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Un artiste imagine un monde fantastique où des animaux géants vivent paisiblement parmi les humains

Illustrations d'animaux géants par Monokubo

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Avez-vous déjà souhaité avoir un gros compagnon câlin comme Totoro du Studio Ghibli? Ou peut-être un féroce protecteur comme Moro, le dieu des loups Princesse Mononoke? Eh bien, bien que vous puissiez vivre vos rêves dans la vraie vie, vous pouvez nourrir votre fantaisie avec l'art imaginatif de l'artiste japonais Monokubo. Les personnages fantaisistes et animés des films du Studio Ghibli sont l'inspiration derrière ses illustrations d'animaux géants. À travers ses fantastiques peintures numériques, elle imagine un monde où de doux géants coexistent pacifiquement avec les humains.

D'énormes chats domestiques à une famille géante de Shiba Inu, Monokubo illustre les grands géants amicaux que nous souhaitons tous avoir comme animaux de compagnie. Chaque œuvre illustre comment les grands animaux interagissent avec leurs compagnons humains de la manière la plus douce, allant de l'ultime gros oreiller moelleux (parfait pour faire une sieste) à simplement les accompagner dans des aventures à travers les paysages naturels picturaux de Monokubo.

Bien que Monokubo représente une gamme d'animaux dans ses dessins, le chat domestique est son sujet préféré. «Dans la plupart des cas, je choisis les animaux qui ont laissé une impression dans ma vie quotidienne», explique-t-elle à My Modern Met. "J'ai un chat et il est très mignon."

Si vous aimez les œuvres d'art de Monokubo, vous pouvez acheter un livre présentant les meilleurs de son portfolio, maintenant disponible sur Amazon.

L'artiste japonais Monokubo imagine un monde où les doux géants et les humains coexistent pacifiquement.

Illustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par Monokubo

Ses illustrations d'animaux fantastiques sont inspirées des personnages des films du Studio Ghibli.

Illustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboIllustrations d'animaux géants par MonokuboMonokubo: Tumblr | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Monokubo.

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Cet artiste crée des peintures 3D époustouflantes avec une profondeur illusoire

Stefan Pabst Dessins 3D

Parfois, nous voyons des œuvres d'art qui sont si réalistes qu'il est difficile d'en croire nos yeux. C'est le cas dans l'éblouissant portfolio du portraitiste Stefan Pabst. Lorsqu'il n'achève pas des interprétations hyperréalistes de célébrités et d'autres personnages célèbres, l'artiste basé en Allemagne crée des peintures 3D discordantes qui semblent sauter de la page.

De Darth Vader aux tarentules velues en passant par un verre d'eau, le talent magistral de Pabst fait apparaître ses sujets à quelques centimètres de son pinceau. Pour ce faire, Pabst rend non seulement les figures en détail, mais ajoute également des ombres et des reflets utiles pour forger une présence en trois dimensions. Puis, pour compléter l'illusion, l'artiste photographie l'œuvre avec sa main et le pinceau dans le cadre. Ses «vraies» ombres se mélangent avec celles peintes, ajoutant ainsi à la tromperie des figures réalistes.

De plus, ce qui rend de nombreux sujets 3D de Pabst si attirants, c'est qu'ils semblent s'étendre au-delà du bord de sa toile. L'artiste y parvient grâce à une habileté exercée et une mise en scène intelligente. Pabst place souvent d'autres objets dans le cadre de la photographie pour confondre le spectateur quant à ce qui est dessiné et ce qui ne l'est pas. C'est un témoignage de l'habileté de l'artiste que la réponse n'est souvent pas si facile à dire.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de dessins 3D de Pabst et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste Stefan Pabst crée de superbes peintures 3D.

Stefan Pabst Dessins 3D

Son art réaliste en 3D d'animaux, de personnes et d'objets semble sortir de la page.

Stefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst Dessins 3DStefan Pabst: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Stefan Pabst.

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Le concours «Doodle pour Google» est désormais ouvert aux enfants pour montrer leurs œuvres à des milliards de personnes

Doodle pour Google

Photos de PK Studio / Shutterstock

La plupart d’entre nous connaissent Google page d'accueil — il peut même s'agir de la première page Web que vous voyez lorsque vous ouvrez votre navigateur. Et bien que vous puissiez généralement voir le logo de l'entreprise Google dans des tons primaires de bleu, rouge, jaune et vert, il est souvent mis à jour avec une touche créative. L'équipe Google modifie fréquemment son logo pour illustrer des événements notables et la vie d'artistes, de pionniers et de scientifiques célèbres. C'est ce qu'on appelle un Google Doodle: une forme d'art qui a une histoire étonnamment longue.

Doodle pour Google

Le tout premier Google Doodle en 1998, indiquant que les co-fondateurs de Google Larry Page et Sergey Brin assistaient au festival Burning Man. (Photo: Google)

L'idée des doodles est née en 1998, avant même que la société ne soit constituée. Larry Page et Sergey Brin voulaient indiquer leur présence à Burning Man, comme un message humoristique «hors bureau» aux utilisateurs de Google, juste au cas où les serveurs tomberaient en panne. Ils ont ajouté le logo de la figure de bâton de Burning Man derrière le 2e «o» dans le mot Google. Depuis lors, l'idée d'ajouter des graphiques colorés pour personnaliser le logo du moteur de recherche emblématique a pris son envol. Google dispose désormais d'une équipe entière d'illustrateurs (appelés doodlers) qui ont créé plus de 4 000 modèles de pages d'accueil Google dans le monde. Au fil des ans, Google Doodles est passé de modifications subtiles au logo à des illustrations entières, des animations et même des jeux jouables.

Doodle pour Google

Célébrant l'anniversaire de l'artiste japonais Katsushika Hokusai, ce Google Doodle de 2010 a incorporé sa peinture la plus célèbre, «La grande vague au large de Kanagawa». (Photo: Google)

Doodle pour Google

Le premier doodle interactif de Google en 2010 a marqué le 30e anniversaire du jeu d'arcade classique Pac-Man. Il présente des graphismes et des sons, et même les bugs originaux des années 1980. (Photo: Google)

Doodle pour Google

En 2017, Google a célébré le 44e anniversaire du hip-hop avec un Google Doodle multimédia qui comprenait un logo personnalisé du graffeur Cey Adams, des platines interactives et des informations sur l'histoire du hip-hop. (Photo: Google)

Doodle pour Google

En 2017, Google a célébré l'invention de la perforatrice avec cette animation amusante. (Photo: Google)

Le concours Doodle pour Google

Google ne présente pas toujours le travail de ses gribouilleurs internes. L'équipe est parfois à la recherche de nouvelles idées d'utilisateurs. Chaque année, de jeunes artistes basés aux États-Unis de la maternelle à la 12e année sont invités à soumettre leurs idées Google Doodle en fonction d'un thème. La 12e annuelle Concours Doodle pour Google est maintenant ouvert aux soumissions et offre aux jeunes créateurs une plate-forme pour partager leurs œuvres pour une journée avec des milliards de personnes dans le monde.

Thème de cette année

Doodle pour Google

Le thème 2020 Doodle pour Google est le suivant: "Je montre de la gentillesse en…«Les enfants participants sont invités à visualiser ce que la gentillesse signifie pour eux. Ils peuvent utiliser n'importe quel matériau pour créer leur conception – la seule exigence est que leur dessin doit incorporer les lettres G-o-o-g-l-e.

«Alors que les candidatures sont ouvertes, nous invitons les jeunes artistes de la maternelle à la 12e année à ouvrir leur cœur créatif et à nous montrer comment ils trouvent des moyens d'être gentils», explique Jessica Yu, chef d'équipe Doodle. «Lancer un jardin communautaire? Défendre un ami victime d'intimidation? Faire des tâches ménagères? La façon dont vous interprétez le thème dépend de vous! »

Comment entrer

Le concours de cette année est ouvert aux inscriptions en ligne et postées jusqu'au 13 mars 2020 à 20 h 00 HNP. Les étudiants peuvent travailler avec n'importe quel matériel, mais les soumissions doivent être saisies en utilisant le formulaire d'inscription. Si vous êtes un étudiant basé aux États-Unis de la maternelle à la 12e année ou si vous voulez aider quelqu'un à participer au concours, procédez comme suit:

  1. Téléchargez les instructions et le formulaire d'inscription ici.
  2. Faites preuve de créativité en créant un doodle dans le support de votre choix.
  3. Rédigez une déclaration d'artiste pour informer Google de votre travail.
  4. Remplissez le reste des informations requises sur le formulaire d'inscription.

Vous pouvez dessiner votre doodle directement sur le formulaire d'inscription, ou simplement le coller en place et le poster à l'adresse indiquée sur le formulaire. Vous pouvez également participer au concours en ligne, en téléchargeant votre conception sous forme de photo numérique haute résolution ou en la numérisant au format .jpg ou .png.

Les candidatures seront jugées en fonction de compétence artistique, la créativité, et capacité à communiquer le thème de la gentillesse.

Niveaux de compétition

Les finalistes seront jugés sur état par état et regroupés en 5 groupes scolaires (Grades K-3, Grades 4-5, Grades 6-7, Grades 8-9, Grades 10-12).

Les juges sélectionneront les meilleurs doodles de chacun des 50 États, Washington, D.C., Porto Rico, Guam et les îles Vierges américaines comme gagnants des États et des territoires. Ces 54 gagnants d'État et de territoire seront affichés dans une galerie en ligne sur le site Web de Doodle for Google, où le public aura 5 jours pour voter pour son favori. Ces votes permettront de déterminer Finalistes nationaux pour chaque groupe scolaire. Le jury choisira ensuite l'un des cinq finalistes nationaux et annoncera le Gagnant national en juin 2020.

Prix

Gagnant national

L'œuvre du gagnant national sera affichée sur Google.com pendant une journée, et il recevra également une bourse universitaire de 30000 $, un package technologique de 50000 $ pour son école, un voyage au siège de Google en Californie, du matériel Google et des produits Google.

Finalistes nationaux

Les finalistes nationaux présenteront leurs gribouillis sur la galerie Doodle pour Google, et ils recevront une bourse universitaire de 5 000 $, un voyage au siège de Google en Californie, du matériel Google et des produits Google.

Gagnants des États et des territoires

Les gagnants des États et des territoires pourront également voir leur travail présenté dans la galerie Doodle pour Google, et ils recevront également du matériel et des produits Google.

Vous vous sentez inspiré? Entrer ici et découvrez certains des gagnants précédents sur la page suivante.

Suivant: Gagnants précédents

Le sac perdu dans les années 1950 devient une capsule temporelle inattendue révélant à quoi ressemblait la vie à l'époque

Capsule temporelle des années 1950

La découverte d'un sac à main rouge a offert un aperçu de la vie quotidienne d'un adolescent dans l'Ohio des années 1950. En 2019, un gardien du North Canton Middle School réparait des casiers lorsqu'il a découvert un sac coincé derrière un morceau de métal détachable. Bien que poussiéreux et sale, le contenu du sac à main était bien conservé. Ils appartenaient à Patti Rumfola qui a perdu le sac à main en 1957 alors qu'elle était une adolescente fréquentant ce qui était alors le Hoover High School.

Les objets trouvés dans le sac racontent l'histoire d'une adolescente active dans sa communauté, organisée et aimant sa famille. Parmi les objets trouvés figuraient sa carte de la Croix-Rouge américaine junior, des talons de billets, une adhésion au YMCA, des crayons et des stylos aiguisés, un calendrier de poche et des photos de ses amis et de sa famille.

Une fois que l'école a déterminé que Rumfola était le propriétaire légitime, ils ont contacté la North Canton Alumni Association dans l'espoir de la lui rendre. L'organisation a découvert que Rumfola était diplômé de Hoover High en 1960.

Malheureusement, Rumfola est décédée en 2013 à l'âge de 71 ans à DuBois, en Pennsylvanie, donc elle ne verra jamais ces jetons du passé. Mais elle a vécu une vie bien remplie. Selon sa nécrologie, elle était une enseignante à la retraite qui travaillait à Annapolis, dans le Maryland. Et comme dans sa jeunesse, elle était active dans sa communauté en tant qu’adulte et a aidé à fonder la Theatre Arts Guild et le Young Women’s Club à Punxsutawney, Pennsylvanie. Rumfola était également créatrice de costumes et couturière au théâtre Reitz qui aimait passer du temps avec ses enfants et petits-enfants.

Parce que l'école ne pouvait pas lui retourner le sac à main de Rumfola, ils ont tendu la main à ses enfants adultes. "Les cinq enfants de Patti étaient ensemble pour une réunion de famille à l'automne où ils ont ouvert le sac à main pour avoir un aperçu de la vie de leur mère adolescente au Hoover High School", a écrit le North Canton Middle School sur Facebook. «Chacun de ses cinq enfants a gardé l'un des centimes de blé en signe de souvenir de leur maman.»

En 2019, un gardien réparant des casiers a découvert un sac rouge coincé derrière un morceau de métal détachable.

Capsule temporelle des années 1950

Il s'est avéré que le sac appartenait à Patti Rumfola, qui a perdu le sac à main en 1957.

Capsule temporelle des années 1950

Le contenu est une capsule temporelle inattendue de ce qu'était la vie d'un adolescent des années 1950 dans l'Ohio.

Capsule temporelle des années 1950Capsule temporelle des années 1950Capsule temporelle des années 1950Capsule temporelle des années 1950Capsule temporelle des années 1950Capsule temporelleCapsule temporelleCapsule temporelleCapsule temporelleBande dessinée des années 50Photos des années 50Photos des années 50Photos des années 50Capsule temporelle des années 1950Photos des années 50Capsule temporelle des années 1950

Capsule temporelle des années 1950

Malheureusement, Rumfola est décédée en 2013, mais l'école a pu entrer en contact avec ses enfants adultes. Chacun d'eux a gardé un sou du sac pour se souvenir de leur maman.

Capsule temporelle des années 1950

h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via Facebook North Canton Middle School.

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Un homme crée un groupe de promenades pour chiens pour encourager les hommes à parler de leurs sentiments

Les animaux de compagnie ne sont pas seulement des compagnons mignons, ils offrent également de puissants avantages pour la santé mentale. Dans le passé, un homme de Bristol, Rob Osman, a souffert de dépression et d'anxiété sociale, mais a découvert que promener son chien Mali, un Hongrois Vizsla, lui faisait sentir beaucoup mieux. À tel point qu'il a voulu partager l'expérience avec d'autres hommes souffrant de problèmes de santé mentale. Osman a donc créé Dudes & Dogs, un groupe de promeneurs de chiens où les hommes sont invités à parler de leurs sentiments.

«Imaginez la scène. C’est l’une de ces horribles journées froides, mouillées et venteuses, que nous faisons si bien au Royaume-Uni. Il n'y a aucun moyen d'enfer que je veux sortir dans ce domaine, surtout pas la façon dont je me sens ", explique Osman. "Mais il y a le chien, elle ne se soucie pas que j'ai envie de merde aujourd'hui. Elle ne se soucie pas que le temps soit nul, elle veut juste sortir et jouer. Avec moi. Vraiment? Oui vraiment. Et vous savez quoi, c'est la meilleure thérapie que j'aie jamais eue. "

Osman croit que les chiens nous apprennent à apprécier les choses simples de la vie, de marcher dans les bois à profiter de quelques brefs moments de soleil d'hiver. Maintenant, le père de l'un encourage les autres à le rejoindre dans ses promenades, comme un moyen de créer un environnement confortable où les hommes peuvent s'exprimer sur ce qu'ils ressentent. «C'est une bonne façon de le faire parce que vous n'avez pas à vous regarder dans les yeux et que vous êtes dans un espace ouvert», explique Osman. "C'est à leur rythme et il n'y a aucune attente pour eux d'avoir à parler – il se pourrait qu'ils n'écoutent que les premières fois."

Si vous êtes à Bristol et que vous voulez marcher et parler, consultez la page Facebook Dudes & Dogs pour plus d'informations sur la façon de vous inscrire.

Après avoir souffert de dépression et d'anxiété, Rob Osman a créé Dudes & Dogs, un groupe de promeneurs de chiens où les hommes sont invités à parler de leurs sentiments.

Dudes & Dogs: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter
h / t: (Unifier)

Toutes les photos via Dudes & Dogs.

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Pendentif souvenir

Les façons de commémorer physiquement un être cher ont changé au fil du temps. Ces dernières années, il est devenu plus courant de se souvenir de quelqu'un non pas à travers une tombe, mais en utilisant ses restes pour fertiliser un arbre ou en les transformant en objets d'art précieux. Spirit Pieces est une galerie d'arts commémoratifs en ligne qui se spécialise dans la commémoration des personnes perdues en enfermant les cendres de crémation des personnes (ou des animaux de compagnie) dans des sculptures en verre frappantes.

Plus de 40 artisans des États-Unis ont créé des modèles disponibles via Spirit Pieces. De taille et de forme variées, certains sont spécifiques à un type de perte. Un artiste nommé Foster, par exemple, crée des monuments aux chats endormis pour les personnes qui pleurent la mort d'un ami à fourrure. Mais la plupart sont non spécifiques et prennent la forme de coeurs, d'étoiles, d'anges et d'orbes brillants qui sont tous infusés avec une partie des cendres de ceux qui sont passés.

Dave Blake est le créateur de Spirit Pieces, et il en a eu l'idée après avoir perdu sa grand-mère il y a plus d'une décennie. «Je suis convaincu que l'art est un médium qui peut aider les gens à pleurer un être cher car il comble un fossé entre le conceptuel et le physique», dit-il à My Modern Met. "Dans notre cas, l'utilisation des cendres par Spirit Pieces dans la décoration intérieure en verre et les bijoux de crémation donne aux gens un moyen tangible de se connecter au corps physique de leurs proches et à leur esprit conceptuel."

Blake a vu la différence que ces objets peuvent avoir sur quelqu'un en deuil. «Nous entendons tout le temps que les gens se sentent plus proches et moins seuls après avoir reçu des monuments commémoratifs Spirit Pieces», explique-t-il. Et bien que son service soit nouveau, il a existé, sous de nombreuses formes, à travers l'histoire – et même dans le règne animal. «Nous voyons ce type de résonance à travers l'histoire avec l'art et les signes de la mort, que ce soit les sanctuaires des pyramides égyptiennes. Même les éléphants avec leurs cimetières d'éléphants font écho à ce motif – en tant que tel, nous pensons que c'est un besoin profondément ancré qui doit être satisfait lorsque quelqu'un perd un être cher. "

Spirit Pieces est une galerie d'arts commémoratifs en ligne qui se spécialise dans la commémoration des personnes perdues en enfermant les cendres de crémation des personnes (ou des animaux de compagnie) dans des sculptures en verre frappantes.

Souvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifPendentif souvenirPendentif souvenirPendentif souvenirArt commémoratif Spirit PiecesArt commémoratif Spirit PiecesArt commémoratif Spirit PiecesArt commémoratif Spirit PiecesArt commémoratif Spirit PiecesArt commémoratif Spirit PiecesPendentif souvenirSouvenir de pendentif commémoratifPendentif souvenirPendentif souvenirPendentif souvenirSouvenir de pendentif commémoratifSouvenir de pendentif commémoratifSpirit Pieces: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Spirit Pieces.

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L'enseignant démissionne en larmes sur Livestream avec une dernière leçon pour les élèves

Démission d'une enseignante d'Amanda Coffman

Les enseignants sont quelques-uns des personnages les plus importants de la vie d'un enfant. Non seulement ils transmettent des connaissances, mais ils aident également à développer les compétences nécessaires pour que les enfants deviennent finalement des adultes prospères. Ce faisant, ils doivent souvent défendre les intérêts de leurs élèves, comme l'a récemment montré l'éducatrice Amanda Coffman. Dans un discours passionné prononcé devant le conseil scolaire de Shawnee Mission, elle a démissionné en milieu d'année en raison d'un contrat de trois ans qui n'était pas dans le meilleur intérêt des enseignants ou des élèves. "Cela ne va tout simplement pas fonctionner", a-t-elle déclaré au district. "Les enfants et moi méritons mieux."

L'une des principales raisons de son départ est que le personnel enseignant était sous-financé et surchargé de travail. Il y a plusieurs années, le district scolaire de Shawnee Mission a subi des compressions budgétaires et les enseignants ont accepté de déplacer leur charge de travail de cinq classes par jour à six. En 2020, une partie de ce financement a été rétablie. Les enseignants voulaient que le district s’engage à utiliser cet argent pour embaucher plus d’éducateurs et alléger la charge de travail actuelle, ce que Shawnee Mission ne pouvait pas promettre.

Démission d'une enseignante d'Amanda Coffman

La réunion du conseil scolaire a été présentée en direct. Avant l'événement, Coffman avait dit à ses élèves et à ses parents de se brancher. Après avoir annoncé sa démission, elle a déclaré: «Je voudrais m'adresser à mes élèves, dont beaucoup regardent la diffusion en direct ce soir.»

