvent être un peu gênants à utiliser. Bien qu'il existe des aquarelles portables, vous devez toujours vous assurer d'avoir une palette, un pinceau et une tasse d'eau à portée de main. Si vous êtes découragé par tous les accessoires nécessaires à l'aquarelle, donnez marqueurs aquarelle un essai.

Comme leur nom l'indique, les marqueurs aquarelles sont essentiellement des pigments aquarelles conditionnés sous forme d'ustensiles de dessin. Disponibles en jeux de 12, 24 ou même 48 stylos, ils sont parfaits pour esquisser et peindre sur le pouce. Mieux encore, ils conservent les mêmes qualités que les pigments aquarelle conventionnels. De nombreuses marques de marqueurs aquarelle sont formulées pour que vous puissiez mélanger leurs couleurs avec de l'eau et un pinceau.

Vous cherchez plus de fournitures de dessin? Nous vous avons couvert dans notre guide sur les meilleurs crayons de couleur, les meilleurs crayons à dessin et les meilleurs marqueurs d'artiste.

Que rechercher dans les marqueurs aquarelle

Vous trouverez de nombreuses similitudes entre les marques de marqueurs aquarelles. La plupart des ensembles de marqueurs les mieux notés ont embouts de brosse en nylon qui vous donnera un coup pictural lorsque vous dessinez avec eux. De plus, ils ont pigments à base d'eau afin que vous puissiez utiliser facilement vos techniques d'aquarelle et effets spéciaux préférés.

Cependant, certains marqueurs utilisent encres à base d'huile. Cela signifie que vous ne pourrez pas ajouter d'eau à votre dessin et que vous devrez à la place mélanger les couleurs à l'aide d'autres marqueurs à base d'huile.

Avant d'acheter un ensemble de marqueurs aquarelle, assurez-vous de considérer le type de dessin que vous souhaitez réaliser. Voulez-vous toujours la possibilité d'ajouter de l'eau à votre œuvre? Si oui, assurez-vous d'acheter un ensemble de marqueurs avec de l'encre à base d'eau. Ou préférez-vous simplement un look pictural à votre dessin? Si tel est le cas, vous apprécierez probablement d'utiliser les marqueurs à base d'huile sans eau.

Meilleurs marqueurs aquarelle

ARTEZA Real Brush Pens (Ensemble de 24)

Ensemble de marqueurs aquarelle

ARTEZA | 22,98 $

Stylos pinceaux de marque ARTEZA vantez le dynamisme et la fluidité de l'aquarelle avec la facilité d'un stylo. Leurs ustensiles ont des poils de brosse en nylon doux pour vous donner un pointe fine lors du dessin. Ils sont également polyvalents. Utilisez-les pour brosser à sec, dessiner ou ajouter de l'eau pour créer vos effets d'aquarelle préférés.

Marqueurs à pinceau aquarelle Winsor & Newton, (lot de 12)

Ensemble de marqueurs aquarelle

Winsor & Newton | $ 25

Cet ensemble de 12 marqueurs aquarelle Winsor & Newton sont à double pointe. À une extrémité, vous avez une fine pointe pour les lignes nettes, et de l'autre côté, vous avez un bord de brosse pour les grandes surfaces. Ne vous inquiétez pas de sacrifier la qualité lorsque vous utilisez leurs marqueurs; la société souhaite que ses stylos soient les mêmes pigments de haute qualité que vous trouverez dans leurs tubes et leurs casseroles.

Brite Crown Aquarelle Brush Pens (Ensemble de 24)

Meilleurs jeux de marqueurs aquarelle

Couronne de Brite | 11,79 $

Peignez l'arc-en-ciel lorsque vous utilisez cet ensemble de marqueurs aquarelle par Couronne de Brite. Destinés aux amateurs d'art et aux professionnels, les marqueurs à pointe en nylon sont remplis de encre aquarelle qui comprend des pastels, des tons chair et des teintes éclatantes. De plus, l'ensemble est livré avec un brosse à eau rechargeable afin que vous puissiez mélanger les couleurs une fois qu'elles sont sur papier.

48 stylos pinceau aquarelle Premium (Ensemble de 48)

Meilleurs jeux de marqueurs aquarelle

Porc Doodle | 29,99 $

Vous cherchez un coffret cadeau d'art? Ce pack de 48 stylos aquarelle est un grand cadeau pour les créatifs de votre vie. Comme d'autres marques, Doodle Hog dit que leurs marqueurs ont beaucoup de punch, en termes de couleurs. Les examinateurs sont d'accord. "En fait, j'ai été choqué quand je les ai échangés", a écrit une personne, "et je les ai trouvés comparables à Tombows (une marque haut de gamme) dans un pinceau à eau."

24 stylos pinceaux pour aquarelle (lot de 24)

Meilleurs jeux de marqueurs aquarelle

PaintMark | 15,99 $

PaintMark les marqueurs de pinceau de marque sont différents de certains des autres stylos aquarelle sur le marché. Ils utilisent un encre à base d'huile ce qui signifie que vous ne pouvez pas les mélanger avec de l'eau. Ils sont plutôt destinés à vous donner un effet de peinture aquarelle. Cette différence les rend résistants à la décoloration, au maculage et aux dommages causés par l'eau.

Stylos pinceau aquarelle (lot de 24)

Marqueurs aquarelle bon marché

Reaeon | 11,99 $

Cette collection de pinceaux par Raeon vise à vous aider à créer des effets d'aquarelle dans la facilité d'un marqueur. Avec son pointes de stylet flexibles et encres à base d'eau sans acide, vous pouvez tout faire, des lavages pastel à l'ombrage en passant par les dégradés. Et le lettrage à la main? Vous pouvez essayer cela "sans chichis, muss, mess."

Stylos pinceau aquarelle (lot de 24)

Marqueurs aquarelle bon marché

Castle Art Supplies | 19,99 $

Comme les autres jeux de pinceaux, Fournitures d'art du château a créé des stylos pinceaux avec une pointe en nylon afin que vous puissiez produire les traits que vous voulez sans avoir à éclater votre palette de peinture. Mais avec des critiques de 4,5 étoiles, la société s'est démarquée des autres marques. Les fanatiques de livres à colorier, en particulier, adorent les marqueurs pour leurs couleurs vives et leur similitude avec l'utilisation d'un vrai pinceau.

Marqueurs aquarelle Faber-Castell (lot de 30)

Stylos aquarelle

Faber-Castell | 111,99 $

Comme Winsor & Newton, Faber Castell a produit un à double pointe marqueur aquarelle qui vous donnera une variété de lignes. L'ensemble de 30 teintes est destiné aux artistes de tous les niveaux de compétence, mais avec le prix plus élevé, cela pourrait être quelque chose que les aquarellistes sérieux veulent essayer. Mais pour ceux qui ont confiance en leurs compétences, Faber-Castell ne vous décevra pas. Les couleurs à base d'eau sont inodores et ne saignent pas à travers la plupart des papiers, ce qui en fait une excellente option pour les croquis. Mais cela ne s'arrête pas là. Ajoutez de l'eau et essayez vos techniques d'aquarelle préférées comme le glaçage, mouillé sur mouillé et la méthode au sel.

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Le nouveau magasin IKEA de Vienne comprend un toit vert et pas de parking

IKEA innovant en Autriche

IKEA innove avec son nouveau magasin en Autriche. Situé à la gare Westbahnhof de Vienne, ce bâtiment de sept étages ne ressemblera à aucun IKEA que vous ayez jamais vu. Non seulement il a une façade verte et une terrasse sur le toit, mais il n'y aura pas de places de parking. Ce concept innovant s'adresse aux acheteurs urbains et est un clin d'œil au système de transport haut de gamme de Vienne.

IKEA Westbahnhof comprendra la gamme complète d'articles que les acheteurs attendent. Mais bien qu'ils puissent réaliser de petits objets, un nouveau système est en place pour les pièces plus grandes. Un service de logistique amélioré s'assurera que tous les autres articles seront livrés à votre domicile, idéalement dans les 24 heures. C’est une nouvelle façon de faire du shopping qui répond à la commodité et au confort.

La conception non conventionnelle du bâtiment était un effort conjoint entre querkraft architekten et les architectes d'IKEA. L'objectif était de créer un espace informel dont toute la communauté puisse profiter. En fait, le toit vert sera ouvert au public même en dehors des heures d’ouverture d’IKEA. En plus d'une végétation luxuriante, la zone comprendra un café, qui invite la communauté à se réunir et à se mêler à des amis.

Les architectes ont imaginé l'enveloppe extérieure du bâtiment comme une étagère, avec différentes zones pour les terrasses, la verdure et des mesures pratiques comme les toilettes, les ascenseurs et les escaliers. Les 160 arbres intégrés dans l'enveloppe extérieure aideront au chauffage et au refroidissement, tout en maintenant un microclimat équilibré.

Fidèle à son objectif d'être de bons voisins, IKEA intègre également d'autres entreprises dans le bâtiment. Les deux derniers étages abriteront un hôtel Jo & Joe Open House de 345 chambres qui comprendra un restaurant et un bar sur le toit. Destiné aux jeunes et aux voyageurs d'affaires, il générera un mélange de locaux et de touristes au sein de l'espace. Enfin, plusieurs entreprises qui exerçaient leurs activités avant la construction réintégreront la nouvelle structure. Cela comprend une pharmacie, un studio d'aide auditive, un salon de coiffure et une boulangerie pour compléter les services disponibles sous un même toit.

IKEA Westbahnhof a commencé la construction le 7 janvier 2020 et devrait ouvrir ses portes en 2021.

Le nouveau magasin IKEA à Vienne s'adresse aux acheteurs urbains et comprend une façade verte.

IKEA Westbahnhof à Vienne, AutricheImmeuble IKEA vert à VienneIKEA Westbahnhof à Vienne, AutricheIKEA Westbahnhof: Site Web
h / t: (designboom)

Toutes les images via IKEA.

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10 livres d'art qui nourriront votre âme créative ce mois-ci (janvier 2020)

Meilleurs livres créatifs

Photo: fotografierende
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Comment s'est passé votre 2020 jusqu'à présent? Êtes-vous sur la bonne voie pour atteindre vos objectifs ou commencez-vous à perdre de la vitesse? Si vous constatez que vous avez besoin d'un petit coup de fouet pour que «la nouvelle année, le nouveau vous» se produise, essayez de prendre un livre. Les publications créatives peuvent faire tellement; ils peuvent vous apprendre de nouvelles compétences, vous aider à cultiver un état d'esprit positif et vous offrir une inspiration sans fin.

Avec la sortie de nouveaux livres chaque semaine, il peut être difficile de savoir par où commencer. Eh bien, vous avez de la chance! Nous avons parcouru les dernières versions pour trouver 10 livres créatifs qui offrent chacun quelque chose de différent. Certains, comme La voie de l’artiste moderne, donne des conseils commerciaux pratiques à tous ceux qui souhaitent progresser dans leur carrière. D’autres, comme Jordan Sondler Sentez-vous dehors, veulent vous donner les moyens de vous aimer pour surmonter les revers (professionnels, romantiques ou autres) et avancer dans votre vie. Et, bien sûr, il y a des livres qui présentent un excellent travail d'artistes et de photographes incroyables qui feront certainement couler votre créativité.

Faites défiler vers le bas pour plus de nos suggestions. Et si vous possédez un appareil Kindle, vous avez de la chance: bon nombre de ces publications sont également disponibles sur le lecteur électronique. Grâce à Kindle Unlimited, vous avez un accès illimité à la lecture de plus d'un million d'ebooks qui peuvent être lus sur n'importe quel appareil.

Continuez à écraser vos objectifs 2020 avec nos choix de livres créatifs pour janvier 2020.

Livre de photographiePhotoWork: Quarante photographes sur le processus et la pratique par Sasha Wolf

PhotoWork l'auteur Sasha Wolf a été inspiré pour écrire ce livre après avoir entendu de jeunes photographes qu'ils se sentaient souvent «à la dérive» dans leur pratique. Elle a interviewé 40 photographes au sujet de leur approche du terrain et de la création d'un «corpus de travail soutenu». Ce qui ressort de leurs réponses, c'est qu'il n'y a pas de voie unique pour faire carrière en photographie.

C’est votre bizarrerie qui vous rend merveilleux: un journal d’invitation à l’acceptation de soi par Kate Allan

La santé mentale affecte tout dans votre vie, de vos relations à votre pratique créative. Kate Allan, connue pour ses illustrations adorables qui abordent le sujet difficile, a créé un journal avec des invites qui encouragent l'amour-propre et les soins personnels.

Livre d'art de broderieDu fil à l'aiguille: l'art de la broderie contemporaine par Charlotte Vannier

La broderie est considérée depuis longtemps comme un «travail de femme» qui n’est rien de plus que de la décoration sur des oreillers, des rideaux et des vêtements. Dans les années 1960 et 1970, cependant, les féministes ont repris l'art de l'aiguille comme art. De Aiguille à enfiler présente 84 artistes contemporains qui utilisent la broderie pour transmettre leur message.

Feel It Out: Le guide pour entrer en contact avec vos objectifs, vos relations et vous-même par Jordan Sondler

Êtes-vous toujours en train de vous frayer un chemin à l'âge adulte? Jordan Sondler l'est aussi, alors elle a créé un livre illustratif qui est un «discours d'encouragement sur soi» qui vous aidera à traverser le chagrin, les revers de carrière et au-delà, tout en cultivant une relation généreuse avec vous-même.

Livre d'affaires pour artisteLa voie de l'artiste moderne: comment bâtir une carrière réussie en tant que créatrice au 21e siècle par Bridgette Mayer

Construire une carrière créative n'est plus la même qu'auparavant. L'auteur Bridgette Mayer a passé les deux dernières décennies à aider à diriger des entreprises de plusieurs millions de dollars et des artistes de premier plan dans l'élaboration de leur carrière. À travers son livre, elle vous guide pour définir ce qui vous rend heureux, comment valoriser votre travail et créer une vision – et, finalement, un plan – pour bâtir une carrière dont vous êtes fier.

Livres de photographie de modePeter Lindbergh. Une vision différente de la photographie de mode par Thierry-Maxime Loriot

Le photographe allemand Peter Lindbergh a aidé à ouvrir une nouvelle ère de la mode avec son emblématique britannique Vogue couverture en janvier 1990. Dans cette collection de son travail, vous verrez plus de 400 images qu'il a produites sur une période de 40 ans. Les photographies sont accompagnées de mots de personnes comme Cindy Crawford, Anna Wintour, Jean-Paul Gaultier, et plus encore.

Guide de voyage architecturalOù les architectes dorment: les hôtels les plus élégants du monde par Sarah Miller

Personne n'apprécie un bâtiment comme un architecte. Dans ce livre, plus de 250 d'entre eux révèlent où ils aiment séjourner lorsqu'ils voyagent. Le guide unique comprend 1 200 listes dans plus de 100 pays, et il couvre toute la gamme des lieux renommés aux joyaux cachés qui raviront les amateurs d'architecture.

Chefs-d'œuvre aquarelles de 15 minutes: créez un art digne d'un cadre en quelques étapes simples par Anna Koliadych

Créer une aquarelle fantastique ne doit pas vous prendre toute la journée. L'artiste Anna Koliadych partage 50 projets qui peuvent être réalisés en seulement 15 minutes. Cela fait de son livre une excellente ressource pour ceux qui veulent insuffler un peu de créativité dans leur journée ou qui cherchent à faire de l'aquarelle une partie régulière de leur pratique artistique.

Journalisation créative: un guide de plus de 100 techniques et idées pour des pages étonnantes de grille de points, de courrier indésirable, de médias mixtes et de voyage par Renee Day

Vous cherchez à créer votre propre journal d'art? L'auteur Renee Day stimulera votre créativité avec son livre utile. Il comprend 52 projets qui incluent des trucs et astuces rapides ainsi que des guides pour des projets plus importants comme la création d'un planificateur personnalisé. Lorsque vous aurez terminé son livre, vous disposerez de tous les outils nécessaires pour transformer un cahier ordinaire en un compagnon unique.

Livre d'histoire botaniqueInspiration botanique: la nature dans l'art et l'illustration par Victionary

Les plantes sont un élément essentiel de notre survie sur Terre, et elles se sont révélées être une source intemporelle d'expression créative. Inspiration botanique met en évidence des explorateurs scientifiques qui étaient à la recherche de nouvelles espèces ainsi que des artistes qui ont utilisé la flore comme un moyen de «transmettre l'essence de notre existence même».

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Un fanatique de film fait correspondre des scènes de films célèbres avec leurs emplacements dans la vie réelle

Lieux de tournage célèbres

"Spider-Man: loin de chez soi"

Le cinéphile Thomas Duke célèbre son amour du cinéma en se rendant dans les lieux de certains de ses films préférés. Pendant qu'il y est, il place une image fixe du film à l'endroit exact où cela s'est produit dans le paysage. Faire cela intègre la scène avec la toile de fond pour révéler plus que ce que nous avons vu en regardant la production originale. Un alambic de Le Joker, par exemple, présente Joaquin Phoenix debout sur les marches du Bronx. Duke se rendit dans l'arrondissement pour trouver l'escalier sur lequel Phoenix se tenait. En sachant à quoi ressemble le paysage réel, cela nous donne des connaissances en coulisses qui ajoutent une autre couche de plaisir au film.

Le projet en cours de Duke s’appelle Stepping Through Film et, à la base, il rend hommage à la magie du cinéma. "J'ai adoré le cinéma toute ma vie", confie-t-il à My Modern Met. «Il a toujours été là, un endroit où je pouvais m'échapper quand la vie devenait un peu difficile. J’ai aimé explorer l’écran de ma propre tête et je ne pouvais pas attendre, littéralement, de parcourir les films qui m'avaient aidé pendant mes années de croissance. »

Depuis le début Pas à pas à travers le film en 2017, le cinéphile londonien s'est rendu à Paris, à Nottingham et, récemment, à The Big Apple. "La ville de New York est la plus éloignée que j'ai parcourue jusqu'à présent", explique Duke. "C'était toujours un rêve de visiter cet endroit de toute façon, mais le faire pour ma passion pour le cinéma était tout simplement une joie!"

Le fanatique de cinéma Thomas Duke voyage loin pour faire correspondre des scènes fixes avec leurs lieux de tournage de films réels.

Lieux de tournage de Harry Potter

"Harry Potter et les reliques de la mort: partie 2"

Lieux de tournage de films Marvel

"Les Vengeurs"

Lieux de tournage de films

"Le réveil de la force"

Lieux de tournage de films

«La théorie de tout»

Lieux de tournage de films

"Miracle sur l'Hudson"

Lieux de tournage célèbres

«Dunkerque»

Lieux de tournage de films

«Home Alone 2: Lost in New York»

Lieux de tournage de films Marvel

"Avengers: Endgame"

Lieux de tournage célèbres

"Avengers: Endgame"

Lieux de tournage célèbres

"Le Joker"

Lieux de tournage de films

"Elfe"

Lieux de tournage célèbres

«Nuit au musée: secret de la tombe»

Lieux de tournage célèbres

«Paddington»

Lieux de tournage de films célèbres

"Enchanté"

Lieux de tournage de films célèbres

"John Wick 2"

Lieux de tournage de films célèbres

"Expiation"

Il imagine également des animations dans leurs lieux réels…

Lieux de tournage célèbres

"Up"

Lieux de tournage de films

"La petite Sirène"

… Et la télévision aussi!

Lieux de tournage célèbres

“Bons présages”

Lieux de tournage célèbres

"Amis: Celui avec le mariage de Ross"

Lieux de tournage de télévision célèbres

"La Couronne"

Lieux de tournage de films célèbres

"Sherlock"

Thomas Duke: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Thomas Duke.

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Cette mijoteuse sur le thème des amis vous permet de cuisiner comme Monica Geller

Friends Slow Cooker

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Si vous aimez cuisiner autant que Monica Geller, alors vous voudrez ajouter un copainsmijoteuse à thème à votre collection de gadgets de cuisine. L'appareil pratique est orné de dessins qui signifient certaines des parties les plus mémorables de la série. Les griffonnages comprennent le canapé du café Central Perk ainsi que le cadre doré qui pend à la porte de l'appartement de Monica et Rachel. En plus des dessins, les caractéristiques de la décoration de surface des citations mémorables comme l'emblématique «Comment ça va?» de Joey et «Pivot!» lorsque Ross, Chandler et Rachel ont essayé de déplacer un grand canapé dans un escalier.

le copains-cuisinière à thème est disponible en deux tailles. Il est vendu comme une marmite de six pintes ou comme une triple cuisinière avec trois récipients de deux litres et demi. Lorsque vous achetez le pot de six pintes, vous avez la possibilité de programmer l'heure. La cuisinière à trois récipients n'a pas cette fonction, mais vous pouvez contrôler individuellement le réglage de la température pour chaque casserole. De plus, il est idéal pour organiser une réunion, car il comprend des cuillères de service avec des emplacements de cuillère intégrés.

Tous les deux copains les mijoteuses – six pintes et triple cuisinière – sont disponibles auprès de Hot Topic.

Aimez-vous cuisiner autant que Monica Geller? Tu veux ça copains mijoteuse dans votre cuisine.

Friends Slow Cooker

Il existe deux versions. L'un est un pot programmable de six pintes:

Friends Slow CookerFriends Slow Cooker

L'autre est une triple mijoteuse:

Friends Slow CookerTriple mijoteuseTriple mijoteuseTriple mijoteuse

h / t: (soie mentale)

Toutes les images via Hot Topic.

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Cette fleur de cadavre géante trouvée en Indonésie est la plus grande fleur du monde

Lagrest Rafflesia Flower dans le monde

Photo: Centre de conservation des ressources naturelles de l'ouest de Sumatra

Au fond de la forêt de l'ouest de Sumatra, une étrange fleur parasite a fleuri au moment où l'année se terminait. Mesurant près de 44 pouces de diamètre, ce géant Rafflesia tuan-mudae est la plus grande floraison jamais enregistrée. Aussi connu sous le nom de fleur de cadavre, il est l'une des 28 espèces du Rafflesia genre. Son surnom vient de l'incroyable puanteur que la plante dégage en fleurissant.

Trouvé dans toute l'Asie du Sud-Est, Rafflesia sont les plus communs à Bornéo et à Sumatra. En fait, le record Rafflesia a été enregistré dans la réserve naturelle de Maninjau, à l'ouest de Sumatra. Fait intéressant, ces fleurs n'ont ni racines ni feuilles. Ce sont des parasites qui vivent de leurs hôtes, qui se trouvent être des vignes de la Tetrastigma genre. (En fait, cette taille exceptionnellement Rafflesia utilise exactement le même hôte que le détenteur du précédent record. Cette floraison, qui mesurait environ 42 pouces, a été enregistrée en 2017.)

Les plantes parasites s'incrustent dans les tissus des vignes et se nourrissent de leur eau et de leurs nutriments. Contrairement à d'autres types de Rafflesia, qui peut fleurir dans des vignes suspendues à l'air, le R. tuan-mudae colle au sol, ne faisant connaître sa présence que lorsque ses pétales se déploient.

Fleur de cadavre de Rafflesia dans la forêt

Photo: Photos de Mazur Travel / Shutterstock

"Rafflesias s'attacher au corps d'un autre et grandir aux dépens de cette plante », explique le biologiste Ross Koning, qui gère la serre à Eastern Connecticut State University. "Ils ne peuvent pas fleurir avant d'avoir reçu suffisamment d'énergie de l'hôte, donc ces plantes fleurissent très rarement, et vous devez les chasser."

Alors qu’un Rafflesia en fleur est un spectacle à voir, il a une conséquence malheureuse: l'odeur nauséabonde. Cette odeur de viande pourrie est destinée à attirer les mouches, leurs principaux pollinisateurs. Ceci est particulièrement important car ces plantes ne fleurissent pas souvent et, lorsqu'elles le font, la fleur ne dure qu'une semaine avant de mourir.

Étant donné l'odeur défavorable qu'elle dégage, il est logique que cette floraison soit appelée fleur de cadavre. cependant, Rafflesia n'est pas la seule fleur à s'appeler cadavre. Bien qu'ils ne soient que de loin liés, la fleur de cadavre la plus connue est la Amorphophallus titanum. Ces énormes plantes ne poussent qu'à l'état sauvage à Sumatra, mais peuvent être trouvées dans les jardins botaniques du monde entier. Tout en dégageant également l'odeur de chair en décomposition lors de la floraison, A. titanum est beaucoup plus facile à cultiver car il ne nécessite qu'un pot avec un espace suffisant pour se développer.

Donc, si jamais vous tombez sur l'une de ces plantes et que vous vous sentez aventureux, vous pouvez prendre une bouffée… mais soyez prévenu, ce n'est pas pour les faibles de cœur.

le Rafflesia est une fleur parasite trouvée en Asie du Sud-Est qui dégage une puanteur affreuse lorsqu'elle fleurit.

Fleur de cadavre de Rafflesia dans la forêt

Photo: Photos de Mazur Travel / Shutterstock

Cela lui a valu le surnom de «fleur cadavre».

Fleur de cadavre de Rafflesia dans la forêt

Photo: Photos de Darren Kurnia / Shutterstock

Une fleur récente a été mesurée à près de 4 pieds de diamètre, ce qui en fait la plus grande fleur enregistrée au monde.

La plus grande fleur du monde

Photo: Photos de Mazur Travel / Shutterstock

Un autre type de fleur cadavre, Amorphophallus titanum, peut être trouvé dans les jardins botaniques du monde entier.

Amorphophallus titanum

Photo: Photos de Paul Marcus / Shutterstock

h / t: (Atlas Obscura, CNN)

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Apprenez à dessiner n'importe quel type de nez humain en quelques étapes simples

Dessin de nez

Photos de Golubovy / Shutterstock
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Dans votre quête pour dessiner des portraits réalistes, il est important que vous sachiez comment esquisser tous les aspects d'un visage. Des yeux aux lèvres en passant par le nez, chaque élément est important pour représenter avec précision votre sujet.

De toutes les caractéristiques du visage, le nez est celui auquel vous ne pensez pas beaucoup. Mais ne l'ignorez pas: cette fonction aide à définir le visage. Pensez à toutes les fois où vous vous êtes souvenu de quelqu'un à cause de son schnoz. Cela seul est une raison suffisante pour laquelle vous devriez apprendre à dessiner un nez.

Dessiner un nez est un excellent exercice artistique. Cette partie du corps particulière est simple à esquisser, mais elle a des qualités distinctives qui peuvent rendre difficile de bien faire les choses. Dans ce didacticiel, vous apprendrez les parties d'un nez ainsi que les éléments à rechercher lors de son dessin.

Anatomie d'un nez

Diagramme de nez

Photo: Le système respiratoire

Avant de commencer à dessiner, il est toujours utile de comprendre l'anatomie de ce que vous allez dessiner. De cette façon, vous aurez une meilleure compréhension de la façon dont quelque chose bouge (ou ne bouge pas), et vous serez sûr de le manipuler d'une manière qui soit logique pour sa forme. Pour dessiner le corps humain, cela signifie que vous voudrez apprendre à esquisser des os, y compris le crâne. (Représenter un crâne est un excellent exercice qui est couramment utilisé dans les cours de dessin.)

Il vous suffit de connaître quelques parties essentielles du nez pour comprendre sa forme. Il y a l'os nasal qui est près du haut de votre nez – en fait, la «racine» du nez est entre vos sourcils. De la racine, le dos (ou «pont») descend jusqu'au bout du nez jusqu'aux narines de chaque côté.

C'est ici que vous voudrez observer les caractéristiques individuelles du nez. Ce n'est pas une partie du corps compliquée (surtout par rapport aux mains ou aux yeux), mais il y a certaines choses à noter avant de commencer un dessin.