Coffman a utilisé ce moment terrible comme un moyen de transmettre une dernière leçon à ses élèves à travers ses paroles et son action. «Je pouvais accepter ce contrat, sourire et garder le silence sur les mensonges que le district perpétue à propos de ses enseignants, mais cela ne veut pas dire que je devrais», a-t-elle expliqué en larmes dans son discours. «J'espère que dans vos relations futures, qu'elles soient personnelles ou professionnelles, vous vous éloignerez quand vous le devriez. Ce n'est pas parce que vous pouvez accepter moins pour vous-même. "

De nombreux enseignants choisissent de démissionner du district scolaire à la fin de l'année scolaire. Coffman, cependant, admet qu'elle est dans une position privilégiée car le salaire de son mari leur permet de vivre sans le sien pendant quelques mois. Son intention était de faire une grande déclaration au district et de leur rappeler à quel point les enseignants sont importants pour les élèves.

Depuis son départ, la vidéo du discours de Coffman est devenue virale. "J'ai parlé hier soir principalement pour expliquer à mes élèves pourquoi je ne serais pas là aujourd'hui", a-t-elle écrit dans un article sur Facebook. «Je ne m'attendais pas à ce qu'il résonne avec autant de puissance auprès de tant de gens.»

L'enseignante Amanda Coffman a démissionné en milieu d'année pour un contrat défavorable pour les enseignants et les élèves. Regardez son discours passionné devant le conseil scolaire de Shawnee Mission:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=POBQITtCbDk (/ intégré)

h / t: (BuzzFeed)

Toutes les images via YouTube.

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Apprenez à dessiner un loup hurlant à la lune étape par étape

Comment dessiner un loup

Photos du stock de sonsart / Shutterstock

Rien ne capture le désert comme un loup hurlant à la lune. C'est une image emblématique qui est utilisée dans les romans et les films pour communiquer l'étreinte de la nature. Donc, si vous avez déjà maîtrisé comment dessiner un chien, pourquoi ne pas vous aventurer dans les forêts et apprendre à dessiner son majestueux ancêtre, le loup?

Bien qu'ils soient des créatures sauvages, les loups ont beaucoup en commun avec les adorables compagnons domestiques que nous gardons à nos côtés aujourd'hui. Certaines races de chiens, comme les huskies et les malamutes, semblent partager de nombreuses similitudes, surtout quand elles hurlent. Pourtant, il est important d'approcher chaque sujet de dessin avec de nouveaux yeux attentifs. Si vous vous sentez prêt à faire de l'art, suivez ce tutoriel pour apprendre à dessiner un loup hurlant à la lune en seulement sept étapes simples!

Apprenez à dessiner un loup étape par étape

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photos de la zef art / Shutterstock

C'est une bonne pratique de faire un peu de recherche avant de commencer un dessin. Dans le cas d'un loup hurlant à la lune, essayez de collecter quelques images sous différents angles pour mieux comprendre la forme de la bouche ouverte du loup. Soyez très sélectif et trouvez des photos de haute qualité sans obstruction de la tête, des jambes et surtout des pattes du loup (car celles-ci sont souvent cachées par l'herbe). Pour cette raison, il est judicieux de recueillir quelques images, car il est difficile de trouver une photo parfaite qui vous montrera tout ce dont vous avez besoin.

Lorsque vous commencez à dessiner, n'oubliez pas qu'il existe différentes espèces de loups dont les manteaux varient en apparence en fonction de la période de l'année où la photo a été prise. Pour cette raison, regardez toujours d'abord votre propre photo de référence, car elle peut différer de l'exemple illustré.

Étape 1: esquissez légèrement les formes de base

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Tout d'abord, à l'aide de votre crayon de choix, légèrement esquisser les formes de base de la tête, de la poitrine et des postérieurs. À ce stade, nous mesurons simplement les proportions, alors consultez souvent votre photo de référence pour voir si elle correspond à peu près à votre loup de choix. Après avoir dessiné le cercle de la tête, vous pouvez ajouter une forme rectangulaire dépassant du côté – ce sera la bouche ouverte.

Étape 2: connecter le corps

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Une fois satisfait des formes de base, vous pouvez commencer à les connecter à créer le corps du loup. Si votre modèle a un manteau d'hiver épais, gardez le cou arrondi lorsqu'il se connecte à la poitrine. Ensuite, ajoutez une oreille en forme de triangle où la tête rencontre le dos, en gardant à l'esprit que les loups ont des oreilles assez grandes. Avant de continuer, placez soigneusement une ligne épaisse à l'endroit où l'arête du nez rencontre la tête du loup, indiquant un œil fermé.

Étape 3: ajoutez les jambes et les pattes

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Maintenant, avec le corps en place, nous pouvons tourner notre attention vers dessiner les jambes. Par rapport aux chiens, les loups ont de très longues pattes, alors gardez cela à l'esprit lorsque vous dessinez. Vous pouvez commencer avec des formes géométriques droites pour les membres antérieurs et des formes arrondies pour les membres postérieurs. Ensuite, à la fin, placez de grands ovales pour les pattes. N'oubliez pas d'inclure une longue queue moelleuse à la fin du corps du loup.

Si vous vous sentez satisfait des proportions des jambes, vous pouvez continuer et ajouter plus de détails anatomiques ainsi que découper les orteils des pattes du loup des ovales.

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Étape 4: dessinez la bouche

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Ensuite, nous pouvons retourner notre attention sur la tête et le corps du loup. Puisque notre loup hurle, vous voudrez "Découpez" un triangle du grand rectangle nous avons dessiné avant. Consultez votre photo de référence et faites attention à la courbe douce de la bouche du loup qui hurle – en général, seulement une ou deux dents sont visibles. Ensuite, à la pointe du museau, esquissez la forme du nez.

Il peut être difficile de trouver le bon équilibre dans la bouche ouverte du loup, alors faites particulièrement attention à ce stade. Une fois que vous avez terminé, cependant, regardez le reste de votre croquis pour voir si cela correspond. Si vous êtes satisfait de son apparence, allez-y et esquissez quelques détails de la fourrure là où le manteau est le plus épais.

Étape 5: effacer les directives

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Enfin, lorsque vous vous contentez de l'esquisse finale, vous pouvez commencer effacer toutes les directives inutiles. Si quelque chose vous dérange encore à ce stade, mettez un peu de côté le dessin et revenez-y. Une fois que vous avez un peu de distance, allez-y et faites les ajustements qui vous semblent nécessaires.

Étape 6: ajoutez la lune

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Enfin, il est temps de donner à votre loup un arrière-plan approprié. À dessiner une pleine lune parfaite, utilisez un rapporteur et mesurez la forme près de la tête du loup. N'hésitez pas à le rendre particulièrement grand pour une illustration percutante. Ensuite, si vous souhaitez étoffer le reste de la composition, dessinez quelques arbres derrière le loup pour indiquer une forêt.

Pointe: Si vous prévoyez de terminer le dessin à l'encre, gardez à l'esprit l'équilibre du noir et du blanc. Par exemple, si le ciel sera complètement noir, assurez-vous qu'il y a suffisamment d'éléments blancs pour le complimenter et vice versa.

Étape 6: Parcourez le dessin à l'encre et / ou à la couleur

Comment dessiner un loup hurlant à la lune

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Pour terminer votre dessin à l'encre, sortez votre stylo préféré et tracez lentement votre dessin final. Une fois que vous avez parcouru toutes les lignes de graphite, pensez à ajouter de la texture à certaines des zones blanches de l'illustration pour la faire apparaître. Les hachures et le dessin de points sont deux façons simples de couvrir un espace vierge de manière intéressante.

Enfin, une fois que vous avez laissé suffisamment de temps à l'encre pour sécher, effacez toutes les lignes de crayon restantes. Félicitations! Vous avez maintenant une illustration dramatique d'un loup hurlant à la lune.

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Un photographe découvre trois oursons «dansants» s'amusant dans la forêt finlandaise

Oursons dans la forêt finlandaise

Les ours dansants semblent sortir d'un conte de fées, mais Valtteri Mulkahainen, professeur et passionné de photographie, a trouvé la scène magique dans la vraie vie. Après avoir exploré la forêt finlandaise près de la ville de Martinselkonen, il a vu un ours et ses trois petits marcher vers une clairière. «Je me suis caché et j'ai regardé pour voir ce qu'ils feraient», dit-il à My Modern Met.

Pendant que la maman ours restait seule, les petits étaient beaucoup plus actifs. "Les oursons ont joué entre eux comme de petits enfants", partage-t-il. «Ils se tenaient en cercle et ont commencé à se pousser les uns les autres, en tapant du pied, c'était comme danser en cercle. Ils sont restés là pendant environ une demi-minute, poussant et poussant. » Comme on pouvait s'y attendre, cela s'est transformé en un logement rudimentaire ludique. «Ensuite, ils ont commencé à se battre et tous étaient en un tas sur le sol.» Mulkahainen a eu la chance d'en capturer une grande partie avec son appareil photo.

Alors que les oursons dansants représentent certaines des pièces les plus populaires de Mulkahainen, il a accumulé un portefeuille impressionnant au fil des ans. «J'adore photographier la nature finlandaise et les animaux sauvages», partage-t-il. "La nature finlandaise, surtout en Laponie en hiver, est très belle."

Faites défiler vers le bas pour en voir plus sur les adorables ours, puis regardez plus de photographies de Mulkahainen sur Instagram.

Valtteri Mulkahainen, professeur et passionné de photographie, est tombé sur trois oursons dans la forêt finlandaise.

Oursons dans la forêt finlandaise

Il s'est caché pour ne pas les déranger et a pris des photos d'ours dansants magiques.

Ours dansants Photos par Valtteri MulkahanienOurs dansants Photos par Valtteri MulkahanienOurs dansants Photos par Valtteri MulkahanienOursons dans la forêt finlandaiseOurs dansants Photos par Valtteri Mulkahanien

«Ils se tenaient en cercle et ont commencé à se pousser, en tapant du pied, c'était comme danser en cercle», raconte-t-il à My Modern Met. «Ils sont restés là pendant environ une demi-minute, poussant et poussant.»

Ours dansants Photos par Valtteri MulkahanienOursons dans la forêt finlandaiseValtteri Mulkahainen: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Valtteri Mulkahainen.

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Des nuages ​​irisés incroyables ressemblent à des bulles de savon sur la plus haute montagne de Sibérie

Illusion d'optique d'irisation avec des nuages

La photographe russe Svetlana Kazina aime profondément la nature. À tel point qu'il y a plus de vingt ans, elle a quitté son emploi en ville et a transféré sa famille dans une cabane dans un village de montagne près de la frontière du Kazakhstan. C’est ici qu’elle a pu perfectionner son art et passer du temps dans un environnement grandiose. L'un de ses endroits préférés pour photographier est le plus haut sommet de Sibérie, la montagne Belukha. Et lors d'une récente journée d'hiver, elle a pu capturer de superbes photos de nuages ​​irisés planant au sommet.

Considérée comme une montagne sacrée par les habitants, elle culmine à 4 500 mètres et est située dans les montagnes de l'Altaï. Comme on pouvait s'y attendre, compte tenu de son niveau d'altitude, arriver à Belukha Mountain n'est pas facile. Kazina note que depuis son village, il a fallu un jour en voiture et deux jours à pied pour atteindre la vallée d'Ak-Kem. De là, c'est un autre jour pour atteindre la base de la montagne. Un voyage si difficile signifiait que les seuls autres accompagnateurs de Kazina pendant son séjour sur la montagne étaient des scientifiques et des météorologues menant des recherches.

Cependant, le temps passé à arriver à destination en valait la peine lorsqu'elle s'est réveillée un matin pour une vue spectaculaire. Les conditions sèches et givrées, associées à des vents violents, ont fait apparaître des nuages ​​irisés. Nichées entre les pics est et ouest, ces couleurs arc-en-ciel apparaissent souvent lorsque les nuages ​​sont proches du soleil et de la lune. Comme ils se produisent souvent à Belukha Mountain, Kazina était prête.

Bien que l'irisation soit facile à voir à l'œil nu, tant que le soleil n'est pas trop fort, il peut être difficile de le capturer à la caméra. À l'aide d'un filtre polarisant et d'un trépied, Kazina a braqué son appareil photo sur les éblouissants nuages ​​arc-en-ciel dans le ciel et s'est détachée. Les résultats parlent d'eux-mêmes. Chaque nuage a son propre aspect unique, de la barbe à papa multicolore aux bulles de savon géantes dans le ciel. Alors que Kazina a passé un court instant à observer les nuages ​​- ils devaient se déplacer vers la prochaine station météorologique -, elle a quand même pu repartir avec un incroyable portefeuille d'images.

Vous pouvez suivre plus d'aventures de Kazina sur Instagram et Facebook, ainsi que son site Web où elle vend des calendriers pour aider à financer son travail.

Svetlana Kazina a photographié des nuages ​​irisés sur le plus haut sommet de la Sibérie, la montagne Belukha.

Nuages ​​arc-en-ciel dans les montagnes de l'AltaïNuages ​​irisés dans les montagnes de l'AltaïNuages ​​arc-en-ciel dans les montagnes de l'Altaï

L'irisation est causée lorsque la lumière se diffuse à travers de petites gouttelettes d'eau ou de la glace dans les nuages ​​près du soleil.

Nuages ​​irisés dans les montagnes de l'AltaïIllusion d'optique d'irisation avec des nuagesNuages ​​irisés sur la montagne Belukha en Sibérie par Svetlana Kazina

Les nuages ​​arc-en-ciel ressemblent à des bulles de savon.

Iridescence des nuages ​​en SibérieIridescence des nuages ​​en SibérieNuages ​​irisés sur la montagne Belukha en Sibérie par Svetlana Kazina

Svetlana Kazina: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Svetlana Kazina.

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Cette exposition immersive vous donne l'impression de vous promener dans des peintures du XIXe siècle

Musée d'art numérique Atelier des Lumières

Installé dans une ancienne fonderie de fer à Paris, l'Atelier des Lumières a récemment été transformé, encore une fois. Cette fois, l'exposition d'art numérique de Culturespaces célèbre le travail d'artistes du XIXe siècle amoureux de la Méditerranée. Des impressionnistes comme Renoir et Monet aux maîtres du pointillisme comme Signac et Cross, les visiteurs peuvent s'immerger dans les couleurs vibrantes de plus de 500 œuvres d'art de 20 artistes.

le Monet, Renoir et Chagall: voyages autour de la Méditerranée exposition fait suite à la précédente Nuit étoilée Vitrine de l'Atelier des Lumières. L'espace industriel épique a été transformé en un pays des merveilles de Vincent van Gogh, affichant son meilleur travail à l'aide de 20 vidéoprojecteurs laser. La nouvelle exposition continue de raconter comment un mouvement artistique a conduit au suivant, également avec des projections numérisées éblouissantes. «Ces artistes ont vu Van Gogh comme un génie de la peinture qui, après son départ de Paris, a utilisé la couleur pure comme principal moyen d'expression», explique Culturespaces. «Dans les années 1880, la Méditerranée attire de nombreux artistes: abandonnant Paris et les régions du nord, ils affluent vers les rives sud, entre Collioure et Saint-Tropez. C'est à ce moment qu'ils ont développé une nouvelle approche de la représentation de la lumière et de la couleur. »

L'exposition numérique immersive met en valeur les personnalités artistiques de 20 grands artistes, à travers leurs propres interprétations des paysages marins et urbains de la Méditerranée. En sept séquences d'une durée de quarante minutes, les visiteurs vivront un voyage à travers les différents styles de l'art du XIXe siècle, se terminant par l'un des plus grands coloristes de l'époque: Chagall.

Une exposition complémentaire et complémentaire à l'Atelier des Lumières met en lumière le travail de l'artiste du 20e siècle Yves Klein. «Elevé à Nice, Yves Klein aimait le ciel méditerranéen et s'en est inspiré pour créer sa première œuvre», explique Culturespaces. "Il croyait que" la peinture est COULEUR "et il a cherché à individualiser, libérer et magnifier la couleur dans sa forme la plus pure." Yves Klein: Infinite Blue plongera les spectateurs dans les célèbres œuvres aux couleurs bleues de l'artiste, de ses gravures corporelles à sa série Cosmogonies.

le Monet, Renoir et Chagall: voyages autour de la Méditerranée Cette exposition est actuellement à l'affiche jusqu'au 3 janvier 2021. Vous pouvez en savoir plus sur la spectaculaire vitrine sur le site Web de Culturespaces.

De Renoir à Chagall, la dernière exposition numérique de l'Atelier des Lumières présente le travail d'artistes du XIXe siècle amoureux de la Méditerranée.

Musée d'art numérique Atelier des LumièresMusée d'art numérique Atelier des Lumières

Le supplément Yves Klein: Infinite Blue Cette exposition plongera le spectateur dans les célèbres œuvres aux couleurs bleues de l'artiste.

Musée d'art numérique Atelier des LumièresCulturespaces: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | YouTube | Vimeo

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Culturespaces.

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Il y a un livre de coloriage Jason Momoa pour les adultes qui aiment un "Epic Dreamboat"

Jason Momoa

Photo: Stock Photos de Tinseltown / Shutterstock
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Fans de Jeu des trônes et Aquaman l'acteur Jason Momoa peut désormais acheter un livre de coloriage qui présente la star hawaïenne dans des illustrations fantastiques et romantiques. Le livre de coloriage pour adultes, intitulé Crush et couleur: Jason Momoa, permet aux admirateurs de se plonger dans "plus de 35 dessins réalistes tout à fait uniques du dreamboat robuste" alors qu'il entreprend plusieurs activités rigoureuses ou relaxantes.

Illustré par l'artiste italien Maurizio Campidelli, le livre de coloriage ludique montre Momoa faisant des prouesses physiques telles que naviguer sur un bateau, couper du bois et escalader une falaise. De plus, les fans peuvent également se délecter des images plus détendues de l'acteur pratiquant la méditation et dégustant une tasse de café. "Sur chaque page se trouve le charme aéré de Jason et sa vigueur irrésistible prête à colorier les détails", indique la description du livre. "Colorez votre chemin vers une journée de rêve avec des rêveries envoûtantes et des affichages émouvants de masculinité sur chaque page."

Faites défiler vers le bas pour voir certaines des meilleures illustrations Crush et couleur: Jason Momoa livre de coloriage. Et pour ceux qui ont les yeux sur une autre idée, Campidelli publiera d'autres livres de coloriage fantastique d'acteurs préférés, comme Keanu Reeves et Idris Elba, plus tard cette année. Les deux sont actuellement disponibles en précommande sur Amazon.

Saviez-vous qu'il existe un livre de coloriage pour adultes Jason Momoa?

Livre de coloriage Jason Momoa

Il présente des illustrations fantaisistes de la Jeu des trônes et Aquaman acteur que vous pouvez colorier.

Livre de coloriage Jason MomoaLivre de coloriage Jason MomoaLivre de coloriage Jason MomoaLivre de coloriage Jason MomoaLivre de coloriage Jason MomoaLivre de coloriage Jason MomoaLivre de coloriage Jason Momoa

Il y a aussi des livres à colorier qui seront bientôt publiés et qui seront d'autres favoris, notamment Keanu Reeves et Idris Elba.

Crush and Color: Livre de coloriage Keanu ReevesCrush + Color: Livre de coloriage Idris Elba

h / t: (Oprah)

Toutes les images via Amazon.

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On demande à une femme arrêtée dans le métro de chanter «peu profonde» et elle étourdit tout le monde

Femme chante peu profonde dans le métro

Une star est née dans un métro grâce à la chanson emblématique de Lady Gaga "Shallow". Tout a commencé lorsque l'animateur de talk-show en ligne Kevin Freshwater filmait du contenu pour sa populaire page Facebook. Il jouait un jeu appelé "Terminer les paroles", dans lequel il approche des gens au hasard, chante quelques lignes d'une chanson, puis invite l'étranger à terminer le couplet.

Bien que cela se traduise normalement par des déclarations maladroites, Charlotte Awbery était un cas différent. Freshwater a chanté quelques mots de Une star est néeLa chanson primée aux Oscars. À sa grande surprise, Awbery a une grande voix. Et après que sa surprise se soit apaisée, elle a commencé à courber le refrain à l'entrée d'une station de métro. Freshwater, lui-même surpris à ce moment-là, a demandé si elle était une chanteuse professionnelle alors qu'Awbery s'éloignait. Il s'avère qu'elle l'est!

Le clip de "Finish the Lyrics" est depuis devenu viral, et les gens se sont rassemblés sur les réseaux sociaux d'Awbery où elle publie une vidéo de son chant. Vous pouvez également trouver plus de ses chansons de couverture sur YouTube.

Regardez la chanteuse Charlotte Awbery rocker le jeu «Finish the Lyrics» de Kevin Freshwater avec son interprétation de «Shallow» du film Une star est née.

"Shallow" n'est pas la première reprise spectaculaire d'Awbery.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=wWdOy000WSo (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=JD9f7p_Ydn8 (/ intégré)

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=JibPVNgU_SI (/ embarqué)

Charlotte Awbery: Instagram
Kevin Freshwater: Facebook | Instagram
h / t: (PopSugar)

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La glace tombée dans un trou de 450 pieds ressemble à une bataille laser spatiale

Ice Core Sound John Andrew Higgins:

Photos de I. Noyan Yilmaz / Shutterstock

Des chercheurs de l'Université de Princeton sont actuellement en Antarctique, forant des trous à des centaines de pieds de profondeur afin d'en savoir plus sur le changement climatique. L'équipe a extrait des carottes de glace vieilles de milliers (voire de millions) d'années pour fournir des informations sur le climat de la Terre depuis tout ce temps. Alors que l'équipe effectue des recherches importantes, elle prend également le temps de s'amuser un peu. Géochimiste John Andrew Higgins a récemment partagé une vidéo sur Twitter, révélant le bruit surprenant de la glace lorsqu'elle est tombée dans un trou de 137 mètres.

Vous pourriez vous attendre à entendre des thunks et des thuds, mais la vidéo de Higgins révèle un son totalement inattendu. Alors que le bloc de glace tombe plus loin dans l'abîme, il semble qu'une bataille intergalactique au pistolet laser se déroule bien en dessous, avec des «bancs de banc!» cinglant bruyamment. Higgin’s a été inspiré par son collègue chercheur, le Dr Peter Neff de l’Université de Washington. Il a eu l'idée de faire tomber la glace dans un forage de 295 pieds de profondeur (90 mètres de profondeur) en 2018, et a partagé une vidéo similaire, désormais virale.

Le son étrange est le résultat d'un phénomène appelé «effet Doppler». Les ondes sonores se compressent à mesure qu'elles se rapprochent et s'étirent lorsqu'elles s'éloignent, ce qui réduit la fréquence et la hauteur. "Lorsque la glace atteint le fond du trou de forage, le son ne vient pas seulement directement – les ondes sonores commencent à rebondir sur les côtés du trou", explique Neff dans une vidéo. "C'est pourquoi vous entendez ce" banc! ""

Le géochimiste John Andrew Higgins a récemment partagé une vidéo sur Twitter, révélant le bruit surprenant de la glace lorsqu'elle est tombée dans un trou de 450 pieds.

Un autre chercheur, Peter Neff, explique pourquoi ce son étrange se produit.

John Andrew Higgins: Twitter
h / t: (IFLScience!)

Toutes les photos via John Andrew Higgins.

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Faites plaisir à un bibliophile avec l'un de ces «nouveaux» cadeaux pour les lecteurs

Cadeaux pour les lecteurs

Une nouvelle année signifie souvent de nouveaux objectifs, de nouvelles résolutions et, pour certains, une nouvelle liste de lecture. Eh bien, comme toute aventure, il est utile d'avoir les bons accessoires pour que l'histoire continue. Heureusement, si vous magasinez pour un amateur de livres ou si vous êtes vous-même bibliophile, My Modern Met Store propose une variété de cadeaux astucieux pour les lecteurs qui feront un excellent ajout à la bibliothèque de toute personne.

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Regardez la bande-annonce officielle de «The French Dispatch», le 10e long métrage de Wes Anderson

Pour les fans de films indépendants, la sortie d'un nouveau film de Wes Anderson est aussi attendue que n'importe quel gros blockbuster d'été. Connu pour son style cinématographique distinctif et ses moulages de personnages originaux, les productions d'Anderson ravissent les cinéphiles depuis plus de 20 ans. Si vous êtes un fan des films d'Anderson, vous n'aurez pas à attendre trop longtemps pour profiter de sa dernière offre créative; la bande-annonce de son prochain film — et 10e long métrage—La dépêche française a été récemment publié.

La dépêche française détaille une fiction New yorkais-desque magazine en France du XXe siècle. Gérée par des journalistes expatriés américains, la bande-annonce met en lumière ces personnages ainsi que plusieurs histoires fictives qui seront publiées dans le dernier numéro du magazine. Dans la bande-annonce pleine d'action, nous vous proposons des contes passionnants détaillant les artistes, les révolutionnaires, ainsi que le mystère et l'intrigue. Les multiples intrigues ont permis à Anderson de travailler avec plusieurs de ses acteurs préférés, notamment Owen Wilson, Adrien Brody, Tilda Swinton et, bien sûr, Bill Murray.

Regardez la bande-annonce complète ci-dessous. La dépêche française sortira le 24 juillet 2020.

Êtes-vous un fan de Wes Anderson? Regardez la bande-annonce de son dernier film, La dépêche française:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=TcPk2p0Zaw4 (/ intégré)

The French Dispatch: Site Web | Facebook | Instagram

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Jeff Bezos promet 10 milliards de dollars pour créer un fonds pour les changements climatiques

Jeff Bezos crée le Fonds Bezos Earth

Photo: Photos de Lev Radin / Shutterstock

En tant qu’homme le plus riche du monde, Jeff Bezos a beaucoup d’argent à revendre. Et maintenant, il en fait bon usage en démarrant le Fonds Bezos Earth. Le PDG d'Amazon a promis 10 milliards de dollars de son propre argent pour démarrer le fonds, qui luttera contre le changement climatique. Dans une annonce sur son Instagram personnel, Bezos a qualifié le changement climatique de «plus grande menace pour notre planète». En avançant, il financera des recherches sur ce problème important.

Bezos a déclaré que le fonds sera utilisé pour aider les scientifiques, les militants, les ONG et «tout effort qui offre une réelle possibilité d'aider à préserver et à protéger le monde naturel». Il appelle également les autres grandes entreprises à aller de l'avant avec les gouvernements, les particuliers et les petites entreprises pour créer l'action collective nécessaire pour arrêter le changement climatique.

Cette annonce intervient à un moment où Amazon prend également des mesures pour atténuer ses effets sur l'environnement. En septembre, ils ont dévoilé leur engagement climatique, qui les engage à respecter l’objectif de l’accord de Paris de zéro émission de carbone. Ils ont l'intention de le faire d'ici 2040, 10 ans plus tôt que la plupart des pays. En investissant 100 millions de dollars dans des projets de reboisement et en commandant 100 000 véhicules de livraison électriques, ce géant de la vente au détail en ligne prend des mesures positives.

Pourtant, un groupe appelé Employés d'Amazon pour Climate Justice n'est pas entièrement satisfait de ces mesures. Ils soulignent qu'Amazon travaille non seulement avec des sociétés pétrolières et gazières, mais finance un groupe de réflexion qui s'engage dans le déni du changement climatique. Pour eux, le geste de Bezos ne suffit pas.

"Nous applaudissons la philanthropie de Jeff Bezos, mais une main ne peut pas donner ce que l'autre retire", a écrit Amazon Employees for Climate Justice dans un déclaration. «Les habitants de la Terre doivent savoir: quand Amazon va-t-il cesser d'aider les sociétés pétrolières et gazières à ravager la Terre avec encore plus de puits de pétrole et de gaz? Quand Amazon va-t-il cesser de financer des groupes de réflexion qui nient le climat comme le Competitive Enterprise Institute et la politique de ralentissement du climat? »

Bien qu'Amazon ne commente pas les déclarations du groupe d'employés, ils sont satisfaits de l'engagement de Bezos, déclarant qu'il "aura un impact énorme". Avec une richesse personnelle s'élevant à 129,9 milliards de dollars, selon Forbes, 10 milliards de dollars sont une monnaie de poche pour le milliardaire. Bezos a été critiqué dans le passé pour son manque de générosité par rapport aux autres. Cependant, au cours des dernières années, le fondateur d'Amazon a fait plus de contributions caritatives, y compris la création du Day One Fund en 2018. Il a engagé 2 milliards de dollars dans ce fonds qui travaille sur les questions de la famille et des sans-abri et au cours des deux dernières années, c'est distribué 196 millions de dollars.

Bien que tous les détails sur la manière et le moment de postuler n'aient pas été annoncés, le Bezos Earth Fund commencera à octroyer des subventions cet été.

h / t: (The Verge, Buzzfeed)

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Gagnants à couper le souffle du concours international de photographe de paysage de l'année 2019

Concours international de photographie de paysage de l'année

Bonaire, Caraïbes néerlandaises par Sander Grefte (Pays-Bas), deuxième place, la photographie internationale de paysage de l'année 2019.

Près de 850 photographes paysagistes du monde entier ont soumis leurs meilleurs travaux au Photographe international de paysage de l'année 2019 compétition. Le jury d'experts, qui comprend le vainqueur de l'année dernière, a réduit un champ de 3 400 images pour sélectionner le meilleur portfolio et la meilleure photo. Au final, c'est le photographe russe Oleg Ershov qui a remporté le premier prix pour son incroyable éventail de photographies de paysages d'Angleterre et d'Islande.

Ershov a battu le photographe chinois Yang Guang, qui a fait une démonstration impressionnante avec sa collection d'images du désert de Badain Jaran. La meilleure image individuelle a été décernée à la photographe française Magali Chesnel pour sa photo aérienne des marais salants de Grussain, en France. Plusieurs prix spéciaux ont également été décernés pour les meilleures photos individuelles qui ont excellé dans les catégories suivantes: neige et glace, vue aérienne abstraite, faune dans la nature, arbre solitaire et nuage céleste.

Tous les lauréats, ainsi que les 101 meilleurs finalistes, montrent à quel point la photographie de paysage peut être diversifiée. La photographie de Brandon Yoshizawa du panache de fumée de la fusée SpaceX planant au-dessus des montagnes montre l'impact de l'homme sur l'environnement, tandis que la superbe photographie de Peter Adam Hoszang du désert de Sharqiya Sands d'Oman la nuit met en évidence la puissance tranquille de la nature intacte.

Les trois premiers gagnants du meilleur portfolio et de la seule image ont partagé un prix en argent de 10 000 $, tandis que les gagnants des catégories spéciales ont chacun reçu une impression encadrée d'un mètre. Tous les 101 meilleurs finalistes verront leur travail présenté dans le livre annuel du photographe international de paysage de l'année, produit par Momento Pro.

Voici les incroyables gagnants du concours du photographe international de paysage de l'année 2019.

Désert de Badain Jaran, Chine

Désert de Badain Jaran, Chine par Yang Guang (Chine), deuxième place, le photographe international du paysage de l'année 2019.

Concours international de photographe de paysage de l'année

Bláfellsá, Islande par Oleg Ershov (Fédération de Russie), lauréat, Le photographe international du paysage de l'année 2019.

Concours international de photographie de paysage de l'année

Gruissan, France par Magali Chesnel (France), lauréate, La photographie internationale de paysage de l'année 2019.

Désert de Sharqiya Sands à Oman la nuit

Désert de Sharqiya Sands, Oman par Peter Adam Hoszang (Hongrie), troisième place, la photographie internationale de paysage de l'année 2019.

Plume de fumée de SpaceX Rocket

Panache d'échappement de fusée SpaceX, Sierra Nevada, Californie, États-Unis par Brandon Yoshizawa (États-Unis), The Heavenly Cloud Award 2019.

Paysage de montagne

Grizzly Lake, Yukon, Canada par Blake Randall (Canada), Third Place, The International Landscape Photographer of the Year 2019.

Photographie aérienne abstraite

Lençóis Maranhenses, Brésil par Ignacio Palacios (Australie), The Abstract Aerial Award 2019.

Paysage de l'ouest de la Mongolie

Mongolie occidentale par Ricardo Da Cunha (Australie), The Wildlife in Landscape Award 2019.

Arbre dans l'est de la Sierra Californie

Eastern Sierra, Californie, États-Unis par Carlos Cuervo (États-Unis), Top 100, le photographe international de paysage de l'année 2019.

Concours de photographie de paysage

Kimberley, Australie occidentale par Mat Beetson (Australie), Top 100, le photographe international de paysage de l'année 2019.

Désert de Badain Jaran, Chine

Désert de Badain Jaran, Chine par Yang Guang (Chine), deuxième place, le photographe international du paysage de l'année 2019.

Arbre couvert de mousse dans les bois

Madère, Portugal par Anke Butawitsch (Allemagne), The Lone Tree Award 2019.

Concours international de photographe de paysage de l'année

Fleswick Bay, Angleterre par Oleg Ershov (Fédération de Russie), lauréat, Le photographe international du paysage de l'année 2019.

Ramshead Tor, Kosciuszko, Nouvelle-Galles du Sud, Australie

Ramshead Tor, Kosciuszko, Nouvelle-Galles du Sud, Australie par Blake Randall (Canada), troisième place, le photographe international du paysage de l'année 2019.

Vagues déferlantes sur la plage de Bronte

Bronte Beach, Sydney, Nouvelle-Galles du Sud, Australie par Gergo Rugli (Australie), Top 100, le photographe international du paysage de l'année 2019.

Photographie aérienne abstraite

Lençóis Maranhenses, Brésil de Ignacio Palacios (Australie)

Grotte de glace au parc national de Vatnajökull, Islande

Parc national du Vatnajökull, Islande par Patrick Hertzog (France), le photographe international du paysage de l'année 2019.

Ciel nocturne à travers un canyon en Arizona

Page, Arizona, États-Unis par Craig Bill (États-Unis), Top 100, le photographe international du paysage de l'année 2019.

Arbres couverts de neige dans la forêt

Balkans centraux, Bulgarie par Veselin Atanasov (Bulgarie), The Snow and Ice Award 2019.

Photographe international de paysage de l'année: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du photographe international de paysage de l'année.

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Un couple achète 35 acres de terrain à côté d'une réserve de tigres pour permettre à la forêt de s'étendre et de prospérer

Stimulé par son amour de la nature et son désir d'aider la faune, le photographe Aditya Singh a décidé de quitter son emploi de jour en 1998 et de vivre dans un coin reculé du Rajasthan, à côté de la réserve de tigres de Ranthambore. Lui et sa femme Poonam sont instantanément tombés amoureux de la nature sauvage et des animaux qui y ont prospéré, alors ils ont décidé de rester, de protéger et même d'agrandir la terre.

«La région s'appelle Bhadlav. J'étais d'abord allé dans cette région peu de temps après m'être installé à Ranthambore avec un cinéaste de la BBC », révèle Singh. «Cette zone adjacente à la limite de la réserve de Ranthambore a été visitée par des prédateurs comme des tigres qui venaient chercher leurs proies. En conséquence, les agriculteurs ont vendu leurs terres. »

Singh et Poonam ont ouvert une station touristique afin de gagner leur vie, mais souhaitaient toujours permettre aux zones sauvages de la réserve de rester naturelles et paisibles. Au cours des 20 dernières années, la paire a acheté environ 35 acres de terrain, permettant à la réserve de tigres de s'étendre et de rester intacte par les nouveaux développements construits. Aujourd'hui, la région est devenue une forêt verte luxuriante avec plusieurs points d'eau, où les tigres, les léopards et les sangliers errent librement.

Le terrain de Singhs vaut maintenant 1 crore Rs (140 000 $), mais ils ne prévoient pas de le vendre de sitôt. En fait, ils prévoient d'acheter encore plus de terres et Singh veut inciter les autres à faire de même. «L'argent n'a jamais été la considération. Il s'agit simplement de mon amour pour la nature et la faune », dit-il. "Au lieu de cela, ces jours-ci, je reçois des requêtes de personnes à travers l'Inde qui veulent reproduire un modèle similaire dans leur état."

Aditya Singh et son épouse Poonam ont acheté environ 35 acres de terrain autour de la réserve de tigres de Ranthambore, permettant à la terre et aux animaux qui y vivent de prospérer.

Aujourd'hui, la région est devenue une forêt verte luxuriante, où les tigres et autres animaux sauvages errent librement.

Aditya Singh: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Reddit)

Toutes les photos via Aditya Singh.

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Thrift Store découvre l'album photo d'une femme mystère posant avec chaque célébrité hollywoodienne

Vintage Hollywood Photos

La friperie Opnieuw & Co à Mortsel, en Belgique, a récemment fait une découverte qui ressemble à l’ouverture d’une capsule temporelle hollywoodienne. Tout en triant dans une boîte de vêtements et d'autres articles donnés, les travailleurs ont trouvé un vieil album photo montrant la même femme posant à côté de célébrités. De nombreuses images, qui comprenaient des personnages comme Robert Downey, Jr., Tom Hanks et Keanu Reeves, ont été prises il y a longtemps – Elijah Wood n'était qu'un enfant et Bruce Willis balançait toujours une chevelure pleine.

En règle générale, les photographies personnelles sont détruites si elles atteignent la friperie, mais les employés ont pensé que cet album était trop spécial et pourrait leur avoir été donné par erreur. Opnieuw & Co s'est tourné vers Internet, où il a finalement été déterminé que la femme présente sur toutes les photos était Maria Snoeys-Lagler, ancienne membre de la Hollywood Foreign Press Association (HFPA). Le HFPA est une organisation à but non lucratif de journalistes et photographes qui rendent compte de l'industrie du divertissement; vous pourriez entendre le nom en association avec les Golden Globe Awards. Snoeys-Lagler était un journaliste hollywoodien décédé en 2016 à l'âge de 87 ans.

Après avoir découvert l'identité de la femme sur les photos, l'une des chaînes de télévision nationales belges a utilisé leurs contacts pour localiser la fille de Snoeys-Lagler en Californie afin de s'assurer que l'album se rendrait en toute sécurité chez elle.

La friperie Opnieuw & Co de Mortsel, en Belgique, a découvert un album photo qui ressemble à l'ouverture d'une capsule temporelle hollywoodienne.

Vintage Hollywood Photos

Tom Cruise

Sur chaque photo, la même femme est apparue posant avec des célébrités de la liste A qui ont été prises il y a longtemps.

Vintage Hollywood Photos

Kevin Bacon et Tom Hanks

Après quelques détections, la femme était déterminée à être Maria Snoeys-Lagler, une ancienne membre de la Hollywood Foreign Press Association décédée en 2016.

Vintage Hollywood Photos

Kate Winslet

Opnieuw & Co a essayé de contacter la fille de Snoeys-Lagler – qui vit en Californie – pour essayer de lui rendre l'album.

Photos de Old Hollywood

Bruce Willis

Photos de Old Hollywood

Drew Barrymore

Photos de Old Hollywood

Elijah Wood

Photos de Old Hollywood

Nicholas Cage

Photos de Old Hollywood

Angelina Jolie

Photos de Old Hollywood

Sam Neill et Robert Downey Jr.

Photos de Old Hollywood

Jack Lemmon Sophia Loren

Photos de Old Hollywood

Jack Nicholson

Photos de Old Hollywood

Laurence Fishburn

Photos de Old Hollywood

Johnny Depp

Photos de Old Hollywood

Sir Patrick Stewart

Photos de Old Hollywood

Kristin Davis

Photos de Old Hollywood

Keanu Reeves

Photos de Old Hollywood

Kevin Costner

Photos de Old Hollywood

Antonio Banderas

Photos de Old Hollywood

Harrison Ford

Photos de Old Hollywood

Luke Perry

Photos de Old Hollywood

Tommy Lee Jones

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Denzel Washington

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Toutes les images via Imgur.

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Les sans-abri d'Austin gagnent 15 $ de l'heure pour nettoyer l'environnement

On estime que 567 715 sans-abri vivent aux États-Unis aujourd'hui et ce nombre a augmenté au cours des deux dernières années. Beaucoup de ceux qui n'ont pas de maison cherchent désespérément à se remettre sur pied, mais ont souvent du mal à trouver un emploi en raison de leur faible statut social et de leur manque d'adresse. C’est pourquoi l’organisation à but non lucratif The Other Ones Foundation à Austin, au Texas, a créé le Workforce First Program, une initiative qui fournit des emplois rémunérés aux sans-abri.

Le programme donne aux personnes souffrant de pauvreté un sentiment d'estime de soi et la possibilité de faire partie de la communauté locale. "Nous sommes tous sur les marginalisés. Les vulnérables », explique OOF. «Ces« autres »qui vivent en marge. Nous croyons en la valeur extraordinaire de chaque vie humaine, et que chacun mérite d'être épanoui. » L'organisation offre des emplois dans le nettoyage de l'environnement, l'amélioration des logements subventionnés, l'entretien d'art public et l'enrichissement des animaux protégés. Les travailleurs gagnent 15 $ de l'heure et reçoivent le déjeuner et le transport vers leur lieu de travail.

«La dignité et l'autonomisation du travail, et les revenus qu'il apporte, constituent un tremplin majeur pour amener nos amis sans-abri sur la voie d'une vie plus épanouissante», explique OOF. «Nous avons déjà connu beaucoup de succès.» En un peu moins d'un an, le programme a versé plus de 200 000 $ de revenu gagné aux particuliers, dont 40 ont maintenant emménagé dans un logement stable.

Apprenez-en plus sur The Other Ones Foundation ici, où vous pouvez également faire un don à la bonne cause.