Demande toi:

  • À quoi ressemble l'arête du nez? Est-ce mince ou large? Est-ce qu'il courbe ou a une bosse?
  • Quelle est la taille des narines? En d'autres termes, combien de narines voyons-nous?
  • Quelle est la forme du bout du nez? Jusqu'où va-t-il sous les narines?

Comment dessiner un nez étape par étape

Photo d'un nez

Photos de Big Foot Productions / Shutterstock

Assurez-vous de saisir vos fournitures d'art essentielles. Pour cet exercice, vous voudrez avoir au moins quelques crayons de différents tons de graphite, une gomme à effacer en vinyle et un carnet de croquis.

Étape 1: Brisez le nez dans ses formes les plus élémentaires.

Comment dessiner un nez

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Une fois que vous vous êtes familiarisé avec l'anatomie d'un nez, jetez un œil à la matériel source du schnoz que vous aimeriez dessiner. Pour cette leçon, il est utile d'esquisser plusieurs nez pour vraiment apprécier à quel point cette partie du corps peut être différente.

En fonction de ce que vous savez sur ses fonctionnalités, y compris pont, pointe, et narines– les décomposer en formes de base. À l'aide d'un crayon HB, vous dessinerez un long ovale pour le pont et de petits cercles pour le bout du nez ainsi que des narines. (Ces éléments se chevaucheront, ce n'est pas grave.) Pendant que vous vous familiarisez avec les bases de la forme du nez, assurez-vous de faire attention à la largeur de ses caractéristiques.

Suivant: Comment dessiner un nez.

Une photo réconfortante de la tigresse avec ses cinq oursons est une victoire pour les écologistes

Tigresse et oursons en Inde au parc national de Dudhwa

Une photo virale d'une tigresse et de ses petits est un phare d'espoir pour les écologistes. L'image – prise par Siddharth Singh, qui mène des safaris à travers le parc national de Dudhwa en Inde – s'est propagée rapidement une fois partagée sur Twitter par Parveen Kaswan. Kaswan travaille pour l'Indian Forest Service et est membre de l'Union internationale pour la conservation de la nature, il était donc particulièrement satisfait de ce qu'il a vu sur la photo.

À l'œil non averti, cela ressemble simplement à une belle image d'une tigresse avec ses petits. Mais pour ceux qui travaillent dans la conservation, l'image est un signe positif que leurs efforts portent leurs fruits. Prise au Kishanpur Wildlife Sanctuary de la réserve de tigres de Dudhwa, la photo montre cinq oursons trottant joyeusement aux côtés de leur mère. Le fait qu'il y en ait cinq est significatif, car la portée moyenne n'a que trois oursons. Singh, qui visitait le parc avec son fils lors de son ouverture pour la saison, a été le premier à documenter cette séquence exceptionnelle de tigres.

"Nous suivons cette tigresse particulière depuis quatre ans", a expliqué Singh. Temps de l'Inde. «Nous l'appelons Beldanda femelle après le battement de la forêt où elle est généralement aperçue. Elle peut facilement être comparée à la tigresse de Ramthambore «Machali» car elle est extrêmement favorable aux touristes et marche souvent sur la route destinée aux véhicules touristiques. Même samedi, nous avons tourné sa vidéo alors qu'elle était assise sur la route et (elle) n'a pas paniqué malgré nous. Après (a) quelques instants, elle a appelé ses petits et puis nous avons appris qu'elle avait donné naissance à cinq petits. Sinon, (le) département forestier avait pris sa photo avec seulement quatre oursons. »

Tigresse et louveteaux par Siddarth Singh

Pour assurer la sécurité des oursons, leur emplacement exact n’est pas divulgué et la route traversant le sanctuaire a été fermée au public pendant les six prochains mois. Cela donnera aux oursons une chance de grandir et de prospérer sans être dérangés. La famille sera également surveillée à l'aide de pièges photographiques. Le directeur de terrain de la réserve de Dudhwa, Sanjay Pathak, a souligné l'importance de l'isolement en ce moment dans le développement des oursons, car les tigresses restent généralement isolées pour garder leurs oursons à l'abri des tigres mâles autres que le père, ainsi que des braconniers. En leur donnant l'espace dont ils ont besoin, la réserve laisse la nature suivre son cours.

De leur côté, le WWF Inde est ravi de l'actualité. "Cinq oursons sont assez rares et c'est certainement très encourageant pour nous", a déclaré le coordinateur de l'État, le Dr Mudit Gupta. L'observation est conforme à l'augmentation de la population de tigres en Inde. Abritant 70% des tigres du monde, le nombre de tigres en Inde atteignait 2967 en 2018. C'est un grand bond par rapport au dernier recensement des tigres, qui comptait 2226 en 2014.

Une partie du succès est due aux initiatives gouvernementales qui incluent une interdiction de la chasse et une plus grande concentration sur l'éducation et la sensibilisation dans les villages du pays. Ils ont également investi massivement dans l'embauche de gardes forestiers supplémentaires afin de sécuriser leurs réserves. Et maintenant, avec une seule image, le monde peut voir que leurs efforts portent leurs fruits.

Un tweet a rendu cette photo émouvante d'une tigresse et ses cinq petits deviennent viraux.

Siddharth Singh: Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Siddarth Singh.

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Qui est Theo van Gogh

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

En tant que pionnier du post-impressionnisme, Vincent Van Gogh est l’une des figures les plus connues de l’histoire de l’art. Bien que l'artiste n'ait pas connu beaucoup de succès au cours de sa courte carrière, son travail a suscité une grande attention depuis sa mort en 1890. Qui était derrière sa renommée posthume? On peut dire que cela peut être attribué à son jeune frère, Théo, un important marchand d'art qui a introduit le monde de l'art moderne au portefeuille prolifique de Vincent.

En plus de servir un objectif professionnel dans la vie de Vincent, Theo a également joué un rôle beaucoup plus personnel en tant que confident de son frère. De 1872 à la mort de Vincent 18 ans plus tard, les frères se sont écrits des centaines de lettres. Aujourd'hui, près de 700 de ces lettres survivent, nous offrant un aperçu du succès éventuel de Vincent van Gogh – et de la personne qui a contribué à le rendre possible.

Début de carrière et carrière de Theo

Photo de Theo van Gogh

Theo van Gogh, 15 ans (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Le 1er mai 1857 – un peu plus de quatre ans après la naissance de Vincent – Theodorus «Theo» van Gogh est né à Zundert, aux Pays-Bas. Après un passage dans la galerie d'art de son oncle, Theo a suivi les traces de son frère aîné et a rejoint la branche néerlandaise de Goupil & Cie, un marchand d'art français, alors qu'il n'avait que 16 ans. En 1880, il devient directeur du siège de la société à Paris, le plaçant à l’épicentre du monde de l’art moderne à seulement 23 ans.

Le succès de Theo en tant que marchand de peintures, sculptures et graphismes contemporains contrastait considérablement avec la carrière de son frère aîné. À 27 ans, Vincent venait juste de décider de poursuivre une carrière dans la peinture après des échecs en tant qu'employé d'école, libraire, étudiant en théologie et prédicateur laïc. Conscient des difficultés de son frère aîné, Theo s'est efforcé de soutenir financièrement Vincent, l'aidant à acheter des fournitures d'art. "Vous parlez d'argent que vous me devez et que vous voulez me rendre", écrivait-il en 1888. "Je n'en entendrai pas parler. La condition à laquelle je veux que vous arriviez est que vous ne devriez pas avoir de soucis. »

En plus d'envoyer de l'argent, Theo a aidé Vincent en lui présentant les artistes les plus avant-gardistes de Paris, notamment Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Georges Seurat et Paul Gauguin – un groupe qui, avec Vincent, finirait par devenir être connu comme les post-impressionnistes.

Relation avec Vincent

Portrait de Theo van Gogh

Vincent van Gogh, «Portrait de Theo van Gogh», 1887 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Plus important que l'argent et les relations, cependant, Théo a offert à Vincent un soutien émotionnel. Avant la promotion de Théo et les activités picturales de Vincent, les frères partageaient un lien fort. Alors que le couple avait également trois sœurs, Anna, Elisabeth et Willemina, et un frère, Cornelius, ils sont restés particulièrement proches. En fait, c'est l'admiration de Théo pour Vincent qui l'a poussé à rejoindre Goupil & Cie en premier lieu, car Vincent y avait déjà travaillé pendant quatre ans au moment où il a commencé.

Bien que Théo soit satisfait de l'idée de travailler en étroite collaboration avec son frère, il savait que la peinture, et non l'art, était sa passion. Dès 1873 – la même année où il est embauché par Goupil & Cie – Theo encourage Vincent à se plonger pleinement dans sa pratique. «Je suis heureux que nous travaillions tous les deux pour la même entreprise maintenant», écrivait Théo en 1873. «Dans tous les cas, vous devez aller souvent au musée, c'est bien de faire la connaissance des anciens peintres aussi, et si vous obtenir la chance de lire sur l'art, et en particulier les magazines sur l'art. . . "

Lettre Van Gogh

Lettre à Theo van Gogh (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Au cours de la décennie suivante, Theo a aidé Vincent à naviguer dans une myriade de luttes, allant d'un certain nombre de crises financières à des épisodes de troubles mentaux. En 1886, il invite même Vincent à vivre avec lui à Paris, bien que l'artiste ne reste que deux ans (il exprime de manière célèbre que travailler dans l'agitation de la capitale française le laisse «complètement engourdi»). Même séparé, cependant, Théo continuerait à soutenir moralement Vincent par une correspondance constante et cohérente.

Cette communication s'est révélée particulièrement importante en 1889, lorsque l'état mental de Vincent s'est détérioré. Suite à une altercation qui a abouti à un acte d'automutilation, Vincent s'est installé dans un établissement de santé mentale du sud de la France. Bien que loin à Paris, Théo a continué à réconforter Vincent et à montrer son soutien à sa décision.

". . Vous dites vraiment trop de choses aimables sur une chose qui est tout simplement naturelle, sans tenir compte du fait que vous me l'avez rendu plusieurs fois, à la fois par votre travail et par une affection fraternelle qui vaut plus que tout l'argent Je posséderai jamais », a écrit Theo. «Ça me fait mal de savoir que vous êtes toujours dans un état de santé incomplet. Bien que rien dans votre lettre ne trahisse une faiblesse d'esprit, au contraire, le fait que vous jugiez nécessaire d'entrer dans un asile est assez grave en soi. »

La nuit étoilée

Vincent van Gogh, «La nuit étoilée», 1889 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Vincent a continué à peindre pendant son passage à l'asile, aboutissant à une collection de 150 tableaux. Il a envoyé un certain nombre de ces peintures à Théo, qui, à son tour, a réussi à obtenir des lieux d'exposition pour 16 d'entre eux. «Vos tableaux sont bien placés et très beaux», écrit-il à Vincent. «Beaucoup de gens sont venus me demander de vous adresser leurs compliments. Gauguin a dit que vos peintures sont la clé de l'exposition. »

Peu de temps après ce succès, Van Gogh quitte l'hôpital et s'installe à Auvers-sur-Oise, une banlieue de Paris. Alors que, grâce à Théo, sa carrière semblait être à la hausse, il est resté mentalement malade. Le 27 juillet 1890, Van Gogh se suicida et mourut deux jours plus tard. Theo a terminé sa dernière lettre avec ses mots d'encouragement:

«Espérons que notre santé à tous s'améliorera, car la santé, c'est beaucoup. Ci-joint je vous envoie 50 francs – écrivez-moi vite et croyez-moi votre frère qui vous aime. "

Mort et héritage

Tombe de Theo van Gogh

Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0)

Dans les mois qui ont suivi la mort de Vincent, la santé de Theo a décliné. En novembre, il a été admis dans un hôpital psychiatrique; en décembre, on lui a diagnostiqué démence paralytique, une psychose chronique; et, en janvier, il est décédé.

Alors que l'héritage de Theo est principalement lié à son rôle de confident de Van Gogh, ses contributions discrètes à l'art moderne ne peuvent être ignorées. En tant que marchand éminent de la fin du XIXe siècle à Paris, il a contribué à lancer l'art d'avant-garde au premier plan, à populariser des mouvements comme l'impressionnisme et le post-impressionnisme et, bien sûr, à faire découvrir au public l'œuvre de Vincent van Gogh.

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Peintures minuscules de Golsa Golchini

Parfois, la grandeur de la nature peut nous faire sentir vraiment petits. Ce sentiment exact semble résonner dans les peintures colorées et fantaisistes de l'artiste iranien Golsa Golchini. Chacune de ses toiles présente un paysage empâté d'eau ou de neige, avec de minuscules personnages qui nagent, surfent ou skient souvent à travers. Contrairement aux arrière-plans texturés, les humains miniatures sont peints numériquement et ajoutés à la toile par des transferts d'encre, résultant en un environnement tridimensionnel vivant.

«Mes œuvres d'art sont ma façon de communiquer avec l'observateur sur les choses de la vie quotidienne que nous avons tous en commun», explique Golchini. «Les choses que nous faisons, les objets que nous utilisons, les émotions que nous ressentons. Ces actions représentées dans mes œuvres sont très simples comme le carton sur lequel elles sont dessinées. Mon objectif est de plonger l'observateur dans le travail et de lui faire voir le monde et les actions quotidiennes d'une manière différente. »Les petits athlètes qui voyagent le long des cuillères isolées de peinture épaisse semblent se concentrer sur le sentiment d'accomplir quelque chose sur le sien.

«Bien que les œuvres d'art soient simples», précise Golchini, «elles expriment généralement des situations difficiles. Mon travail est composé comme s'il devait paraître compréhensible, mais de la même manière, ils veulent raconter les histoires les plus profondes de tous les temps. »

Les tableaux de Golchini sont disponibles à l'achat en ligne via sa boutique sur Return of Art. Vous pouvez également vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste en la suivant sur Instagram.

L'artiste iranienne Golsa Golchini est spécialisée dans l'ajout de minuscules figures à ses peintures d'empâtement.

Peintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa Golchini

Ces nageurs et skieurs miniatures sont fabriqués numériquement avant que Golchini les transfère sur la peinture via des transferts d'encre.

Peintures minuscules de Golsa Golchini

Les peintures de Golchini semblent capturer le sentiment d'être seul dans un grand paysage.

Peintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniPeintures minuscules de Golsa GolchiniGolsa Golchini: Boutique | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Golsa Golchini.

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Meghan Trainor chante «All About That Bass» sur «Bad Guy» de Billie Eilish et c'est incroyable

Qui n'aime pas un mashup de chanson inattendu? L'artiste pop Meghan Trainor a récemment été invitée sur BBC Radio 1 où elle a été invitée à interpréter son tube «All About That Bass» sur l'air de la chanson de Billie Eilish «Bad Guy». Elle faisait partie du défi de Scott Mills de «Your Lyrics Different Song »dans lequel il demande à un artiste d’adapter ses paroles sur le rythme de quelqu’un d’autre. Trainor a relevé le défi et époustouflé Mills avec son chant spontané qui cadrait parfaitement avec le morceau de base d'Eilish.

L'original «All About That Bass» a été un succès d'été en 2014 et a un son totalement différent de «Bad Guy». L'air original de Trainor a un son doo-wop plein d'entrain; mais quand elles sont chantées sur le single d'Eilish, les paroles remixées prennent soudain un ton plus sombre et plus tranchant.

Trainor, pour sa part, a reconnu que ce mashup est un bop absolu. Clairement rattrapée au moment de la représentation, elle finit de chanter et parut surprise de ce qu'elle venait de faire. «Wow, ouais. Je me suis perdue, je me suis juste perdue », a-t-elle dit à Mills. "Je vous ai tous quittés pendant un moment et je me suis dit:" Pourquoi est-ce ma chanson préférée? ""

L'artiste pop Meghan Trainor a créé un single inattendu lorsqu'elle a fait un mashup de chanson de sa chanson «All About That Bass» chantée sur l'air de la chanson de Billie Eilish «Bad Guy».

Pour référence, voici l'original "All About That Bass".

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=7PCkvCPvDXk (/ intégré)

Et voici "Bad Guy" de Billie Eilish.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=DyDfgMOUjCI (/ intégré)

h / t: (BuzzFeed, Mashable)

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Un artiste japonais transforme des roches ordinaires en animaux très réalistes

Art rupestre de l'artiste de pierre Akie

L'artiste japonais Akie Nakata, qui passe simplement par Akie, a une façon unique de regarder le monde. Alors que beaucoup passeraient simplement sur un rocher ou une pierre, Akie est en mesure de voir leur potentiel. Au cours des neuf dernières années, elle a pris des pierres ordinaires et les a transformées en quelque chose de magique en utilisant de la peinture. Sous son œil vigilant, ces rochers deviennent des animaux très réalistes qui tiennent dans la paume de votre main.

En utilisant uniquement de la gouache acrylique – pas de stylo – et en travaillant avec de minuscules pinceaux, Akie redonne vie à chaque animal. En réalité, le processus créatif commence à partir du moment où elle repère un rocher. Sa forme naturelle aide à inspirer quel animal il deviendra. "Les pierres ont leurs propres intentions, et je considère mes rencontres avec elles comme des indices pour aller de l'avant et peindre ce que je vois sur elles", a-t-elle partagé avec My Modern Met.

Des chiens câlins aux chats curieux en passant par les grenouilles, les oiseaux et les souris, aucun animal qu’Akie ne peut faire apparaître comme par magie devant nos yeux. Son talent lui a valu un énorme succès sur Instagram et Facebook, où les pierres qu'elle met à disposition pour l'achat sont généralement récupérées rapidement.

À l'occasion, Akie publiera également avant et après des photographies de son art rupestre. Vu côte à côte, le travail d'Akie est encore plus impressionnant. Les marques naturelles peuvent devenir des yeux et un bord pointu peut se transformer en nez – avec Akie, tout est possible. Pour l'artiste, il s'agit de donner vie à l'animal et d'espérer que son futur propriétaire l'appréciera autant qu'elle.

L'artiste japonaise Akie est connue pour ses incroyables animaux de roche, qu'elle crée à l'aide de gouache acrylique.

Beagle Rock AnimalOiseau Peint Rock AnimalPorc-épic peint en pierreAkie Stone Artist Rock PeintureArt rupestre animalPierre peinte pour ressembler à un phoqueRocher peint pour ressembler à un chatPierre peinte pour ressembler à un chienPierre peinte comme une souris

Ces photos avant et après des pierres montrent à quel point les transformations sont vraiment impressionnantes.

La roche peinte avant et l'artArtiste de pierre AkieArt rupestre de l'artiste de pierre AkieArt rupestre de l'artiste de pierre AkieAkie Stone Artist Work in ProgressAkie Stone Artist Work in Progress

«Pour moi, terminer un travail n'est pas une question de détails, mais de savoir si je ressens la vie dans la pierre.»

Raton laveur peint sur un rocherAkie Stone Artist Rock PeintureAkie Stone Artist Rock PeintureAkie Stone ArtistAkie Stone Artist Painted Rock ArtArtiste de pierre AkieAnimal de roche peintPierre peinte pour ressembler à une grenouille

Akie: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Akie Nakata.

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Les gagnants du concours de photographie d'art océanique mettent en lumière la vie marine dans le monde

Lauréat du prix Greg Lecoeur de photographie sous-marine

«Phoque mangeur de crabe» par Greg Lecoeur
Best in Show, 1ère place Coldwater. Tourné dans la péninsule antarctique.

Pour la huitième année, les meilleurs photographes sous-marins du monde entier ont soumis leurs meilleurs travaux au Concours de photographie sous-marine Ocean Art. Organisé par Guide de photographie sous-marine, le concours remet plus de 85 000 $ en prix à ses gagnants et, en regardant les photos, les gains sont bien mérités.

Les 16 catégories comprenaient deux nouvelles divisions pour Préservation et Plongée Blackwater, ce qui rend le domaine du travail encore plus riche. Avec des milliers d'inscriptions de 78 pays différents, les juges ont eu la lourde tâche de sélectionner les gagnants. Pour ceux qui connaissent la photographie sous-marine, le meilleur photographe récompensé porte un nom familier: Greg Lecoeur. Le photographe français est connu pour ses images primées et son dévouement à montrer la vie dans l'océan. Pour Ocean Art, il a remporté le prix «Best in Show» pour son image saisissante d'un phoque mangeur de crabe dans les eaux froides de l'Antarctique.

Lecoeur a espéré le premier prix, mais ce concours a également mis en évidence d'autres grands photographes – un nom à surveiller est Jules Casey. Sa charmante photo de six hippocampes assis ensemble sur une herbe lui a non seulement valu le «Rising Star Photographer Award», mais elle a également été finaliste pour Best in Show. La photographe australienne est une apnéiste qui est en fait nouvelle dans la photographie fixe, car elle est récemment passée de la vidéo.

C'était une course serrée et le panel d'experts de juges avait beaucoup à accepter et à apprécier. "Je continue d’être étonné par les images magnifiques que les photographes sous-marins actuels produisent", partage Guide de photographie sous-marine éditeur Scott Gietler. "Les deux nouvelles catégories, Préservation et Eau noire, étaient de véritables catégories hors concours. En particulier le Préservation catégorie – les images gagnantes produisent une émotion puissante et influenceront une nouvelle génération de conservation des océans. »

Découvrez plus des incroyables participations gagnantes et découvrez les histoires derrière ces spectaculaires photos sous-marines ci-dessous.

Jules Casey Rising Underwater Photographer

«Seahorse Bus» de Jules Casey
Prix ​​du photographe étoile montante, meilleur finaliste, macro novice de la première place. Tourné dans la marina de Blairgowrie. Victoria, Australie.
"Je prends des vidéos de bébés hippocampes depuis environ 3 ans, mais je suis récemment passé à la photographie fixe. J'ai acheté un TG4 d'occasion au début de 2019 et j'ai passé presque tous les jours dans l'eau avec lui depuis.
Capturer 6 bébés hippocampes tous orientés dans la même direction tout en partageant un morceau d'herbe est un coup extrêmement difficile. Ces bébés tirent souvent dans des directions différentes et font face à la caméra. Je suis donc absolument ravi de pouvoir partager une fraction de seconde avant que cette scène ne change radicalement.
Under Blairgowrie Marina est devenue une pépinière populaire pour la naissance de ces bébés hippocampes à tête courte et aussi des hippocampes à gros ventre. J'ai vu jusqu'à 20 bébés partager la même mauvaise herbe. Vous avez seulement une courte fenêtre d'opportunité pour capturer cela parce que leur taux de survie est si bas. "

Portrait de deux poissons gobies au citron

«Lemon Goby» de Stan Chen
1ère place en macro compacte. Tourné à Lembeh, en Indonésie.
«Ces parents de Lemon Goby ont pondu leurs œufs sur un fragment de verre qui a attiré mon attention. J'ai décidé de prendre une photo pour l'enregistrer, car elle montrait comment le poisson peut coexister avec les déchets humains. Les parents de Lemon Goby étaient très timides et ils continuaient de se déplacer. Alors j'ai retenu ma respiration avec précaution et j'ai attendu environ 40 minutes et finalement, les parents gobies se sont rassemblés et ont protégé leurs œufs. J'ai immédiatement pris la photo et pris cette photo unique. Ce fut un moment inoubliable pour moi de voir à quel point les parents gobies sont capables d'utiliser les déchets humains pour leurs œufs à couver. Et la vie continue… »

Close Up Portrait d'un nudibranche

«Friandises de la rivière Mooloolah» par Jenny Stock
1ère place à Nudibranchs. Tourné dans le Queensland, en Australie.
«La rivière Mooloolah est un riche trésor de nudibranches. Plus de 350 espèces ont été trouvées le long des 600 mètres de la rivière. Le vrai défi est d'obtenir une photographie qui représente la forme étonnante de ces minuscules créatures. Je suis tombé amoureux du flabellina lotus en particulier. Je suis retourné à la rivière chaque week-end pendant quatre mois pour essayer d'obtenir une image où la cerata violette de la flabellina a éclaté sur un fond noir de jais. "

Photo Blackwater d'un mérou

«Mérou à bouche ouverte» par Ferenc Lorincz
1ère place dans le comportement compact. Tourné en mer Rouge, en Égypte.
«Je prenais cette photo dans une station de nettoyage. Les poissons m'ont laissé approcher car ils se concentraient sur le nettoyage des poissons. Au récif, cela a été observé sur plusieurs plongées. La station de nettoyage est une excellente scène pour le photographe sous-marin. »

Photo grand angle de Sweetlips ruban jaune

«Blur of Sweetlips» de Nicholas More.
1ère place grand angle. Tourné à Raja Ampat, Indonésie.
«Cette photographie a été prise en novembre 2019 lors de la dernière matinée d'un voyage de croisière à Raja Ampat, en Indonésie. Nous plongions sur la jetée de Saundereck lorsque je suis tombé sur cette école de Sweetlips Yellow Ribbon à environ 25 m, au-dessus d'une parcelle de coraux durs. Ce que j'ai trouvé vraiment beau sur la scène, c'est le nuage de Convict Blennies qui pullule sur le récif. Les Sweetlips de ruban (Plectorhinchus polytaenia) sont des chasseurs nocturnes mais pendant la journée ils forment des bancs denses sur les récifs de Raja Ampat, à l'abri du courant fort. Capturer ce comportement scolaire classique était au sommet de ma liste de photos. Pour permettre aux sweetlips d'être le centre d'attention, j'ai utilisé une vitesse d'obturation lente et un panoramique accéléré pour brouiller l'arrière-plan. Cet effet contribue également à renforcer l'unité de l'école en mouvement collectif, dans le même sens. »

Tortue tuée après avoir été empêtrée dans du plastique

«Victime» de Shane Gross
1ère place en conservation. Tourné à Eleuthera, Bahamas.
«Mon copain de plongée est venu vers moi en larmes en parlant d'une pauvre tortue qui était déjà morte depuis longtemps, emmêlée dans une ligne de pêche. Elle n'a pas eu le temps de retirer la ligne alors elle m'a dit où elle était et je suis retournée. Je ne voulais pas que des charognards soient aussi empêtrés. J'ai pris mon appareil photo car des images comme celle-ci peuvent devenir des avertissements pour l'avenir. Nous ne voulons pas que d'autres tortues ou créatures soient condamnées au même sort malheureux: noyées et gaspillées grâce à notre négligence. "

Supermacro Photo of Clownfish Eggs

«Oeufs de poisson clown» par Paolo Isgro.
1ère place à Supermacro. Tourné à Tulamben, en Indonésie.
«Mon ami et maître de division Ajiex Dharma à Tulamben a pu trouver ces œufs de poisson-clown et m'aider pendant le tournage en maintenant le snoot dans la bonne position. J'ai utilisé un objectif de 24 mm et un adaptateur de bague inversée électronique + une bague d'extension de 40 mm pour obtenir un excellent grossissement. 5 mm remplit le côté long du cadre – cela signifie un grossissement optique 4,5X sur mon capteur Canon 7D recadré. »

Prix ​​de la photographie sous-marine 2019

«Regarde-moi» de Davide Lombroso
2e place dans Portrait. Tourné à Saline Joniche, Italie.
"Lors d'une fantastique plongée de nuit, nous avons eu la possibilité de rencontrer ce merveilleux poisson alors que pendant la nuit, il est assez facile de se rapprocher de plus en plus."