Les sans-abri d'Austin peuvent désormais gagner 15 $ de l'heure pour nettoyer leur ville.

Le programme Workforce First a été créé par l'organisation à but non lucratif The Other Ones Foundation.

The Other Ones Foundation: Site Web | Facebook
h / t: (L'esprit ouvert)

Toutes les images via The Other Ones Foundation.

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Un écrivain demande aux utilisateurs de Twitter leurs meilleurs faits aléatoires et les gens ne déçoivent pas

Que vous soyez un nerd ou non, avoir un fait intéressant sous la main est toujours utile pour impressionner vos amis et votre famille. Écrivain et militant Brittany Packnett Cunningham a récemment consulté Twitter pour demander aux gens de partager les faits les plus aléatoires qu'ils connaissent, dont certains sont assez étonnants.

Le fil Twitter désormais viral révèle un flux entier de faits étranges et merveilleux qui couvrent un large éventail de sujets, des découvertes scientifiques aux anecdotes sur la culture pop. Par exemple, saviez-vous que la toux du poisson? Lorsque des particules ou des bactéries sont aspirées par leurs branchies en respirant, le cycle de ventilation du poisson est interrompu par une toux pour le nettoyer. Un autre utilisateur de Twitter révèle que "les paresseux ne pètent pas" – au lieu de cela, le gaz est absorbé dans la circulation sanguine et simplement expiré.

Une autre contribution remarquable a été par l'utilisateur de Twitter @Okeating, qui a tweeté: "Salvador Dali a conçu l'emballage pour Chupa Chups." En tant que l'un des nombreux faits surréalistes de Dalí que nous avons partagés dans le passé, c'est effectivement vrai. L'artiste excentrique a mis à jour le logo emblématique et a même suggéré qu'il soit imprimé sur le dessus de l'emballage pour qu'il soit toujours entièrement affiché.

Faites défiler vers le bas pour vérifier des faits plus cool, étranges et aléatoires à partir de ce fil Twitter éclairant.

L'écrivaine Brittany Packnett Cunningham s'est récemment rendue sur Twitter pour demander aux gens de partager les faits les plus aléatoires qu'ils connaissent. Et ils l'ont fait.

Les réponses qu'elle a obtenues révèlent tout un flot de faits étranges et merveilleux.

Brittany Packnett Cunningham: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter
h / t: (IFLScience!)

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Les peintures dynamiques fusionnent le réalisme avec la brutalité pour représenter des portraits de femmes autonomisants

Peinture à l'huile Portrait par Tim Okamura

"Rosie No.1"

L'artiste Tim Okamura crée des portraits à l'huile qui se concentrent sur l'identité, la métaphore et l'iconographie culturelle enveloppés dans la narration. Une majorité de ses œuvres mettent en vedette des femmes – en particulier des femmes de couleur – qui dépeignent leur force et leur volonté de se défendre face à l'oppression. Combinant le réalisme avec la brutalité, ses figures sont méticuleusement peintes tandis que leurs environnements sont manipulés de manière lâche et incluent des gouttes de peinture et du texte graffiti.

«Je recherche un équilibre entre les détails, la précision et des passages plus organiques, parfois abstraits», explique Okamura à My Modern Met. «Mon travail permet l'incorporation de collage typographique, de peinture en aérosol et de techniques mixtes, quel que soit le concept. Je pense qu'il est important d'avoir de la place pour l'exploration et l'expérimentation. " En mariant des éléments du street art avec les «idéaux académiques des maîtres historiques de la peinture», il imprègne le champ du portrait d'une touche contemporaine.

La dernière série d'Okamura s'intitule GIRL-ILLA WARFAIR qui est basé sur son «gang de samouraïs» inventé: un collectif clandestin de femmes guerrières qui luttent pour les justices sociales, l'égalité et les groupes marginalisés.

«L'histoire est toujours en développement», explique Okamura, mais il partage l'inspiration pour l'une de ses peintures. "Guerrier des tempêtes dépeint un écuyer aidant un chevalier à enfiler son armure en vue de la bataille. Guidée par le Code des Samouraïs, cette championne de renom répond à un appel aux armes – elle est prête à lutter contre l'injustice sociale et à défendre les sans-défense contre la tyrannie du mal qui sévit dans notre société », dit-il.

«Les nuages ​​noirs se déploient à mesure que le ciel s'assombrit, signalant un conflit imminent – elle exploitera le pouvoir transformateur de la tempête et exercera la capacité de manifester un changement durable et une conscience élevée», décrit-il. "Elle est une Onna-bugeisha et un membre clé de la direction d'une mystérieuse alliance souterraine – une noble confrérie connue sous le nom de The Warriors of Light."

Une sélection des œuvres d’Okamura est actuellement exposée dans une exposition de groupe intitulée Je m'élève encore au Massachusetts Museum of Contemporary Art. Il est visible jusqu'au 25 mai 2020.

L'artiste Tim Okamura crée des portraits à l'huile en se concentrant sur l'identité, la métaphore et l'iconographie culturelle enveloppées dans la narration.

Peinture Portrait par Tim Okamura

Tim Okamura avec «l'injustice au quotidien»

Tim Okamura Art

“Le Flight Club”

Une majorité de ses œuvres présentent des femmes de couleur qui dépeignent leur force et leur volonté de se défendre face à l'oppression.

Tim Okamura Art

"Storm Warrior"

Tim Okamura Art

«La garde en attente»

Peinture Portrait par Tim Okamura

"Courage 3.0"

Peinture Portrait par Tim Okamura

«Le salon»

Peinture Portrait par Tim Okamura

"Marcher et parler"

Tim Okamura Art

«Arrêtez la violence 2.0»

Peinture à l'huile Portrait par Tim Okamura

«Part Wolf»

Peinture à l'huile Portrait par Tim Okamura

"J'adore tes cheveux"

Peinture à l'huile Portrait par Tim Okamura

«Le racisme est le terrorisme social»

Peinture à l'huile Portrait par Tim Okamura

"Samurai Princess"

Tim Okamura Art

"L'avenir est féminin"

Peinture Portrait par Tim Okamura

«Artemis»

Tim Okamura: Instagram | Facebook | Artsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Tim Okamura.

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Subway Fight Between Two Mice remporte le prix de la photographie animalière de People’s Choice

Deux souris se battant dans une station de métro

«Station squabble» de Sam Rowley, UK (Gagnant).
Sam a découvert que la meilleure façon de photographier les souris habitant le métro de Londres était de s'allonger sur la plate-forme et d'attendre. Il ne les a vus se battre que pour les restes de nourriture déposés par les passagers à quelques reprises, peut-être parce qu'il est si abondant. Ce combat a duré une fraction de seconde, avant que l'un n'attrape une miette et qu'ils se séparent.

Le photographe Sam Rowley prouve que vous n'avez pas besoin d'être en pleine nature pour capturer une faune incroyable. Le photographe britannique a remporté le LUMIX People’s Choice Award pour son image de deux souris qui se disputent des restes de nourriture dans le métro de Londres. Cette bataille épique reste figée dans le temps grâce aux compétences d'observation de Rowley et à sa réflexion rapide avec sa caméra.

Rowley a battu 25 images de la liste restreinte, qui a été extraite des plus de 48 000 photos soumises au concours du photographe animalier de l'année du Natural History Museum de Londres. Les amoureux de la nature ont été invités à voter en ligne, le gagnant ayant sa photo exposée dans le cadre de l'exposition du concours au musée. Près de 30 000 personnes ont voté et ont fait entendre leur voix.

En fin de compte, la ténacité de Rowley a porté ses fruits. Il a en fait visité différentes stations au cours d'une semaine pour obtenir le cliché qu'il recherchait. Ignorant les regards curieux des passants, il attendit jusqu'à ce qu'il obtienne ce pour quoi il était allé. Alors que le combat se terminait en un éclair, la persévérance de Rowley a gagné la journée alors qu'il cliquait sur l'obturateur juste avant qu'une souris n'attrape la nourriture et continue son chemin.

"Je suis tellement heureux de remporter ce prix", a-t-il déclaré. " C’était un rêve de toute une vie de réussir ce concours de cette manière, avec une photo aussi pertinente prise dans un environnement aussi quotidien dans ma ville natale. J'espère que cela montre aux gens le drame inattendu que l'on retrouve dans les environnements urbains les plus familiers. »

Le directeur du Natural History Museum, Sir Michael Dixon, ne pourrait pas être plus satisfait du résultat. Il voit la photographie de Rowley comme une leçon intrigante sur le comportement animal. «L’image de Sam donne un aperçu fascinant du fonctionnement de la faune dans un environnement dominé par l’homme. Le comportement des souris est sculpté par notre routine quotidienne, le transport que nous utilisons et la nourriture que nous jetons. Cette image nous rappelle que même si nous pouvons la dépasser chaque jour, les humains sont intrinsèquement liés à la nature qui est à notre porte – j'espère qu'elle incitera les gens à réfléchir et à valoriser davantage cette relation. »

Pour compléter le concours, quatre images «hautement recommandées» montrent la riche diversité de la photographie animalière. Du portrait émouvant d'un animal et de son gardien à un regard triste sur la façon dont certains animaux continuent d'être retirés de leur environnement pour le plaisir humain, chacun est un commentaire important sur la faune aujourd'hui.

Près de 30 000 personnes ont voté pour que leur photo animalière préférée remporte le prix LUMIX People’s Choice.

Jaguar et Cub mangeant un Anaconda

«Tenues assorties» par Michel Zoghzoghi, Liban, hautement félicité.
Michel était au Pantanal, au Brésil, photographiant des jaguars. Un après-midi, alors qu'il était sur la rivière Três Irmãos, une mère et son petit ont traversé juste devant son bateau. Il les regarda fasciné alors qu'ils quittaient l'eau en tenant un anaconda avec un motif très similaire au leur.

Rhino muselant son gardien

«La mère porteuse» par Martin Buzora, Canada, hautement recommandé.
Elias Mugambi est garde forestier à Lewa Wildlife Conservancy, dans le nord du Kenya. Il passe souvent des semaines loin de sa famille à s'occuper des rhinocéros noirs orphelins comme Kitui ici. Les jeunes rhinocéros sont dans le sanctuaire à la suite du braconnage ou parce que leurs mères sont aveugles et ne peuvent pas les soigner en toute sécurité dans la nature.

Orang-outan habillé comme un boxeur

«Perdre le combat» par Aaron Gekoski, Royaume-Uni, hautement recommandé.
Les orangs-outans ont été utilisés dans des performances dégradantes à Safari World, Bangkok – et de nombreux autres endroits – pendant des décennies. Les spectacles ont été temporairement arrêtés en 2004 en raison de la pression internationale, mais aujourd'hui, les spectacles continuent – deux fois par jour, tous les jours – avec des centaines de personnes payant pour regarder la boîte des orangs-outans, danser, jouer de la batterie et plus encore.

Renne se fondant dans la neige

«Repérez les rennes» de Francis De Andres, Espagne, hautement recommandé.
Les conditions pour photographier dans l'archipel norvégien du Svalbard sont extrêmes, mais la faune s'est adaptée à l'environnement et à ses températures glaciales. François a trouvé cette composition de rennes arctiques blancs, qui l'observaient, à la fois curieuse et charmante.

Photographe animalier de l'année: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Musée d'histoire naturelle – Photographe animalier de l'année.

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Un mathématicien crée des dessins complexes à l'aide d'une seule ligne continue

Art d'optimisation de Robert Bosch

Le mathématicien et artiste Robert Bosch combine ses deux disciplines dans une série de dessins complexes ressemblant à un labyrinthe qu'il appelle «l'art d'optimisation». Cela signifie qu'elles ont été réalisées à l'aide de techniques d'optimisation mathématique et informatique pour tenir compte de certaines contraintes imposées par l'artiste.

En particulier, Bosch souhaite créer des œuvres d'art qui résolvent ce que l'on appelle le problème des vendeurs ambulants. Cette question d'optimisation implique qu'un vendeur doit visiter plusieurs autres endroits sans visiter deux fois le même endroit. L'objectif est de trouver l'itinéraire le plus court et le plus efficace qui s'arrête à chaque point une fois. Bosch résout ce scénario dans ses œuvres d'art en utilisant la contrainte que l'itinéraire du vendeur doit être une longue boucle connectée. Cela signifie que chacun de ses dessins est en fait une ligne détournée.

«Le mathématicien en moi est fasciné par les différents rôles que les contraintes jouent dans les problèmes d'optimisation», explique Bosch. «Parfois, ils les rendent beaucoup plus difficiles à résoudre; d'autres fois, beaucoup plus facile. Et l'artiste en moi est fasciné par les rôles que les contraintes jouent dans l'art. Tous les artistes doivent faire face aux contraintes, et de nombreux artistes choisissent de s'imposer des contraintes. »

La complexité de l'art de Bosch est déterminée par le nombre d'emplacements qu'il utilise dans le scénario. Par exemple, la représentation par l'artiste de l'autoportrait de van Gogh utilise une solution pour 120 000 lieux, tandis que Fille avec la boucle d'oreille perle utilise 200 000. En comparaison visuelle, il est clair dans le fond sombre du chef-d'œuvre de Vermeer que la ligne sinueuse est plus alambiquée en raison du nombre plus élevé d'emplacements.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'exemples de l'art de Bosch. Et pour en savoir plus, prenez une copie de son livre, Opt Art: de l'optimisation mathématique à la conception visuelle.

Le mathématicien Robert Bosch crée des dessins complexes à l'aide d'une ligne continue.

Art d'optimisation de Robert Bosch

Cet «art d'optimisation» résout le problème du voyageur de commerce.

Art d'optimisation de Robert Bosch

Cela signifie que chaque image est composée d'une ligne continue qui suit l'itinéraire le plus court possible sans revoir un seul point.

Art d'optimisation de Robert BoschArt d'optimisation de Robert BoschArt d'optimisation de Robert BoschArt d'optimisation de Robert BoschArt d'optimisation de Robert BoschRobert Bosch: Site Web

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Robert Bosch.

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Un artiste crée un embouteillage virtuel sur Google Maps avec un wagon rempli de 99 smartphones

Google Map Hacks par Simon Weckert

L'artiste berlinois Simon Weckert est fasciné par le monde numérique et son impact sur l'humanité. Avec sa performance Google Map Hacks, Weckert joue avec l'intersection des mondes réel et virtuel. En se promenant avec un wagon rempli de 99 téléphones portables, l'artiste génère des embouteillages virtuels sur Google Maps et crée une juxtaposition intrigante entre le monde physique et numérique.

L'acte lui-même a pris près d'un an de préparation, Weckert collectant lentement des smartphones à bas prix et convaincant des amis de prêter les leurs pour la cause. En publiant le travail pour coïncider avec le quinzième anniversaire de Google Maps, Weckert cherche à nous rappeler comment cette technologie s'est infiltrée dans notre vie quotidienne. Les services de partage de voiture, les services de livraison de nourriture et les applications de rencontres comme Tinder ne seraient pas les mêmes sans Google Maps. Comme le souligne Weckert, «toutes ces applications fonctionnent via des interfaces avec Google Maps et créent de nouvelles formes de capitalisme numérique et de marchandisation. Sans ces cartes, les systèmes d'autopartage, les nouvelles applications de taxi, les systèmes de location de vélos et les services d'agence de transport en ligne comme Uber seraient impensables. »

Une vidéo de la performance montre ce qui se passe en ligne et dans la rue en temps réel. Alors que Weckert fait lentement rouler son chariot dans une rue presque vide, Google Maps suit avec une ligne rouge. Cet embouteillage, provoqué par les téléphones du wagon, a instantanément un impact réel. On peut imaginer des navetteurs et des chauffeurs-livreurs évitant ces rues pour contourner ce qu'ils considèrent comme un embouteillage.

Performance sur l'art et la technologie

En piratant le système, Weckert est celui qui contrôle réellement. Avec cet acte simple, l'artiste allemand prouve combien il peut être facile pour une seule personne de manipuler ce système apparemment sophistiqué. Weckert espère qu'à travers Google Map Hacks, les gens commenceront à réfléchir à l'impact de cette technologie sur leur vie et commenceront à s'interroger sur les motifs de son utilité.

"Avec ses Geo Tools, Google a créé une plate-forme qui permet aux utilisateurs et aux entreprises d'interagir avec les cartes d'une manière nouvelle", explique Weckert à My Modern Met. «Cela signifie que les questions relatives au pouvoir dans le discours de la cartographie doivent être reformulées. Nous pouvons affirmer avec certitude que la numérisation a ouvert le secteur de la cartographie, qui était autrefois dominé par l'État. Au lieu de conduire à une démocratisation accrue, cela a entraîné des fragmentations. Les intérêts économiques semblent avoir remplacé les intérêts étatiques et militaires: Google utilise ses cartes pour ouvrir de nouveaux marchés, collecter plus de données et profiter des plateformes en ligne qui utilisent Google Maps comme base. "

Simon Weckert a rempli un wagon de 99 smartphones pour faire des ravages avec le trafic sur Google Maps.

Wagon rempli de smartphones

Regardez comment ses mouvements ont un effet sur la congestion de la rue affichée sur Google Maps.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=k5eL_al_m7Q (/ intégré)

Simon Weckert: Site Web

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Simon Weckert.

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Keith Haring, un artiste de rue pionnier en 7 faits

Dans les années 1980, Keith Haring a atteint une renommée internationale. En utilisant ses dessins au trait de marque, Haring est devenu instantanément reconnaissable pour son art de style pop. Cela le catapulterait de la scène artistique underground de New York à une carrière qui le verrait se mêler à des personnages comme Andy Warhol, Grace Jones, Yoko Ono et Madonna. Malheureusement, la vie prolifique de l’artiste a été interrompue en 1990, quand il a succombé à des complications liées au sida. Néanmoins, son héritage a continué de prospérer.

Aujourd'hui, Haring est reconnu non seulement pour ses forces artistiques mais aussi pour sa capacité à utiliser son art pour sensibiliser à des causes qui lui tiennent à cœur. Il est souvent regroupé avec d'autres graffeurs et artistes de rue de cette époque à New York, dont Jean-Michel Basquiat. En fait, leurs œuvres d'art sont souvent exposées ensemble pour montrer comment leur vie à New York s'est recoupée à cette époque.

Bien que les lignes audacieuses et l'iconographie de signature de Haring soient légendaires, que savez-vous de la vie et de la carrière de l'artiste lui-même? En tant que l'un des pionniers de l'art contemporain du XXe siècle, il a aidé à ouvrir la voie à des succès extérieurs. En fait, de nombreux artistes urbains que nous connaissons et aimons aujourd'hui, de Banksy à Shepherd Fairey, tirent des leçons de la carrière de Haring.

Découvrez 7 faits sur la vie et l'héritage du maître de la pop urbaine Keith Haring.

Il a parcouru un chemin non conventionnel vers le monde de l'art.

Bien que Haring ait été fasciné par l'art depuis son enfance, son entrée dans le monde de l'art n'était certainement pas traditionnelle. Il a passé deux semestres à étudier l'art commercial à la Ivy School of Professional Art, mais a abandonné quand il s'est rendu compte que l'art graphique n'était pas pour lui.

Plus tard, il a accepté un poste de préposé à l'entretien au Pittsburgh Arts and Crafts Center, où il a pu écouter des conférences d'artistes influents tels que Christo, qui l'ont amené à réfléchir à l'art public. Il finirait par avoir sa première exposition personnelle au centre.

Haring a continué à étudier l'art seul et s'est finalement inscrit à la School of Visual Arts de New York. C'est là qu'il commencera à développer des liens profonds au sein de la scène artistique alternative et à cultiver des amitiés avec des graffeurs comme Futura 2000, Kenny Scharf et Jean-Michel Basquiat.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=W04j0Je01wQ (/ intégré)

Il a commencé à peindre illégalement dans le métro.

Keith Haring est devenu majeur à une époque passionnante de la ville de New York, alors que la scène underground des graffitis et du street art était en plein essor. Les artistes ont commencé à organiser leurs propres événements en dehors du système de galerie traditionnel. Inspiré par cela, Haring a commencé à utiliser le métro de New York comme son «laboratoire».

Bien que ses dessins pop art soient assez différents des graffitis traditionnels, l'esprit était en grande partie le même. Entre 1980 et 1985, il a créé des centaines de ses «dessins de métro» en utilisant de la craie blanche pour dessiner sur des panneaux publicitaires inutilisés.

La création de ces dessins est presque devenue une performance, car les navetteurs se réunissaient souvent pour regarder Haring au travail. De nature très éphémère, car ils seraient déchirés ou couverts de publicités, la plupart des photos que nous avons de ces dessins proviennent du photographe Tseng Kwong Chi. Haring l'appellerait après avoir terminé ses dessins et lui donnerait les emplacements.