Ocean Art Contest - Photographie sous-marine

«Blanket Octopus» de Paolo Bausani
2e place à Blackwater. Tourné à Anilao, Philippines.
«Cette image représente une pieuvre de couverture (Tremoctopus spp.) Photographiée lors d'une plongée nocturne en eaux vives à Anilao (Philippines); les pieuvres de couverture sont très difficiles à trouver et assez difficiles à trouver; Lorsqu'elle est menacée, la pieuvre de couverture étend ses rideaux charnus pour ressembler à une icône disco. »

Rayons de fouet rose à cheval sur le dos d'un rayon aux petits yeux

«Une promenade amicale» par Paula Vianna
1ère place dans le comportement de la vie marine. Tourné dans le Queensland, en Australie.
«Des rayons de fouet roses attrapent un tour sur un rayon aux petits yeux. La théorie est qu'en faisant cela, ils recherchent une protection contre les prédateurs, économisent de l'énergie et obtiennent également des restes du gros rayon. Ce comportement rare a été capturé sur l'épave du SS Yongala, sur la Grande Barrière de corail au large d'Ayr, dans le Queensland, en Australie, et a été enregistré sur le même site de plongée pendant environ une décennie, avec différents rayons individuels aux petits yeux… à travers les générations? "

Paysage sous-marin

«Mangrove Soft Coral» par Nicholas Plus
2e place dans Reefscapes. Tourné à Raja Ampat, Indonésie.
«Nous faisions de la plongée avec tuba dans les mangroves Bluewater autour des îles Nampele, Misool, Raja Ampat, Papouasie occidentale, Indonésie. Nous avons trouvé des coraux mous rouges (Dendronephthya sp.) Poussant attachés aux racines des mangroves rouges (Rhizophora mangle) sous le couvert de la forêt de mangroves. Ces coraux mous ont fait un beau sujet sur un fond joli et insolite. Heureusement, les crocodiles d'eau salée résidents n'ont pas fait leur apparition !! »

Portrait macro d'un hippocampe

«Radiographie» de Stephano Cerbai
Macro de la 1ère place. Tourné à Puerto Galera, Philippines.
«Cette photo a été prise à Puerto Galera, aux Philippines. Pendant une plongée de jour, j'ai vu cet hippocampe, et j'ai décidé de mettre le flash derrière lui avec le "Snoot", créant un rétro-éclairage. "

Photographie sous-marine grand angle

«Blended» par Talia Greis
1ère place en Compact Grand Angle. Tourné à Sydney, en Australie.
«Je n'avais jamais vu ni même entendu parler de ce magnifique roi du camouflage avant de tirer, car c'est une observation rare qui nécessite un équilibre égal de chance et de persévérance. Le poisson à mauvaises herbes à huppe jaune se trouve profondément dans les jardins de varech de Shelly Beach, et est si semblable en apparence à son environnement, que d'en trouver un nécessite une enquête active. Ses mouvements se balancent comme les algues dans lesquelles il s’enterre, sa couleur presque identique, ce qui en fait le maître ultime du déguisement. La seule façon de saisir ce moment était de rester en arrière, de rester immobile et d'attendre le moment parfait où il a décidé de faire surface et d'analyser ma présence. »

École de Sardines sous l'eau

«L'Arche bleue» de George Kuo-Wei Kao
2e place en grand angle novice. Tourné à Cebu, aux Philippines.
«Une seule sardine est petite, mais une école de sardines est formidable – surtout lorsque l'eau est claire et bleue. Pour trouver les bonnes conditions océaniques, nous avons interrogé plusieurs magasins de plongée et leur avons demandé s'ils pouvaient fournir une plongée tôt le matin. L'après-midi, plongée dans une mer de merde de sardines qui peut beaucoup diminuer la visibilité. C'était notre meilleur coup lors de 3 plongées sur le même site. »

Photographie sous-marine primée

«Se cacher dans les fleurs» de Leon Zhao
2e place à Supermacro. Tourné à Bali, en Indonésie.
«Les coccinelles sont l'un de mes super objets macro préférés. ils sont minuscules, beaux et sensibles. La plupart des coccinelles vivent dans des gorgones ou des coraux mous. Donc, dans cette photo, j'ai fait de mon mieux pour essayer de montrer la relation entre la coccinelle et ses environs. Heureusement, lorsque j'ai pris cette image, le site de plongée a un faible courant et le corail mou a ouvert ses tentacules, ce qui a rendu la photo plus intéressante. »

Concours de guide de photographie sous-marine

«Poilu au lever du soleil» par Enrico Somogyi
2e place en art sous-marin.

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14 musées de Paris mettent 100 000 œuvres d'art en ligne à télécharger gratuitement

Image haute résolution de la toile Monet

Claude Monet (1840-1926). «Coucher de soleil à Lavacourt». Huile sur toile. 1880. Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Petit Palais.

Le début d'une nouvelle décennie a également apporté une nouvelle vague d'art entrant dans le domaine public. Et en France, un collectif de 14 musées commence cette année en plaçant plus de 100 000 œuvres d'art sur son portail en ligne, toutes téléchargeables et utilisables à votre guise. Paris Musées, qui gère les 14 musées de la Ville de Paris, utilise les dernières technologies pour numériser son travail, garantissant une imagerie de haute qualité.

Donc, si vous êtes un amoureux de Rembrandt, Cézanne ou Monet, préparez-vous à commencer la recherche. Ces grands peintres font partie des artistes dont le travail est disponible via le portail. En plus de pouvoir télécharger une numérisation haute résolution à 300 DPI d'une œuvre d'art, la collection en ligne comprend des informations de base sur la pièce, ainsi que des instructions sur le fonctionnement de la licence du domaine public.

Alors que la collection en ligne contient plus de 350 000 des 1 million de pièces conservées aux Musées de Paris, il existe un système de filtrage facile pour rechercher uniquement des images libres de droits. Et, bien sûr, vous pouvez parcourir par artiste, date, matériau et lieu, ainsi que par couleur. En vous inscrivant, vous pourrez également annoter vos recherches et démarrer votre propre collection de favoris. Si vous ne savez pas par où commencer, Paris Musées a réuni plusieurs collections thématiques. Les sujets incluent les caricatures de Victor Hugo, la mode et le sport féminins, les ateliers d'artistes et Paris pendant la révolution.

De nouveaux travaux sont continuellement ajoutés au portail, alors assurez-vous de vérifier et de voir quels trésors des musées de la ville de Paris sont disponibles en ligne.

Paris Musées a publié plus de 100 000 œuvres d'art dans le domaine public.

Paul Cezanne dans le domaine public

Paul Cézanne (1839-1906). «Ambroise Vollard», 1899. Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Petit Palais.

Gustave Courbet Portrait de Jules Valles

Gustave Courbet (1819-1877), «Jules Vallès (1832-1885), écrivain», Huile sur toile. Paris, Musée Carnavalet.

Victor Hugo Dessin à la plume et à l'encre

Victor Hugo. «Le burg dans la tempête.» Stylo, pinceau, utilisation de barbes en plumes, encre brune et lavis, fusain, reflets en gouache blanche, réserves, utilisation d'un pochoir sur papier beige. 1857. Paris, Maison de Victor Hugo.

Ils sont tous disponibles en téléchargement gratuit en haute résolution en ligne.

Art du domaine public des musées de Paris

Eugène Delacroix (1798-1863). «Le combat de Giaour et Pacha» Huile sur toile, 1835. Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Petit Palais.

Autoportrait de Rembrandt

Rembrandt Van Rijn (1606-1669). «Rembrandt avec un sabre enflammé, 1634». Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Petit Palais.

Honoré Daumier Caricature

Honoré Daumier (1808-1879). «Physionomies ferroviaires, numéro 10 – invasion des wagons un jour où vous partez d'un train amusant pour cinq francs de Paris à la mer». Gravure. Paris, musée Carnavalet.

Collection Paris Musées Online: Site Internet
h / t: (Colossal)

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Des publications virales affirment que les wombats font paître des animaux dans leurs terriers pendant les feux de brousse en Australie

Wombat Australia Bushfires

Photos de Marco Tomasini / Shutterstock

Alors que les feux de brousse en Australie font rage, l'une des principales préoccupations est de savoir comment les animaux sauvages sont affectés par cette catastrophe environnementale. Avec environ un demi-milliard de créatures blessées ou mortes par les flammes, les gens du monde entier recherchent des lueurs d'espoir pour eux. Malheureusement, toutes les bonnes nouvelles que vous lisez ne sont pas vraies. Une série de publications virales sur les réseaux sociaux sur les wombats en est un excellent exemple. Certains tweets affirment que les wombats partagent non seulement leurs terriers avec d'autres animaux, mais qu'ils conduisent activement d'autres espèces dans leurs abris. Si cela ressemble à quelque chose d'un conte de fées, c'est très probablement – la vérité est un peu plus compliquée.

L'une des raisons pour lesquelles l'idée de berger est probablement fausse est due à la vision des wombats. Ils sont très myopes et se concentrent principalement sur ce qui est devant eux et sur ce qui est important (nourriture), donc ils ne conduiraient probablement pas d'autres animaux dans leurs terriers. Mais, ils sont toujours capables d'un comportement extraordinaire. Jackie French, auteur et directrice de la Fondation Wombat, a une histoire anecdotique d'un wombat qui s'est liée d'amitié avec elle et lui a montré un buisson. "Mais il n'était pas berger – il a juste attendu, regardant autour de moi pour voir si je suivais", a-t-elle expliqué à IFLScience.

Une autre raison pour laquelle les tweets sont probablement inexacts est que les terriers de wombat ne sont pas un secret pour les autres créatures. "Il est peu probable qu'un élevage soit nécessaire", a déclaré French. "(D'autres animaux) sauraient que les gargouilles existaient et sont suffisamment intelligentes pour chercher refuge."

Les terriers de Wombat sont plus complexes que vous ne le pensez. Avec de multiples passages et entrées, ils peuvent s'étendre sur des centaines de mètres et les warrens sont suffisamment profonds dans le sol et bien ventilés pour être protégés des flammes. Les terriers sont si grands qu’il n’est pas inhabituel, en des temps plus paisibles, que d’autres espèces y soient et ne se croisent jamais avec les wombats. (C'est une bonne chose, car les wombats peuvent être «acerbes» envers les autres.) Avec ces conditions environnementales extrêmes, cependant, il est possible que les wombats soient plus tolérants à l'égard d'autres espèces partageant leur espace même si elles les voient sous terre. Mais le berger? Probablement pas.

Les publications sur les médias sociaux affirment que les wombats font paître d'autres espèces dans leurs profonds terriers souterrains pendant les feux de brousse australiens.

Bien que cela semble doux, les affirmations sont fausses. Le comportement des wombats n'inclut pas d'amener d'autres animaux dans leurs gares. Les créatures savent que les terriers existent et s'y rendent par leurs propres moyens sans jamais rencontrer les wombats.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=yCusHZ-FhXs (/ intégré)

Dans ces conditions environnementales extrêmes, il est possible que les wombats partagent sciemment leurs terriers avec d'autres espèces, mais il est très peu probable qu'ils élèvent d'autres animaux.

h / t: (IFL Science!)

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10 cadeaux créatifs pour les mordus d'histoire dans votre vie

Cadeaux pour les mordus d'histoire

Que ce soit la Grèce antique, la Renaissance italienne ou le début du 20e siècle, vous connaissez probablement un passionné d'histoire passionné par le passé. Si tel est le cas, il n'y a pas de meilleure façon de montrer combien vous vous souciez qu'en soutenant leurs intérêts. Heureusement – si vous ne savez pas par où commencer – My Modern Met Store a rassemblé une collection unique de cadeaux pour les passionnés d'histoire de votre vie.

Certains de nos cadeaux préférés pour les mordus d'histoire sont idéaux pour ceux qui ont une séquence artistique. Pour les conservateurs et les concepteurs, le coffret cadeau Chaussettes d'artistes offre un éventail fantastique de style créatif. Il comprend quatre paires de chaussettes d'inspiration artiste, dont Andy Sock-Hole, Feetasso, Frida Callus, et Vincent van Toe. Avec cet ensemble, ils peuvent changer leur style en fonction de leur humeur.

Alternativement, si vous connaissez un historien passionné d’architecture, les modèles en papier Frank Lloyd Wright leur permettent de recréer 14 des structures les plus célèbres de l’artiste, comme le Guggenheim Museum de New York, dans l’art délicat de kirigami.

Si la personne que vous magasinez passe beaucoup de temps à travailler à son bureau, pensez à regarder quelques accessoires de bureau astucieux pour embellir son espace de travail. La figurine d'action Leonardo da Vinci capture l'essence du célèbre polymathe sous une forme adorable de cinq pouces de hauteur. La figurine est livrée avec une barbe, des cheveux et des sourcils brillants dans le noir, ainsi qu'un chapeau amovible. Ce jouet est même livré avec 5 chefs-d'œuvre miniatures et un chevalet d'affichage pour transformer n'importe quel espace de bureau en galerie d'art.

Faites défiler vers le bas pour voir certains de nos cadeaux préférés pour les mordus d'histoire, et rendez-vous sur My Modern Met Store pour voir toute la collection.

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Les artistes et leurs chats

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Un artiste crée des sculptures étonnantes avec des textures faites à la main imitant la vie aquatique

Lisa Stevens Aquatic Sculptures

L'artiste Lisa Stevens crée de superbes sculptures en céramique qui imitent des motifs organiques trouvés dans la nature. Ses petites pièces décoratives sont composées de dizaines d'encoches et de crêtes réalisées sans aucun timbre. Au lieu de cela, Stevens utilise une variété de petits outils pour obtenir la structure nette de ses créations.

Basée à Bristol, Stevens a travaillé comme sculpteur pour Aardman Animations avant de commencer sa pratique de l'art céramique. Maintenant, l'artiste britannique s'inspire des récifs coralliens, des fleurs, de la géologie, de la mousse et du lichen pour fabriquer ses figures – qui varient énormément en couleur et en design. Certains de ses bols sont peints dans des émaux en grès ou en verre fondu, tandis que d'autres pièces sont laissées en porcelaine blanche. De plus, Stevens utilise souvent de l'argile de porcelaine à feu élevé, ce qui rend les sculptures élaborées légèrement translucides lorsqu'elles sont tenues à la lumière.

Parmi ses œuvres, il y a des bols en forme de coquillage avec différentes configurations de fleurs et de formes aquatiques peintes dans des verts et des oranges vibrants. Stevens produit également des pièces plus sculpturales basées sur des organes comme le cœur et les poumons, qu'elle remplit de minuscules trous et d'écoutilles. Dans sa déclaration d'artiste, Stevens dit qu'elle «espère mettre en évidence les problèmes que l'activité humaine a sur l'environnement. En particulier, comment de petites différences dans chacun de nos comportements peuvent s'additionner pour faire une grande différence. »

Les sculptures en céramique de Stevens sont disponibles à l'achat dans sa boutique Etsy. Vous pouvez également vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste en la suivant sur Instagram.

L'artiste britannique Lisa Stevens crée des sculptures en céramique complexes inspirées de motifs aquatiques et géologiques.

Lisa Stevens Aquatic Sculptures

Ces petites œuvres décoratives sont réalisées sans tampons. Au lieu de cela, Stevens atteint les détails nets grâce à l'utilisation de ses propres outils.

Céramique aquatique par Lisa StevensLisa Stevens Aquatic SculpturesLisa Stevens Aquatic SculpturesSculpture en céramique aquatiqueCéramique fraîcheCéramique fraîcheCéramique aquatique par Lisa StevensLisa Stevens Aquatic SculpturesCéramique aquatique par Lisa StevensBelles céramiques

Et une fois ses créations peintes, on leur donne une toute nouvelle vie.

Sculpture en céramique peinteCéramique aquatique par Lisa StevensLisa Stevens Aquatic SculpturesLisa Stevens Aquatic SculpturesSculpture en céramique peinteLisa Stevens: Etsy | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Lisa Stevens.

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My Modern Met recherche des écrivains contributeurs

Un regard sur le monde magique du photographe emblématique Rodney Smith

Un regard sur le monde magique du photographe emblématique Rodney Smith

Si vous êtes un fan de My Modern Met et que vous souhaitez passer d'un lecteur occasionnel à un contributeur réel, devinez quoi, vous avez de la chance. Nous embauchons maintenant! C'est une période passionnante pour nous ici alors que nous continuons à développer nos activités.

Nous recherchons des candidats qui connaissent le Web, aiment tout ce qui est créatif et veulent partager leur passion avec le monde. Vous aurez non seulement l'occasion de perfectionner vos compétences en rédaction, mais vous aurez également la possibilité d'aider à bâtir une entreprise de médias numériques dynamique qui se donne pour priorité de rester au fait de ce qui est nouveau et passionnant. Surtout, nous recherchons des personnes passionnées et motivées qui veulent faire partie de quelque chose de plus grand.

Qualifications nécessaires:
Excellentes compétences en rédaction
Compréhension des médias sociaux: Facebook, Twitter, etc.
Expérience de blogage / écriture précédente
Passion pour l'art, le design, la photographie
Apprenant rapide

Tâches quotidiennes et hebdomadaires:
Aider les rédacteurs à rédiger des articles
Contactez des artistes, designers et photographes pour des interviews
Aide à gérer les comptes de médias sociaux et d'autres tâches

Avantages:
Vous aurez un horaire très flexible – vous pouvez travailler de n'importe où
Vous allez créer un grand portefeuille d'articles publiés couvrant un large éventail de sujets

Nos écrivains commencent à travailler 2 à 3 heures par jour pendant cinq jours par semaine (augmentation de l'heure à partir de là) et acquerront des connaissances de première main sur le travail avec un site Web d'art et de culture haut de gamme. Les écrivains seront payés à l'heure (avec une marge de croissance).

Voici comment vous pouvez postuler:
Envoyez votre curriculum vitae à (protégé par e-mail).
Dans l'e-mail, veuillez nous donner un bref aperçu de vous-même et répondre à ces deux questions:
1. Pourquoi voulez-vous devenir écrivain chez My Modern Met?
2. Quels autres blogs / sites Web visitez-vous quotidiennement ou hebdomadairement?

Si possible, veuillez nous envoyer des liens vers votre blog / site Web.

Notez s'il vous plaît:
Nous acceptons les candidatures internationales. Nous n'acceptons pas les candidats qui possèdent déjà un emploi à temps plein.
Les candidatures seront reçues jusqu'au mardi 21 janvier 2020 à 23h59 pst.

Merci et bonne chance!

Eugene Kim
Co-fondateur et rédacteur en chef

Interview: L'artiste marche dans la neige toute la journée pour créer des motifs géométriques géants à pied

Land Art dans la neige par Simon Beck

Passionné de plein air et cartographe, Simon Beck a littéralement tracé sa propre voie dans le monde de l'art. Depuis plus d'une décennie, il est un artiste de la neige qui parcourt des terrains de la taille d'un ballon de football et crée des motifs géométriques saisissants dans la poudre intacte. Les cercles et les triangles en forme de mandala se déroulent lentement à chaque pas – sa version d'un coup de pinceau sur une toile blanche. Le design entier n'est révélé que vu de loin, le soleil projetant une ombre sur tous les mouvements méticuleux qu'il vient de faire.

L'art éphémère de la neige de Beck est un exercice du corps et de l'esprit. Cela commence par une planification minutieuse; il tracera un dessin sur papier en utilisant un millimètre comme échelle pour un pas au sol. Une fois la conception finalisée, Beck attrape ses raquettes, un bâton de ski et d'autres outils pour se lancer dans la longue tâche de parcourir son croquis. Une journée de travail peut représenter 12 heures de marche pénible dans la neige, mais les résultats de ses efforts sont impressionnants. Il n'est pas étonnant que Beck parcourt le monde pour créer son art sur des lieux allant des paysages de montagnes désolés aux stades sportifs dans des villes enneigées comme Minneapolis.

Nous avons parlé à Beck de sa pratique artistique, y compris de la logistique de son travail et de ce qui se passe s'il fait une erreur sur le terrain. Faites défiler vers le bas pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Land Art dans la neige par Simon BeckQu'est-ce qui vous a inspiré pour devenir un artiste de la neige?

C'est arrivé plus ou moins par hasard. J'ai fait quelques dessins pour le plaisir, mais sans appareil photo numérique et sans accès à Internet, ce n'est que pendant un moment que je me suis rendu compte que personne d'autre ne faisait quelque chose de similaire, et cela n'avait apparemment pas été fait auparavant. En 2009, j'ai pris la décision de le prendre au sérieux et d'en faire ma principale forme d'exercice hivernal (en remplacement de l'entraînement pour la course d'orientation compétitive), et de donner la priorité au tirage sur neige par rapport au ski lorsque les conditions étaient bonnes.

Snow Art par Simon BeckSnow Art par Simon BeckCombien de temps vous faut-il pour planifier les conceptions?

La plupart des modèles sont des variantes de modèles réalisés auparavant, mais lorsque cela est nécessaire, je l'imprime sur une feuille A4. Si un millimètre équivaut à un rythme, un dessin circulaire qui s’adapte judicieusement sur une feuille A4 représente environ une journée de travail.

Quels outils utilisez-vous dans leur création?

Les outils sont une corde et une ancre (pour faire des cercles précis), des raquettes et un bâton de ski pour traverser un espace et mesurer un espace uniforme entre les rayures lors de l'ombrage rayé. D'autres outils sont des marqueurs pour les points clés de la conception.

Comment le bâton de ski vous aide-t-il dans votre travail?

Garder un écart constant entre les rayures lors de l'ombrage des rayures et pour faciliter la marche lorsque la neige est profonde.

Comment votre carrière de cartographe vous a-t-elle aidé à devenir un artiste de la neige?

Précision dans l'utilisation d'une boussole magnétique et détermination de la distance par comptage d'allure. Et l'habitude de passer de nombreuses heures à marcher.

Land Art par Simon BeckSnow Art par Simon BeckUne fois que vous avez défini un design, combien de temps faut-il pour le recréer à l'extérieur?

À titre indicatif, une zone d'un terrain de football prend quatre heures. J'essaie de créer un design en une journée ou de laisser le design incomplet dans un état symétrique, de sorte que les photos du design inachevé semblent bonnes. Dans des conditions faciles, je peux travailler environ 12 heures avant de devenir trop fatigué.

Créez-vous votre art de la neige d'un seul coup ou faites-vous des pauses?

J'essaie de travailler sans arrêt, en mangeant un peu à la fois, car on a froid quand on ne bouge pas, puis il devient nécessaire de mettre des vêtements et de les retirer quand on se réchauffe, et il semble plus difficile de recommencer après un repos , donc je garde les parties détaillées du dessin qui sont faites plus lentement car quand je mange, le bord fractal du dessin est une bonne partie à créer lorsque je mange.

Snow Art par Simon BeckQue se passe-t-il si vous faites une erreur dans votre conception?

Lorsqu'une erreur est commise, le remède habituel consiste à modifier la conception. Parfois, on accepte simplement qu'il y a une mauvaise ligne. Théoriquement, il serait facile de tricher et de modifier les photos (coller quelque chose sur la ligne qui ne va pas). Il est important de procéder de manière à éviter que de petites erreurs s’additionnent en une quantité notable.

Êtes-vous déjà tombé ou quelque chose comme ça?

Il est inhabituel de tomber. Si cela se produit, ce serait à cause du sol difficile et il y aura probablement d'autres irrégularités qui transparaîtront dans le résultat, donc l'éclaboussure dans la neige où l'on est tombé ne serait pas si évidente.

Dessins dans la neige par Simon BeckSnow Art par Simon BeckEn fin de compte, votre œuvre d'art est impermanente. Que pensez-vous du fait qu'il sera lavé ou emporté?

La clé est d'obtenir les photos, et la raison habituelle de l'échec pour obtenir les photos est les nuages. Les dessins fonctionnent à cause de l'ombre dans les empreintes. Donc, aucun soleil n'est égal à aucun résultat, ou mauvais, et le dessin devrait très probablement être refait quelque temps.

Bien sûr, l'impermanence signifie qu'il est impossible pour un professionnel de venir prendre des photos et de les vendre, donc les gens doivent aller chez moi pour obtenir leurs photos de moi. (Si on le prenait vraiment au sérieux, on détruirait le dessin après avoir ses propres photos. Je ne ferais pas ça, mais peut-être que si quelqu'un essayait de voler mon travail en prenant ses propres photos et en faisant de l'argent de mes efforts, alors je envisagerait de le faire.)

Land Art par Simon Beck Snow Art par Simon Beck

Simon Beck: Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Simon Beck.

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15 des plus grands peintres de tous les temps dont les influences se perpétuent aujourd'hui

Qui sont les plus grands peintres de tous les temps?

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Quand nous pensons au «plus grand» de tous les temps, qu'est-ce que cela signifie vraiment? Qu'est-ce qui vaut à quelqu'un ce titre? Est-ce du pur génie et de l'innovation? Travail acharné et persévérance? Dans l'histoire de l'art, il y a beaucoup de peintres incroyables. Mais il y en a qui se tiennent juste un cheveu au-dessus des autres et ont créé un héritage durable qui perdure bien au-delà de leur vie.

Alors, qui sont les plus grands peintres de tous les temps? Non seulement ils sont techniquement qualifiés, mais ces artistes ont tous apporté des contributions importantes qui ont changé la culture occidentale. Beaucoup de ces artistes étaient considérés comme avant-gardistes parce qu'ils repoussaient les limites et faisaient des innovations surprenantes. La plupart étaient déjà considérés comme des génies au cours de leur vie et ont connu un succès sans précédent, tandis que d'autres n'ont été reconnus qu'après leur mort.

Pour être considéré comme l'un des plus grands peintres de tous les temps, il faut posséder une combinaison spéciale de compétences techniques, de pensée créative extravagante et de détermination. Mélangés ensemble, tous ces attributs produisent des œuvres de génie exceptionnelles qui continuent de vibrer, quelques centaines d'années après leur création initiale.

Nous avons dressé notre liste des 15 plus grands peintres de tous les temps, en tenant compte de tous ces facteurs. Bien que vous puissiez avoir quelques noms que vous aimeriez voir sur cette liste, il ne fait aucun doute que les artistes sélectionnés ont eu un impact indélébile sur l'art et la culture tels que nous les connaissons.

15 plus grands peintres de tous les temps

Léonard de Vinci

Portraits célèbres de l'histoire de l'art Qui est Mona Lisa

Leonardo da Vinci, «Mona Lisa», ca. 1503-1516 (Photo: Galerie de tableaux en très haute définition via Wikimedia Commons)

Non seulement Léonard de Vinci expérimenter avec des médiums, mais il a également innové différentes façons de créer des compositions frappantes. En fait, sa composition triangulaire signature est toujours utilisée aujourd'hui et est largement considérée comme l'une des mises en page de peinture les plus visuellement agréables. Il a également été un des premiers défenseurs de l'étude des modèles anatomiques pour perfectionner son art, ce qui était illégal à l'époque.

Meilleurs endroits pour voir da Vinci:

Louvre (Acheter des billets)
Santa Maria delle Grazie (Acheter des billets)
National Gallery, Londres (visite guidée du livre)

Michel-Ange

Michel-Ange Chapelle Sixtine Plafond Chapelle Sixtine Peinture Chapelle Sixtine Vatican

Michel-Ange, «La création d'Adam», v. 1511 (Photo: domaine public via Wikimedia Commons)

Tandis que Michel-Ange peut-être considéré comme un sculpteur, son placement sur cette liste montre son vrai génie. Bien que relativement peu de peintures de Michel-Ange survivent, celles qui le font sont considérées comme parmi les meilleures au monde. Sa capacité à maîtriser rapidement la peinture de fresque et à l'amener vers de nouveaux sommets est évidente à la fois dans le plafond de la chapelle Sixtine et Le jugement dernier, qui continuent d'inspirer les artistes aujourd'hui.

Les meilleurs endroits pour voir Michel-Ange:

Musées du Vatican (Acheter des billets)
Uffizi Galleries (Acheter des billets)

Artemisia Gentileschi

Judith terrassant Holopherne

Artemisia Gentileschi, «Judith Slaying Holofernes», 1614-1620 (Photo: domaine public via Wikimedia Commons)

Cette centrale électrique de la peinture baroque est également l'une des premières femmes artistes à connaître un grand succès. Au cours du XVIIe siècle, Artemisia Gentileschi a créé des peintures dynamiques et explosives qui présentent sa marque de fabrique clair-obscur et des couleurs riches. Bien que son art ait parfois été éclipsé par son homologue baroque Caravaggio, au fil du temps, son incroyable talent et son rôle de pionnière ont été appréciés.

Les meilleurs endroits pour voir Artemisia Gentileschi:

Uffizi Galleries (Acheter des billets)
Palais Pitti (Acheter des billets)
Musée Capodimonte (Acheter des billets)

Rembrandt

Rembrandt Paintings Dutch Golden Age Old Masters

Rembrandt, «La leçon d'anatomie du Dr Nicolaes Tulp», 1632 (Photo: catalogue en ligne Mauritshuis via Wikimedia Commons)

Rembrandt van Rijn est si célèbre que même aujourd'hui, nous appelons ce maître néerlandais par son prénom. Peignant tout, des scènes de genre aux paysages en passant par les grandes peintures historiques et mythologiques, Rembrandt a été la force dominante de l'art néerlandais pendant une grande partie du XVIIe siècle. Son utilisation magistrale de la lumière, ainsi que son approche raffinée et expressive de la peinture ont fait de lui un favori parmi les amateurs d'art à ce jour.

Meilleurs endroits pour voir Rembrandt:

Rijksmuseum (Acheter des billets)
Metropolitan Museum of Art (Acheter des billets)
National Gallery, Londres (visite guidée du livre)

JMW Turner

Pêcheurs en mer - JMW Turner

JMW Turner, «« Pêcheurs en mer », 1796 (Photo: domaine public via WikiArt)

Peintre romantique britannique JMW Turner est connu comme un précurseur de l'art moderne. Issu de la peinture néo-classique traditionnelle, Turner a commencé à rechercher le réalisme dans son travail, ce qui était inconnu à l'époque. À travers des milliers d'aquarelles et de peintures à l'huile, il a expérimenté la lumière, la couleur et le pinceau. Il a même travaillé ses peintures à l'huile à l'extérieur, ce qui allait plus tard influencer les impressionnistes.

Les meilleurs endroits pour voir Turner:

Tate Britain (Visite)
Yale Center for British Art (Visite)
Musée Fitzwilliam (Visite)

Vincent Van Gogh

Lieux de peinture de Van Gogh

Vincent van Gogh, «Nuit étoilée», 1889 (Photo: domaine public via Wikimedia Commons)

Bien qu'il soit considéré aujourd'hui comme l'un des peintres les plus influents de l'art occidental, Vincent Van Gogh n'a pas connu de succès commercial de son vivant. Depuis le début du XXe siècle, cependant, ses peintures magistrales sont appréciées pour leur émotion expressive. Remplie de coups de pinceau dramatiques et de couleurs vives, l’œuvre du peintre post-impressionniste est une feuille de route vers l’art moderne.

Les meilleurs endroits pour voir Van Gogh:

Musée Van Gogh (Acheter des billets)
Musée d'Art Moderne (MoMA) (Acheter des billets)
Musée d’Orsay (Acheter des billets)

Paul Cézanne

Paul Cezanne Peintures Paul Cezanne Nature morte Qui est Cézanne

Paul Cézanne, «Mont Sainte-Victoire», v. 1895 (Photo: domaine public via Wiki Art)

Peintre postimpressionniste de premier plan Paul Cézanne a hérité d'un héritage durable grâce à son approche innovante de la perspective, sa palette de couleurs vives et son utilisation des coups de pinceau. En fait, sa préférence pour la décomposition des formes et l'utilisation de tons gras l'a souvent amené à être considéré comme un précurseur du cubisme.

Les meilleurs endroits à visiter Cézanne:

Musée d’Orsay (Acheter des billets)
Musée d'Art Moderne (MoMA) (Acheter des billets)
Musée de l'Ermitage (Acheter des billets)

Claude Monet

Art Institute of Chicago Museum Art Institute of Chicago Artwork Art Institute of Chicago Ressources gratuites

Claude Monet, «Nénuphars», 1906 (Photo: domaine pubien via Art Institute of Chicago)

De la sortie de son chevalet du studio et dans l'environnement à ses études historiques sur le temps et la lumière, Claude Monet est peut-être le plus aimé de tous les peintres impressionnistes. En fait, sa peinture Impression, Sunrise est crédité du lancement de l'ensemble du mouvement artistique.

Meilleurs endroits pour voir Monet:

Musée d’Orsay (Acheter des billets)
Museum of Fine Arts, Boston (Acheter des billets)
Musée de l'Orangerie (Acheter des billets)

Mary Cassatt

Mary Cassatt mère et enfant

Mary Cassatt «Le bain de l'enfant», 1893. (Domaine public via Wikipedia)

En tant que membre du groupe impressionniste, Mary Cassatt a joué un rôle important dans la formation de l’héritage du mouvement. L'artiste américaine a franchi les frontières avec ses coups de pinceau lâches et ses couleurs lumineuses et est bien connue pour sa concentration sur les mères et les enfants comme sujets. Ses représentations intimes montrant même les moments les plus ordinaires de la maternité étaient révolutionnaires à l'époque et avaient contribué à forger son héritage.

Meilleurs endroits pour voir Mary Cassatt:

Art Institute of Chicago (Acheter des billets)
National Gallery of Art, Washington D.C. (Visite)
Brooklyn Museum (Acheter des billets)

Tamara de Lempicka

Lempicka, Tamara de (1898-1980) - 1925 Autoportrait en Bugatti verte (Collection privée)

Artiste polonais Tamara de Lempicka était une superstar du début du 20e siècle. En côtoyant l'avant-garde parisienne, elle s'est détournée de l'impressionnisme – le style populaire de l'époque – et s'est attachée à tracer sa propre voie. La qualité graphique de son travail et leurs couleurs riches et vives en ont fait un leader de la peinture Art Déco. Aujourd'hui, son travail continue d'être une source d'inspiration pour les designers et est emblématique de cet âge d'or.

Meilleurs endroits pour voir Tamara de Lempicka:

Musée des Beaux-Arts de Nantes (Acheter des billets)
Metropolitan Museum of Art (Acheter des billets)
Musée national des femmes dans les arts (Acheter des billets)

Pablo Picasso

Peinture Picasso Les Demoiselles D'Avignon

Pablo Picasso, «Les Demoiselles d’Avignon», 1907. (Photo: MoMA via Wikimedia Commons Fair Use)

Dans une vaste carrière qui évolue à travers plusieurs styles, Pablo Picasso est sans aucun doute l'un des noms les plus reconnus de l'art occidental. Son rôle dans le lancement du cubisme suffirait à cimenter son statut dans les livres d'histoire, mais Picasso a fait beaucoup plus. Il est reconnu pour avoir montré comment l'art classique peut être maîtrisé, puis manipulé, pour devenir quelque chose de nouveau, de frais et de moderne.

Les meilleurs endroits pour voir Picasso:

Museu Picasso (Acheter des billets)
Musée Reina Sofia (Acheter des billets)
Musée d'Art Moderne (MoMA) (Acheter des billets)

Frida Kahlo

AU PAYS DES MERVEILLES: Femmes artistes surréalistes

Sa série d’autoportraits très intime et son adhésion à son héritage culturel ne sont que quelques-unes des Frida Kahlo l'un des plus grands peintres du XXe siècle. Aujourd'hui, elle est devenue une icône de la culture pop, mais cela ne devrait pas éclipser sa grande compétence en tant que peintre et ses innovations pour faire connaître la culture mexicaine à un public plus large. Ses autoportraits profondément personnels indiquent également une nouvelle direction pour les artistes modernes, où l'art était d'exprimer une émotion intérieure plutôt que d'essayer de plaire à un collectionneur ou à un mécène.

Les meilleurs endroits pour voir Frida Kahlo:

La Casa Azul (Visite)
Musée d'Art Moderne (MoMA) (Acheter des billets)
Museo de Arte Moderno (Visite)

Georgia O’Keeffe

Artiste pionnier Georgia O’Keeffe a réussi à renverser un type de peinture standard sur sa tête avec sa vision créative. Alors que la peinture florale est une tradition de longue date, personne ne l’a jamais fait comme O’Keeffe. Non seulement elle a été l'une des premières artistes américaines à créer des dessins abstraits, mais les représentations agrandies de fleurs sont restées uniques à travers l'histoire. Attirée par le sud-ouest américain, l'oeuvre explosive d'O’Keeffe a aidé à attirer l'attention sur une nouvelle partie du pays à une époque où l'art moderne était concentré à New York.

Meilleurs endroits pour voir la Géorgie O’Keeffe:

Art Institute of Chicago (Acheter des billets)
National Gallery of Art, Washington D.C. (Visite)
Musée Georgia O’Keeffe (Acheter des billets)

Jackson Pollock

Jackson Pollock

Peintre américain Jackson Pollock est surtout connu pour sa technique de peinture innovante. En faisant couler de la peinture sur la toile, l'expressionniste abstrait a créé des œuvres d'art dynamiques et abstraites qui ont révolutionné la scène artistique. Pollock a utilisé la force de tout son corps pour éclabousser et verser de la peinture sur ses toiles, bouleversant les notions traditionnelles de la façon dont les peintres devaient fonctionner.

Meilleurs endroits pour voir Pollock:

Musée Solomon R. Guggenheim (Acheter des billets)
Collection Peggy Guggenheim (Acheter des billets)
Tate Modern (Visite)

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Comment 25 artistes utilisent leur art pour exprimer leur tristesse face aux feux de brousse australiens

Les gens du monde entier sont sous le choc et attristés par la nouvelle des feux de brousse en Australie. Les flammes rugissent depuis des mois et les effets sont dévastateurs. Actuellement, les incendies ont emporté plus de 18 millions d'acres de terres, déplacé des milliers de personnes (et dans certains cas, causé leur mort) et blessé ou tué des millions et des millions d'animaux sauvages. Et il n'y a malheureusement pas encore de signe d'arrêt des incendies (bien que de fortes pluies pourraient bientôt apporter un certain soulagement).

Pour de nombreuses personnes, les mots ne parviennent pas à exprimer de manière adéquate leur bouleversement face aux feux de brousse et ce que cela signifie pour l'Australie. Les artistes utilisent plutôt des images pour transmettre leurs émotions et la douleur de leur cœur pour les personnes et les créatures touchées par cette catastrophe environnementale. La réponse visuelle écrasante comprend des compositions vêtues de rouges, jaunes et oranges avec des koalas et des kangourous qui se battent pour leur vie alors qu'ils regardent leurs maisons détruites. Chaque image communique une tristesse intense pour le pays et un puissant rappel pour soutenir les efforts de secours locaux.

Les gens expriment leur tristesse pour le peuple et les animaux d'Australie avec un art hommage poignant.

Avez-vous les moyens d'aider? Voici quelques organisations qui ont besoin de dons:

Service d'incendie rural de la Nouvelle-Galles du Sud – Il s'agit du plus grand service de pompiers volontaires au monde qui aide à combattre et à contenir les feux de brousse.

Croix-Rouge australienne – La Croix-Rouge australienne est sur le terrain pour aider les communautés touchées par les incendies de nombreuses manières, notamment une assistance en espèces d'urgence, des premiers soins psychologiques et un soutien aux personnes dans les centres d'évacuation.

Appel du feu de brousse victorien – L'appel victorien Bushfire aide les communautés qui ont été blessées par les feux de brousse. Ils fournissent une aide financière et donnent 100% des fonds aux communautés dans le besoin.

Zoos Victoria – Zoos Victoria a créé un Bushfire Emergency Wildlife Fund pour les aider à se préparer aux conséquences des incendies. Ils utiliseront l'argent récolté pour financer les soins vétérinaires d'urgence ainsi que pour aider les animaux dont l'habitat a été détruit.

Hôpital Port Macquarie Koala – À la suite des incendies de brousse dans la région de Port Macquarie, l'hôpital de Port Macquarie Koala a recherché des koalas et les a amenés pour aider à panser leurs brûlures et les réhydrater. Ils ont également installé des bornes-fontaines dans les zones incendiées. Leur collecte de fonds a été au-delà du succès et ils prévoient d'étendre et de démarrer un programme d'élevage de koala sauvage.

RSPCA Nouvelle-Galles du Sud – La RSPCA dispose d'équipes de secours sur le terrain pour aider les personnes qui se trouvent dans les centres d'évacuation à garder leurs animaux de compagnie et leur bétail à l'abri des incendies.

FILS – Cet organisme de bienfaisance sauve et prend en charge autant d'animaux indigènes malades, blessés et orphelins que possible. En faisant un don à leur organisation, vous pouvez les aider dans leurs efforts actuels ainsi que dans le futur lorsqu'ils soutiendront la faune survivante après la fin des incendies.

GIVIT – GIVIT aide à soutenir les personnes dans le besoin. Ils ont la possibilité de faire don des articles demandés ou de l'argent utilisé pour acheter des articles essentiels.

Suivant: Plus d'art de l'Australie Bushfire Tribute

L'artiste utilise sa propre cuisse comme toile pour de superbes dessins à l'encre

Art corporel de Randa Haddadin

Dernièrement, les plateformes de médias sociaux comme Instagram et Pinterest ont été inondées d'une renaissance de l'art du tatouage unique. Aujourd'hui, de nombreux jeunes aiment s'exprimer en ajoutant de l'art à leur propre peau, même sous une forme temporaire. C'est le cas de l'artiste Randa Haddadin, qui a amené son style de peinture romantique sur une toile réutilisable – son corps.

Basé à Dubaï, l'art de Haddadin explore les émotions, les gens et la danse. Récemment, l'artiste a transféré sa technique expressive dans une série d'illustrations d'art corporel. «Cela a commencé il y a quelques années comme un geste spontané sans trop réfléchir ni beaucoup de préparation – où tout ce dont vous avez besoin est un stylo et, bien, une jambe ou un bras ou un dos», explique Haddadin. «Une toile avec autant de possibilités temporaires. Un moment qui n'est pas censé durer, mais gardé en mémoire. »Heureusement, chaque dessin que Haddadin fait sur ses jambes ou ses bras est documenté sur son Instagram avant qu'il ne disparaisse. Parmi ses œuvres figurent des portraits, des figures dansantes, de l'architecture et des motifs botaniques.

«C’est un processus thérapeutique pour moi, où je n’ai pas à me soucier du résultat final: le conserver, le conserver ou le vendre. Au lieu de cela, je peux me concentrer sur le processus de création et d'apprécier les traits spontanés. Le confort de sa temporalité me donne plus de place pour être plus courageux avec mes lignes, contrairement à un tatouage permanent ou à une peinture à l'huile scellée », explique Haddadin.

Vous pouvez suivre Haddadin sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations en art corporel.

L'artiste Randa Haddadin dessine des illustrations spectaculaires sur ses propres cuisses.

Art corporel de Randa Haddadin

Son art corporel célèbre le processus créatif, car chaque œuvre n'est que temporaire.

Art corporel de Randa Haddadin

Avant que les illustrations de Haddadin «ne disparaissent», elle les documente sur son compte Instagram, pour lequel elle a acquis une large audience.

Art corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinArt corporel de Randa HaddadinRanda Haddadin: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Randa Haddadin.

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Des avions larguent 2 000 livres de carottes pour aider à nourrir des animaux affamés en Australie

Ce n'est un secret pour personne que les feux de brousse qui font rage en Australie ont été dévastateurs pour tous les horizons. Près de 30 personnes ont perdu la vie et plusieurs milliers de maisons ont été détruites. Mais personne n'a plus ressenti la chaleur de ces incendies que les animaux qui prospèrent dans la nature. Les hôpitaux pour animaux à travers le pays regorgent d'animaux sauvages qui ont été blessés par les incendies, et de nombreuses espèces ont dû migrer vers de nouvelles terres alors que leurs habitats étaient détruits.

Afin de faciliter la transition pour les animaux qui ont survécu, mais se retrouvent maintenant sans leurs sources de nourriture habituelles, le gouvernement de la Nouvelle-Galles du Sud (NSW) est devenu créatif. L'opération Rock Wallaby est une mission visant à assurer la survie d'une espèce vulnérable. En larguant plus de 2 000 livres de nourriture – principalement des carottes et des patates douces – les autorités espèrent donner aux wallabies à queue de balai suffisamment de nutrition pour traverser cette période de transition.

Le ministre de l'Énergie et de l'Environnement de la Nouvelle-Galles du Sud, Matt Kean, a été affectation à propos de l'opération Rock Wallaby et a expliqué le processus de réflexion derrière la mission. «La fourniture de nourriture supplémentaire est l'une des stratégies clés que nous déployons pour promouvoir la survie et le rétablissement d'espèces menacées comme le wall-rockaby à queue de brosse. Les évaluations initiales des incendies indiquent que l'habitat de plusieurs populations importantes de wallaby rock-tailed a été brûlé lors des récents feux de brousse. Les wallabies survivent généralement au feu lui-même, mais sont ensuite bloqués avec une nourriture naturelle limitée alors que le feu enlève la végétation autour de leur habitat rocheux. »

Cette situation désastreuse a conduit à la chute de nourriture la plus répandue du rock-wallaby que le gouvernement de la Nouvelle-Galles du Sud ait jamais réalisée. Ces petits marsupiaux vivent sur des tas de roches et des falaises et ont dû faire face à des difficultés avant même les incendies. En tant que l'une des 15 espèces de wallaby en Australie, elles étaient déjà menacées en Nouvelle-Galles du Sud. En fait, les wallabies, en général, sont sur le déclin, car la plupart des espèces indigènes ont disparu. Cela rend l'opération Rock Wallaby encore plus vitale.

Pour mettre les choses en perspective, le Fonds mondial pour la nature estime que 1,25 milliard d'animaux ont été tués dans les feux de brousse. Cela inclut non seulement ceux qui ont péri dans les flammes, mais aussi les animaux qui ont été blessés ou ont vu leur maison détruite.

Comment pouvez-vous aider ces animaux dans le besoin?

  • La famille Irwin organise plusieurs collectes de fonds dans son hôpital vétérinaire, qui soigne des milliers de victimes d'incendie.
  • Le WWF Australie prend également des dons pour aider les animaux blessés et se préparer à la restauration de l'habitat une fois les incendies éteints.
  • La RSPCA en Nouvelle-Galles du Sud a également été occupée sur le terrain à aider à garder les animaux domestiques et le bétail en sécurité lorsque les gens doivent évacuer.
  • WIRES est une organisation qui œuvre pour conserver et réhabiliter la faune australienne. Rien qu'en décembre, ils ont reçu plus de 20 000 appels à l'aide et envoyé des volontaires pour plus de 3 300 sauvetages.
Opération Rock Wallaby - NSW Australie

Photo: Office de l'environnement et du patrimoine de la Nouvelle-Galles du Sud

h / t: (CNN)

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Un homme surprend sa petite amie avec une proposition de mariage en l'animant dans un film Disney

Le cinéaste Lee Loechler a placé la barre très haut pour les propositions de mariage. L’homme créatif a récemment posé la question à son amoureux du lycée Sthuthi en les animant tous les deux dans le film classique de Disney de 1959, La belle au bois dormant. Dans la proposition étonnante, Sthuthi a été choisi comme Princesse Aurora et Loechler comme Prince Phillip. Au cours de la scène charnière dans laquelle le prince réveille Aurora, les portraits de Loechler et Sthuthi sont apparus. L'animation mettait également en vedette Loechler / Phillip présentant Sthuthi / Aurora avec une bague. Si ce n’était pas assez impressionnant, l’anneau a alors «magiquement» éclaté de l’écran et atterri dans la main de Loechler. Il a demandé à Sthuthi de l'épouser car ils étaient entourés de leur famille et de leurs amis dans le public.

Loechler a eu l'idée d'une telle proposition pendant des années – avant même que les choses ne deviennent sérieuses avec Sthuthi. Quand il a commencé à penser au mariage, il pensait que le concept était toujours bon. Il y avait cependant un inconvénient. En apprenant que son film préféré était La belle au bois dormant, il savait qu'il n'avait aucune expérience de la modification d'une animation. Mais il a regardé à nouveau le film et a remarqué qu'il y avait peu d'action pendant la scène de l'éveil et a décidé d'y aller quand même. Il a demandé l'aide de l'illustratrice Kayla Coombs, et pendant six mois, ils ont travaillé pour rendre l'animation parfaite. Cela incluait même une «fin alternative» si elle disait non – heureusement, Sthuthi était choquée et ravie et a immédiatement donné un oui retentissant.

Regardez l'incroyable proposition Disney ci-dessous. Loechler a tout compris sur des caméras cachées, et vous pouvez voir les réactions de Sthuthi au film et sa surprise quand elle a réalisé que ce n'était pas une projection animée ordinaire. Ça va vous réchauffer le cœur!

Le cinéaste Lee Loechler a planifié une proposition de mariage épique Disney en demandant à l'illustratrice Kayla Coombs de l'animer, lui et sa petite amie Sthuthi, La belle au bois dormant.

Proposition de mariage Disney

Sthuthi a été totalement surprise lorsqu'elle s'est vue à l'écran…

Proposition de mariage Disney

… Et a appris que Loechler proposait!

Proposition de mariage DisneyProposition de mariage Disney

Regardez l'intégralité de la proposition ci-dessous:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=I1TZWzf3Fqk (/ intégré)

Lee Loechler: Site Web | YouTube | Instagram
Kayla Coombs: Site Web | Instagram | Facebook
h / t: (BuzzFeed)

Toutes les images via YouTube, sauf indication contraire.

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Patsy the Wonderdog de Australian Bushfire

Lorsque la tragédie frappe, les communautés se ressaisissent et c'est exactement ce qui s'est passé à travers l'Australie en raison des feux de brousse dévastateurs. Parmi les plus grands héros, en particulier en ce qui concerne la protection et le sauvetage des animaux, se trouvent des chiens de travail incroyables. Maintenant, une nouvelle histoire émerge à propos de Patsy, un mélange de border collie et de kelpie âgé de 6 ans qui était essentiel pour aider à sauver la ferme et le bétail de son propriétaire.

Les collègues sont connus pour leur incroyable dynamisme et leur éthique de travail, qui sont mis à profit en cette période d'urgence de dévastation. Tout comme Bear (un autre mélange de border collie qui a aidé à mettre les koalas en sécurité), Patsy a éloigné un grand troupeau de moutons d'une zone de danger d'incendie. Selon Cath Hill, dont le frère Stephen est le propriétaire de Patsy, ce chien courageux est resté en arrière avec son propriétaire afin de s'assurer que leur ferme et leur grand troupeau de bétail étaient protégés face à l'incendie.

Pour sa part, Hill et sa famille ont été forcées d’évacuer juste avant le réveillon du Nouvel An, lorsque des incendies ont frappé leur ferme de l’autre côté de la vallée dans la ville de Corryong. Le frère de Hill a été épargné à cette occasion, mais tout changement des conditions météorologiques aurait pu provoquer des braises pour déclencher des incendies à proximité. Et sur de nombreuses photos publiées sur Instagram de Patsy, il est clair que les flammes ne sont pas si loin.

Heureusement pour le frère de Hill, Patsy était à ses côtés tout le temps. "Pour Patsy, curieusement, les incendies ne font pas vraiment de différence !!! Elle est un border collie / kelpie cross, donc c'est un chien de travail de bout en bout », partage Hill. «Ces chiens sont élevés depuis des générations pour développer leur capacité à travailler avec des moutons et des bovins dans des fermes, et ce sont des animaux très intelligents et résistants. Ils adorent travailler, c'est juste ce pour quoi ils sont élevés et ils peuvent être très concentrés et déterminés sur le tas! Alors, quand mon frère a eu besoin de Patsy pour aider à mettre les moutons en sécurité, c'est exactement ce qu'elle a fait. Elle a juste continué son travail et l'a fait, quelles que soient les conditions. Cool, calme et recueilli. "

Un chien sauve une ferme lors d'un feu de brousse en Australie

Alors que son propriétaire gardait à distance les flammes qui rampaient près de la propriété avec un tracteur équipé d'un réservoir d'eau, Patsy se mit au travail. Elle a rassemblé le troupeau de 900 moutons de la ferme et les a conduits en toute sécurité dans un enclos éloigné du feu. Travaillant en équipe, le duo dynamique a réussi à sauver tous les animaux sauf une poignée, ainsi que tous les bâtiments de la propriété, à l'exception de quelques abris.

"J'aurais été empaillé sans Patsy", a déclaré le propriétaire de Patsy, Stephen Hill, à SBS News. "Elle a obtenu des privilèges de siège avant pour le reste de sa vie."

Si quelqu'un doutait de l'intelligence de ces animaux, l'effort intrépide de Patsy changera d'avis. Hill espère qu'en diffusant l'histoire de Patsy au public, plus de gens seront encouragés à aider là où ils le peuvent. Il est un phare positif à une époque où, pour beaucoup, il n'y a pas grand-chose à célébrer.

Si vous voulez aider ceux qui sont touchés par les incendies de forêt en Australie, vous pouvez faire beaucoup de choses même à distance. Cela comprend le don direct aux travailleurs de première ligne comme le New South Wales Rural Fire Service. En tant que plus grand service de pompiers volontaires au monde, ils ont travaillé dur pour assurer la sécurité des gens. Country Fire Service recueille des dons pour soutenir les pompiers volontaires qui ont été blessés ou ont perdu la vie en luttant contre les incendies.

L'Armée du Salut et la Banque Bendigo ont uni leurs forces pour créer l'appel victorien Bushfire. Ce fonds fournira une aide financière aux communautés touchées par les incendies de forêt. Si vous souhaitez faire un don à un organisme de bienfaisance local dans la région de Patsy, Stephen Hill recommande un GoFundMe lancé par un café à Corryong ou un don à BlazeAid, qui aide les familles des communautés rurales à se remettre sur pied.

Border collie et kelpie mix Patsy a courageusement aidé à mener ce troupeau de 900 moutons en sécurité pendant les feux de brousse en Australie.

Des moutons sauvés des feux de brousse australiens

Patsy, 6 ans, surnommée le «Wonderdog», reçoit des éloges après tout son travail acharné.

Patsy le Wonderdog: Instagram
h / t: (Banda Panda, SBS)

Toutes les images via Patsy le Wonderdog.

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6 faits incroyables sur les peintures rupestres préhistoriques d'Altamira

Peintures rupestres préhistoriques à Altamira

Photo: Stock Photos de EQRoy / Shutterstock

Quand nous pensons à ce que la vie a dû être à l'époque préhistorique, nous ne laissons pas souvent beaucoup d'espace pour considérer l'art que ces gens ont pu laisser. En réalité, il y a même 30 000 ans, des populations produisaient ce qui était – à l'époque – des œuvres d'art sophistiquées comme moyen d'expression. Rien ne l'illustre mieux que les peintures rupestres d'Altamira.

Située près de Santillana del Mar en Cantabrie, en Espagne, la grotte d'Altamira est un trésor d'informations sur la vie au Paléolithique. Des outils en pierre rudimentaires aux sculptures en os, il existe de nombreux artefacts qui donnent un aperçu de la vie quotidienne pendant l'âge de pierre. Mais, surtout, ce site du patrimoine mondial de l'UNESCO est connu pour son énorme collection de peintures rupestres.

Découvertes seulement au 19e siècle (parce que l'entrée était couverte lors d'une chute de pierre), les peintures bien conservées ont révolutionné notre façon de penser l'art préhistorique. Ces représentations incroyables d'animaux, de mains et de symboles abstraits restent essentielles pour démontrer à quel point certaines cultures sont devenues sophistiquées pendant la période paléolithique.