Bien sûr, travailler dans le métro n’était pas sans risque. Haring a souvent été étiqueté par la police pour cet acte de vandalisme et a en fait été arrêté plusieurs fois. Cependant, il était souvent relâché facilement, car les dessins étaient à la craie et causaient peu de dommages.

"Les images du métro sont devenues un élément médiatique et les images ont commencé à être diffusées dans le reste du monde via des magazines et la télévision", a expliqué Haring. «Je suis devenu associé à New York et à la scène hip-hop, qui était entièrement consacrée au graffiti et au rap et à la break dance. Il existait depuis cinq ans ou plus, mais il n'avait pas vraiment commencé à pénétrer dans la population générale. C'était incroyablement intéressant pour moi que cela atteigne toutes sortes de personnes à différents niveaux et venant d'horizons différents. »

Il a connu un grand succès.

En 1982, la star de Haring a commencé à s'élever et il a été l'un des premiers succès du crossover dans le monde de l'art traditionnel. Il a été présenté à deux importants événements internationaux d'art contemporain – Documenta en Allemagne et la Biennale de São Paulo au Brésil. Il a également obtenu sa première exposition à la Tony Shafrazi Gallery, qui était connue pour travailler avec des talents établis et à venir.

1982 a marqué le début des voyages mondiaux pour Haring, quelque chose qui durera tout au long de cette carrière. Au cours des sept prochaines années, il créera plus de 50 œuvres d'art public dans différents pays du monde. L'Australie, le Brésil, l'Italie et les Pays-Bas ont tous accueilli son travail. On lui a même demandé de peindre une peinture murale sur le mur de Berlin. En plus de l'art public, Haring a utilisé son style emblématique pour créer des décors, des décorations de scène et des couvertures d'albums, souvent pour des causes caritatives.

L'artiste a utilisé son travail pour sensibiliser aux causes sociales.

Dès le début, Haring a utilisé son art pour discuter de sujets d'importance sociale et politique. En particulier, son travail traite souvent des thèmes de l'homosexualité et du sida. Le plaidoyer contre le sida revêt une importance particulière pour l'artiste, car il a lui-même été diagnostiqué en 1988. Il a utilisé son iconographie pour discuter non seulement de sa maladie, mais aussi comme un moyen de sensibiliser à une époque où l'on en savait peu sur la maladie. Parmi les autres sujets explorés par Haring, citons l'apartheid et l'épidémie croissante de crack à New York. En fait, son infâme Crack is Whack murale sur FDR Drive à New York aborde ce sujet.

Haring a souvent prêté son art à des causes caritatives et peint des peintures murales dans de nombreux hôpitaux et orphelinats. En 1989, il a créé la Fondation Keith Haring pour financer des organisations de lutte contre le sida et des programmes pour enfants.

Haring a ouvert un magasin pour vendre ses propres souvenirs.

Bien qu'aujourd'hui de nombreux artistes, de Takashi Murakami à Shepherd Fairey, commercialisent leur travail, ce n'était pas le cas en 1986 lorsque Haring a ouvert son Pop Shop. Situé à SoHo, il a vendu tous les types de souvenirs avec les dessins de Haring. Alors que l'icône du pop art Andy Warhol était un grand partisan du projet, Haring a fait face à des réactions violentes de la part des autres membres de la communauté artistique qui pensaient qu'il se vendait.

"D'autres artistes m'accusaient de vendre depuis que mes peintures ont commencé à se vendre", a-t-il déclaré. Pierre roulante en 1989. "Je veux dire, je ne sais pas ce qu'ils voulaient que je fasse: rester dans le métro le reste de ma vie? D'une manière ou d'une autre, cela m'aurait fait rester pur? En 1984, la chose du métro a commencé à se retourner, parce que tout le monde volait les morceaux. Je descendrais et dessinerais dans le métro, et deux heures plus tard, chaque morceau serait parti. Ils venaient à la vente. »

Pour Haring, le Pop Shop était un égaliseur et un moyen de rendre son travail accessible à tous. Cela correspondait parfaitement à sa volonté de ne pas se faire engloutir par le monde de l'art contemporain. Et, en fait, Haring suivait simplement une longue lignée d'artistes – d'Alphonse Mucha à Salvador Dalí, qui a travaillé sur des projets commerciaux et de beaux-arts.

Le New York Pop Shop de Haring a finalement fermé ses portes en 2005 (un deuxième Pop Shop à Tokyo a fermé ses portes en 1988). Aujourd'hui, la Fondation Keith Haring maintient vivante l'idéologie de l'artiste en vendant des marchandises via une boutique en ligne.

Il était un ami proche de Madonna et Andy Warhol.

Haring se liera d'amitié avec de nombreux artistes importants de sa carrière. Il a rejoint Jean-Michel Basquiat et Madonna dans la scène underground et est resté proche d'eux tout au long de sa vie. Après la mort de Haring en 1990, Madonna a fait don de tous les bénéfices du concert d’ouverture du Ambition blonde visite aux œuvres de charité contre le SIDA en son honneur.

Andy Warhol était un autre personnage clé de la vie de Haring. Après avoir rencontré le photographe Christopher Makos, Warhol et Haring sont devenus proches. En fait, ils échangeaient souvent de l’art et Warhol faisait l’objet de nombreuses peintures de Haring.

"Tout le monde l'a admiré", a déclaré Haring à propos de Warhol. «Il était le seul personnage qui représentait un véritable précurseur de l'attitude de faire de l'art d'une manière plus publique et de traiter l'art comme faisant partie du monde réel. Même lorsque nous sommes devenus amis, j'étais toujours toujours en admiration devant lui. Mais tous ceux qui connaissaient Andy parlent de lui comme s'il était la personne la plus douce, la plus généreuse, la plus simple et la plus gentille. »

Son héritage perdure.

Bien que la carrière de Haring ait été brève, étant décédé des complications du SIDA en 1990 à 31 ans, son héritage a perduré. Il est devenu une icône de la communauté LGBTQ et a été commémoré dans la courtepointe commémorative du sida.

Sur le plan artistique, son cheminement de carrière a donné de l'espoir à d'autres artistes urbains en montrant que le succès grand public était possible. Son style est devenu emblématique et est souvent utilisé par de grandes marques comme Lacoste, Adidas et UNIQLO.

Par-dessus tout, Haring a montré qu'il était possible d'équilibrer le talent artistique, l'activisme politique et la charité sans sacrifier le succès. L'artiste Samantha McEwen, qui était une amie proche de l'artiste, partage: «Il a élaboré cette réflexion sur la façon de communiquer, de mettre sur papier ce qu'il pensait. Il avait tellement d'idées qu'il a trouvé un moyen de communiquer. Je pense que la plupart des artistes trouvent un moyen de communiquer peut-être une ou deux idées principales, mais Keith communiquait tout ce à quoi il pensait: argent, politique, religion, sexe, vie, enfants. Il a trouvé ce moyen de dessiner ce qu'il pensait. »

Aujourd'hui, le travail de Haring continue de faire l'objet d'expositions à travers le monde. Le Whitney Museum, le MoMA et le Stedelijk Museum ne sont que quelques-unes des collections pour conserver son travail.

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Une vidéo virale d'un professeur de physique montre les efforts qu'il fait pour rendre la science amusante

Vous souvenez-vous de votre professeur préféré? Il y a de fortes chances que vous ne les aimiez pas pour le sujet qu'ils ont enseigné, mais à quel point ils ont amusé leurs leçons. Une étudiante en physique nommée Erica a récemment partagé son admiration pour son professeur, le Dr David Wright, dans une vidéo désormais virale sur Twitter. Le montage réconfortant révèle les efforts fous que l'enseignant dévoué du Tidewater Community College de Virginia Beach fait pour montrer à ses étudiants à quel point la science peut être passionnante.

«Vous devez tous voir ce collage vidéo de toutes les choses folles que mon professeur de physique a faites ce semestre», écrit Erica sur Twitter. "Il a 70 ans et fait toujours tout cela pour nous." La vidéo montre des clips du Dr Wright en classe, montrant différentes expériences à sa manière divertissante. De se propulser dans le couloir sur une planche à roulettes à sauter de haut en bas sur un bâton de pogo, il est clair de voir à quel point il aime enseigner. Une séquence vidéo montre même que le Dr Wright prépare sa crème glacée entière avec de l'azote liquide.

Après avoir appris qu'Erica a compilé ses meilleurs moments dans une vidéo, le Dr Wright a écrit une réponse par e-mail. «Merci beaucoup d'avoir partagé cela avec moi», dit-il. «Ce fut un semestre incroyable, car j'ai eu des étudiants incroyables.»

Regardez la vidéo amusante ci-dessous. Ne souhaitez-vous pas que tous les enseignants soient ainsi?

Cette vidéo virale du professeur de physique, le Dr David Wright, montre à quel point il va pour montrer à ses étudiants à quel point la science peut être passionnante.

Vous devez tous voir ce collage vidéo de toutes les choses folles que mon professeur de physique a faites ce semestre. Il a 70 ans et fait toujours tout cela pour nous🥺💛 pic.twitter.com/JaICjzVB5I

Telle est sa réponse réconfortante.

h / t: (IFL Science!)

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Un vaste livre présente des peintures inédites de Salvador Dalí

Livre de peintures de Salvador Dalí

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Salvador Dalí est une figure infiniment fascinante de l'histoire de l'art. Connu pour son point de vue surréaliste – et son motif le plus durable, l'horloge fondue – la créatrice excentrique a produit des peintures ainsi que des œuvres en sculpture, film, photographie, et plus encore. Mais c’est le génie de Dalí sur toile qui fait l’objet d’un livre récemment développé par Robert Descharnes et Gilles Néret, publié par Taschen. Titré Dalí. Les peintures, le «volume pesant» possède l’une des études les plus complètes des œuvres de l’artiste jamais imprimée.

Avec 752 pages, l'ouvrage est le résultat d'années de recherche de Descharnes et Néret (décédés depuis). Ils ont localisé et découvert des œuvres de Dalí qui sont restées invisibles pendant de nombreuses années, et près de la moitié des peintures de ce livre apparaissent pour la première fois en public.

Bien que les peintures soient au centre de la dernière publication de Dalí, le livre fait plus que présenter ses illustrations. Les auteurs ont contextualisé son travail en étudiant des documents, des écrits et des dessins de ses autres pièces, notamment le ballet, la mode, la publicité, etc. Cela permet à la publication d’être une source d’analyse des peintures de Dalí, ce qui fait souvent défaut dans d’autres œuvres d’artistes.

Le tome est divisé en deux sections. La première partie du livre examine comment Dalí est devenu Dalí. En tant qu'artiste inconnu, il a expérimenté de nombreux mouvements artistiques différents (tels que le pointillisme, le cubisme et le futurisme) et «emprunterait aux tendances actuelles avant de les ridiculiser et de les abandonner». La deuxième partie, selon Taschen, «dévoile les conclusions des enquêtes de Dalí tout au long de sa vie» et explore son héritage artistique ainsi que les hommages inédits de Velázquez ou Michaelangelo.

Dalí. Les peintures est désormais disponible sur Taschen et Amazon.

Taschen a récemment développé un livre sur Salvador Dalí intitulé Dalí. Les peintures.

Livre de peintures de Salvador Dalí

Avec 752 pages massives, près de la moitié des peintures de ce livre apparaissent pour la première fois en public.

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h / t: (Culture ouverte)

Toutes les images via Taschen.

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Des photos incroyables montrent les cicatrices que la guerre a laissées derrière l’architecture de Beyrouth

Bâtiment abandonné à Beyrouth, Liban par James Kerwin

Le photographe James Kerwin a passé les six dernières années à capturer l'esprit des bâtiments abandonnés en se concentrant sur leurs riches couleurs et leurs lignes architecturales. L’un de ses derniers voyages l’a conduit à Beyrouth, où il a tenté de raconter l’histoire compliquée de l’histoire du Liban à travers ce qui a été perdu. Les cicatrices portées sur les bâtiments ornés de Beyrouth sont les blessures de différentes guerres, qui ont fait rage tout au long de l'histoire de la ville. À travers sa photographie, Kerwin nous emmène dans la capitale du Liban pour mettre en lumière ses luttes.

Autrefois appelé «Le Paris du Moyen-Orient», le passé somptueux de Beyrouth se voit à travers les décombres. Des arcades ornées et des plaques de stucs délicats rappellent le statut de Beyrouth en tant que capitale intellectuelle et culturelle après son indépendance des Français en 1943. Tout cela a changé en 1975, avec le début de la guerre civile libanaise. Cela donnerait le coup d'envoi à des décennies de lutte qui se poursuivront jusqu'au conflit israélo-libanais de 2006.

Cette lutte particulière, qui n'a duré que 34 jours, a été particulièrement dévastatrice pour la ville, qui était en reconstruction depuis la fin de la guerre civile libanaise en 1990. Dans ce court laps de temps, environ 1 300 Libanais ont été tués et des dommages importants ont été causés à l'infrastructure de Beyrouth. . C’est dans ce contexte que Kerwin se retrouva, intrigué par la double nature de Beyrouth en tant que capitale culturelle et survivante de la guerre.

Immeuble à Beyrouth avec fenêtres circulaires

Après avoir été inspiré pour la première fois à Beyrouth par un article qu'il a lu dans Temps, Kerwin a passé beaucoup de temps à rechercher les avantages et les inconvénients d'une visite avant de franchir le pas. "Avec le Liban, l'un des nombreux points positifs qui semblait être mentionné maintes et maintes fois était le fait que le pays parlait très bien l'anglais – en particulier dans les grandes villes – et la nourriture, apparemment l'endroit a une des meilleures cuisines du monde, », A-t-il partagé avec My Modern Met. «Les pays peuvent offrir bien plus que ce que les gens pensent, les médias nous incitent à penser d'une certaine manière.»

Pendant son séjour à Beyrouth, Kerwin a pu accéder à d'anciens palais, hammams, théâtres, synagogues et immeubles d'habitation. Beaucoup étaient utilisés par les militaires comme bases en temps de conflit, tandis que d'autres n'étaient que des dommages collatéraux. La plupart, mais pas tous, ont été abandonnés, et certains étaient en cours de restauration pour les ramener à la vie.

Kerwin espère que son séjour au Liban pourra inspirer plus de gens à sortir et à voir différentes destinations à travers le monde. "Je voudrais laisser (les gens) inspirés de sortir avec la caméra, d'entreprendre des voyages vers de nouvelles destinations – pas seulement pour suivre les masses", partage Kerwin. "Le tourisme affecte une grande partie de la planète de manière négative – essayez peut-être quelque chose de nouveau cette année, n’ayez pas peur."

Le photographe britannique James Kerwin a passé plusieurs semaines au Liban à capturer l'architecture abandonnée de la ville.

Bâtiment endommagé pendant la guerre civile à BeyrouthBâtiment abandonné à Beyrouth, Liban par James KerwinArchitecture historique à BeyrouthBâtiment endommagé pendant la guerre civile au LibanHammam abandonné à BeyrouthArchitecture abandonnée à Beyrouth, Liban par James KerwinBâtiment abandonné à Beyrouth, Liban par James Kerwin

Ces espaces montrent les cicatrices de décennies de conflit interne créées pendant les guerres civiles au Liban.

Architecture abandonnée à Beyrouth, Liban par James KerwinArchitecture abandonnée à Beyrouth, Liban par James KerwinBâtiment endommagé pendant la guerre civile à BeyrouthVieux théâtre à Beyrouth, LibanArchitecture historique à Beyrouth

Ce qui reste raconte l’histoire de la riche histoire culturelle de Beyrouth.

Bâtiment endommagé pendant la guerre civile à BeyrouthBâtiment endommagé pendant la guerre civile au LibanArchitecture abandonnée à Beyrouth, Liban par James KerwinBâtiment abandonné à Beyrouth, Liban par James Kerwin

James Kerwin: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de James Kerwin.

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L'histoire derrière le Bal du moulin de la Galette de Renoir

Bal du moulin de la Galette de Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir, «Bal du moulin de la Galette», 1876 (détail) (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Au 19e siècle, la Impressionnistes pionnier d'une nouvelle façon de peindre le monde. Caractérisées par un pinceau lâche et une palette de couleurs vives, leurs peintures remettaient en question les notions traditionnelles de la pratique. En plus d'introduire de nouvelles considérations stylistiques, les artistes impressionnistes sont réputés pour un autre acte sans précédent: faire sortir la peinture du studio et la mettre au soleil.

Alors que de nombreux impressionnistes ont travaillé en plein airou «en plein air» Pierre-Auguste Renoir est particulièrement connu pour ses représentations en plein air, avec Bal du moulin de la Galette ("Danse au Moulin de la Galette“) Parmi ses pièces les plus célèbres. Installée dans une salle de danse en plein air animée au cœur de Paris, cette peinture à grande échelle nous offre un aperçu de la vie et des loisirs Belle Epoque.

Bal du moulin de la Galette

Bal du moulin de la Galette de Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir, «Bal du moulin de la Galette», 1876 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Renoir créé Bal du moulin de la Galette, une peinture à l'huile mesurant 52 "par 69", en 1876. A cette époque, l'impressionnisme était encore à ses débuts; Renoir, Claude Monet, Edgar Degas et Camille Pissarro avaient organisé la première exposition impressionniste deux ans auparavant. À ce stade, cependant, les artistes associés au mouvement avaient développé des approches uniques mais unifiées de la peinture.

Renoir, par exemple, est connu pour son pinceau vaporeux, sa palette de couleurs vives et son intérêt pour la lumière – tout ce qu'il a utilisé pour produire des peintures de son sujet favori: les gens. Cette approche est évidente dans Bal du moulin de la galette; pommelé par la lumière du soleil, les figures sont rendues en touches lâches et lumineuses. Bien que de nombreux sujets soient vêtus de costumes et de robes noirs, un examen plus approfondi révèle que même ces teintes plus sombres sont constituées d'une collection kaléidoscopique de couleurs. "Cela fait 40 ans que je découvre que la reine de toutes les couleurs est noire", a-t-il expliqué.

Bal du moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir, «Bal du moulin de la Galette» (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

L’approche radicale de Renoir pour la couleur noire est encore plus évidente dans une autre version de Bal du moulin de la Galette. Rendue dans un style plus proche de l'esquisse, cette peinture plus petite (30 "par 44") présente un pinceau plus lâche qui permet aux téléspectateurs d'identifier plus facilement les différents tons qui composent un sujet apparemment noir. Bien qu'il ne soit pas clair quelle pièce est l'original et quelle est une copie, les peintures sont identiques en termes d'iconographie, du décor ensoleillé aux sujets individuels.

Qui est qui?

Qui est au Bal du moulin de la Galette

Les personnes en vedette dans Bal du moulin de la galette sont bien plus qu'un moyen d'expérimenter la couleur ou le pinceau. En fait, beaucoup d’entre eux sont des contemporains de Renoir.

1. Jeanne Samary

Portrait de Renoir

Pierre-Auguste Renoir, «Portrait de l'actrice Jeanne Samary», 1877 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

On pense que ce personnage est Jeanne Samary, une actrice française qui a joué au Comédie-Française, Première de Paris. Elle a également servi de muse et de modèle pour Renoir, apparaissant dans Le déjeuner des canotiers, ou Déjeuner de la soirée nautique.

2. Estelle Samary

La sœur de Jeanne, Estelle, joue également un rôle dans la peinture.

3. Pierre-Franc Lamy

La paire est vue en train de parler à Pierre-Franc Lamy, un peintre et graveur français qui a exposé son travail dans la troisième exposition impressionniste.

4. Norbert Goeneutte

Renoir The Swing

Pierre-Auguste Renoir, «La Balançoire», 1876 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

De l'autre côté de la table se trouve Norbert Goeneutte, un artiste français connu pour ses illustrations. Goeneutte figure également dans Renoir La balançoire, ou "La balançoire», Une pièce dans les jardins du moulin.

4. Georges Rivière

À côté de Goeneutte, Georges Rivière, critique d'art. Rivière a fondé le journal, L’Impressionniste ("L'impressionniste“), Et écrit Renoir et ses amis ("Renoir et ses amis"), Un livre sur les modèles de l'artiste.

5. Marguerite Legrand

Georges Rivière et Marguerite Legrand

Pierre-Auguste Renoir, «Dans l'atelier (Georges Rivière et Marguerite Legrand)» 1876-1877 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Danser en arrière-plan est Marguerite Legrand, un modèle connu professionnellement sous le nom de Margot.

6. Don Pedro Vidal de Solares y Cardenas

Margot est associée à Don Pedro Vidal de Solares y Cardenas, un peintre cubain

Le Moulin de la Galette

Bal du moulin de la Galette de Pierre-Auguste Renoir

Vincent van Gogh, «Le Moulin de la Galette», 1886 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

La peinture fougueuse est définie dans l'original Moulin de la Galette, une salle de danse en plein air à Montmartre (un quartier artistique de Paris). L'endroit a été nommé pour le 17ème siècle moulin, ou moulin à vent, trouvé sur place, qui était utilisé pour produire de la farine. En 1809, la structure a été achetée par la famille Debray, qui a utilisé la farine moulue pour cuire des galettes, un type spécial de pain brun.