Votre curiosité est-elle piquée? Lisez la suite pour découvrir 6 faits incroyables sur les peintures rupestres révolutionnaires d'Altamira.

1880 Reproduction de peintures rupestres d'Altamira

Grande salle d'Altamira. Reproduction polychrome de la publication de 1880 de M. Sanz de Sautuola. (Photo: domaine public via Wikipedia

Les observations d'une jeune fille ont contribué à leur découverte.

Les grottes ont été découvertes pour la première fois en 1868 par un chasseur local nommé Modest Cubillas. Il a dit au propriétaire de la grotte, le noble Marcelino Sanz de Sautola, ce qu'il avait trouvé, mais Sanza de Sautola n'a pas fait son chemin vers les grottes jusqu'en 1876. Une fois là-bas, il n'a pas été impressionné par ce qu'il a perçu comme des symboles insensés . Mais, après un voyage à l'Exposition universelle de 1878 à Paris, où il a vu des morceaux de spéléologie similaires à ce qu'il avait vu dans la grotte, il s'est rendu compte que c'était quelque chose de spécial.

Cela l'a amené à s'associer avec Juan Vilanova y Piera, un archéologue de l'Université de Madrid, pour commencer des fouilles en 1879. Au début, ils ont commencé à déterrer des ossements d'animaux et de petits outils. C’est en fait Maria, la fille de 8 ans de Sanza de Sautola, qui l’a accompagné un jour dans les grottes, qui a remarqué pour la première fois des peintures de bisons dans l’une des chambres.

Les résultats des fouilles ont été publiés en 1880 mais nous avons été rejetés par la plupart des savants, qui ont pris les peintures pour des contrefaçons modernes. Ce n'est qu'au tournant du XXe siècle, lorsque d'autres peintures similaires ont été trouvées dans la région, qu'elles ont été reconnues comme les véritables œuvres d'art que nous connaissons aujourd'hui.

Peintures négatives à la main à Altamira

Photo: Stock Photos de EQRoy / Shutterstock

Les peintures rupestres d'Altamira ont été créées au cours de 20 000 ans.

Nous savons que la grotte a été habitée pendant des millénaires au Paléolithique, mais les scientifiques s'efforcent toujours de réduire la durée exacte de la création des peintures de la grotte d'Altamira.

Sur la base de la datation de différents objets trouvés dans les grottes, les archéologues sont certains qu'il y avait deux cultures principales qui utilisaient l'emplacement: le Solutréen (il y a environ 21 000 à 17 000 ans) et le Magdalénien (environ 11 000 à 17 000 ans). Ces populations symbolisent l'apogée de la culture pendant la période du Paléolithique supérieur et étaient connues pour leur fabrication d'outils et leur talent artistique. Ils seraient responsables de la majorité des tableaux d'Altamira.

En utilisant la datation uranium-thorium, les chercheurs ont découvert en 2008 que les peintures elles-mêmes avaient probablement été créées sur une période de 20 000 ans. Une étude ultérieure en 2012 a confirmé qu'il y avait au moins 10 000 ans entre les différentes peintures dans les grottes.

Reproduction de la grotte d'Altamira

Réplique de la grotte d'Altamira au Musée national et Centre de recherche d'Altamira. (Photo: Stock Photos de EQRoy / Shutterstock)

Les artistes avaient des locaux exigus pour exécuter leurs peintures.

La grotte d'Altamira mesure 971 pieds de long, et alors que les humains n'habitaient que la chambre d'entrée, il y a des peintures trouvées sur toute la longueur de la grotte. Les artistes n'ont eu aucun problème à passer en revue d'autres peintures antérieures et la grotte est donc devenue un palimpseste de l'art.

La plupart de ce qui est connu pour Altamira est peint sur le toit, ce qui est étonnant quand on considère que la chambre où se trouvent la plupart des peintures a une hauteur variable de 3,8 pieds à 8,7 pieds. Cela signifiait que la plupart des artistes devaient s'accroupir pendant qu'ils travaillaient.

Le travail dans cette chambre est une combinaison de gravure et de peinture. La plupart des personnages ont d'abord été gravés dans la pierre avec des outils, puis peints dans des tons noirs, rouges et violets. En tant que peintures les plus réalistes et sophistiquées, celles-ci ont été créées par la culture magdalénienne ultérieure.

Grand Cerf Altamira Cave Painting

Photo: Photos de Jesus de Fuensanta / Shutterstock

Les animaux sont un sujet dominant dans les peintures rupestres.

Avec une période de production aussi longue, il n'est pas surprenant que les peintures rupestres soient assez variées. Les peintures les plus célèbres de la grotte sont probablement les 25 peintures colorées de bisons, de cerfs et de chevaux gravées puis peintes sur le toit de la grotte. Impressionnant, une femelle chevreuil mesure plus de 6,5 pieds. En termes de matériau, le charbon de bois a été utilisé pour faire des lignes noires, alors qu'ils ont broyé de l'hématite pour créer l'ocre rouge utilisée pour remplir les formes.

Les peintures plus anciennes dans les grottes incluent des images positives et négatives de mains, de nombreuses représentations de cerfs et des «masques» créés en dessinant stratégiquement des yeux et une bouche autour de bosses dans la pierre. En fait, cette technique a été utilisée tout au long de l'histoire des peintures rupestres d'Altamira, car la qualité tridimensionnelle des roches a été utilisée pour donner du volume aux figures.

Bison à Altamira

Photo: Musée national et Centre de recherche d'Altamira. Domaine public via WikiCommons

Altamira montre un pas en avant important dans l'histoire de l'art.

Altamira est indispensable pour en savoir plus sur la vie quotidienne au Paléolithique. En termes d'histoire de l'art, les peintures rupestres exécutées à la fin de la culture magdalénienne, qui incluent le bison et le cerf, sont d'une importance vitale. Ils font preuve d'un réalisme et d'une sophistication sans précédent pour l'époque. En fait, le meilleur exemple d'art du Magdalénien se trouve à Altamira.

Bien que les peintures individuelles n'aient pas nécessairement de relation ou de lien de composition entre elles, il y a une sophistication dans la façon dont le volume, les expressions et la perspective ont été montrées qui en font le point culminant de l'art préhistorique.

Bison de charbon de bois dans les grottes d'Altamira

Photo: Photos de Jesus de Fuensanta / Shutterstock

Les peintures peuvent avoir été utilisées dans des rituels religieux.

Alors que les chercheurs ne savent pas exactement pourquoi ces peintures rupestres ont été créées, leur production montre certainement que ces cultures ont eu le temps de les produire. Cela indique des cultures qui non seulement survivaient, mais prospéraient. En ce qui concerne un objectif spécifique, certains experts pensent que les peintures peuvent avoir été utilisées lors d'un rituel où un chaman entrerait dans la grotte et entrerait en transe afin d'entrer en contact avec les esprits.

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Le photographe utilise un drone pour peindre la lumière de bébé Yoda dans le ciel nocturne brillant

Baby Yoda Light Painting

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Tout le monde est captivé par Baby Yoda (alias le plus mignon Guerres des étoiles caractère jamais). Des artistes, des boulangers et maintenant des photographes ont rendu hommage à The Child par leur créativité. En utilisant une combinaison de technologie de drone et de photographie à longue exposition, Russell Klimas a fait une peinture légère d'un bébé Yoda géant sur le fond brillant du ciel nocturne.

"L'inspiration pour ce faire était simplement parce que je regardais Le Mandalorien et j'aime généralement faire du drone light painting de spectacles, de jeux vidéo ou de causes qui me passionnent », explique Klimas à My Modern Met. "Cela semblait un bon ajustement avec Baby Yoda étant si populaire!"

Le photographe a produit le light painting à l'aide d'un drone DJI Mavic auquel était attaché un stroboscope Lume Cube. Parce qu'il serait presque impossible d'esquisser Baby Yoda lorsque vous pilotez le drone à la main, Klimas a utilisé deux programmes pour tracer la trajectoire de l'appareil. L'un était Google Earth et l'autre était une application de vol appelée Litchi. Après avoir tracé une photo de Baby Yoda sur Google Earth, il a importé le chemin dans Litchi. «Il m'a fallu une heure pour le programmer», se souvient Klimas. «L'image elle-même a pris 18 minutes une fois que le drone a commencé à fonctionner.» Pendant ce temps, il a utilisé un trépied et une longue exposition pour photographier le portrait.

Bien qu'il ait travaillé à distance sur l'image, Klimas a pu dessiner la peau verte de Baby Yoda et tracer le reste de sa robe dans une couleur brun rougeâtre. «Les différentes couleurs de Baby Yoda ont été créées avec des filtres que j'ai placés sur la lumière», explique-t-il. "Une fois que j'ai fini avec une couleur, j'ai recouvert l'objectif de l'appareil photo pour qu'il puisse voler vers le bas et que je puisse changer la couleur."

Le photographe Russell Klimas a utilisé un drone pour créer une peinture lumineuse représentant l'adorable Baby Yoda.

Baby Yoda Light Painting

Il a tracé une photo de l'Enfant à l'aide de Google Earth, puis a importé le chemin dans une application appelée Litchi, qui a peint l'image dans le ciel.

Baby Yoda Light PaintingBaby Yoda Light PaintingBaby Yoda Light Painting

Une fois que le drone est parti, il lui a fallu 18 minutes pour terminer le portrait. Klimas a capturé l'image en utilisant la photographie à longue exposition

Baby Yoda Light PaintingRussell Klimas: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Russell Klimas.

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L'artiste remplit ses carnets de croquis de mondes fantastiques dans lesquels vous voudrez vivre

Renata Krawczyk Illustration

Il est facile de tomber dans le monde d'une illustration magnifiquement conçue. Parfois, plus vous regardez longtemps, plus vous remarquez de détails. Telle est la spécialité de l'artiste polonaise Renata Krawczyk, dont le talent brille dans les mondes détaillés rêveurs qu'elle dessine dans ses carnets de croquis avec ses stylos et crayons.

Basée à Lódź, Krawczyk est diplômée de l'Académie Strzemiński des Beaux-Arts avant de poursuivre sa propre pratique créative. Elle utilise une combinaison de textures comme des pointillés et des hachures pour créer des compositions parfaitement équilibrées en noir et blanc uniquement. «Quand je dessine, je commence par un tout petit point», explique Krawczyk à My Modern Met. «Puis, lentement, je le remplis de détails. Plus je crée d'éléments minuscules, plus je suis satisfait. J'adore utiliser des textures et je les réinvente souvent. Mon préféré, cependant, utilise de minuscules cercles. »

L'artiste polonais explore des thèmes du réalisme magique – qui combine une narration réaliste avec des éléments fantastiques – ainsi que des contes de fées bien connus. Parmi ses illustrations figurent des références à des personnages de Alice au pays des merveilles aussi bien que Cendrillon. Faites défiler vers le bas pour voir plus d'illustrations des carnets de croquis de Krawczyk. Pour vous tenir au courant de ses dernières créations, vous pouvez la suivre sur Instagram.

L'artiste polonaise Renata Krawczyk dessine des illustrations détaillées à la plume et à l'encre.

Renata Krawczyk Illustration

Son art explore les thèmes du réalisme magique ainsi que des contes de fées bien connus comme Alice au pays des merveilles et Cendrillon.

Illustrations de contes de fées par Renata KrawczykIllustrations de contes de fées par Renata KrawczykIllustrations de carnets de croquis d'oiseauxRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk IllustrationIllustrations de carnet de croquisRenata Krawczyk IllustrationRenata Krawczyk: Behance | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Renata Krawczyk.

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Photographie de laine d'acier avec un drone

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Le photographe allemand Frank Stelges a passé 10 ans à parcourir le monde avant de s'installer en Alaska. Une fois sur place, il a ouvert une école de photographie avec sa femme, où ils se concentrent sur la faune, la photographie de nuit et la capture des aurores boréales. Avec un groupe récent, un cas malheureux de peu d'action dans le ciel signifiait qu'il était capable d'expérimenter quelque chose de nouveau et d'inattendu. Cela a conduit à un jumelage de laine d'acier et de photographie de drone qui a fait une série d'images mémorable.

Chaque fois que Stelges a un groupe, il a toujours un plan de sauvegarde au cas où les aurores boréales ne seraient pas très visibles. Cela implique généralement de la peinture claire, car elle permet au groupe d'expérimenter les techniques qu'ils ont apprises en classe. Ce soir-là, l’ami de Stelges, le photographe Tobias Gelston, a amené de la laine d’acier et ils ont donc laissé des étincelles voler.

Après avoir étudié les photographies régulières qu’ils avaient prises, Stelges a été frappé par l’inspiration. "En les regardant, j'ai dit que cela devait probablement être plutôt cool vu du ciel – nous avons tous les deux levé les yeux et dit en même temps:" Drone !, "" partage-t-il avec My Modern Met. "J'ai donc sorti mon DJI Mavic Pro et ajusté certains paramètres, puis je l'ai essayé."

Photographie aérienne de laine d'acier par Frank Stelges

La prise de vue impromptue a donné lieu à des images mémorables, car le drone a pu capturer une perspective unique de la laine d'acier. D'en haut, la personne qui tient la laine d'acier apparaît entourée d'un halo de feu, alors que des rayons de lumière jaillissent dans toutes les directions. La haute qualité des photographies est stupéfiante, compte tenu notamment des difficultés techniques rencontrées par Stelges.

"Vous avez besoin d'une longue exposition pour capturer les étincelles volantes de la laine d'acier comme de belles lignes longues, ce qui est normalement une situation où vous utiliseriez un trépied stable pour que l'appareil photo ne bouge pas pendant le temps de votre exposition", explique Stelges . «Dans ce cas, votre appareil photo est un sujet en mouvement et volant à 60 pieds dans les airs. Il fait vraiment sombre, donc vous ne voyez pas le drone et vous n'avez aucune idée de ce qu'il fait là-haut. "

Heureusement, après deux ou trois essais, Stelges a pu ajuster les paramètres afin d'obtenir les meilleures photos possibles. Ce fut une victoire bien méritée pour le photographe, qui essaie d'enseigner à ses étudiants combien ils sont capables de faire à huis clos sans avoir à se tourner vers Photoshop. En se poussant à relever les défis de cette expérience, il espère que d'autres photographes seront encouragés à sortir et à bousculer leurs propres processus créatifs.

Après avoir passé du temps à prendre des photos de laine d'acier à partir du sol, Frank Stelges a eu une idée.

Photographie unique de laine d'acier par Frank StelgesPhotographie unique de laine d'acier par Frank StelgesPhotographie de drone en laine d'acier par Frank StelgesPhotographie de drone en laine d'acier par Frank StelgesPhotographie unique de laine d'acier par Frank StelgesPhotographie aérienne de laine d'acier par Frank Stelges

À l'aide de son DJI Mavic Pro, le photographe basé en Alaska a pris le ciel pour une vue du drone du feu et des étincelles.

Photographie de drone en laine d'acier par Frank StelgesPhotographie de drone en laine d'acier par Frank StelgesPhotographie aérienne de laine d'acier par Frank StelgesPhotographie aérienne de laine d'acier par Frank StelgesPhotographie de drone en laine d'acier par Frank StelgesPhotographie aérienne de laine d'acier par Frank Stelges

Frank Stelges: Site Web | Facebook | Instagram

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L'art radical du peintre espagnol de la Renaissance dit «El Greco»

El Greco Portrait d'un homme

El Greco, «Portrait d'homme (autoportrait présumé)», v. 1595-1600. (Photo: Metropolitan Museum of Art via Wikimedia Commons (domaine public))

Échoué entre le Renaissance tardive et l'émergence Mouvement artistique maniériste est l'oeuvre convoitée du peintre grec Doménikos Theotokópoulous (1541-1614). L'artiste, plus connu sous le nom de El Greco («Le grec»), surnom qu'il a gagné au cours de sa vie à l'étranger en Italie et en Espagne, avait un style individuel. Son travail présentait des figures allongées et des couleurs expressionnistes, inspirées de plusieurs écoles d'art actives de son vivant, dont la Post-byzantin tradition dans sa maison de Crète.

Bien que son art ait été considéré comme assez radical et hors de propos de son vivant, l'héritage d'El Greco a eu des impacts durables sur le développement des deux. Expressionniste et Cubiste mouvements artistiques. Ici, nous suivons la vie itinérante de l'artiste et comment elle a produit un art exceptionnellement unique qui a impressionné des successeurs comme Paul Cézanne et Pablo Picasso.

Jeunesse

El Greco Dormition de la Vierge

El Greco, «La dormition de la Vierge», avant 1567. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

El Greco est né le 1er octobre 1541 dans une famille aisée du Royaume de Candia– la Crète moderne – qui était une colonie de la République de Venise. On sait peu de choses sur ses premières années, sauf qu'El Greco a commencé à s'entraîner comme peintre d'icônes du style post-byzantin à un jeune âge. Au moment où il avait 22 ans, l'artiste était un Maître dans le style et l'accomplissement des commissions dans les églises orthodoxes locales.

Etudier en Italie

El Greco Adoration des Mages

El Greco, «Adoration des mages», 1568-9. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Quand El Greco avait environ 26 ans, il a quitté la Crète pour poursuivre sa carrière dans Venise. Là, le jeune artiste aurait trouvé l'apprentissage sous le vénérable maître Titien et a appris le style vénitien de la peinture axée sur les couleurs.

En 1570, El Greco a déménagé à Rome où il a cherché l'inspiration dans les œuvres de peintres maniéristes comme Parmigianino. En conséquence, El Greco a ajouté des éléments maniéristes à sa propre œuvre d'art, tels que des figures allongées et une perspective déformée.

Travailler en Espagne

El Greco peignant l'Assomption de la Vierge

El Greco, «L'Assomption de la Vierge», 1577-79. (Photo: Art Institute of Chicago via Wikimedia Commons (domaine public))

Après plusieurs années passées à Rome, El Greco a déménagé Espagne en 1577. Il s'installe dans le centre religieux de Tolède et a passé un certain temps à travailler sur des commissions pour Le roi Philippe II d'Espagne dans l'espoir de devenir peintre de cour. Cependant, le roi a rejeté la peinture stylistique d'El Greco.

En conséquence, El Greco a concentré ses efforts créatifs au sein de Tolède et a rapidement acquis une réputation respectable. Au fil du temps, il a pu mettre en place un atelier réussi avec des assistants, capable de remplir des commissions d'autel pour les églises de Tolède et ailleurs en Espagne.

Style et héritage

Bien qu'El Greco ait été exposé à plusieurs écoles d'art, il était également déterminé à tracer sa propre voie. Par conséquent, son style expressif et dramatique se démarque de ses contemporains comme très unique. Pour cette raison, de nombreux historiens hésitent à l'associer à une même école.

El Greco Peinture Vue de Tolède

El Greco, «Vue de Tolède», v. 1599-1600. (Photo: Metropolitan Museum of Art via Wikimedia Commons (domaine public))

Cezanne Peinture Mont Sainte-Victoire

Paul Cézanne, «Mont Sainte-Victoire», v. 1887. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Après sa mort en 1614, l’art d’El Greco a perdu de sa popularité. Les peintres baroques qui lui succèdent rejettent le caractère chaotique de ses tableaux. Ce n'est que dans les années 1800 que le travail d'El Greco redécouvert par des artistes comme Paul Cézanne, qui a été grandement inspiré par les arrière-plans vaguement définis d'El Greco.

De plus, Pablo Picasso a étudié l’art d’El Greco de manière approfondie pendant son Période bleue et Cubiste explorations. En fait, les historiens ont comparé la peinture d'El Greco L'ouverture du cinquième sceau au célèbre Picasso Les Demoiselles d’Avignon—En remarquant des similitudes importantes dans la composition et la forme.

Peinture El Greco La vision de Saint John

El Greco, «L'ouverture du cinquième sceau», c. 1608-14. (Photo: Metropolitan Museum of Art via Wikimedia Commons (domaine public))

Peinture Picasso Les Demoiselles D'Avignon

Pablo Picasso, «Les Demoiselles d’Avignon», 1907. (Photo: MoMA via Wikimedia Commons Fair Use)

Bien qu'il n'ait pas été pleinement accepté de son vivant, El Greco a néanmoins laissé un héritage durable sur le cours de l'art moderne. Son style libre et contre nature a jeté les bases de Expressionniste mouvements artistiques, y compris Groupe Blaue Reiter.

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Le photographe partage la transformation saisissante de ses images avant et après Photoshop

Images avant et après Photoshop

Le photographe Kevin Carden transforme des scènes autrement ordinaires de la vie quotidienne en contes extraordinaires. À l'aide de son appareil photo et de sa connaissance approfondie de Photoshop, il associe différents paramètres, textures et éléments de composition pour créer des images qui évoquent des sentiments d'émerveillement et de force. Cela témoigne de l'objectif plus large de son travail. Carden dit que ses images sont inspirées de sa foi chrétienne, et il produit ces photographies basées sur les principes trouvés dans la Bible.

Carden partage généreusement ses connaissances sur Photoshop. Sur son compte Instagram populaire, il publie régulièrement ses photos avant et après Photoshop avec des légendes détaillant comment il a composé l'image ainsi qu'un résumé du post-traitement nécessaire pour donner vie à son idée. Son site Web va encore plus en profondeur et propose des tutoriels Photoshop complets à vendre. Une fois que vous avez acheté un didacticiel, vous obtiendrez également la photographie de stock Carden utilisée afin de pouvoir recréer l'image par vous-même.

Découvrez ci-dessous quelques-uns des incroyables projets Photoshop de Carden avant et après, puis suivez-le sur Instagram pour voir plus de son travail incroyable.

Kevin Carden partage avant et après les versions Photoshop de ses images artistiques.

Art numérique par Kevin Carden

Dans chaque photographie, il prend des scènes autrement ordinaires de la vie quotidienne et les transforme en compositions fantastiques qui parlent de sa foi chrétienne.

Images avant et après PhotoshopArt numérique par Kevin Carden

Images avant et après PhotoshopArt numérique par Kevin CardenImages avant et après PhotoshopArt numérique par Kevin Carden

Kevin Carden: Site Web | Instagram | Facebook

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Un homme abandonne une carrière de 20 ans en finance pour devenir un artiste en manipulation de photos

Art numérique surréaliste par Hansruedi Hamsauer

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Lorsque Hansruedi Ramsauer a laissé une carrière de 20 ans dans la finance pour démarrer sa propre entreprise de conception de sites Web, il n'aurait jamais pu imaginer où cela le mènerait. Après avoir maîtrisé Photoshop, il a laissé sa créativité prendre le dessus et est devenu un artiste numérique réputé avec une large audience sur Instagram. De paysages urbains qui semblent arrachés Début aux compositions surréalistes mêlant l'homme et la nature, ses manipulations photographiques sont savamment mêlées et pleines de détails.

Au départ, Ramsauer s'est inspiré des images qu'il a vues sur Unsplash et Instagram. Cela a conduit à l'expérimentation et à une dépendance à la création de compositions uniques à partir des images qu'il recueille. En fait, alors qu'il a parfois une idée précise en tête et cherche des photographies pour concrétiser cette idée, le plus souvent, son imagination le conduit à un résultat différent. «J'adore regarder des photos et imaginer ce que je pourrais en faire», explique-t-il à My Modern Met.

Le travail de Ramsauer semble particulièrement motivé par deux forces contrastées: le paysage urbain et la nature. Dans certaines images, les rues animées de la ville sont tombées dans des flaques. Dans d'autres cas, un pont suspendu mène directement sur le flanc d'une montagne. Et, lorsque les humains sont présents, ils dominent le cadre ou sont éclipsés par leur environnement. Ce sont ces contrastes qui rendent ses manipulations numériques visuellement frappantes.

D'une certaine manière, l'œuvre de Ramsauer est une extension du surréalisme, où l'inconscient était responsable de la création. De même, alors que l'artiste suisse feuillette des photographies, il se laisse conduire par où sa créativité le mène, se laissant ouvert à tout résultat final. Cela rend son processus varié. Parfois, un montage peut prendre moins d'une heure et devenir son préféré. Dans d'autres cas, il peut travailler pendant des heures ou des jours et repartir avec rien – tout cela fait partie de son flux créatif.

Cette ouverture à aller là où le travail l'emmène est peut-être due à sa philosophie personnelle que la perspective est tout. «Lorsque vous avez une perspective négative sur quelque chose, vous ne pouvez probablement pas changer le« quelque chose »mais vous pouvez remettre en question votre perspective négative», dit-il à My Modern Met. «La perspective fait toujours partie du problème et fera toujours partie de la solution. C’est pourquoi j’aime jouer avec les perspectives dans mon travail. "

Si vous aimez ce que vous voyez, Ramsauer propose des imprimés, des t-shirts et bien plus encore chez Redbubble.

Hansruedi Ramsauer est un artiste numérique talentueux connu pour ses manipulations photo surréalistes.

Art numérique surréaliste par manipulation de photos par Hansruedi RamsauerArt numérique surréaliste par manipulation de photos par Hansruedi RamsauerArt numérique surréaliste par manipulation de photos par Hansruedi RamsauerArt numérique surréaliste par manipulation de photos par Hansruedi RamsauerArt numérique surréaliste par manipulation de photos par Hansruedi RamsauerArt numérique surréaliste par manipulation de photos par Hansruedi Ramsauer

Ses paysages urbains semblent être des images fixes arrachées au film Début.

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L'artiste suisse aime regarder des photos et s'inspire pour réaliser ses créations en naviguant sur le web.

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Le Studio Ghibli sonne en 2020 en annonçant qu'ils travaillent sur deux nouveaux films

Nouveaux films du Studio Ghibli

Photo: Studio Ghibli

Si vous êtes un fan de Studio Ghibli, votre 2020 est sur le point de devenir beaucoup plus lumineux. Non seulement toutes leurs animations seront diffusées au printemps de cette année, mais le studio de cinéma a annoncé qu'il travaille actuellement sur deux nouveaux films. Ils ont fait leur déclaration lors de leur déclaration annuelle du Nouvel An dans laquelle ils ont parlé de leurs récentes réalisations et ont souhaité bonne chance au peuple japonais, en particulier à ceux qui ont été touchés par les pluies torrentielles et les typhons.

Le célèbre studio d'animation a été discret sur les deux films, bien qu'ils aient divulgué des informations sur l'une de leurs prochaines sorties. Nous savons qu'il est dirigé par l'emblématique co-fondateur de Ghibli Hayao Miyazaki et a été en développement au cours des deux dernières années. (Miyazaki est sorti de sa retraite en 2016.) La fonctionnalité s'appelle Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka (Comment vivez-vous?) et c'est une histoire fantastique qui arrive à maturité qui suit Koperu, 15 ans, et son oncle.

Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka devait initialement être achevé à temps pour les Jeux olympiques d'été de 2020 à Tokyo. Mais avec une production plus lente que prévu (actuellement, le film n'est achevé qu'à environ 15%), le producteur Toshio Suzuki prévoit maintenant qu'il sortira en 2021 ou 2022. Espérons que ce sera à temps pour l'ouverture de 2022 de le parc à thème Studio Ghibli dans la ville de Nagakute!

Studio Ghibli: Site Web
h / t: (i-D)

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10 des meilleurs concours d'art à participer en 2020

Concours d'art

Photo: Khara Woods

Si vous créez un art incroyable mais que vous avez du mal à vous faire connaître, concours d'art sont une excellente occasion de publicité. Et si vous vivez le tristement célèbre mode de vie des «artistes affamés», c'est également un moyen de vous sortir de la difficulté en remportant potentiellement des prix en espèces, ce qui vous permet de gagner un coup de pouce financier supplémentaire pour vos projets créatifs de rêve. Il existe de nombreuses compétitions, des concours de peinture de renommée mondiale aux défis inspirants de l'art numérique. Avec tant de choix, nous avons créé un guide pour vous aider à décider quelles compétitions vous conviennent le mieux.