Les Debrays ont vendu leur pain aux habitants, d'abord avec une tasse de lait et, finalement, avec un verre de vin. Au milieu du XIXe siècle, le Moulin de la Galette est passé d'une humble manufacture à un cabaret bourdonnant. En plus d'attirer les Parisiens avec son atmosphère de détente, le site a séduit des artistes d'avant-garde intéressés par la capture de paysages contemporains. Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, et, bien sûr, Pierre-Auguste Renoir ne sont que quelques-unes des figures créatives qui ont immortalisé le Moulin de la Galette dans leur travail.

Héritage

Renoir, Bal du moulin de la Galette

En 1879, l'ami de Renoir et collègue peintre Gustave Caillebotte acquiert Bal du moulin de la Galette. Il est resté dans sa collection jusqu'à sa mort en 1894. En 1896, il est entré au Musée du Luxembourg à Paris, où il a été conservé jusqu'en 1929. Il a ensuite été conservé au Louvre pendant 57 ans, jusqu'à ce qu'il trouve une résidence permanente au Musée d'Orsay. .

Aujourd'hui, la peinture continue de faire partie intégrante de la collection du musée, célébrée non seulement pour son style distinctif et son échelle monumentale, mais pour son rôle de «signe de l'ambition artistique de Renoir». Encore, Bal du moulin de la Galette est plus qu’un moment fort de l’œuvre de l’artiste; c'est un chef-d'œuvre du mouvement impressionniste.

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Un photographe capture le casting de «petites femmes» dans des portraits traditionnels sur plaque humide

Petites femmes anciennes photographies

Jo March, interprété par Saoirse Ronan (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Greta Gerwig’s Petite femme a célébré l'histoire bien-aimée du passage à l'âge adulte des quatre sœurs de March vivant dans le Massachusetts au XIXe siècle. Récemment, le film primé a publié des portraits d'époque de la distribution – dont Saoirse Ronan, Timothée Chalamet et Florence Pugh – pris par le célèbre photographe de cinéma Wilson Webb.

Ces photographies dramatiques aux tons sépia ont été prises en utilisant le procédé au collodion – un style de photographie inventé en 1851. Ce processus, parfois appelé photographie de type teinte ou plaque humide, nécessite que la photo soit prise alors que la plaque est humide avec des produits chimiques sensibles à la lumière et exposée avant que l'assiette ne sèche. Webb a travaillé avec Petite femmeLa conceptrice de la production, Jess Gonchor, mettra en place des arrière-plans appropriés pour chaque personnage à proximité de l'intérieur de la maison de la famille March. La proximité immédiate a permis au casting de s'asseoir pour une photo en costume pendant la réalisation du film.

Chaque photo 8 x 10 pouces a nécessité beaucoup de temps et de soins. Il a fallu environ 10 minutes à Webb pour préparer, exposer et développer la plaque, et encore 30 minutes pour la nettoyer, la sécher et la sceller avec du vernis sur une flamme nue. "Les acteurs devaient rester très calmes", a expliqué Webb dans le Fil Twitter. «Non pas parce que l'exposition était longue mais parce que la quantité d'image mise au point est inférieure à 1 pouce de profondeur. Il faut 1o à 20 secondes pour configurer la plaque à exposer, donc si quelqu'un bougeait légèrement, la photo serait floue. »

En fin de compte, les efforts ardus de Webb ont porté leurs fruits. Ses photographies de Petite femmeLes étoiles brillent par leur authenticité et leurs détails imparfaits.

Le photographe Wilson Webb a capturé le casting de Petite femme dans les portraits traditionnels.

Petites femmes anciennes photographies

Jo March, interprété par Saoirse Ronan (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Processus de photographie des petites femmes

Dans les coulisses (Photo: Kimberly Scarsella)

Il a utilisé un style de photographie populaire des années 1800 appelé processus de collodion pour créer les images.

Processus de photographie des petites femmes

Dans les coulisses (Photo: Kimberly Scarsella)

Il a fallu environ 10 minutes à Webb pour préparer, exposer et développer la photo, et encore 30 minutes pour la nettoyer, la sécher et la sceller avec du vernis sur une flamme nue.

Processus de photographie des petites femmes

Regardons de plus près la plaque humide (Photo: Kimberly Scarsella)

Processus de photographie des petites femmes

Regardons de plus près la plaque humide (Photo: Kimberly Scarsella)

Petites femmes anciennes photographies

Amy March, jouée par Florence Pugh (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Processus de photographie des petites femmes

Regardons de plus près la plaque humide (Photo: Kimberly Scarsella)

Processus de photographie des petites femmes

Regardons de plus près la plaque humide (Photo: Kimberly Scarsella)

Processus de photographie des petites femmes

Exposition de la plaque humide à une flamme nue (Photo: Kimberly Scarsella)

Petites femmes anciennes photographies

Laurie, joué par Timothée Chalamet (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Meg March, interprétée par Emma Watson (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Processus de photographie des petites femmes

Dans les coulisses (Photo: Kimberly Scarsella)

Processus de photographie des petites femmes

Processus sur plaque humide (Photo: Kimberly Scarsella)

Petites femmes anciennes photographies

Meg March et John Brooke, interprétés par Emma Watson et James Norton (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

John Brooke, joué par James Norton (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Père March, joué par Bob Odenkirk (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Friedrich Bhaer, joué par Louis Garrel (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Beth March, jouée par Eliza Scanlen (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Beth March, jouée par Eliza Scanlen (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

M. Laurence, joué par Chris Cooper (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Hannah, interprétée par Jayne Houdyshell (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Petites femmes anciennes photographies

Marmee March, jouée par Laura Dern (Photo: Wilson Webb / Columbia Pictures)

Wilson Webb: Site Web | Instagram

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Un artiste explore la ville de New York à travers des croquis énergétiques de ses bâtiments et de ses habitants

Croquis urbain d'art de New York

Washington Square Park
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L'artiste de Brooklyn Gavin Snider capture l'énergie de New York à travers des croquis urbains. S'aventurant dans des endroits comme Grand Central Terminal, Greenwich Village et Chinatown, il met en évidence l'une des meilleures raisons de vivre à Manhattan (et dans les arrondissements environnants) – il y a tellement de choses différentes à voir et à faire. Des structures contemporaines aux maisons historiques, ses dessins à la plume et à l'encre reflètent ce qui fait de la ville un endroit si excitant pour vivre et travailler.

Snider voyage léger quand il s'agit de ses outils d'esquisse. Il privilégie un stylo à bille Uni-ball, un marqueur Sharpie et Chartpak AD pour dessiner sur place. «J'utilise beaucoup de carnets de croquis (beaucoup trop)», partage-t-il avec My Modern Met, «mais ces derniers temps, j'aime le carnet de croquis Baron Fig et le carnet de croquis Canson Mix Media.»

Avec les bons outils en remorque, Snider passe généralement une à deux heures à dessiner l'architecture, les arbres et les personnes qui habitent l'espace choisi. Faire cela a été la meilleure façon pour lui de découvrir la ville. «J'ai commencé à dessiner sur place quand je vivais à Kansas City, Missouri», dit-il. Il passait ses dimanches après-midi avec ses fournitures artistiques et se promenait (ou conduisait) jusqu'à ce qu'il trouve quelque chose à dessiner. «Maintenant, je vis à New York, et il n'y a certainement pas de pénurie de bâtiments à dessiner, mon objectif est différent», explique-t-il. «Je me mets au défi d'utiliser l'acte de dessiner pour raconter une histoire. Ce n’est pas toujours facile, mais chaque fois que je dessine, l’acte de découverte est frais et nouveau. »

Vous pouvez acheter des tirages du travail de Snider via sa boutique en ligne.

L'artiste Gavin Snider capture l'énergie de la ville de New York à travers ses croquis urbains sur place.

Croquis urbain d'art de New York

Lower East Side

Croquis urbain d'art de New York

Coney Island

Dessin de Chinatown

quartier chinois

Croquis urbain d'art de New York

East Village

Croquis urbain d'art de New York

Le Met Breuer

Musée Solomon R. Guggenheim

Musée Solomon R. Guggenheim

Croquis urbain de New York

Bleecker Street

Croquis urbain d'art de New York

Rue Doyers

Croquis urbain de New York

Lower East Side

Croquis urbain par Gavin Snider

Fondation Ford

Croquis urbain par Gavin Snider

Greenwich village

Croquis urbain par Gavin Snider

Grand Central Terminal

Croquis urbain par Gavin Snider

quartier chinois

Croquis urbain de New York

Lower East Side

Croquis urbain de New York

East Village

Croquis urbain d'art de New York

Tribeca

Croquis urbain par Gavin Snider

Pont de Manhattan

Croquis urbain de New York

The High Line

Croquis urbain d'art de New York

Lower East Side

Croquis urbain d'art de New York

Jardin sur le toit du Metropolitan Museum of Art

Croquis urbain d'art de New York

Cathédrale Saint-Jean le Divin

Croquis urbain de New York

Parc de la rivière Hudson

Gavin Snider: Site Web | Instagram

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Sainte-Sophie: explorez la riche histoire du joyau architectural d'Istanbul

La basilique Sainte-Sophie

Photos de Boris Stroujko / Shutterstock

La ville eurasienne d'Istanbul, en Turquie, a une histoire riche. Son emplacement central sur le détroit du Bosphore en fait une ville transcontinentale qui relie l'est et l'ouest. Pour cette raison, c'était une capitale importante pour deux grands empires – le byzantin et l'ottoman. Remarquablement, cet héritage de différentes cultures et mouvements peut encore être vu à travers Istanbul aujourd'hui.

L'un des meilleurs exemples de cette fusion historique est la structure architecturale appelée Sainte-sophie. Célèbre pour son dôme massif, Sainte-Sophie a été fondée à l'origine sous l'empire byzantin en tant que cathédrale orthodoxe orientale en 537 après JC Plus tard, elle a vécu différentes vies en tant que cathédrale catholique romaine et mosquée. Aujourd'hui, Sainte-Sophie existe en tant que musée laïque, où des milliers de visiteurs viennent chaque année pour voir la spectaculaire carte de l'histoire latente dans ses différents styles architecturaux. Ici, nous explorons les rebondissements de l'histoire de Sainte-Sophie.

Explorez l'histoire architecturale de Sainte-Sophie.

La basilique Sainte-Sophie

Photos de la Artur Bogacki / Shutterstock

Histoire ancienne

Avant l'érection de Sainte-Sophie, le même site était utilisé pour deux églises byzantines différentes, qui ont toutes deux brûlé en raison de leurs matériaux en grande partie en bois. Par conséquent, Empereur Justinien I (vers 482-565 CE) a ordonné la construction d'une nouvelle église plus somptueuse en 532 CE. Il a demandé du marbre de haute qualité dans tout son empire et a employé plus de dix mille personnes pour le projet. L'architecte Anthemius de Tralles était l'Isidor de Milet qui a présidé le projet, en utilisant principalement maçonnerie pour la basilique, et marbre pour les colonnes. Près de six ans plus tard, le 27 décembre 537 EC, Justinien I a inauguré la nouvelle basilique.

La basilique Sainte-Sophie

La construction mathématique de Sainte-Sophie (Photo: P. Cikovac via Wikimedia Commons CC BY-SA 4.0)

La basilique achevée est considérée comme un exemple de l'architecture byzantine. Il comporte un dôme impérial (qui serait rénové plusieurs fois pour finalement atteindre 102 pieds de diamètre et 184 pieds de hauteur), un grande nefet scintillant mosaïques dorées qui couvrent les murs intérieurs.

Portrait en mosaïque de Justinien I (Photo: Petar Milošević via Wikimedia Commons CC BY-SA 4.0)

Transition de l'église à la mosquée

Après la chute de Constantinople (aujourd'hui Istanbul) sous l'empire ottoman en 1453, il a été ordonné à l'église d'être convertie en mosquée. Cela a impliqué la construction de minarets en bois, de lustres, mihrab (niche indiquant la direction de La Mecque et un minbar (chaire). Étonnamment, les mosaïques dorées n'ont pas été détruites au cours de ce processus et ont plutôt été recouvertes de plâtre – les préservant indirectement.

Lors des rénovations de l'intérieur, l'emblématique Collection de calligraphie islamique a également été ajoutée aux murs de Sainte-Sophie, qui n'est visible dans aucune autre mosquée.

La basilique Sainte-Sophie

Lithographie de Sainte-Sophie, 1857 (Photo: Dmitry Makeev via Wikimedia Commons (domaine public))

Sainte-Sophie en tant que musée

Après des siècles de vie de mosquée, le premier président turc, Mustafa Kemal Atatürk, a ordonné la transformation de Sainte-Sophie en musée laïque en 1935. A cette époque, le plâtre a été retiré des murs pour révéler les mosaïques, et les tapis ont été enlevés pour montrer la décoration de sol en marbre complexe appelée le Omphalos. Les décorations islamiques ont été conservées et plusieurs rénovations ont été apportées à l'intérieur.

Maintenant, lorsque les visiteurs viennent à Sainte-Sophie, ils peuvent voir l'amalgame de styles byzantin et ottoman, qui ne ressemble à aucun autre bâtiment dans le monde.

La basilique Sainte-Sophie

Photos de la société ozkan ulucam / Shutterstock

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Les amateurs d'art et les bénévoles recréent la célèbre peinture de Georges Seurat dans la vraie vie

Loisirs de

Peinture de Georges Seurat en 1884 Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte est resté un favori des amateurs d'art depuis sa création. Ce chef-d'œuvre du pointillisme montre un groupe de Parisiens profitant d'un après-midi sur la Seine, une excellente façon de célébrer un bord de rivière! C'est du moins ce que Beloit, les Amis du Riverfront du Wisconsin, ont pensé lorsqu'ils souhaitaient promouvoir leur événement de lancement. Cela a conduit à une recréation de la célèbre scène en utilisant des bénévoles locaux. Et l'image finale, bien que créée en 2006, résonne encore aujourd'hui.

L'idée a commencé avec le photographe local Mark Preuschl, qui a exploré la région afin de trouver le cadre idéal pour cette version moderne de Seurat. Après la publication d'un appel à volontaires dans le journal local, toutes les personnes impliquées ont été stupéfaites par la réponse enthousiaste. Des recherches approfondies ont été menées sur la séance photo, en particulier compte tenu du grand nombre de personnes nécessaires pour créer la scène. En impliquant Loren Sass, directeur du Théâtre civique, ils ont pu concevoir un système où des disques numérotés seraient disposés sur l'herbe. Chaque disque correspond à une personne de la peinture originale, ce qui facilite le placement des volontaires à leur arrivée.

En concevant cela tableau vivant, les organisateurs voulaient garder les choses modernes. Ainsi, tous les participants portent des vêtements contemporains avec des parapluies remplacés par des parasols du XIXe siècle. Bien que l'équipe ait été organisée, ils n'étaient pas tout à fait préparés à ce que Dame nature a jeté leur chemin le jour du tournage. Preuschl se souvient de vents de 20 à 25 mph venant de la rivière, ainsi que de nuages ​​qui ne permettaient pas les ombres qu'ils recherchaient si désespérément. Heureusement, il y avait une fenêtre d'environ 25 minutes lorsque le soleil s'est levé et a projeté ces ombres. C'est à ce moment-là, vent ou pas de vent, que Preuschl savait qu'il devait bouger.

Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte par Georges Seurat

«Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte» par Georges Seurat (Photo: domaine public via Wikipedia)

"Le vent était toujours là, faisant des ravages avec les deux bateaux et les parapluies – inversant de nombreux parapluies – tout en écrasant le canoë et le voilier dans un enrochement rocheux le long du rivage", a déclaré Preuschl à My Modern Met. «Si vous regardez le haut de l'arbre en haut au centre de la photo, vous pouvez voir comment le vent plie sévèrement ses branches. Nous avons mis en scène environ trois combinaisons de lieux de personnes et repris, mais la photo que j'ai choisi de partager (et que nous avons ensuite choisi d'utiliser pour la promotion) n'était que la cinquième image que j'ai prise. »

La tenue de l’image a été prouvée lorsque la photo est récemment devenue virale. C’est un témoignage incroyable de la photographie qui, 14 ans plus tard, continue de faire bouger les gens. En fait, Preuschl ne pouvait pas le croire lorsque son compte Flickr, qui montre également des images en coulisses, a reçu 40 000 pages vues en seulement trois jours.

Alors pourquoi Preuschl pense-t-il que les gens aiment toujours la photo aujourd'hui?

«Je pense que ce sont les vraies personnes – pas de costumes – combinées à l'impressionnisme de la peinture», partage-t-il. «Le grand art impressionne par une magie qui transcende les mots. De superbes photos figent un moment qui dépasse toujours les mots. Il y avait de la «magie» ce jour-là. Je sais, j'étais là. Nous avons réussi à capturer «l'impressionnisme magique» qui résonne dans la peinture originale, avec de vraies personnes, à un endroit réel et à un moment singulier. »

En 2006, des bénévoles ont recréé le célèbre tableau de Georges Seurat le long de la rivière Beloit au Wisconsin.

Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte par Georges SeuratMark Preuschl: Flickr

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Mark Preuschl.

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Un ingénieur spatial conçoit un téléphone cellulaire rotatif qui fonctionne réellement

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Il est difficile de ne pas se laisser distraire par tous les smartphones piégés disponibles aujourd'hui, surtout lorsqu'ils sont toujours à portée de main. C'est pourquoi l'ingénieur Justine Haupt du Cosmology Instrumentation Group au Brookhaven National Laboratory a passé trois ans sur un projet personnel pour animaux de compagnie. Le résultat de ses efforts est un téléphone cellulaire rotatif entièrement fonctionnel qui, selon Haupt, possède tous les avantages de la communication portable sans les cloches et les sifflets inutiles.

L'ingénieur a documenté son processus de construction de l'objet sur son site Web. "Pourquoi un téléphone portable rotatif?" elle demande. «Parce que dans un monde tactile délicat et ennuyeux de personnes hyperconnectées utilisant des téléphones qu'ils n'ont aucun contrôle ou compréhension, je voulais quelque chose qui serait entièrement à moi, personnel et absolument tactile, tout en me donnant une excuse pour ne pas envoyer de SMS.» Haupt est passée par deux versions différentes du téléphone portable avant de créer le produit final qu'elle utilise aujourd'hui. Il utilise un cadran rotatif d'un téléphone Trimline, ainsi qu'une interface Arduino et des pièces Adafruit pour le corps. De plus, dans la version actuelle, Haupt a inclus un ePaper incurvé à l'arrière du téléphone portable qui affiche les messages pertinents (c'est-à-dire les appels manqués) comme un téléavertisseur.

Parmi les nombreuses autres vertus du nouveau téléphone, il y a une excellente réception (grâce à une antenne amovible avec connecteur SMA), un design compact et une autonomie de près de 24 heures. Plus important encore, ce téléphone portable rotatif tactile fournit à Haupt tout ce dont elle a besoin sans les atouts d'un écran tactile moderne.

Faites défiler vers le bas pour voir les trois versions du téléphone cellulaire rotatif de Haupt et, pour en savoir plus sur le développement, vous pouvez visiter son site Web.

L'ingénieur spatial Justine Haupt a construit son propre téléphone portable rotatif.

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version 1

Elle a commencé ce projet de trois ans pour fabriquer un téléphone portable sans fioritures qui ferait son travail sans distraction.

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version 1

Haupt est passée par trois versions du projet jusqu'à ce qu'elle fabrique enfin un téléphone portable rotatif fonctionnel avec une autonomie de batterie longue durée.

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version 2

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version 2

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version 2

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version 2

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version finale

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version finale

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version finale

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version finale

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version finale

Téléphone portable rotatif Justine Haupt

Version finale

Justine Haupt: Site Web
h / t: (Calmar riant)

Toutes les photos via Justine Haupt.

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Robert Irwin recrée une photo emblématique de papa Steve Irwin et lui ressemble

À première vue, vous pourriez penser qu'il s'agit d'une photo de feu Steve Irwin. Mais regardez encore et vous verrez que c'est plutôt son fils de 16 ans, Robert Irwin. Le garçon, qui a perpétué l'héritage de son père, s'est récemment blotti contre un adorable koala comme son père l'a fait il y a de nombreuses années. Avec leurs cheveux blonds et une passion claire pour la conservation de la faune, il n'est pas surprenant que Robert soit l'image crachée de son père.

Ce n'est pas la première fois que les fans des Irwins remarquent les similitudes entre Robert et Steve. Robert pose régulièrement pour des photos avec des animaux de la même manière que son père. Parfois, il le partagera même en suivant les traces de son père en plaçant les images côte à côte. Dans un tweet de juillet 2019, par exemple, Robert a montré des photos de lui et de son père nourrissant Murray, un crocodile, au même endroit à seulement 15 ans d'intervalle.

Les photos partagées de Steve par Robert et sa mère (Terri) et sa sœur (Bindi) sont des rappels poignants que le monde a perdu un homme qui se souciait de notre planète et des créatures qui y vivent. Mais en voyant les photos de Robert, nous savons que le message de Steve perdure.

Robert Irwin, 16 ans, continue sur les traces de son défunt père. Il pose avec des animaux pour des photos qui imitent ce que Steve Irwin a fait il y a tant d'années.

Il partage également des photos des deux (séparément) exerçant leur passion pour la faune.

Bien que les photos de Steve nous rappellent que le monde a perdu un homme qui se souciait de notre planète, il est clair que son message de sauvetage et de conservation se perpétue à travers Robert et sa sœur, Bindi.

Robert Irwin: Site Web | Instagram
h / t: (Reddit)

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La Finlande résout son problème des sans-abri en fournissant des appartements à tous ceux qui en ont besoin

Housing First Finland résout le problème des sans-abri

Photos de Followtheflow / Shutterstock

Le sans-abrisme est un problème partout dans le monde, mais la Finlande montre la voie avec une initiative qui pourrait apporter une solution à long terme. En 2008, la nation d'Europe du Nord a introduit la politique «Logement d'abord». Le concept est simple: tout le monde a droit à un petit appartement, même ceux qui ont des problèmes de santé mentale et financiers. Depuis lors, le nombre de sans-abri a considérablement chuté et continue de baisser.

Comme la plupart des villes, la Finlande offrait auparavant des abris de courte durée aux sans-abri, mais a constaté que la solution rapide n’aidait pas les gens à se remettre sur pied de façon permanente et à se construire une vie stable. Les fournisseurs de logements locatifs abordables tels que Y-Foundation ont commencé à rénover de vieux appartements, et l'ONG a même transformé d'anciens abris d'urgence en appartements afin d'offrir un logement à long terme. «Il était clair pour tout le monde que l'ancien système ne fonctionnait pas; nous avions besoin d'un changement radical », explique Juha Kaakinen, PDG de Y-Foundation. «Nous avons dû nous débarrasser des refuges et des auberges de courte durée que nous avions encore à l'époque. Ils avaient une très longue histoire en Finlande, et tout le monde pouvait voir qu'ils ne sortaient pas les gens du sans-abrisme. Nous avons décidé de renverser les hypothèses. »

Au cours des 10 dernières années, l'initiative Logement d'abord a fourni 4 600 logements en Finlande, ce qui en fait le seul pays d'Europe où le sans-abrisme est en déclin. Non seulement le pays fournit maintenant un abri à tous ceux qui en ont besoin, mais le gouvernement aide également les gens à s'intégrer dans leur communauté. Les travailleurs sociaux sont disponibles pour des conseils et pour aider les gens à demander des prestations sociales. Le soutien supplémentaire aide à encourager les gens à trouver un emploi et à devenir financièrement indépendants, ainsi qu'à prendre soin de leur santé physique et mentale.

Apprenez-en davantage sur Logement d'abord sur le site Web de la Fondation Y.

Grâce à sa politique Logement d'abord, la Finlande est le seul pays d'Europe où le sans-abrisme est en déclin.

Housing First Finland résout le problème des sans-abri

Photos de Subodh Agnihotri / Shutterstock

h / t: (Reddit)

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Un artiste combine des techniques anciennes et nouvelles pour créer des portraits en tricot vibrants

Impressions en tricot Faith Humphrey

L'artiste de techniques mixtes Faith Humphrey Hill combine des outils modernes avec des traditions créatives séculaires dans ses portraits en tricot innovants. Ces portraits dynamiques contiennent des techniques de dessin traditionnelles réalisées sur des applications numériques ainsi que des textures tricotées faites à la main.

Hill a passé 20 ans à travailler dans divers rôles créatifs dans des galeries et des organismes artistiques communautaires jusqu'à ce qu'elle prenne finalement la décision de s'engager pleinement dans sa pratique en studio en 2016. L'artiste a commencé son site Web, dartily (un portemanteau de art et du quotidien) comme un moyen de découvrir de nouvelles sources d'inspiration et de documenter ses propres expériences artistiques. Pendant ce temps, Hill a forgé son œuvre d'art signature, qu'elle appelle «imprimés en tricot».

Ces portraits saisissants de personnes et d'animaux combinent dessin numérique et tricot traditionnel. Tout d'abord, Hill dessine le sujet dans l'application Procreate à l'aide de son iPad. Une fois satisfaite, elle exporte la couche de sous-couche vers une autre application appelée StitchSketch, qui crée des modèles de tricot à partir de l'art numérique. L'artiste utilise ensuite ce document comme référence alors qu'elle commence à tricoter à la main le motif ligne par ligne. Dans sa vidéo explicative, Hill déclare qu'elle utilise une variété de techniques de tricotage pour ce faire, y compris l'intarsia, échoué et en arrière.

Une fois la partie tricotée terminée, Hill la trempe dans l'eau et l'épingle sur un bloc de mousse pour qu'elle sèche à plat. Elle photographie ensuite la pièce et la fusionne avec le dessin numérique – fusionnant enfin la complexité de son croquis avec la texture du projet tricoté. Le résultat du processus innovant de Hill est un art médiatique mixte qui incarne le meilleur des techniques créatives traditionnelles et modernes.

Faites défiler vers le bas pour voir les portraits tricotés de Hill et, pour vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste, vous pouvez la suivre sur Instagram.

L'artiste de techniques mixtes Faith Humphrey Hill crée des portraits tricotés de personnes et d'animaux de compagnie.

Impressions en tricot Faith Humphrey

Son œuvre utilise une variété d'outils pour obtenir l'effet de couches inhabituel.

Impressions en tricot Faith Humphrey

Hill fusionne la complexité des croquis numériques avec les textures des motifs tricotés pour obtenir la qualité tactile de ses pièces finies.

Impressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith HumphreyImpressions en tricot Faith Humphrey

Hill explique son processus créatif unique dans une vidéo:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=C9AkMAEmnkM (/ intégré)

Faith Humphrey Hill: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Faith Humphrey Hill.

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Pourquoi le film ‘Parasite’ a construit une maison somptueuse complètement à partir de zéro

Maison de production de parasites

Conception du concept «parasite»

Le film Parasite a captivé les fans et les critiques du monde entier. Aux récents 92e Oscars annuels, le thriller comique a remporté quatre prix, dont le premier prix du meilleur film. Une des catégories pour lesquelles il a été nominé, mais n’a pas gagné, est celle de la meilleure conception de production. Et après avoir appris ce qui s'est passé dans la création de la somptueuse maison familiale de Park, vous serez surpris qu'elle n'ait pas gagné non plus dans cette catégorie.

En regardant Parasite, vous pourriez penser que la maison présentée dans le film était une vraie maison qui existait avant la production. Mais en réalité, le manoir et ses terrains ont été construits pour le film et se composaient de quatre décors différents qui ont été corrigés avec des travaux de caméra et l'utilisation d'écrans verts. Cette ouverture de l'environnement local était vitale pour raconter l'histoire; l'ensemble contenait des lignes de blocage (comment les acteurs se déplacent par rapport à la caméra) qui permettaient aux personnages de s'écouter les uns les autres – juste une facette de ce film fascinant.

«J'ai dû concevoir la maison elle-même de manière méticuleuse», a expliqué le réalisateur Bong Joon-ho lors d'une interview avec IndieWire. «C'est comme son propre univers à l'intérieur de ce film. Chaque personnage et chaque équipe ont des espaces qu’ils prennent le contrôle qu’ils peuvent infiltrer, ainsi que des espaces secrets qu’ils ne connaissent pas. »

Parasite concerne la division des classes et sa conception de la production joue également sur ce thème. "Parce que l'histoire concerne les riches et les pauvres, c'est évidemment l'approche que nous avons dû adopter en termes de conception du son et de l'éclairage", a déclaré Bong. La maison de la famille aisée était orientée vers le soleil pour lui donner amplement accès à la lumière naturelle. Ce n'était pas la même chose que l'appartement de la famille pauvre. "Plus vous êtes pauvre, moins vous avez accès à la lumière du soleil, et c'est aussi comme ça dans la vraie vie: vous avez un accès limité aux fenêtres."

Bien que la magie du cinéma ait fait que les zones disparates de l'ensemble ressemblent à une seule structure, les accessoires de la maison Park n'étaient pas faux. Ils étaient vraiment chers. La table à manger est évaluée à 22 300 $ et il y avait des œuvres d'art coûtant près de 200 000 $ au total. Pour couronner le tout, la poubelle était d'une somme stupéfiante de 2 300 $, une véritable folie pour quiconque a un revenu disponible immense.

Bien que la maison familiale Park à Parasite semble être une structure unique, ce n'est pas le cas.

Maison de production de parasites

Conception du concept «parasite»

Le manoir et ses terrains ont été construits pour le film et se composaient de quatre décors différents qui ont été corrigés avec des travaux de caméra et l'utilisation d'écrans verts.

Maison de production de parasites

Conception du concept «parasite»

Maison de production de parasites

Photo du film "Parasite"

Maison de production de parasites

Dans les coulisses de "Parasite"

Maison de production de parasites

Photo du film "Parasite"

Les résultats ont été spectaculaires et ont permis de raconter l'histoire passionnante.

Maison de production de parasites

Conception du concept «parasite»

Parasite: Site Web
h / t: (vautour, IndieWire)

Toutes les images via NEON.

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La série Samsung Galaxy S20 est dotée de fonctionnalités AI et d'un appareil photo de 108 mégapixels

Smartphones Samsung Galaxy New S20

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À l'heure actuelle, nous savons tous que les smartphones sont capables de prendre de superbes images. En fait, de plus en plus de photographes professionnels utilisent leur téléphone pour des tâches professionnelles. Mais Samsung prend les choses à un tout autre niveau avec l'annonce de la Samsung Galaxy S20 series. Avec ces trois smartphones full-5G, ils révolutionnent les possibilités créatives grâce à une multitude de nouvelles fonctionnalités et un capteur de 108 mégapixels.

Les Galaxy S20, Galaxy S20 + et Galaxy S20 Ultra ont tous été conçus pour l'utilisateur moderne. Avec un design mince et un écran presque sans cadre, les téléphones sont aussi élégants et beaux que fonctionnels. Chacun dispose de capacités vidéo 8K avec extraction d'images fixes, ce qui signifie que vous pouvez compter sur des images fixes de haute qualité pendant le tournage. Une autre fonctionnalité, la prise unique, vous permet de prendre jusqu'à 10 secondes de séquences ultra-grand / grand-angle, puis utilise la technologie AI pour recommander des formats vidéo et cracher quatre clips vidéo et dix images fixes. Cela signifie que vous n'avez pas à vous soucier des reprises et que vous obtenez toujours différentes vues créatives de la même scène.

En ce qui concerne la photographie fixe, rien ne vaut le quad-cam orienté vers l'arrière de 108 mégapixels du Galaxy S20 Ultra. Cela laisse les photographes ouverts à d'incroyables opportunités pour recadrer et zoomer des photos sans perdre aucun détail. "Notre zoom le plus avancé commence à ce jour avec le zoom optique hybride 10x activé par un objectif plié révolutionnaire et un capteur d'image haute résolution", déclare Samsung. "Ajoutez à cela le Super Resolution Zoom amélioré par l'IA de la caméra pour vous rapprocher de l'action et capturer les moments que vous pourriez avoir manqués." Bien que le Galaxy S20 et le Galaxy S20 + n'aient pas 108 mégapixels, leurs caméras orientées vers l'arrière de 64 mégapixels peuvent ne sera pas licencié. Les deux permettent un zoom optique hybride jusqu'à 3x et ont une mise au point automatique double pixel.

Smartphones Samsung Galaxy S20

Si vous vous inquiétez de toute la puissance et de l'espace de stockage dont vous aurez besoin pour prendre en charge un smartphone aussi puissant, Samsung s'est occupé de tout. Grâce à la technologie AI, la série Galaxy S20 apprend comment vous utilisez votre téléphone tout au long de la journée et ajuste le réglage de l'alimentation en conséquence. En termes de stockage, il comprend jusqu'à 512 Go de stockage interne, avec la possibilité d'étendre à 1 To à l'aide d'un microSD. Cela devrait permettre jusqu'à 750 000 photos afin que le bouton de suppression devienne obsolète.

Découvrez plus de spécifications pour chaque modèle ci-dessous et préparez-vous à précommander votre Samsung Galaxy S20 à partir du 21 février 2020 à minuit HNE.

Galaxy S20 Ultra

Samsung Galaxy S20 Ultra

  • Écran dynamique 6,9 ​​″ Quad HD +
  • Caméra Selfie 40MP
  • Caméra ultra large 12MP
  • Caméra grand angle 108MP
  • Téléphoto 48MP
  • Caméra DepthVision
  • Zoom optique hybride 10x
  • Super résolution Zoom jusqu'à 100x
  • Stabilisation optique de l'image
  • Enregistrement vidéo 8K à 24 ips (7680 × 4320)
  • Optimiseur de scène
  • Suggestions de prise de vue
  • Détection de défauts
  • 13 modes caméra et vidéo différents
  • Batterie 5000mAh
  • 16 Go de RAM (LPDDR5) avec 512 Go de stockage interne
  • 12 Go de RAM (LPDDR5) avec 128 Go ou 256 Go de stockage interne

Galaxy S20 +

Samsung Galaxy S20 +

  • Écran dynamique HD + 6,7 pouces
  • Caméra Selfie 10MP
  • Caméra ultra large 12MP
  • Caméra grand angle 12MP
  • Caméra téléobjectif 64MP
  • Caméra DepthVision
  • Zoom optique hybride 3x
  • Super résolution Zoom jusqu'à 30x
  • Stabilisation optique de l'image
  • Enregistrement vidéo 8K à 24 ips (7680 × 4320)
  • Optimiseur de scène
  • Suggestions de prise de vue
  • Détection de défauts
  • 13 modes caméra et vidéo différents
  • Batterie 4500mAh
  • 12 Go de RAM (LPDDR5) avec 128 Go, 256, Go ou 512 Go de stockage interne

Galaxy S20

Samsung Galaxy S20

  • Écran dynamique 6,2 pouces Quad HD +
  • Caméra Selfie 10MP
  • Caméra ultra large 12MP
  • Caméra grand angle 12MP
  • Caméra téléobjectif 64MP
  • Zoom optique hybride 3x
  • Super résolution Zoom jusqu'à 30x
  • Stabilisation optique de l'image
  • Enregistrement vidéo 8K à 24 ips (7680 × 4320)
  • Optimiseur de scène
  • Suggestions de prise de vue
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  • 13 modes caméra et vidéo différents
  • Batterie 4000mAh
  • 12 Go de RAM (LPDDR5) avec 128 Go de stockage interne

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Ces roses romantiques poussent avec des pétales rouges et blancs

Osiria Rose

Photo: Malcolm Manners (CC BY 2.0)

Il n'y a rien de tel qu'une rose. Avec plus de 150 espèces, ces belles fleurs parfumées symbolisent la romance depuis l'Antiquité. Ces jours-ci, la variété de roses disponibles a augmenté de façon exponentielle alors que les horticulteurs experts ont créé des milliers d'hybrides. Une variété unique a pris d'assaut Internet pour son magnifique tourbillon de couleurs bicolores. Connue pour ses pétales rouges et son centre blanc brillant, la Osiria rose coupe une silhouette frappante.

Cette rose de thé hybride est extrêmement parfumée et sa coloration rouge et blanche la rend parfaite pour les bouquets romantiques. La plante provient d'Allemagne, où un sélectionneur nommé Reimer Kordes l'a créée en 1978. Il y a plusieurs années, quelques photographies d'une rose d'Osiria ont commencé à circuler en ligne, provoquant une tendance chez les personnes à la recherche de ces roses. Depuis ce temps, plusieurs sources ont noté que ces photographies avaient l'air fortement retouchées par rapport à ce qui pousse réellement, laissant certaines personnes déçues.

Les photos améliorées montrent généralement l'Osiria avec un centre blanc immaculé et des pétales rouge velours. En réalité, la fleur a tendance à être plus rouge pompier et le blanc n'est pas toujours aussi propre. Trouver l'Osiria dans votre jardinerie locale peut également être un défi, car ils ne sont souvent pas stockés. Et même si vous trouverez des vendeurs qui cultivent des graines en ligne, les résultats sont souvent mitigés, les critiques se plaignant que rien n'a jamais germé.

Pourtant, si vous avez vraiment un pouce vert, il n'y a aucune raison de ne pas donner une chance à la rose Osiria. La plante elle-même est assez sensible aux attaques d'insectes et aux maladies comme l'oïdium, donc les jardiniers devront être vigilants pour garder la plante en bonne santé. Mais encore, si vous pouvez résister à ces tempêtes, vous aurez droit à de belles fleurs qui ne deviennent plus fortes que la plante vieillit.

Si vous n'êtes pas tout à fait prêt à relever le défi de la rose Osiria, il existe d'autres variétés à double coloration blanche et rouge qui sont un peu plus faciles à cultiver, notamment la rose Nostalgie et la rose Gemini.

La rose Osiria est une fleur hybride rouge et blanche qui est devenue virale grâce à certaines photos qui ont probablement été améliorées.

Image photoshoppée d'une rose Osiria

Ce qui est censé être une photo hautement modifiée de la rose Osiria. (Photo: @Chogieswagz)

Tigre rayé Osiria Rose

Une version à rayures tigrées de la rose Osiria. (Photo: @Chogieswagz)

Bien qu'elles soient difficiles à cultiver, ces roses parfumées sont superbes même si la vraie couleur n'est pas aussi veloutée que prévu.

Véritable Osiria Rose poussant dans un jardin

Photo: Photos de Rajesh Shakya / Shutterstock

Osiria Hybrid Tea Rose

Photo: HGTV

Osiria Rose - Hybrid Rose Breed

Photo: Photos de stocktr / Shutterstock

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Papa créatif 3D imprime bébé Yoda Valentines quand il apprend l'école Candy de fille interdite

Il est courant pour les enfants de célébrer la Saint-Valentin en apportant des friandises pour toute leur classe à l'école; mais quand Redditor miata_dad a découvert que l'école de sa fille interdisait les bonbons avec leurs valentines, il est devenu créatif avec ce qu'elle pouvait donner à ses camarades de classe. Ayant récemment obtenu une imprimante 3D Ender-3, il a appelé The Force pour produire des itérations miniatures de The Child (mieux connu sous le nom de Baby Yoda) pour chaque enfant de sa classe.

Les Baby Yodas imprimés en 3D sont une solution amusante à l'interdiction des bonbons. À près d'un pouce et un quart de hauteur, les figurines sont sûres d'apporter une joie plus durable qui survivra beaucoup plus longtemps qu'une sucette ou une barre de chocolat. Et malgré le nombre de Yodas qu'il devait faire, le père a dit que leur production était facile. «Ils ont pris environ 20 minutes chacun», a-t-il expliqué sur Reddit, «mais j'en commençais juste une, je passais ma soirée et quand je me souvenais, je commençais la suivante.»

Si vous souhaitez créer votre propre Baby Yoda imprimé en 3D, vous pouvez obtenir le fichier gratuit de l'utilisateur DMag24 sur Thingiverse pour commencer.

Lorsque Redditor miata_dad a découvert que l'école de sa fille avait interdit de donner des bonbons avec leurs valentines, il a trouvé une solution créative et des Baby Yodas imprimés en 3D pour sa classe.

Bébé Yoda 3D imprimable Saint Valentin

Photo: miata_dad

Voici un rendu de la figurine Baby Yoda. Si vous avez une imprimante 3D, vous pouvez la télécharger gratuitement et l'imprimer par vous-même!

Saint Valentin imprimable

Photo: DMag24

h / t: (Reddit)

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L'artiste célèbre l'acte de création avec des sculptures de verre «tricotées» figées dans le temps

Art du verre tricoté par Carol Milne

Des vitraux à la vaisselle traditionnelle, le verre fait partie intégrante des arts décoratifs depuis des centaines d'années. Cependant, de plus en plus d'artistes verriers contemporains brisent les frontières de l'artisanat en démontrant la malléabilité surprenante de la matière fragile. L'une des artistes qui dirige le mouvement expérimental est Carol Milne, basée à Seattle. Elle crée des sculptures en verre «tricotées» à la fois délicates et résistantes.

«Je vois mon travail tricoté comme une métaphore de la structure sociale», explique Milne dans un communiqué. «Les brins individuels sont faibles et cassants par eux-mêmes, mais d'une résistance trompeuse lorsqu'ils sont liés ensemble.» Des boucles colorées de «fil» de verre se tissent et s'interconnectent ensemble, formant des chaînes délicates et translucides qui ressemblent à des écharpes en laine tricotées sans serrer. «Vous pouvez casser ou casser des fils simples sans que toute la structure ne se désagrège», explique Milne. «Et même lorsque la structure est brisée, les pièces restent liées entre elles. Les connexions sont ce qui apporte force et intégrité à l'ensemble et ce qui le garde intact. »

Beaucoup des dernières œuvres de Milne présentent des aiguilles à tricoter «flottantes», comme si les textiles en verre étaient inachevés et gelés dans le temps. L'artiste explique que la série est «un hommage aux travaux en cours» et une célébration de «l'acte de création». D'autres œuvres présentent des mains en verre qui semblent faire partie du matériau, se tricotant à jamais dans une boucle sans fin.