Prêt à montrer votre art au monde? Consultez notre guide des meilleurs concours d'art à participer cette année.

Concours de peinture

Concours d'art

Photo: Daian Gan

Prix ​​BP Portrait

Prix: 35 000 £ de premier prix et un fonds total de 74 000 £.
Frais d'entrée: Gratuit.
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier âgés de 18 ans et plus.
Date de clôture: 11 décembre 2019

Considéré comme le plus prestigieux concours de peinture de portraits au monde, le BP Portrait Award en est à sa 41e année. En plus de généreux prix en espèces, le concours vise à soutenir la carrière des portraitistes gagnants en leur donnant la possibilité d'exposer à la célèbre National Portrait Gallery de Londres. Les soumissions doivent être peintes à l'huile, à la détrempe ou à l'acrylique sur toile ou carton. Les œuvres sur papier ne seront pas prises en compte.

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AcrylicWorks 8

Prix: 2000 $ premier prix, 1000 $ deuxième prix.
Frais d'entrée: 35 $ ​​(30 $ avant le 31 janvier 2020).
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier travaillant l'acrylique.
Date de clôture: 28 février 2020

Pour le concours AcrylicWorks 8, les organisateurs recherchent le meilleur de la peinture acrylique sur une variété de styles et de sujets. Les gagnants seront invités à écrire sur leur peinture en relation avec le thème de cette année: Coups de génie, Splash. Cela pourrait être interprété à travers votre processus créatif ou technique, vos matériaux ou votre inspiration artistique. Les œuvres des lauréats seront présentées dans Magazine des artistes.

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Splash 21

Prix: 2000 $ premier prix, 1000 $ deuxième prix.
Frais d'entrée: 45 $ (35 $ avant le 30 décembre 2019).
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier.
Date de clôture: 15 janvier 2020

Pour le concours Splash 21, Artists Network recherche des aquarelles qui reflètent une humeur spécifique. Le thème de cette année est "The Creative Spark" et les artistes sont censés soumettre des travaux qui reflètent l'excellence et l'originalité dans la capture de ce concept. Peu importe le style ou le sujet, la capacité d'évoquer un sentiment ou une émotion est une capacité puissante qui, selon l'équipe, mérite une reconnaissance particulière. Chaque entrée doit être rendue principalement à l'aquarelle; cependant, une utilisation mineure d'autres médiums peut être acceptable. Les meilleurs gagnants et une sélection d'autres gagnants apparaîtront dans une édition spéciale de Artiste aquarelliste magazine.

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Concours d'art numérique

Concours d'art

Photo: Howard Lawrence B

Le prix Lumen pour l'art numérique

Prix: Premier prix de 4 000 $, avec un prix total de 11 000 $.
Frais d'entrée: 48 $ pour deux œuvres, 24 $ pour chaque œuvre supplémentaire.
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier.
Date de clôture: 6 mai 2020

Ce concours d'art numérique est organisé par Lumen Art Projects Ltd, une organisation à but non lucratif qui se consacre à offrir de nouvelles opportunités aux artistes numériques du monde entier. Les lignes directrices du concours sont relativement vagues – la seule exigence est que les œuvres soumises doivent en quelque sorte interagir avec la technologie. Les catégories incluent Still, Moving Image, XR, 3D / Interactive et Intelligence artificielle. Les finalistes sont également éligibles au People’s Choice Award et au Lumen Gold Award et toutes les femmes finalistes sont éligibles au Rapoport Award for Women in Art and Technology.

Les inscriptions ouvrent le 15 février 2020. En savoir plus.

Prix ​​animago

Prix: Prix ​​en espèces de 3 000 € pour la meilleure jeune production, tous les nominés ont fourni l'hébergement et les billets pour animago.
Frais d'entrée: Gratuit
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier.
Date de clôture: 31 juillet 2020

Depuis plus de 20 ans, le prestigieux concours Animago Award met en lumière des talents dans les domaines de l'animation 3D et des images fixes, des effets visuels, de la visualisation et du design. Organisé par le magazine allemand Production numérique, tous les gagnants sont annoncés lors d'un gala lors de la conférence annuelle animago à Munich, en Allemagne.

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Concours d'illustrations

Concours d'art

Photo: rawpixel

Prix ​​de l'illustration mondiale

Prix: Un prix en espèces de 2 000 £ et plus de possibilités de publicité.
Frais d'entrée: 29 £ (environ 33 $)
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier.
Date de clôture: 18 février 2020

Quiconque est passionné d'illustration a certainement entendu parler des prestigieux World Illustration Awards. Les illustrateurs sont invités à soumettre des travaux créés ou publiés depuis janvier 2018 dans 8 catégories différentes. Les gagnants gagneront non seulement un prix en espèces, mais ils recevront également une exposition mondiale inestimable, comme un package marketing dans le Directory of Illustration, un long métrage dans une grande exposition dans le centre de Londres et une invitation à la soirée de remise des prix en octobre —Un événement sur toutes les agences d'illustration et le calendrier des éditeurs! Une nouveauté pour 2020 est le prix de l'innovation, qui sera attribué à un projet présentant «une innovation et une expérimentation considérables avec la forme d'art».

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Concours annuel de la Society of Illustrators

Prix: Médailles, travail publié dans un catalogue en couleurs et affiché dans une exposition.
Frais d'entrée: 20 $ pour les membres (25 $ pour les non-membres)
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier.

Le concours annuel de la Society of Illustrators est connu comme la première vitrine pour les illustrateurs et les animateurs. Ouvert aux artistes du monde entier, le travail peut être inscrit dans l'une des six catégories: éditorial, livre, publicité, institutionnel, non commandé et design de surface / produit. Les œuvres sélectionnées seront exposées à la galerie de la Society of Illustrators à New York et imprimées en couleur dans leur catalogue annuel. Le concours annuel 2020 acceptera les inscriptions à partir de la fin de l'été / début de l'automne 2020. En plus des frais d'inscription, il y a des frais de suspension / publication de 90 $ pour les non-membres et de 80 $ pour les membres.

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Concours d'art général

Concours d'art

Photo: Pexels

Magazine des artistes Concours annuel d'art

Prix: 24 000 $ en prix en espèces et publication dans Magazine des artistes.
Frais d'entrée: Division régulière: 35 $ par image. Division étudiant / débutant: 15 $ par image.
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier travaillant dans un milieu traditionnel.
Date de clôture: 1 mai 2020.

Magazine des artistesLe Concours annuel d’art célèbre les supports artistiques 2D traditionnels tels que la peinture, le dessin, les techniques mixtes, la gravure, l’art numérique et bien plus encore. Les gagnants seront choisis parmi une variété de catégories, notamment Portrait / Figure, Nature morte, Paysage, Abstrait et Animal / Faune.

En plus de généreux prix en espèces, ce concours offre une énorme opportunité de gagner en visibilité – tous les travaux des gagnants seront présentés dans le numéro de janvier / février 2021 de Magazine des artistes.

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Prix ​​d'art de la génération future

Prix: Prix ​​en argent de 60 000 $ et investissement de 40 000 $ dans la pratique artistique du gagnant. Gagnants exposés à la Biennale de Venise.
Frais d'entrée: Gratuit
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier entre 18 et 35 ans.
Date de clôture: Mai 2020

Ce prix d'art majeur est ouvert aux jeunes artistes travaillant sur tous les supports et offre un énorme coup de pouce pour faire démarrer une carrière artistique. Créé par la Fondation Victor Pinchuk en 2009, le prix dispose d'un jury international qui sélectionne une liste restreinte de 20 artistes, qui verront leur travail exposé lors d'une exposition spéciale pendant la Biennale de Venise. Ouverture des inscriptions en février 2020.

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Le prix Sunny Art

Prix: Un fonds en espèces total de plus de 7 000 $ plus une résidence artistique d'un mois en Chine et une exposition solo à Londres.
Frais d'entrée: 25 £ pour une œuvre, jusqu'à 45 £ pour quatre œuvres.
Exigences: Ouvert aux artistes du monde entier âgés de 18 ans et plus.
Date de clôture: 30 juin 2020

L'un des concours d'art les plus inclusifs et les plus diversifiés du Royaume-Uni, le Sunny Art Prize offre une exposition unique aux artistes émergents et confirmés. Les gagnants auront la possibilité de voir leur travail présenté dans une exposition à Londres et de développer leur travail pendant une résidence d'un mois en Chine. Un prix en argent total de 6 000 £ (environ 7 600 $) sera réparti entre les trois premiers artistes gagnants.

Le concours d'art accepte les candidatures dans un large éventail de médias, notamment la peinture, le dessin, la sculpture, l'art céramique, la gravure, l'art d'installation, les techniques mixtes, l'art vidéo et la photographie.

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N'oubliez pas, la pratique rend parfait! Si vous avez hâte de partager votre art et d'obtenir des commentaires immédiats d'autres amateurs d'art, montrez votre travail dans notre club d'art, de design, de photographie et de dessin.

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De belles illustrations racontent l'histoire d'un menuisier en deuil de l'amour de sa vie

Art numérique par Tom Booth

L'illustrateur Tom Booth crée des images qui racontent des histoires. Que ce soit sous la forme d'une seule image ou à travers une série d'entre eux, ses contes excellent dans leur conception des personnages ainsi que dans leur capacité à faire en sorte que ses personnages transmettent des émotions allant de la joie à la douleur. Booth le fait à travers une gamme de médias, mais certaines de ses pièces les plus convaincantes sont réalisées avec du dessin et de la peinture numériques.

Les dernières illustrations de Booth racontent l’histoire d’un menuisier qui semble sculpter sa bien-aimée des arbres et autres morceaux de bois. Sa tristesse pour cette personne est palpable et rend les images poignantes et souvent déchirantes – même si nous ne connaissons pas encore toute l'histoire. Booth garde le silence à ce sujet car les illustrations sont encore en développement. La seule chose qu'il révèle, c'est que «c'est une histoire de perte».

Bien qu'il y ait peu de détails sur le menuisier en ce moment, Booth applique sa philosophie d'illustration globale à la série, qui se retrouve également dans d'autres parties de son portefeuille. "Je suis plus inspiré par l'illustration qui raconte une histoire à travers un design réfléchi", dit-il à My Modern Met. "Pendant la majeure partie de ma vie, j'ai poursuivi l'illustration comme un outil pour communiquer mes idées, mais plus récemment, j'ai exploré sa valeur en tant que moyen d'expression de soi, en particulier lorsqu'il s'agit de capturer l'émotion."

L'illustrateur Tom Booth crée de l'art numérique qui raconte une histoire.

Art numérique par Tom Booth

Ses dernières œuvres tournent autour d'un menuisier en perte de vitesse, et les illustrations sont poignantes et souvent déchirantes.

Illustration numérique par Tom BoothIllustration numérique par Tom BoothIllustration numérique par Tom BoothArt numérique par Tom BoothIllustration numérique par Tom BoothIllustration numérique par Tom BoothIllustration numérique par Tom BoothArt numérique par Tom BoothTom Booth: Site Web | Facebook | Instagram

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Les emplois en Finlande peuvent passer à des semaines de travail de 4 jours pour promouvoir une vie équilibrée

Sanna Marin - Premier ministre de la Finlande

Photo: Photos de Nicole Mess / Shutterstock

Qui n'a pas hâte de passer un long week-end? Et si chaque semaine de travail comprenait une pause de trois jours? Si le nouveau Premier ministre finlandais Sanna Marin réussit, le pays tout entier verra moins de temps au bureau et plus de temps à profiter des amis et de la famille.

Marin, âgée de 34 ans, est devenue la plus jeune première ministre du monde lorsqu'elle a prêté serment en décembre. Connue pour ses idées progressistes, elle a commencé à réclamer une semaine de travail plus courte – qui consisterait en des journées de 6 heures, 4 jours par semaine – lorsqu'elle était ministre des Transports et des Communications. En août 2019, elle a parlé de la nécessité de créer une vie plus équilibrée, où le temps loin du travail était tout aussi précieux que le temps passé au bureau.

«Je crois que les gens méritent de passer plus de temps avec leur famille, leurs proches, leurs passe-temps et d'autres aspects de la vie, comme la culture. Cela pourrait être la prochaine étape pour nous dans la vie professionnelle », a déclaré Marin dans un discours prononcé à l'occasion du 120e anniversaire du Parti social-démocrate.

Bien que la proposition ne soit pas actuellement à l’ordre du jour du nouveau gouvernement, et les rivaux politiques à l’époque qualifiaient l’idée d’irréaliste, ce n’est pas sans précédent. La Suède a mené un essai de deux heures de six heures de travail de deux ans, qui s'est terminé en 2017. Il a été signalé que pendant les 18 premiers mois de l'essai, les infirmières travaillant des heures plus courtes ont utilisé moins d'arrêt de travail et ont augmenté leur productivité en organisant 85% d'activités en plus. pour leurs patients.

La France a également réduit sa semaine de travail en 2000, réduisant ainsi la durée hebdomadaire de travail de 39 à 35. À l'autre bout du monde, Microsoft Japon a expérimenté une semaine de travail de quatre jours en 2019 et a constaté qu'elle augmentait la productivité de 40%.

En réalité, la Finlande elle-même est déjà habituée à des schémas de travail non conventionnels. À l'heure actuelle, le pays suit le Pacte de 1996 sur les heures de travail, qui permet à de nombreux employés de commencer ou de terminer leurs journées de travail trois heures plus tôt ou plus tard.

Le monde surveillera certainement Marin de près, alors qu'elle et une coalition de cinq partis de centre-gauche dirigée entièrement par des femmes prennent le contrôle du pays nordique. Alors qu'ils progressent dans la gouvernance de la Finlande, il sera intéressant de voir si Marin soulèvera à nouveau l'idée.

h / t: (CNBC, Nouvelle Europe)

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Illustrator imagine Baby Yoda manger toute la malbouffe que nous connaissons et aimons à Disneyland

Star Wars Baby Yoda manger une tranche de pizza

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L'illustrateur J. Shari Ewing imagine que Baby Yoda aime autant grignoter la malbouffe que vous. Dans sa série de portraits adorables, The Child aime les délices comme une tranche de pizza de sa poussette d'aéroglisseur, et il trouve sa place heureuse avec un beignet en forme de Mickey Mouse. Ewing nous rappelle également que Baby Yoda n'est qu'un jeune qui, comme beaucoup d'enfants, joue avec sa nourriture; il utilise un churro comme vous le feriez avec un sabre laser. Mais contrairement à de nombreux enfants, Baby Yoda peut utiliser The Force à son avantage, surtout quand il l'aide à grignoter un délicieux cornichon.

Ewing a commencé la série peu de temps après le spectacle Le Mandalorien est sorti, c'est là que Baby Yoda fait ses débuts inoubliables et a captivé Internet depuis. Comme The Child, Ewing aime rendre les gens heureux. «L'un des objectifs de mon art a toujours été de transmettre de la joie aux autres», explique-t-elle à My Modern Met. "Donc, quand j'ai créé le premier morceau de" Baby Yoda "en train de manger de la pizza dans son nacelle pod, c'était uniquement pour partager la joie que le personnage m'a inspirée tout en dégustant l'un de mes plats préférés."

L'œuvre initiale d'Ewing a capturé le cœur de ses disciples. «Après sa publication, un de mes abonnés m'a demandé de le dessiner avec l'un de ses aliments préférés (la barre de crème glacée de Mickey Mouse) et à partir de là, j'ai décidé de le dessiner avec non seulement mes aliments préférés du parc Disney mais aussi les aliments préférés demandés. par les gens dans les commentaires. »La série s'est depuis étendue au-delà de ses propres repas bien-aimés, et les possibilités de ce que Baby Yoda nomme ensuite sont illimitées. "Juste pour le pimenter, il va apprécier des aliments plus savoureux", révèle Ewing, "tout en connaissant certaines de ses résolutions de 2020."

Faites défiler vers le bas pour en savoir plus sur la série d'illustrations d'Ewing. Vous pouvez également acheter une sélection de ses imprimés dans sa boutique Etsy.

L'illustrateur J. Shari Ewing a créé une série de dessins de Baby Yoda qui dépeignent The Child en train de savourer de la malbouffe.

Dessin de Baby Yoda par J. Shari Ewing

Beaucoup d'images tournent autour de la nourriture que vous pouvez apprécier à Disneyland.

Baby Yoda Art par J. Shari EwingDessin de Baby Yoda par J. Shari EwingBaby Yoda Art par J. Shari EwingBaby Yoda Art par J. Shari Ewing

D'autres aliments délicieux sont plus savoureux grâce à la puissance de The Force.

Baby Yoda Art par J. Shari EwingDessins De Bébé YodaDessins De Bébé YodaDessin de Baby Yoda par J. Shari EwingDessin de Baby Yoda par J. Shari EwingBaby Yoda Art par J. Shari EwingDessins De Bébé YodaJ. Shari Ewing: Site Web | Instagram | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de J. Shari Ewing.

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Apprenez à dessiner une licorne magique en 6 étapes simples

Comment dessiner une licorne

Photos de Marben / Shutterstock

Les licornes sont parmi les créatures mythiques les plus romantiques. Aujourd'hui encore, les enfants admirent leur beauté et leur présence magique dans les livres, la télévision et les films. Cependant, il n'est jamais trop tard pour se livrer à un dessin de conte de fées. Quel que soit votre âge ou votre niveau de dessin, la pratique des bases vous mènera à une illustration magique de licorne.

Traditionnellement, les licornes sont représentées comme un cheval avec une corne. Ce tutoriel vous guidera à travers les étapes de base du dessin d'un cheval avant de le transformer en licorne. Prêt à essayer? Ensuite, prenez vos outils de dessin et préparez-vous à dessiner une licorne!

Apprenez à dessiner une licorne, étape par étape

Comment dessiner une image de licorne

Photos de l'Afrique Studio / Shutterstock

Étape 1: Trouvez une photo de référence d'un cheval

Comment dessiner une licorne

Photos de Viktoriia Bondarenko / Shutterstock

Avant de commencer à dessiner, il est important de trouver un bon photo de référence d'un cheval. Réfléchissez à la position dans laquelle vous voulez dessiner votre licorne – debout, galopant, sautant – et recherchez sur Internet un modèle approprié. Plus tard, nous prendrons des libertés avec des détails comme une corne et une crinière luxueuse, alors concentrez-vous simplement sur la position du corps que vous voulez.

Pointe: Assurez-vous que vous pouvez voir les sabots du cheval sur la photo car ceux-ci peuvent être difficiles sans une bonne référence.

Étape 2: esquissez légèrement les formes de base

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Une fois que vous avez choisi votre photo de référence, il est temps de saisir votre crayon et votre gomme préférés et de commencer à dessiner. Si vous ne savez pas par où commencer, c'est généralement une bonne idée de commencer par esquisser les formes de base qui composent le corps du cheval. À ce stade, nous voulons vraiment avoir une idée générale de la taille et des proportions de la figure, alors n’avancez pas tant que vous n’êtes pas satisfait du formulaire de base.

Étape 3: Connectez vos formes préliminaires

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Ensuite, nous allons relier les formes et les lignes nous avons posé pour les jambes du cheval. Ne vous inquiétez pas encore de les rendre parfaits – concentrez-vous simplement sur la pose des bonnes fondations. À ce stade, vous pouvez également dessiner deux formes triangulaires en haut de la tête du cheval, qui seront ses oreilles.

Étape 4: ajoutez lentement des détails à la licorne

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Les chevaux ont un corps très complexe. À moins que vous ne passiez beaucoup de temps autour des chevaux, ils peuvent sembler très déroutants à dessiner. Même si les licornes sont des créatures mythiques, elles sont souvent basées sur des chevaux, il est donc absolument essentiel d'avoir une sorte de référence au fur et à mesure ajout de détails à votre dessin.

Puisqu'il y a beaucoup d'éléments mobiles dans un cheval, nous allons construire notre dessin partie par partie. Tout d'abord, nous allons nous concentrer sur la tête. Esquissez légèrement un œil d'amande à mi-chemin dans le cercle et une narine ovale vers la fin du museau. Il n'y a pas de règle stricte sur l'endroit où va la corne de la licorne, mais, d'une manière générale, elle se situe quelque part au centre du front. À ce stade, vous pouvez dessiner librement une crinière qui sort du cou de votre licorne. Si votre licorne bouge, pensez-y coulant dans le vent.

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Après avoir passé du temps sur la tête de la licorne, il est temps de tourner votre attention vers la jambes. Selon votre photo de référence, votre licorne peut être dans une pose différente de celle ci-dessus. Néanmoins, faites particulièrement attention à dessiner les jambes et les sabots, car ils font toute la différence pour le produit final.

Ensuite, pour compléter la crinière de votre licorne, esquissez une queue luxueuse assortie et des sabots moelleux.

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Étape 5: affiner le contour

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

L'ajout de détails dont vous êtes satisfait peut prendre un certain temps, alors ne vous précipitez pas. Cependant, une fois satisfait, vous pouvez lentement effacez toutes les lignes inutiles de la forme de votre licorne jusqu'à ce que vous ayez un contour net. Si une zone vous pose toujours des problèmes, essayez de mettre un peu de côté le dessin avant d'y revenir.

Optionnel: Donnez à votre licorne un décor magique.

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Pendant que vous envisagez de terminer votre licorne, pensez à ajouter des éléments supplémentaires à la composition. Une prairie, un arc-en-ciel ou une princesse sont toutes des idées romantiques pour compléter la créature mythique.

Si tu veux ajouter une bordure décorative autour de votre dessin, vous pouvez d'abord utiliser un rapporteur pour mesurer un demi-cercle autour de la licorne. Ensuite, esquissez de petits points régulièrement espacés le long de la ligne arrondie.

Étape 6: Passez en revue le dessin à l'encre et / ou ajoutez de la couleur

Comment dessiner une licorne

Photo et art: Margherita Cole / My Modern Met

Une fois que vous avez perfectionné votre croquis de licorne, il est temps de terminer à l'encre. Alors, choisissez votre stylo préféré et tracez soigneusement les lignes du crayon. Pour éviter de tacher l'encre au fur et à mesure, envisagez de placer un morceau de papier sous votre main de dessin. C’est également une bonne idée d’attendre quelques minutes après l’encrage pour effacer les traits du crayon, car les temps de séchage varient en fonction du stylo et de la quantité d’encre utilisée.

Une fois que vous avez terminé, vous pouvez soit ajouter de la couleur à la composition, soit la laisser telle quelle pour une superbe illustration en noir et blanc!

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Des hologrammes en mouvement massifs de dinosaures transforment les rues de Paris en un safari préhistorique

Julien Nonnon Safari Street Art préhistorique

L'artiste français Julien Nonnon apporte un tout nouveau sens à l'expression «ville des lumières». Son art de la rue de spécialité utilise un système de projection vidéo intégré, permettant à Nonnon de décorer les façades des bâtiments avec des hologrammes massifs de dinosaures. Parmi eux se trouvent des espèces bien connues comme le Tyrannosaurus Rex, Triceratops et Brontosaurus. Nonnon a placé ces créatures préhistoriques dans les ruelles du Jardin d’Acclimatation et a invité les visiteurs à explorer les installations immersives, qui comprenaient des spectacles interactifs.

Cette série, intitulée Safari préhistorique, se concentre sur les rues de Paris; cependant, Nonnon a emmené cet art de spécialité à plusieurs autres endroits. Selon sa déclaration d'artiste, Nonnon a développé ses propres outils pour lui permettre de projeter ses créations dans n'importe quel endroit qui l'inspire. L'artiste français utilise une combinaison de street art, d'installations cinétiques, de créations numériques et de vidéo mapping. Une fois la série terminée, Nonnon fournit un lien vers la carte afin que les téléspectateurs puissent suivre tout son art dans la ville.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'images de Safari préhistorique. Et pour vous tenir au courant des dernières installations holographiques de Nonnon, vous pouvez visiter son site Internet.

L'artiste français Julien Nonnon s'invite dans le paysage urbain parisien pour son dernier street art.

Julien Nonnon Safari Street Art préhistorique

La série, intitulée Safari préhistorique, projette des images holographiques massives de dinosaures sur les façades d'immeubles parisiens.

Julien Nonnon Safari Street Art préhistoriqueJulien Nonnon Safari Street Art préhistoriqueJulien Nonnon Safari Street Art préhistoriqueJulien Nonnon Safari Street Art préhistoriqueJulien Nonnon Safari Street Art préhistorique

Regardez ces bêtes préhistoriques en action à travers Paris.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=NRn57DdPUwk (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=lO0tXMYRStc (/ intégré)

Julien Nonnon: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter

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Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

La plupart d'entre nous savent que le transport en commun, c'est comme entrer dans un monde entièrement différent. Qu'il s'agisse de métros ou de bus, nous sommes entourés d'étrangers intéressants qui vivent leur vie comme nous. De nos jours, nous nous occupons généralement de nos téléphones pour bloquer la foule. L'artiste Matthew Grabelsky explore ce phénomène dans sa série de peintures étranges intitulée Passagers.

L'artiste peint ces peintures photoréalistes mais surréalistes pour encourager les gens à se désengager de leurs smartphones et à regarder le monde qui les entoure, car vous ne savez jamais ce que vous pourriez voir. «Je suis depuis longtemps fasciné par la mythologie et en particulier par les hybrides humains-animaux que l'on trouve dans les mythologies du monde», explique Grabelsky. "Les animaux sont souvent utilisés pour représenter le subconscient, et c'est l'aspect pour lequel je les utilise dans mes peintures."

Grabelsky admet: «J'adore les animaux depuis que je suis enfant, probablement parce que mes parents m'ont souvent emmené au zoo et voir les dioramas d'animaux au Natural History Museum de New York.» Dans cette série particulière, dans lequel il dépeint des sujets à tête d'animal et corps humain, le lieu joue également un rôle essentiel. Bien que basé à Los Angeles, Grabelsky a grandi à New York, où le métro est une partie importante de la vie quotidienne. C'est un terrain d'entente pour les personnes de tous horizons essayant de se rendre du point A au point B. Pour cette raison, le transport souterrain est une toile de fond commune dans les œuvres de Grabelsky.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'images de Passagers. Pour vous tenir au courant des dernières créations de Grabelsky, vous pouvez le suivre sur Instagram.

L'artiste basé à Los Angeles Matthew Grabelsky combine les têtes d'animaux avec les corps humains dans ses peintures.

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Cette série surréaliste, intitulée Passagers, représente des hybrides mi-humains mi-animaux dans le métro.

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Peintures de la série Matthew Grabelsky Passenger

Matthew Grabelsky: site Web | Facebook | Instagram

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De nombreux photographes ont une image de rêve qu'ils mourent d'envie de capturer. Pénétré dans leur esprit pendant des mois, voire des années, c'est la photographie insaisissable qu'ils savent serait spectaculaire si seulement ils pouvaient y parvenir. Pour le photographe indien de la faune Nitish Madan, ce rêve est récemment devenu réalité lors d'une matinée de décembre dans le parc national de Ranthambore, dans le nord-ouest de l'Inde. Cet ancien terrain de chasse des maharajas est maintenant un énorme centre de conservation des tigres, ce qui en fait l'un des meilleurs endroits pour Madan pour photographier des tigres dans la nature.

Madan est un photographe animalier profondément engagé dans la conservation et fait sa part pour s'assurer que les animaux sont respectés en guidant ses invités lors de tournées de photographie à travers les parcs nationaux indiens. Personnellement, il a un faible pour les tigres. "J'ai un lien étrange avec eux", dit-il à My Modern Met. «Ils me donnent le pouvoir d'avancer. Quand j'en vois un, je ne peux tout simplement pas le quitter des yeux. Ils suintent le pouvoir et le magnétisme et sont à couper le souffle à voir dans la nature. Ils inspirent un sentiment d'intrépidité et de majesté. Ils sont tellement concentrés et imparables. "

Il n'est donc pas surprenant que la photographie de rêve de Madan impliquait un tigre. En fait, il a passé plus de 10 ans à attendre le moment idéal pour capturer un tigre marchant devant le pittoresque fort de Ranthambore. Cette relique du 10ème siècle est un site du patrimoine mondial de l'UNESCO et un matin récent de décembre, alors que Madan était avec un groupe, ils ont découvert de nouvelles traces de tigres qui les ont conduites à deux jeunes tigres femelles.

En les regardant se battre, jouer et explorer, Madan s'est rendu compte qu'ils se dirigeraient vers Padam Lake, le site du fort. Saisissant l'occasion, il a demandé au guide de virer dans cette direction. C'est là, entouré par le brouillard froid du matin d'hiver, qu'il a enfin eu sa chance.

"Mon cœur battait la chamade et pendant que je regardais avec un souffle retenu, une des filles a commencé à marcher en direction du lac", se souvient Madan. «Mes doigts étaient engourdis par le froid et je ne pouvais plus les sentir. C'était le moment que j'attendais depuis aussi longtemps que je me souvienne. Je secouai la tête avec une totale incrédulité alors que je soulevais mon appareil photo et j'étais si heureux d'avoir pu appuyer sur le déclencheur. Je savais déjà comment composer le plan comme je l'avais pratiqué mille fois auparavant, mais cette fois avec un tigre dans le cadre. C'était si irréel que si c'était un rêve mystique avec un tigre traversant notre monde. »

Dans la poursuite de son travail, Madan espère changer les idées des gens sur les tigres et rappeler au public que ces créatures majestueuses disparaissent lentement dans la nature en raison du braconnage et des changements environnementaux. Comme le montrent ses images, si on leur accorde le respect qu’elles méritent et qu’elles sont traitées de manière non menaçante, les tigres et les humains peuvent coexister pacifiquement.

Avant la photographie de ses rêves, Madan a pu capturer d'autres photos étonnantes des tigres du parc national de Ranthambore.

Tigre du Bengale au parc national de RanthamboreTigre du Bengale au parc national de RanthamboreTigre du Bengale au parc national de Ranthambore

Nitish Madan: Facebook | Instagram

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L'artiste utilise 4 000 morceaux de papier pour donner vie à ses sculptures d'oiseaux et de papillons

Art papier 3D par Lisa Lloyd

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L'artiste Lisa Lloyd donne vie aux créatures ailées grâce à des sculptures en papier méticuleusement conçues. À l'aide de marquages, de pliages et de franges, elle crée des oiseaux et des papillons frappants par leur réalisme et impressionnants par leur souci du détail. Lloyd construit ses plumes et ses ailes avec de minuscules morceaux de papier festonné, ce qui se traduit souvent par 4 000 pièces de papier stupéfiantes sur un seul modèle.

Avant de sculpter ses figures ailées, Lloyd apprend comment elles agissent dans la vie réelle. «Je recherche les sujets en étudiant des vidéos YouTube d'eux en mouvement ainsi que des images statiques sous autant d'angles que possible», explique-t-elle à My Modern Met. «J'étudie les détails mais j'aime aussi regarder comment ils bougent, leurs mouvements de tête et leurs manières pour essayer de capturer leur personnalité.» De plus, elle visite son musée d'histoire naturelle local, le musée Booth, à Hove, où elle vit. "Je peux aller dans les coulisses pour les étudier de près, ce qui est particulièrement utile pour les animaux exotiques qui sont moins familiers."

Une fois ses recherches terminées, Lloyd construit ses oiseaux et papillons de l'extérieur vers l'intérieur. «Je crée le squelette interne en papier et carte, sculptant la structure pour incliner la tête pour capturer la personnalité», explique-t-elle. «Les modèles sont 100% papier, à l'exception des pieds en fil métallique pour pouvoir saisir leur perche et leurs yeux en argile Fimo recouverts de vernis brillant.»

Trois des dernières pièces de Lloyd, un grand pic tacheté, une mésange bleue et un merle, lui ont pris environ deux mois. Ils se sont depuis vendus, mais vous pouvez acheter certaines de ses autres œuvres d'art originales via sa boutique en ligne.

L'artiste Lisa Lloyd donne vie aux créatures ailées à travers ses sculptures en papier 3D.

Sculpture d'oiseau en papier par Lisa Lloyd

À l'aide de 4000 feuilles de papier stupéfiantes par sculpture, elle fabrique des oiseaux et des papillons magnifiquement réalistes.

Sculpture d'oiseau en papier par Lisa LloydSculpture d'oiseau en papier par Lisa LloydSculptures d'oiseaux 3D par Lisa LloydSculptures d'oiseaux 3D par Lisa LloydArt papier 3D par Lisa Lloyd

Lisa Lloyd: site Web | Instagram | Facebook

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Un artiste crée des peintures à l'huile poétiques pour rendre hommage aux animaux préhistoriques

Peintures de dinosaures Katharina Barth

Les animaux sont parmi les meilleures muses créatives. Aujourd'hui, certains artistes tentent de rendre la pareille en sensibilisant les espèces menacées à leur travail. D'autres, comme l'artiste allemande basée à Londres Katharina Barth, mettent en lumière des animaux disparus de la préhistoire.

En tant que «passionnée d'animaux et cavalière», Barth tire l'essentiel de son inspiration du monde naturel. Plus récemment, ce zèle s'est traduit par une série de peintures à l'huile en noir et blanc accrocheuses de squelettes préhistoriques. Barth peint des dinosaures comme le Tyrannosaurus Rex, ainsi que des mammifères comme le Smilodon ou le tigre à dents de sabre. Pour obtenir l'éclat luminescent de ses peintures, elle utilise une combinaison de peinture à l'huile et de peinture en aérosol dans les tons d'argent et de gris et maintient l'arrière-plan flou. En conséquence, ces portraits squelettes héritent d'une qualité intemporelle, ressemblant à des images fixes de films en noir et blanc.

Barth, diplômé du DLD College de Londres en beaux-arts et photographie en 2012, poursuit actuellement un baccalauréat en peinture dans le centre de Londres. Pendant qu'elle poursuit ses études, elle continue de créer un art incroyable. Les œuvres originales de l'artiste sont disponibles à l'achat sur le site Web de Barth. Vous pouvez également vous tenir au courant des dernières créations du peintre doué en suivant son Instagram.

L'artiste allemande Katharina Barth peint de superbes peintures à l'huile en noir et blanc de squelettes préhistoriques.

Peintures de dinosaures Katharina BarthPeintures de dinosaures Katharina Barth

Parmi ses muses, il y a des dinosaures comme le Tyrannosaurus Rex, ainsi que des mammifères préhistoriques comme le Smilodon ou le tigre à dents de sabre.

Peintures de dinosaures Katharina Barth

Barth utilise une combinaison de peinture à l'huile et de peinture en aérosol pour donner une qualité luminescente à ses créations.

Peintures de dinosaures Katharina BarthPeintures de dinosaures Katharina BarthPeintures de dinosaures Katharina BarthPeintures de dinosaures Katharina BarthPeintures de dinosaures Katharina BarthKatharina Barth: Site Web | Instagram

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Smart Forest City Cancun par Stefano Boeri

Photo: La vue d'ensemble

Le cabinet d'architectes italien Stefano Boeri étend son concept de forêt verticale à un centre urbain entier avec la nouvelle Smart Forest City au Mexique. Situé juste à l'extérieur de Cancun, cet environnement tentaculaire est soigneusement conçu pour que la nature soit en parfaite harmonie entre les espaces verts et l'architecture bâtie. Smart Forest City siègera sur 1 376 acres de terrain qui avait été précédemment désigné pour un centre commercial. Désormais, 130 000 habitants pourront profiter de la vie dans la ville révolutionnaire et durable que Boeri a envisagée.

Le cœur de Smart Forest City est dans la verdure. Près de 1 000 acres ont été consacrés à des espaces verts, qui seront peuplés de 7,5 millions de plantes, dont 2,3 arbres par habitant. Les 400 espèces à planter ont été soigneusement examinées par la botaniste et architecte paysagiste Laura Gatti, assurant un mélange réfléchi de la vie végétale. Ces arbres, arbustes, arbustes et fleurs peupleront non seulement les parcs publics et les jardins privés, mais feront partie des toits verts et des façades qui rendront la ville économe en énergie. En fait, l’équipe de Boeri estime que Smart Forest City absorbera 116 000 tonnes de dioxyde de carbone avec 5 800 tonnes de CO2 stockées par an.

L'espoir est que la ville deviendra un centre d'apprentissage pour les chercheurs qui étudient les problèmes environnementaux et les nouvelles technologies, attirant les meilleurs étudiants du Mexique et d'ailleurs. À cette fin, la ville comprend un centre de recherche de pointe avec des installations axées sur six questions fondamentales: la bio-santé, l'astrophysique et les sciences planétaires, la restauration des récifs coralliens, l'agriculture de précision et la technologie régénérative, la ville intelligente et la mobilité et la robotique.

Smart Forest City Cancun par Stefano Boeri

Smart Forest City a également été conçu pour être complètement autosuffisant en matière d'alimentation et d'énergie grâce à une collaboration avec Transsolar, une entreprise allemande connue pour innover dans l'environnement bâti. La ville sera entourée d'un anneau de panneaux solaires, ainsi que de champs agricoles qui seront irrigués via une conduite souterraine reliée à un canal d'eau. En fait, l'eau est un élément clé de la ville.

Un grand bassin à l'entrée de la ville recueillera l'eau, qui sera ensuite distribuée par des canaux navigables. Il existe également une série de jardins aquatiques intégrés au paysage qui permettront de réduire les inondations. Pour ajouter à l'innovation, un système de mobilité de pointe a été conçu. Cela permet aux résidents de laisser leur voiture à la périphérie de la ville et de se déplacer dans l'environnement urbain en utilisant uniquement les modes de transport électriques et semi-automatiques internes.

Au fur et à mesure que le projet avance, Boeri se rapproche de sa vision d'un environnement urbain vert et durable. «Smart Forest City Cancun est un jardin botanique, dans une ville contemporaine, basée sur l'héritage maya et dans sa relation avec le monde naturel et sacré», explique la firme. «Un écosystème urbain où la nature et la ville sont intimement liées et agissent comme un seul organisme.»

Boeri a présenté son projet aux autorités régionales en mars 2019 et attend actuellement son approbation.

Les architectes Stefano Boeri ont conçu Smart Forest City Cancun pour une vie urbaine durable.

Smart Forest City Cancun par Stefano Boeri

Photo: La vue d'ensemble

Smart Forest City Cancun par Stefano Boeri

Photo: La vue d'ensemble

Les panneaux solaires, les champs agricoles et les canaux navigables rendent la ville respectueuse de la technologie autosuffisante.

Smart Forest City Cancun par Stefano BoeriSmart Forest City Cancun par Stefano BoeriSmart Forest City Cancun par Stefano Boeri

Plus de 7 millions d'usines peupleront la zone du projet, qui est située juste à l'extérieur de Cancun.

Smart Forest City Cancun par Stefano BoeriStefano Boeri Architects: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Stefano Boeri Architects.

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Égayez votre jeu de loungewear avec ces chaussettes créatives inspirées des artistes

Chaussettes Chattyfeet Artist

Il est difficile de battre une nuit confortable, surtout pendant un hiver froid. Cependant, pour vraiment profiter des temps d'arrêt, il est utile d'avoir les bons accessoires: un film, une bonne nourriture réconfortante et, bien sûr, des chaussettes confortables. Alors pourquoi ne pas ajouter une touche artistique à vos vêtements de détente typiques? La marque de chaussettes créative Chattyfeet a conçu une série de chaussures inspirées par les artistes pour transformer vos pieds en toute quiétude.

Parmi la liste étoilée figurent des peintres de renom comme Frida Kahlo (alias Frida Callus), Vincent van Gogh (dit Vincent van Toe) et Edvard Munch (appelé Screamy Ed). Chaque paire de chaussettes d'artiste présente un rendu stylisé du visage de la personne dans son propre style iconique. Par exemple, les chaussettes «Vincent van Toe» ont Nuit étoilée motifs tourbillonnants et les chaussettes "Screamy Ed" imitent le visage de Munch Le cri. Toutes les chaussettes sont fabriquées en Europe en coton peigné doux.

Faites défiler vers le bas pour voir chaque paire de chaussures créatives. Ou, si vous souhaitez collecter toutes les chaussettes, consultez les coffrets cadeaux de chaussettes d'artistes Chattyfeet. Vous pouvez trouver toutes ces chaussettes ludiques dans My Modern Met Store.

Chattyfeet a intelligemment conçu une série de chaussettes colorées d'après certaines des figures les plus emblématiques de l'histoire de l'art, dont Frida Kahlo et Vincent van Gogh.

Chaussettes "Vincent van Toe"

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Chattyfeet | 12,50 $

Chaussettes "Screamy Ed"

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Chattyfeet | 12,50 $

Chaussettes "Frida Callus"

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Chattyfeet | 12,50 $

Chattyfeet: Site Web | Facebook | Instagram

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Les impressionnistes modernes peignent la beauté saisissante des paysages canadiens

Peintures impressionnistes de Joe Reimer

Au 19e siècle, les impressionnistes trouvaient une inspiration constante dans leur environnement bucolique. Des artistes comme Claude Monet et Pierre-Auguste Renoir ont peint en plein air pour réaliser leurs images alléchantes du plein air tacheté de soleil. Aujourd'hui encore, les impressionnistes modernes perpétuent le style dans un nouvel environnement.

L'artiste contemporain Joe Reimer capture le paysage idyllique de l'Ouest canadien dans sa série de peintures de paysages de style impressionniste. Parmi ses sujets figurent les balles de foin rurales, les forêts, les lacs et les Rocheuses canadiennes. Pour obtenir la qualité incandescente de son travail, Reimer utilise un effet texturé avec son pinceau. Par exemple, dans un seul élément de ses peintures, l'artiste applique des dizaines de petits traits rectangulaires de différentes teintes. La technique méticuleuse de Reimer est payante, car chaque paysage regorge de couleurs dynamiques.

Faites défiler vers le bas pour voir une sélection de peintures impressionnistes de Reimer. De plus, pour vous tenir au courant de ses dernières créations, vous pouvez le suivre sur Instagram. Ou, pour acheter des tirages du travail de Reimer, vous pouvez visiter son site Web.

L'impressionniste moderne Joe Reimer capture le paysage idyllique canadien dans ses peintures.

Peintures impressionnistes de Joe Reimer

L'artiste utilise un effet texturé méticuleux à ses peintures à l'huile.

Peintures impressionnistes de Joe Reimer

En conséquence, chaque peinture éclate de couleur, ressemblant à de grands maîtres impressionnistes comme Monet et Renoir.

Peintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerPeintures impressionnistes de Joe ReimerJoe Reimer: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Joe Reimer.

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Un ingénieux panneau d'affichage utilise des ombres pour se transformer en Dracula au coucher du soleil

Panneau d'affichage Dracula par BBC Creative

Bram Stoker’s Dracula est un conte bien connu, c'est pourquoi les responsables de la publicité au Royaume-Uni devaient faire preuve de créativité lors de l'élaboration d'une campagne pour la nouvelle série de la BBC. Dracula créée le jour du Nouvel An et dans la perspective de l'événement, BBC Creative a imaginé un panneau publicitaire accrocheur qui devient plus effrayant au coucher du soleil.

Tout comme les vampires n'apparaissent que la nuit, il n'y a aucune trace de Dracula lorsque le soleil brille. Au lieu de cela, une fois la nuit tombée, son ombre sinistre émerge à travers le panneau d'affichage. La bouche grande ouverte et les crocs sortis, on ne peut pas se tromper sur la silhouette du personnage principal de la série. Et juste pour aider à le repousser, il y a même une vitrine devant le panneau qui dit «En cas de vampires, casse». Un enjeu, bien sûr.

Les dirigeants de BBC Creative cherchaient une nouvelle interprétation du conte classique pour inciter les téléspectateurs à participer à la nouvelle série. Situés à Birmingham et à Londres, les deux panneaux d'affichage sont une vision excitante et prête à l'emploi qui se marie bien avec l'humour noir de la série.

"Notre campagne pour Dracula ne laisse aucun doute au public qu'il peut s'attendre à quelque chose de nouveau et d'inattendu de cette extraordinaire adaptation du classique des vampires", partage Olly Harnett, responsable de la création chez BBC Creative.

Dracula a été créé par Mark Gatiss et Steven Moffat. Le duo est surtout connu pour son travail sur Docteur Who et Sherlock, ce qui en fait la troisième fois qu'ils prennent un classique et lui donnent une touche. Afin de s'associer aux innovations de la série, BBC Creative souhaite jouer sur son «rock star swagger».

«Nous voulions que notre campagne reflète la nouvelle approche de Steven et Mark sur un personnage classique, donc chaque élément a été conçu pour surprendre», explique Chris Hooper, chef du marketing chez BBC One, «à partir de la ligne de campagne effrontée,« Bloody Legend ». à l'utilisation de Lust For Life sur les remorques, et cette construction spéciale, qui adopte une approche ludique et ironique de la légende. "

La nouvelle BBC Dracula la série a obtenu un panneau d'affichage innovant qui ne révèle son effrayant quand …

Dracula Billboard pour la nouvelle série BBC

Le soleil se couche et l'ombre de Dracula émerge.

Dracula Billboard pour la nouvelle série BBC

h / t: (Le tambour)

Toutes les images via BBC Creative.

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Portraits saisissants des gagnants des Golden Globe 2020 juste après avoir reçu leur prix

Le 77e Golden Globe Awards a lancé la saison des récompenses le dimanche 5 janvier 2020. Tenue à l'emblématique hôtel Beverly Hills, la Hollywood Foreign Press Association a reconnu les réalisations de la télévision et du cinéma au cours de l'année écoulée. La présentation télévisée a partagé les nominés et finalement les gagnants qui ont ensuite prononcé leur discours d'acceptation. Mais une fois expulsés de la scène, ils ont participé à une tradition qui ne fait pas partie de la cérémonie principale. Chaque gagnant s'est présenté devant un photographe et a fait prendre son portrait avec sa statuette en or à la main. Cette année, Alexi Lubomirski a eu l'honneur de photographier les nouveaux gagnants.

Le fond de couleur bronze tamisé, avec deux gros accessoires, a permis à chaque acteur de briller. Cela nous a également permis d'avoir un aperçu de leur personnalité. Awkwafina, qui a remporté la meilleure performance d'une actrice dans un film pour L'adieu, s'assit et tint la statuette dans une main. L'autre main désigna le prix, et son expression faciale transmettait un mélange de pur plaisir et de surprise – un véritable choc émanant de l'actrice rayonnante. C'était peut-être l'importance de sa victoire dans cette catégorie; Awkwafina est la première artiste d'origine asiatique à remporter un Golden Globe dans la catégorie des actrices principales.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de gagnants des 77e Golden Globes annuels. S'il y en a beaucoup que vous êtes sûr de reconnaître, vous êtes également sûr d'être présenté à des acteurs que vous n'avez jamais vus auparavant.

Une fois qu'un acteur remporte un Golden Globe Award, il obtient le portrait réalisé par un photographe. Alexi Lubomirski a eu l'honneur de prendre des photos cette année.

Brad Pitt pour Il était une fois… à Hollywood – Meilleure performance d'un acteur dans un rôle de soutien dans n'importe quel film

Succession Cast – Meilleure série télévisée, drame

Ellen DeGeneres – Récipiendaire du prix Carol Burnett

Sac à puces Cast – Meilleure série télévisée, musicale ou comique

Phoebe Waller-Bridge pour Sac à puces – Meilleure performance d'une actrice dans une série télévisée, musicale ou comique

Elton John et Bernie Taupin pour «Je vais encore m'aimer» de Rocketman – Meilleure chanson originale en film

Laura Dern pour Histoire de mariage – Meilleure performance d'une actrice dans un second rôle dans un film

Michelle Williams pour Fosse / Verdon – Meilleure performance d'une actrice dans une série limitée ou un film réalisé pour la télévision

Tom Hanks – Récipiendaire du prix Cecil B. DeMille

Awkwafina pour L'adieu – Meilleure performance d'une actrice dans un film, une comédie musicale ou une comédie

Ramy Youssef pour Ramy – Meilleure performance d'un acteur dans une série télévisée, musicale ou comique

Brian Cox pour Succession – Meilleure performance d'un acteur dans une série télévisée, dramatique

Olivia Colman pour La Couronne – Meilleure performance d'une actrice dans une série télévisée, dramatique

Tchernobyl Distribution – Meilleure série télévisée limitée ou film cinématographique conçu pour la télévision

Quentin Tarantino pour Il était une fois… à Hollywood – Meilleur scénario, film

Patricia Arquette pour L'acte – Meilleure performance d'une actrice dans un second rôle dans une série, une série limitée ou un film conçu pour la télévision

Parasite Cast (Corée du Sud) – Meilleur film, langue étrangère

Joaquin Phoenix pour Le Joker – Meilleure performance d'un acteur dans un film, drame

Sam Mendes pour 1917 – Meilleur réalisateur, cinéma

Golden Globe Awards: site Web | Instagram | Facebook

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Percer le mystère de l'art d'avant-garde

Définition de l'art d'avant-garde

«Les Demoiselles d’Avignon» de Pablo Picasso. (Photo: MoMA via Wikimedia Commons Fair Use)

Audacieux, innovant, progressif, expérimental – tous les mots qui décrivent l'art qui repousse les frontières et crée le changement. Ces caractéristiques sont également toutes associées à un terme qui est souvent utilisé mais parfois mal conçu …avant-garde. Le terme français, qui se traduit par «avant-garde» ou «avant-garde», fait référence à quelque chose de visionnaire et d'avance sur son temps.

Utilisée fréquemment pour discuter des contributions artistiques à la société et à la culture, l'avant-garde est responsable de certaines des œuvres les plus mémorables de l'histoire. Mais comment caractériser l'art d'avant-garde? Et qui sont les artistes avant-gardistes qui ont pris les risques qui définissent désormais l'histoire de l'art?

En termes d'art, l'avant-garde est généralement liée à une sorte de innovation esthétique—Un qui est souvent mal compris ou non accepté en son temps. C'est un concept qui s'applique à ces créatifs qui ont poussé contre les idéaux traditionnels et, bien qu'il soit souvent utilisé en relation avec le modernisme, il y a beaucoup d'artistes historiques dont le travail peut être considéré comme avant-gardiste pendant leur temps.

Avant de nous plonger dans certains des artistes d'avant-garde et des mouvements artistiques les plus connus, regardons d'où vient le terme et comment il a pris son sens actuel. Initialement, il était utilisé par l'armée française et faisait référence à un petit groupe de troupes qui effectuait des reconnaissances avant l'armée principale. Au cours du XIXe siècle, il a commencé à être appliqué aux penseurs socialistes de gauche et à leurs appels à une réforme politique. En fait, c'était le socialiste français influent Henri de Saint-Simon qui a d'abord appliqué le terme à l'art.

Dans un texte de 1825, il a regroupé des artistes, des scientifiques et des industriels en tant que leaders de la société susceptibles de guider les gens vers l'avant. De là, avant-garde était un terme régulièrement appliqué aux artistes, beaucoup citant le réalisme de Gustave Courbet comme point de départ. Par la suite, de nombreux mouvements modernes verraient le terme appliqué, bien que l'on puisse facilement dire que des artistes antérieurs comme Léonard de Vinci ou le Caravage étaient certainement avant-gardistes en rompant avec les pratiques artistiques traditionnelles. Même la Renaissance italienne elle-même était un mouvement d'avant-garde pour son attention à la perspective et au réalisme d'une manière qui était inouïe auparavant.

Mouvements artistiques d'avant-garde

Bien qu'il ne s'agisse nullement d'une liste exhaustive, voici quelques-uns des mouvements d'art moderne les plus mémorables de l'histoire occidentale qui sont considérés comme avant-gardistes pour briser les frontières.

Impressionnisme

Monet Impression Sunrise

Claude Monet, «Impression Sunrise», 1872 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Tandis que Art impressionniste peut ne pas sembler avant-gardiste par rapport aux normes contemporaines, le mouvement était révolutionnaire en son temps. Rejetés par le traditionnel Salon de Paris, des peintres comme Monet, Degas et Renoir privilégient les paysages et les scènes de la vie quotidienne sur les sujets historiques et mythologiques acceptés. Ils ont également rompu avec la tradition en quittant l'atelier et en peignant en plein air.

Peintures impressionnistes emblématiques:

Le déjeuner sur l'herbe par Manet

Déjeuner de la soirée nautique par Renoir

Impression, Sunrise par Monet

Dada

Sculptures célèbres Duchamp Fountaine

«Fontaine» de Marcel Duchamp (Photo: domaine public via Wikimedia Commons.)

Dada peut être un mouvement difficile à cerner car la production de ses artistes est très diversifiée. Il a été formé en Suisse pendant la Première Guerre mondiale et est révolutionnaire pour son objectif de faire un travail qui n'était pas nécessairement esthétique. Son but, au contraire, était de remettre en question la société capitaliste et ses valeurs. Dada a également utilisé des ready-made – des objets du quotidien appropriés comme des œuvres d'art – pour interroger la sensibilité bourgeoise et le rôle de l'artiste dans la créativité. Dada a eu une profonde influence sur d'autres mouvements d'avant-garde qui ont suivi, comme le cubisme et Fluxus.

Art emblématique de Dada:

Fontaine par Marcel Duchamp

Larmes de verre par Man Ray

Le critique d'art par Raoul Hausmann

Surréalisme

La persistance de la mémoire - Salvador Dalí 1931Surréalisme est un genre hautement expérimental basé sur les principes du subconscient, emprunté à une technique littéraire appelée automatisme. Cette rupture avec la réalité a donné aux surréalistes comme René Magritte, Salvador Dalí et Man Ray une liberté de création totale, car ils n'étaient plus guidés par des directeurs universitaires. Le paysage onirique de leur art combine des rendus réalistes de sujets fantastiques. Les surréalistes étaient également bien connus pour s'essayer à de nombreuses formes d'art, de la peinture et la sculpture à la photographie et au cinéma.

Art surréaliste emblématique:

La persistance de la Mémoire par Salvador Dalí

Le fils de l'homme par René Magritte

Le grand masturbateur par Salvador Dalí

Cubisme

Pablo Picasso - Trois musiciens (1921)

En abandonnant complètement les formes traditionnelles et en s'orientant vers l'abstraction, Cubisme est l'un des mouvements d'avant-garde les plus connus. Les fondateurs Georges Braque et Pablo Picasso ont joué avec toutes les règles académiques traditionnelles de l'art occidental et les ont transformées en une nouvelle méthode inattendue de création artistique. Les figures ont été divisées en formes géométriques, les couleurs ont été éclaircies et simplifiées, et le collage a été incorporé pour un résultat innovant qui continue de façonner l'art aujourd'hui. En fait, en regardant une chronologie de l'histoire de l'art, la culture visuelle occidentale peut être clairement divisée en deux morceaux – avant et après le cubisme.

Oeuvres cubistes importantes:

Les Demoiselles d’Avignon par Pablo Picasso

Trois musiciens par Pablo Picasso

Nature morte avec métronome par Georges Braque

Fluxus

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=pTGSsWVK2Eo (/ intégré)

Prenant forme dans les années 1960 et 1970, Fluxus est un mouvement interdisciplinaire qui a impliqué des artistes, designers, compositeurs et poètes. Fortement influencés par Dada, les membres de Fluxus ont organisé des événements de performance artistique qui comprenaient de la musique de bruit, des lectures de poésie, des performances temporelles et bien plus encore. Le compositeur John Cage a eu une grande influence sur Fluxus et sa notion selon laquelle l'interaction entre un artiste et le public était la phase la plus importante du travail – plutôt que le produit fini – a souvent été suivie. Des artistes d'avant-garde comme Joseph Beuys, Yoko Ono et Nam June Paik étaient tous actifs dans Fluxus.

Moments importants dans Fluxus:

Morceau coupé par Yoko Ono

Zen for Film par Nam June Paik

Faire une salade par Alison Knowles

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Les célébrités font leur entrée au Golden Globes After Party du magazine InStyle

Le 77e Golden Globes annuel vient de l'appeler une enveloppe, ce qui signifie que l'ascenseur InStyle était de retour et plus occupé que jamais. Pour la quatrième année consécutive, le magazine de mode s'est associé à Warner Bros pour organiser une after-party post-Globes où les boissons et les hors-d'œuvre étaient accompagnés d'un ascenseur inspiré de l'art déco. Là, les célébrités ont montré leur côté ludique en créant de charmantes courtes vidéos qui ont ensuite été partagées sur Instagram d'InStyle.

Toutes les vidéos ont le même format. Ils commencent par une porte d'ascenseur qui s'ouvre pour révéler une célébrité (ou des célébrités) et parfois un groom. À partir de là, des bouffonneries se produisent et couvrent toute la gamme, de la présentation de modes fabuleuses, comme la robe fluide glamour de Storm Reid par Rosie Assoulin, à des scènes complètement stupides, telles que Natasha Lyonne poussant un vieux vide dans l'ascenseur. Alors que la porte s'ouvre, elle rencontre Fred Armisen qui tient inexplicablement un ballon de football – et nous ne gâcherons pas le reste.

La version 2020 de l'ensemble a été conçue par l'architecte d'intérieur et directrice de la création Nicole Hollis. "Notre inspiration pour l'ascenseur de cette année a été l'âge d'or d'Hollywood et le design moderne du milieu du siècle", a expliqué Hollis. «Nous voulions équilibrer le sombre et le clair tout en incorporant des éléments dorés, des motifs festonnés et des teintes sombres.»

Regardez quelques-unes de nos vidéos InStyle Elevator préférées ci-dessous. Vous pouvez en voir encore plus sur Instagram avec le hashtag #InStyleWBGlobes.

L'ascenseur InStyle était de retour pour une soirée épique aux Golden Globes. Regardez les courtes vidéos que les célébrités ont créées pendant leur séjour.

Snoop Dogg et Martha Stewart

Alyssa Milano

Storm Reid

Kerry Washington

Laverne Cox, Sarah Hyland, Ashley Bell et Jamie Chung

Nina Dobrev et Sarah Hyland

Barbie Ferreira, Maude Apatow, Sydney Sweeny et Hunter Schafer

Kiki Layne

Fred Armisen et Natasha Lyonne

Kathryn Newton

Suivant: Plus de vidéos de l'after-party des Golden Globes d'InStyle.

Un artiste de broderie assemble des coiffures 3D de personnes bénéficiant d'un ciel de nuit clair

Broderie de cheveux 3D

Cet article peut contenir des liens affiliés. Si vous effectuez un achat, My Modern Met peut gagner une commission d'affiliation. Veuillez lire notre divulgation pour plus d'informations.

L'artiste de broderie Maria du Desert Eclipse Studio commémore la joie d'observer les étoiles dans sa série d'art créative tactile. Les toiles circulaires présentent une à trois personnes, les cheveux flottants, car elles semblent regarder vers le haut les étoiles en pointillés. Pour créer ces pièces, Maria utilise des fils et des fils lâches qui imitent les coiffes bouclées de ses sujets, de longs brins droits et de belles tresses. Chaque personnage tourne le dos au spectateur, ce qui a pour effet de faire de ses cheveux la pièce maîtresse des broderies.

À travers le Desert Eclipse Studio, Maria vend des pièces toutes faites tout en acceptant des commissions personnalisées. Vous pouvez demander n'importe quelle couleur de cheveux de votre choix dans une variété de styles. Au-delà des façons plus conventionnelles de porter les cheveux, Maria a également montré qu'elle n'avait pas peur de s'attaquer aux coiffures plus sophistiquées et plus difficiles, et vous pouvez même avoir ses couronnes de fleurs cousues ou confectionner les cheveux en utilisant trois nuances de fil différentes, ce qui donne la coiffe encore plus de volume et de réalisme.

Faites défiler vers le bas pour voir la broderie 3D de Maria et achetez votre propre art de cercle dans la boutique Desert Eclipse Studio sur Etsy.

Maria of Desert Eclipse Studio crée une broderie de cheveux 3D mettant en vedette des personnes admirant un ciel nocturne clair.

Broderie de cheveux 3DBroderie de cheveux par Desert Eclipse StudioBroderie de cheveux par Desert Eclipse StudioBroderie de cheveux par Desert Eclipse StudioBroderie 3D à la mainBroderie de cheveux par Desert Eclipse StudioBroderie de cheveux 3DBroderie de cheveux par Desert Eclipse StudioBroderie 3D à la mainBroderie 3D à la mainBroderie 3D à la mainBroderie 3D à la mainBroderie 3D à la mainBroderie 3D à la mainBroderie 3D à la mainBroderie de cheveux 3DBroderie de cheveux 3DDesert Eclipse Studio: Instagram | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Desert Eclipse Studio.

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Incroyable photo d'un lever de soleil pendant une éclipse solaire ressemble à l'océan a des cornes

Eclipse annulaire Mirage Elias Chasiotis

Depuis son enfance, le ciel est une source de fascination pour l'astronome amateur Elias Chasiotis. Particulièrement attiré par les éclipses, il a récemment fait le voyage au Qatar pour profiter de l'éclipse solaire annulaire. Alors que les nuages ​​rendaient l'éclipse difficile à photographier, Chasiotis a été récompensé par quelque chose d'encore plus spectaculaire. Alors que le soleil se levait sur les eaux, l'éclipse était déjà en vigueur, créant une rare illusion d'optique.

"Le cercle sombre près du sommet du Soleil rougeoyant atmosphérique est la Lune, mais le pic sombre juste en dessous", explique la photo astronomique du jour de la NASA. "C'est parce que le long du chemin, l'atmosphère terrestre avait une couche d'inversion d'air inhabituellement chaud qui a agi comme une lentille gigantesque et a créé une deuxième image."

Le positionnement de Chasiotis n'était pas le fruit du hasard. Il s'est volontairement placé à Al Wakrah parce qu'il savait que l'éclipse commencerait au lever du soleil et il espérait que la position au-dessus de l'eau provoquerait un mirage. Ce phénomène optique atmosphérique particulier – lorsqu'il se produit pendant un lever de soleil normal – est appelé effet vase étrusque. Le grand écrivain de science-fiction Jules Verne a en fait nommé l'illusion d'optique d'après la forme qu'elle fait.

Pour Chasiotis, alors qu'il était déçu de ne pas pouvoir voir l'éclipse solaire annulaire complète – où la lune recouvre complètement le soleil, ne laissant qu'un anneau de feu visible – il est plus que satisfait de ce qu'il a capturé ce jour-là. "Le sentiment pendant l'éclipse était hors de ce monde", partage-t-il avec My Modern Met. «Le croissant de soleil s'est levé dans une couleur rouge foncé qui m'a rappelé la combustion du charbon. Dans un premier temps, deux cornes étaient visibles s'élevant de la mer, qui a rapidement pris la forme d'un croissant. Les distorsions visibles l'ont rendu encore plus idyllique! Une éclipse annulaire a suivi, qui est appelée «l'anneau de feu», car la lune n'est pas assez proche de la Terre pour bloquer tout le soleil. Malheureusement, les nuages ​​ont bloqué ma vue et j'ai raté la phase annulaire. Lorsque le soleil éclipsé réapparut à travers les nuages, ce fut de nouveau un croissant. Même si j'ai raté l'événement principal, j'ai été tellement récompensé par le lever du soleil lui-même que je n'ai pas du tout été désolé. "

Chasiotis aura une autre chance de voir une éclipse solaire annulaire le 21 juin 2020, qui devrait être visible à travers certaines parties de l'Afrique, du Pakistan, du nord de l'Inde et de la Chine.

Lors de l'éclipse solaire annulaire partielle de décembre 2019, un incroyable mirage s'est produit lors du lever du soleil.

Photo de l'éclipse solaire par Elias ChasiotisEclipse annulaire Mirage Elias Chasiotis

L'astronome amateur Elias Chasiotis était là pour le capturer alors que le mirage disparaissait et que le soleil se levait comme un croissant partiellement couvert.

Eclipse Annulaire Décembre 2019 Sunrise

Elias Chasiotis: Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Elias Chasiotis.

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Après avoir perdu ses deux pattes arrière, Brave Cat est maintenant une «superstar» des prothèses

Un tabby orange nommé Vituzzo Superstar a démontré l'incroyable résilience des animaux, même dans les pires situations. En décembre 2018, le félin a été accidentellement renversé par une voiture. Il a été immédiatement transporté à l'hôpital et opéré, mais les vétérinaires n'ont pas pu sauver ses pattes arrière. Pendant ce temps, les humains de Vituzzo étaient en voyage de noces et incapables de le réconforter à travers l'épreuve effrayante.

Décembre 2019 était une autre histoire pour Vituzzo et ses pawrents. Bien que ce fut une année difficile, le courageux chat a été équipé pour des prothèses et a commencé à utiliser les jambes élégantes et robotiques pour se déplacer comme ses autres amis à quatre pattes. Il y avait cependant des différences immédiates. "Ce n'était pas facile de me remettre sur pied avec ces échasses", a déclaré Vituzzo sur son Instagram, "ou de s'habituer à ne plus sauter et à ne pas être le patron du quartier". Mais avec l'amour et le soutien de ses mamans et les gens proches de lui, il a prouvé que rien ne l'empêche de vivre sa meilleure vie.

Faites défiler vers le bas pour voir Vituzzo en action et suivez-le sur Instagram pour voir comment il continue de s'adapter à la vie de chat bionique.

Rien ne retient un tabby orange nommé Vituzzo Superstar de vivre sa meilleure vie, même si le chat bionique manque de deux membres.

Vituzzo a reçu ses membres prothétiques un an après un accident de voiture dévastateur.

Bien que la transition ait été difficile, Vituzzo agit comme n'importe quel autre chat.

Vituzzo Superstar: Instagram
h / t: (Calmar riant)

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La famille Irwin a traité plus de 90 000 animaux blessés dans les feux de brousse australiens

Alors que les incendies de forêt dévastateurs continuent de faire rage en Australie, la famille de Steve Irwin intensifie et poursuit son héritage de sauvetage de la faune. En tant que propriétaires du zoo australien, ils ont traité plus de 90 000 animaux touchés par les incendies. Dans un récent post sur Instagram, Bindi Irwin, 21 ans, a fait savoir aux fans que bien que sa famille et le zoo soient hors de danger, leur hôpital de la faune a été plus occupé que jamais avec les patients.

Bien que les feux de brousse soient courants à cette période de l'année, les incendies se poursuivent depuis août 2019 et ne montrent aucun signe de ralentissement. Récemment, trois incendies ont fusionné pour créer un seul incendie plus grand que l'empreinte de Manhattan. Rien qu'en Nouvelle-Galles du Sud, près de 1 500 maisons ont été perdues et 24 personnes ont péri dans les incendies. Mais ce sont peut-être les animaux qui souffrent le plus, des milliers de personnes perdent leur habitat – s’ils parviennent à s’échapper. Les koalas ont été particulièrement touchés, certains experts les déclarant fonctionnellement éteints maintenant que 30% d'une grande colonie a été tuée.

Cela rend le travail d'Irwin d'autant plus important. Toute la famille poursuit la mission de Steve Irwin, décédé en 2006. L'animateur de télévision australien, également connu sous le nom de «The Crocodile Hunter», a repris le zoo d'Australie de ses parents et il est maintenant géré par sa veuve Terri et ses enfants Bindi. et Robert.

"Mes parents ont dédié notre Australia Zoo Wildlife Hospital à ma belle grand-mère", a écrit Bindi sur Instagram. «Nous continuerons à l'honorer en étant des guerriers de la faune et en sauvant autant de vies que possible.»

Travaillant sans relâche pour prodiguer des soins de premier ordre à tous leurs patients, l'hôpital n'est malheureusement pas en mesure de soigner tout le monde. Bindi a également publié une photo de Blossom, un opossum qui a subi de graves brûlures aux mains d'un incendie dans le Queensland. Malheureusement, elle n'a pas survécu, même après que l'équipe ait fait de son mieux.

"C'est la vérité déchirante, chaque jour est une bataille pour se lever et parler pour ceux qui ne peuvent pas parler pour eux-mêmes", a-t-elle écrit. «Maintenant plus que jamais, nous devons travailler ensemble pour faire une différence et protéger notre Mère Terre.»

Le fils d'Irwin, âgé de 16 ans, Robert, a également fait le point sur le travail de l'hôpital, notamment en publiant une vidéo animée de chauves-souris frugales orphelines nourries au biberon. Avec d'innombrables autres animaux, ils ont perdu leur maison dans les feux de brousse.

Si vous voulez vous impliquer, le zoo australien recueille des fonds pour construire une nouvelle salle afin de suivre l’afflux énorme de patients qu’il reçoit.

Le zoo australien, géré par la famille Irwin, a traité plus de 90 000 patients en raison des récents feux de brousse australiens.

De nombreuses espèces vulnérables se retrouvent désormais orphelines ou sans abri.

Voir ce post sur Instagram

Le #AustraliaZoo Wildlife Hospital accueille des animaux de toute l'Australie. Des centaines de renards volants à tête grise, une espèce classée comme vulnérable, ont été transportés par avion vers le Queensland après que le centre de sauvetage dans lequel ils se trouvaient était en danger d'incendie et évacué. Certains des orphelins sont désormais pris en charge par l'équipe de l'hôpital jusqu'à ce qu'ils soient assez grands pour rentrer chez eux, et il n'y a aucune menace d'incendie. 🦇 En septembre, les admissions de renard volant à l'hôpital ont grimpé en flèche de plus de 750% en raison de la sécheresse et du manque de nourriture. Les renards volants sont maintenant gravement touchés par les incendies de forêt et nous assistons à nouveau à un afflux de ces beaux animaux de partout au pays. Cette semaine, nous avons traité notre 90 000e patient. Pour faire face à tant d'animaux admis à l'hôpital, en 2019, nous avons ouvert un centre de réadaptation pour les tortues de mer, un service de serpents de mer et nous sommes sur le point de terminer une nouvelle zone de récupération des oiseaux, mais ce n'est toujours pas suffisant pour suivre. Nous devons construire un nouveau service pour nos patients. Les guerriers de la faune du monde entier demandent comment ils peuvent nous aider à sauver la faune indigène, vous pouvez faire un don sur notre site Web, ou soutenir notre collecte de fonds pour commencer la construction de notre nouveau quartier en visitant le lien dans notre biographie! 💚

Un post partagé par AustraliaZoo Wildlife Warriors (@wildlifewarriorsworldwide) sur

Zoo d'Australie: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Bible CONT, CNN)

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Un comédien lève 20 millions de dollars en 48 heures pour aider les efforts de lutte contre les incendies en Australie

Dons de célébrités pour les feux de brousse en Australie

Capture d'écran: Facebook Fundraisers

L'Australie brûle comme jamais auparavant. Chaque année, les États du pays sont confrontés à des feux de brousse, mais cette saison a connu des ravages généralisés qui ont provoqué une tragédie imprévisible à la fois pour les personnes et pour l'environnement. Jusqu'à présent, des millions d'acres de terres en Nouvelle-Galles du Sud (NSW) ont été incendiées. Des maisons ont été détruites par les flammes et plus de 20 personnes sont mortes, et l'Université de Sydney estime que près d'un demi-milliard d'animaux ont été tués par les flammes.

La comédienne australienne Celeste Barber, connue pour ses brillantes parodies de célébrités, fait quelque chose pour aider. Elle comprend les ravages des incendies de première main: sa famille a été évacuée de la ville d'Eden en Nouvelle-Galles du Sud et elle a partagé des images étranges de la maison de sa belle-mère.

En réponse aux incendies, elle a créé une collecte de fonds sur Facebook dont les recettes iront au NSW Rural Fire Service (un service financé par le gouvernement et composé de bénévoles) et au Brigades Donations Fund, qui distribue des fonds aux brigades. «S'il vous plaît, aidez par tous les moyens. C'est terrifiant », a-t-elle écrit. Ses efforts se sont révélés plus que fructueux. En seulement 48 heures, la campagne virale a permis de recueillir 20 millions de dollars, et elle est en bonne voie de collecter 30 millions de dollars.

De plus en plus de célébrités ont fait un don pour aider le pays à freiner la dévastation. Le chanteur P! Nk, qui a un énorme succès en Australie, fait un don de 500 000 $ aux pompierset l'actrice australienne Nicole Kidman et son mari Keith Urban ont également promis 500 000 $ AUD à la cause. Et dans les coulisses des Golden Globes d'hier soir, l'actrice, écrivaine, créatrice (et lauréate du Golden Globe) Phoebe Waller-Bridge a annoncé qu'elle allait mettre aux enchères son costume pour aider au soulagement des feux de brousse australiens. De plus, le chanteur Lizzo et comédien Nick Kroll (tous deux actuellement en tournée en Australie) a exhorté les fans à faire un don au Rural Fire Service ainsi qu'à Margot Robbie, Hugh Jackman, Selena Gomez et Hillary Duff.

Si vous souhaitez soutenir les efforts de Barber, vous pouvez faire un don et partager sur Facebook. Vous pouvez faire un don directement au NSW Rural Fire Service ici.

L'Australie connaît une dévastation généralisée à la suite des feux de brousse. Des maisons ont été englouties par les flammes et on estime que près d'un demi-milliard d'animaux ont péri.

La comédienne Celeste Barber a partagé ces photos étranges de la maison de sa belle-mère en Nouvelle-Galles du Sud:

En réponse aux incendies, Barber a créé une collecte de fonds sur Facebook dont les bénéfices iront au NSW Rural Fire Service, un service financé par le gouvernement et composé de bénévoles, ainsi que le Brigades Donations Fund qui distribue des fonds aux brigades.

Barber n'est pas la seule célébrité à s'engager pour son argent ou son soutien aux premiers intervenants.

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Ces œuvres créatives incroyables entrent dans le domaine public en 2020

Journée du domaine public 2020

Photo: Centre d'étude du domaine public

Le 1er janvier est un moment pour repartir à neuf et nous réjouissons de l'année à venir pleine de possibilités. Et pour les amateurs d'art et de culture, le Nouvel An est plus qu'un moment pour ruminer les résolutions, c'est aussi la Journée du domaine public. Chaque année, le 1er janvier, de nouvelles œuvres d'art, littérature, musique et cinéma entrent dans le domaine public.

Aux États-Unis, il ne s'agit que de la deuxième version du domaine public depuis que le Copyright Term Extension Act de 1998 a augmenté la durée du droit d'auteur à 95 ans pour toute œuvre publiée entre 1923 et 1977. Avant 1978, le droit d'auteur expirait après 56 ans. Cela signifie que nous aurions pu voir la sortie de matériel à partir de 1963! Cela aurait inclus le cas d'Alfred Hitchcock Les oiseaux et chansons de The Beach Boys ’ Surfin ’USA. Mais hélas, ce n'est pas le cas.

Pour 2020, nous pouvons toujours nous attendre à une pléthore de découvertes culturelles incroyables de 1924, bien que le Center for the Study of the Public Domain de l'Université Duke souligne certains des pièges d'une si longue durée du droit d'auteur. «Malheureusement, le fait que les œuvres de 1924 soient légalement disponibles ne signifie pas qu'ils sont réellement disponible. Après 95 ans, bon nombre de ces œuvres sont déjà perdues ou se désintègrent littéralement (comme avec les vieux films et enregistrements), preuve de la durée des droits d'auteur sur la conservation des objets culturels. »

Ce qui est encore viable sera disponible pour que les créateurs s'engagent et s'en inspirent pour les années à venir. Pour commencer, Internet Archive et Google Books sont des ressources fantastiques pour la littérature, la musique et les films. Et pour vous inspirer sur ce qu'il faut rechercher, consultez les pages de Wikipédia sur l'art, la musique, la littérature et les films sortis en 1924.

Vous vous demandez ce qui est dans le domaine public en 2020? Consultez la liste des faits saillants des travaux publiés en 1924.

ART

New York Pavements par Edward Hopper

«New York Pavements» par Edward Hopper (Photo: via WikiArt)

  • Chaussées de New York par Edward Hopper
  • Portrait du marchand d'art Johanna Ey par Otto Dix
  • Sons contrastés par Wassily Kandinsky
  • Dieu asiatique, Carnaval dans les montagnes, et Jardin de fleurs par Paul Klee
  • Le Piège, Le Carnaval d’Arlequin, Chef d'un paysan catalan par Joan Miró
  • Le Violon d’Ingres par Man Ray
  • Abstraction des fleurs par Georgia O’Keefe

FILM

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=_QmMHu1mhLE (/ embarqué)

  • Buster Keaton’s Sherlock, Jr. et Le navigateur
  • La première adaptation cinématographique de Peter Pan
  • L'enfer de Dante
  • Le voleur de Bagdad

LITTÉRATURE

Littérature du domaine public 2020

  • Old New York par Edith Wharton
  • L'homme au complet marron par Agatha Christie
  • Un passage vers l'Inde par E.M. Forster
  • Désir sous les ormes par Eugene O’Neill
  • Vingt poèmes d'amour et une chanson de désespoir par Pablo Neruda

LA MUSIQUE

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=eFHdRkeEnpM (/ embarqué)

  • Rhapsodie en bleu par George Gershwin
  • Paresseux par Irving Berlin

h / t: (Centre d'étude du domaine public, Revue du domaine public)

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Artiste fabrique des plantes en papier incroyablement détaillées que vous pouvez tenir entre deux doigts

Plantes en papier faites à la main

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La papetière Raya Sader Bujana fabrique des plantes d'intérieur que vous pouvez tenir entre deux doigts. Le ficus, le monstera et les cactus ne sont que quelques-unes des plantes miniatures en faux pot qu'elle a cultivées avec un couteau X-Acto et des pincettes. Le projet de trois ans en cours s'appelle Petites plantes d'intérieur en gros papier, et chaque sculpture recrée les plantes dans les moindres détails. Bujana utilise le pliage, la notation et l'emballage pour transmettre la panachure des feuilles ainsi que leurs formes rigides ou leur plénitude. Elle n’oublie pas non plus les pots. Ils ont également la même attention aux détails que Bujana construit de minuscules jardinières tissées et enroulées.

La nature méticuleuse de Petites plantes d'intérieur signifie qu'il faut entre cinq et six semaines à l'artiste pour réaliser une seule sculpture. Pendant ce temps, Bujana comprend autant de détails qu'elle peut rassembler, le tout sans esquisser ses idées au préalable. "Je n'ai pas de plan quand je commence à en créer un, sauf le type de plante sur laquelle je veux travailler", dit-elle à My Modern Met, "à part ça, je commence juste à travailler dessus et à créer en cours de route." Cela lui donne la flexibilité et la possibilité d'expérimenter. «J'aime appliquer des techniques d'autres disciplines artistiques ou artisanales, comme le tissage ou la vannerie et les traduire dans le langage du papier», explique-t-elle, «donc les paniers de ces minuscules plantes sont tissés comme de vrais paniers avec du papier.»

Heureusement, Bujana poursuit son travail sur Petites plantes d'intérieur en gros papier. "Mon intention est de continuer lentement à développer cette série et d'essayer d'atteindre un nouveau niveau de détail avec chaque nouvelle pièce." Faites défiler vers le bas pour voir plus de sculptures de Bujana, puis suivez-la sur Instagram pour voir ce qu'elle crée ensuite. Une sélection de ses œuvres en papier est également en vente dans sa boutique Etsy, Little Ray of Sunflower.

Raya Sader Bujana crée des sculptures végétales faites à la main en papier suffisamment petites pour tenir entre vos doigts.

Art de la sculpture sur papierPlantes en papier faites à la mainPlantes en papier faites à la mainPlantes en papier faites à la mainPlantes en papier faites à la mainArt de la sculpture sur papierArt de la sculpture sur papierSculpture d'usine de papierSculpture d'usine de papierSculpture d'usine de papierUsine de papier de cactusUsine de papier de cactusArt de la sculpture sur papier

Raya Sader Bujana: Site Web | Instagram | Facebook | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Raya Sader Bujana.

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Photographe de poupée réinvente Barbie et Ken en tant que civils soviétiques vivant en URSS

Barbie jouit généralement d'une vie luxueuse dans sa Malibu Dreamhouse, mais une récente séance photo de la «photographe de poupée» russe Lara Vychuzhanina voit le jouet emblématique vivre dans un mode de vie entièrement différent. L'artiste a conçu un diorama fidèle à la réalité d'une cuisine d'appartement de l'époque soviétique, révélant à quoi ressemblerait Barbie si elle vivait dans l'ancienne URSS vers 1986.

Travaillant avec de vraies photographies comme référence, Vychuzhanina gère la capture du style du monde soviétique avec des détails incroyables. L'appartement modèle délicieusement nostalgique de 60 x 40 x 50 cm (23,6 x 15,7 x 19,6 pouces) comprend des pots, des casseroles et des appareils de cuisine en plastique que Vychuzhanina a éraflés pour donner l'impression qu'ils sont vieux et rouillés. L'artiste méticuleux a même imprimé des étiquettes d'aliments à échelle réduite et les a collées sur de minuscules boîtes et boîtes de conserve, et la table est aménagée avec un petit-déjeuner simple.

Barbie – vêtue d'un peignoir et ses cheveux enveloppés dans une serviette – est posée en train de suspendre ses sous-vêtements sur une corde à linge, tandis que Ken lit le journal Pravda (anciennement le journal officiel du Parti communiste) à la table et une autre figure (peut-être la mère de Barbie ) est vu laver la vaisselle en arrière-plan. La scène entière est incroyablement crédible – elle est même naturellement éclairée par derrière la fenêtre du diorama fabriqué à la main.

Photographe de métier, Vychuzhanina a commencé à organiser des séances photo avec des poupées en 2013. «Mon hobby est une symbiose entre (mon) amour pour les poupées et l'amour pour les photos», dit-elle. «Les poupées sont les meilleurs modèles. Ce sont les héroïnes de mes photos. Je ne photographie pas la mode, je photographie des histoires. (Les poupées) ne sont pas capricieuses; ils sont silencieux; ils ont toujours l'air bien; ils ne gèlent pas en hiver dans une robe. En général, c'est agréable de travailler avec eux. »

Les images du «photographe de poupée» russe Lara Vychuzhanina montrent Barbie et Ken voyager dans le temps, vers l'ex-URSS.

L'artiste a conçu un diorama miniature réaliste d'un appartement de l'ère soviétique, avec des détails nostalgiques.

Elle a même éraflé des casseroles, des poêles et des meubles en plastique pour les faire paraître vieux et rouillés.

Lara Vychuzhanina: Facebook | Instagram | Pinterest
h / t: (ce n'est pas du bonheur)

Toutes les images via Lara Vychuzhanina.

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