Vous pouvez voir certaines des sculptures en verre tricoté de Milne à Blue Spiral 1 à Asheville, en Caroline du Nord du 6 mars au 1er mai 2020. Si vous ne pouvez pas faire le spectacle, faites défiler vers le bas pour découvrir certains de ses derniers travaux et suivez-la sur Instagram pour plus de son portefeuille.

Carol Milne, basée à Seattle, crée des sculptures en verre «tricotées» qui repoussent les limites du matériau.

Art du verre tricoté par Carol MilneArt du verre tricoté par Carol Milne

Beaucoup de textiles en verre semblent inachevés et figés dans le temps.

Art du verre tricoté par Carol MilneArt du verre tricoté par Carol Milne

Le travail de l’artiste est une célébration de la créativité et du travail en cours.

Art du verre tricoté par Carol MilneArt du verre tricoté par Carol MilneArt du verre tricoté par Carol MilneArt du verre tricoté par Carol MilneArt du verre tricoté par Carol MilneCarol Milne: site Web | Instagram | Twitter
h / t: (Colossal)

Toutes les images via Carol Milne.

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Un babouin portant un lionceau ressemble au «Roi Lion» dans la vraie vie

Babouin tenant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

S'il y a une chose dont vous vous souvenez probablement Le roi Lion, c'est la scène dans laquelle Rafiki le babouin présente un jeune Simba au sommet de Pride Rock aux animaux qui attendent en dessous. Et dans un cas où la vie imite l'art, des photos ont émergé d'un babouin mâle tenant un lionceau comme Rafiki.

Kurt Schultz, directeur du parc national Kruger en Afrique du Sud, est le photographe qui a capturé cette vue inattendue. Dans une série de coups francs, Schultz a vu le babouin se détacher de sa troupe et porter le petit (avec ses mains et sa bouche) haut dans un arbre. Une fois là avec le jeune remorqué, le babouin a commencé à toiletter le petit. "Les babouins mâles font beaucoup de toilettage", dit-il à My Modern Met, "mais les soins prodigués à ce lionceau étaient les mêmes soins prodigués par une babouin femelle à l'un de ses propres petits."

Bien qu'il soit surprenant de voir ce niveau de traitement entre un babouin et un ourson, Schultz reconnaît les dures réalités de la situation. Il a guidé des visites éducatives en Afrique australe et orientale et est à Kruger depuis près de deux décennies. "Je ne vois aucune chance de survie de ce pauvre petit", déplore-t-il. «La troupe de babouins était grande et un lion ne pourrait pas récupérer les jeunes. La nature est cruelle la plupart du temps et la survie des jeunes petits prédateurs n'est pas facile, car le lionceau représente une menace pour les babouins lorsque les lions vieillissent. »

Appelant cela «l'une de ses observations les plus intéressantes», Schultz, comme le reste d'entre nous, souhaite que le lionceau puisse grandir pour vivre une vie «libre et sauvage». «Cependant, la nature a ses propres moyens», explique-t-il. «Nous (l'équipe Kruger) ne pouvons pas nous impliquer et nous devons garder Kruger simple et sauvage. Tels étaient les souhaits du fondateur Stevenson-Hamilton, où la nature erre librement parmi les voitures qui vous contiennent. »

Kurt Schultz, directeur du parc national Kruger en Afrique du Sud, a pris ces photos candides d'un babouin traitant un lionceau comme le sien.

Roi Lion dans la vraie vie

Photo: Parc national Kruger

Roi Lion dans la vraie vie

Photo: Parc national Kruger

Roi Lion dans la vraie vie

Photo: Parc national Kruger

Babouin portant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin portant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin portant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin tenant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin tenant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin tenant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin tenant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Babouin toilettant un lionceau

Photo: Parc national Kruger

Parc national Kruger: site Web | Facebook | Instagram | Tripadvisor

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du parc national Kruger.

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Les peintures de paysages expressifs capturent la belle mutabilité du ciel

Peintures de paysage de Whitney Knapp Bowditch

Tout le monde sait que le ciel est rarement aussi simple que la couleur bleue. En fait, l'artiste Whitney Knapp Bowditch est spécialisée dans l'exploration de la mutabilité de la palette du ciel dans sa série de peintures de paysages expressifs. En utilisant une variété d'outils, de coups de pinceau et de techniques, Bowditch capture les phases transitoires du ciel et montre comment il change l'atmosphère du paysage ci-dessous.

L'artiste exposée à l'échelle nationale est actuellement basée à Richmond, en Virginie, où elle équilibre sa pratique créative avec des cours de dessin et de peinture au John Tyler Community College. «Je m'intéresse à la physique de la peinture et aux façons infinies dont elle peut être appliquée à une surface», explique Bowditch. Le vaste portfolio de l’artiste montre son vif intérêt pour les paysages de nombreux types, y compris les résumés, les côtes et les vagues, pour n'en nommer que quelques-uns. Bien que leur style et leur sujet diffèrent légèrement, toutes les œuvres d'art de Bowditch sont reliées par un fil conducteur: le ciel.

«Le ciel me fascine beaucoup – à la fois ses qualités subtiles et transitoires et sa capacité à modifier le paysage», explique Bowditch dans sa déclaration d'artiste. «Une grande partie de mon travail se concentre sur la relation atmosphérique entre le ciel et la terre et la mer qui l'accompagne.» Pour obtenir la qualité expressive de ses toiles, Bowditch utilise souvent l'utilisation d'un couteau à palette. Elle distribue des «coups» rugueux de couleur qui imitent les couches tumultueuses d'un coucher de soleil, d'un lever de soleil ou d'une tempête. Ces ciels picturaux sont ensuite rehaussés par la silhouette sombre du paysage ci-dessous.

Les tableaux originaux de Bowditch sont disponibles à l'achat via sa boutique Etsy. Vous pouvez également vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste en suivant son Instagram.

L'artiste de Virginie Whitney Knapp Bowditch crée des peintures de paysages expressives.

Peintures de paysage de Whitney Knapp Bowditch

Ses toiles capturent la mutabilité du ciel dans leurs traits picturaux et leurs palettes uniques.

Peintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchPeintures de paysage de Whitney Knapp BowditchWhitney Knapp Bowditch: site Web | Etsy | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Whitney Knapp Bowditch.

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Les peintures à l'huile texturées de l'artiste capturent parfaitement une journée de détente à la plage

Peintures de plage en plein air par Sally West

Que vous ayez le soleil sur le visage ou que vous sentiez le sable sous vos pieds, rien de tel qu'une journée sur la plage. L'artiste australienne Sally West capture ces moments d'été dans sa série de peintures de plage texturées qui dépeignent les paysages marins de son pays d'origine. De la célèbre Bondi Beach de Sydney à la plage Elizabeth (aka Lizzie) moins connue de la Nouvelle-Galles du Sud, West a parcouru de nombreux horizons pour peindre ses scènes. en plein air.

Lizzie Beach, en particulier, a une place spéciale dans le cœur de West, car c'est un endroit où elle et sa famille passent beaucoup de temps. «Il y a un club house où je faisais du yoga, les enfants y faisaient des pinces pendant quelques années», révèle-t-elle. «Il n'y a jamais vraiment de grosses vagues et est célèbre dans la région pour ses eaux cristallines, sa baignade sûre pour les jeunes enfants et son sable blanc. Vraiment magnifique. "West’s Plage de Lizzie La série capture l'atmosphère paisible de la côte dans le style distinctif de l'artiste. Les toiles sont chargées d'épaisses nuances de peinture à l'huile dans des tons pastel, résultant en des surfaces texturées audacieuses qui attirent le spectateur.

Beaucoup d’œuvres de West sont peintes dans une perspective aérienne, comme si l’artiste était perché sur une falaise, en regardant le rivage. Les vagues sont rendues dans des mélanges de bleu et d'épaisses taches blanches, tandis que les surfeurs et les bains de soleil sont représentés comme de minuscules taches de couleur.

Découvrez quelques-unes des magnifiques peintures de plage de West ci-dessous et découvrez-en plus sur son portefeuille en pleine croissance sur son site Web. Inspiré pour peindre vos propres paysages environnants? Voici notre guide de peinture en plein air.

L'artiste Sally West crée des peintures à l'huile texturées inspirées des plages d'Australie.

Peintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally West

Elle apporte ses peintures à l'huile et ses toiles à chaque endroit pour peindre en plein air.

Peintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally West

Les vagues sont restituées dans des mélanges de bleu et d'épaisses barbes de blanc…

Peintures de plage en plein air par Sally West

… Tandis que les surfeurs et les bains de soleil sont représentés comme de minuscules taches de couleur.

Peintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestPeintures de plage en plein air par Sally WestSally West: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des images de Sally West.

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Un sculpteur transforme les déchets jetés en écosystèmes dynamiques débordant de vie

Objets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie Kilgast

Inspirée par la biodiversité de notre planète, l'artiste Stephanie Kilgast crée des sculptures qui reflètent la relation entre l'homme et la nature. Pour elle en cours Objets jetés , elle transforme des objets fabriqués par l'homme (tels que de vieilles boîtes de conserve et des bouteilles en plastique) en de minuscules écosystèmes, où des éclats de vie colorés ont revendiqué les ordures comme leurs nouvelles maisons.

Des grappes vibrantes de coraux poussant sur des canettes à boire à une famille de limaces de mer rassemblées sur une bouteille en plastique, le travail de Kilgast visualise la pollution plastique et les effets qu'elle a sur la faune océanique. Malgré le thème tragique, le travail coloré de l’artiste a une atmosphère joyeuse, nous rappelant que la nature a la capacité de récupérer et de repousser – si nous consommons moins. «La vie me fascine. Les textures et les motifs m'excitent. La sculpture me rend heureuse », explique Kilgast. «Les activités humaines destructrices me plongent dans le désespoir. Les émotions me rendent fou. La création artistique équilibre tout. »

Des minuscules tortues de mer aux champignons aux couleurs de l'arc-en-ciel, chaque élément individuel est soigneusement sculpté à la main en polymère ou en argile époxy. Une fois mis en place, Kilgast peint ensuite les minuscules composants dans des teintes vibrantes, permettant à la pièce entière de prendre vie. «Avec mon choix de couleurs vives et vives, j'offre un monde post-apocalyptique gai», explique Kilgast. "Alors que je parle d'un sujet lourd, l'impact désastreux des activités humaines, je souhaite également que les gens quittent mon travail avec un sentiment de bonheur et d'espoir, et continuent à se battre."

Découvrez quelques-uns des Kilgast Objets jetés sculptures ci-dessous et trouver plus de son portefeuille sur son site Web.

Stephanie Kilgast crée des sculptures qui reflètent la relation entre l'homme et la nature.

Objets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie Kilgast

Pour elle en cours Objets jetés , elle transforme des objets jetés par l'homme en de minuscules écosystèmes.

Objets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie Kilgast

Chaque pièce reflète les problèmes entourant les déchets plastiques et leurs effets sur la faune océanique.

Objets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie KilgastObjets rejetés Sculptures de l'écosystème par Stephanie Kilgast

Regardez l'artiste en action.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=-xUb3vlEveQ (/ intégré)

Stephanie Kilgast: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | YouTube | Tumblr

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Stephanie Kilgast.

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RIP Qinni: les fans rendent hommage à l'artiste qui les a inspirés à «peindre les étoiles»

Les gens du monde entier pleurent la perte de l'artiste canadien Qing Han, alias Qinni, qui est décédée d'un cancer à l'âge de 29 ans. Qinni – dont vous avez probablement vu le travail et ne l'avez même pas réalisé – avait un public en ligne massif et enthousiaste après avoir rejoint DeviantArt à la fin des années 2000. C'est là qu'elle a publié pour la première fois son œuvre fantastique inspirée de l'anime et cultivé des relations avec des amis et des fans en ligne. Qinni était considérée comme quelqu'un de généreux avec son temps qui non seulement partageait un travail inspirant, mais montrait comment elle l'avait créé à travers des tutoriels approfondis.

Les talents incroyables de Qinni et sa capacité à être vulnérable avec sa communauté en ligne en ont fait une personne que les artistes appréciaient. Elle le versait en quelque sorte, car l'aspect communautaire est la raison pour laquelle elle s'est tournée vers DeviantArt en premier lieu. «J'ai grandi dans une famille qui désapprouvait que je fasse de l'art, donc je n'étais pas autorisée à dessiner à la maison», a-t-elle écrit après avoir reçu le prix Deviousness du site en 2017. «DA était vraiment l'endroit où j'ai reçu l'encouragement et la confiance pour essayer de convaincre mes parents que je voulais devenir artiste professionnelle. »Elle a atteint son objectif et est devenue peintre de fond pour le studio d'animation Titmouse – en plus de créer son travail personnel. «Je me souviens avoir voulu être aussi compétent et bien connu que certains des artistes ici et c'est fou de presque pouvoir me voir comme leur pair maintenant. Parfois, je regarde en arrière et je continue de tout dire. »

Qinni était ouverte sur le partage de ses problèmes de santé et fournirait des mises à jour sur ses difficultés sur ses réseaux sociaux. Elle avait subi une opération à cœur ouvert à quatre reprises en raison d'une maladie cardiaque génétique, et juste après Noël, elle a annoncé sur Twitter qu'elle avait reçu un diagnostic terminal de cancer du sarcome à fibrose de stade quatre. Tout en passant par la chimio, elle a continué à publier de l'art (souvent lié au corps) et à partager le détail de ses traitements. Chaque fois, elle a été accueillie avec sympathie et soutien.

Lorsque le décès de Qinni a été annoncé, les fans ont commencé à pleurer et à rendre hommage à cette force artistique en créant de l’art. Le hashtag #galaxiesforqinni présente de nombreux vœux pour elle ainsi que de nombreuses recréations de l'une de ses pièces les plus populaires—Taches de rousseur étoilées, dans laquelle une fille aux tons de bijoux avec des étoiles s'est répandue sur son visage. (La peinture était si populaire qu'elle a inspiré la tendance «maquillage galaxie».)

Faites défiler vers le bas pour l'art hommage sincère créé par des artistes du monde entier en l'honneur de Qinni.

Des fans du monde entier pleurent la perte de Qinni, un artiste canadien décédé d'un cancer à l'âge de 29 ans.

Il y a de fortes chances que vous ayez vu le travail de Qinni sans même vous en rendre compte. Taches de rousseur étoilées est l'une de ses pièces les plus populaires.

Elle est également responsable de ce mème…

… Ainsi qu'une pléthore de beaux travaux, qui traitaient souvent du corps.

Ses fans affichent maintenant leur art hommage en utilisant le hashtag #galaxiesforqinni.

Suivant: Plus d'art hommage pour Qinni

Un artiste redonne vie à de vieilles photographies oubliées avec des broderies colorées à la main

Photographies cousues à la main de Han Cao

De plus en plus, les brodeuses contemporaines repoussent les limites de l'artisanat séculaire pour produire des pièces uniques cousues à la main. C'est le cas de la calligraphe et artiste en fibre Han Cao, qui combine sa broderie chromatique avec des photographies vintage trouvées dans sa série Photos oubliées.

Bien que basé à Palm Springs, Cao collectionne des photos en noir et blanc et sépia dans les ventes immobilières, les antiquaires et les marchés aux puces du monde entier. Ces photographies usées portent des récits énigmatiques, que l'artiste donne ensuite vie à une aiguille et du fil coloré. Elle dit: «Je suis particulièrement attirée par les images qui offrent une histoire plus profonde – des photographies avec des visages obsédants et des paysages simples qui peuvent être transformés comme par magie avec une dimension et des couleurs supplémentaires.»

En travaillant directement sur les photos originales – qui sont généralement de 5 "x 7" ou plus petites – Cao établit une connexion plus profonde avec elles. Ses motifs brodés varient en style, selon le sujet. Dans certains, l'artiste couvre les visages d'individus avec des fleurs et ajoute des imprimés botaniques à leurs vêtements. Dans d'autres, Cao élabore sur le fond flou – plaçant des points réfléchis et colorés pour améliorer ce qui est déjà là. Les mythologies du monde sont une autre source d'inspiration pour l'artiste, que l'on peut voir sur des photographies sélectionnées où elle a cousu des caractéristiques animales sur des figures anonymes.

Toutes les créations de Cao sont uniques. Vous pouvez acheter des originaux ainsi que des impressions via son site Web. Et pour vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste, y compris des expositions à venir, vous pouvez la suivre sur Instagram.

La calligraphe et artiste en fibres Han Cao combine sa broderie à la main avec des photos trouvées dans sa série Photos oubliées.

Photographies cousues à la main de Han Cao

Cao utilise des photographies d'époque qu'elle collectionne au cours de ses voyages et leur insuffle une nouvelle vie avec ses dessins colorés.

Photographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoPhotographies cousues à la main de Han CaoHan Cao: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Han Cao.

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Ce calendrier céleste 2020 peut vous aider à planifier des événements spectaculaires dans le ciel

Calendrier des événements célestes 2020 par Celestron

Photos de Marko Aliaksandr / Shutterstock

Si vous êtes fasciné par les événements célestes, ce calendrier de Celestron vous aidera à garder une trace des phases de la lune, des averses de météores, des éclipses, etc. Le calendrier céleste 2020 marque les phénomènes spatiaux les plus importants de cette année, mois par mois, de sorte que vous saurez toujours exactement où et quand les événements se produiront à l'avance.

Le calendrier céleste est particulièrement utile pour les astrophotographes et les astronomes, qui pourront désormais planifier leurs expéditions pour toute l'année. Le 9 février 2020, le calendrier révèle que la lune était à son plus proche de la Terre et semblait plus grande et plus lumineuse. Si vous l'avez manqué, ne vous inquiétez pas! Cet événement, connu sous le nom de Supermoon, devrait se reproduire en mars, avril et mai de cette année. Un autre événement notable est la plus grande pluie de météores de l'année (appelée Geminids) les 13 et 14 décembre. Ces nuits-là, ceux de l'hémisphère Nord auront de bonnes chances d'attraper les stries lumineuses qui planent dans le ciel.

Le calendrier fait également référence à des événements planétaires importants tels que la conjonction de Jupiter et de Saturne le 21 décembre. Pour la première fois depuis l'an 2000, les deux planètes s'aligneront près du soleil et seront visibles de la Terre à l'aide d'un télescope. "Ils seront si proches qu'ils apparaîtront comme une double planète lumineuse dans le ciel", explique Celestron. "Regardez à l'ouest juste après le coucher du soleil pour apercevoir ce spectacle planétaire rare."

Vous trouverez un guide détaillé du calendrier sur le blog de Celestron, où vous trouverez également une version gratuite téléchargeable pour poster que vous pouvez imprimer et accrocher sur votre mur.

Le calendrier céleste 2020 de Celestron marque chaque mois les événements célestes les plus importants de cette année.

Calendrier des événements célestes 2020 par CelestronCelestron: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des images de Celestron.

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Illuminez la journée de quelqu'un avec l'un de ces drôles de cadeaux pour les amis

Cadeaux drôles pour les amis

Nous aimons tous partager un rire avec nos amis. Alors, quelle meilleure façon de commémorer ce sentiment joyeux qu'en offrant un cadeau drôle? Que ce soit pour un anniversaire, un échange de cadeaux ou des vacances, My Modern Met Store propose une gamme de produits fantaisistes qui ne manqueront pas de faire sourire votre ami.

Comme la comédie, la clé pour choisir le cadeau drôle parfait est dans l'élément de surprise. Pour ce faire, vous devrez trouver des produits qui sortent des sentiers battus. Le Big Wooden Cat Pile Game, par exemple, n'est pas seulement l'un de nos best-sellers, mais aussi une activité amusante de «reverse Jenga» pour les amoureux des chats. Alternativement, si vous recherchez un yogi passionné, le designer Brogamats de San Francisco a fait un accessoire de bureau délicieusement inattendu. Rainbow Joes: Figurines de la série 1 présente un ensemble de 9 figures colorées dans des poses de yoga classiques, diffusant de bonnes vibrations où qu'elles soient.

Vous magasinez avec un budget limité? Aucun problème. En fait, définir un paramètre dans votre navigation peut faciliter les choses et affiner vos choix. Par exemple, les accessoires, comme les chaussettes et les épingles en émail, sont d'excellents petits cadeaux qui font également partie des favoris de la foule. La tasse Bob Ross par Unemployed Philosophers Guild est appréciée pour son arrière-plan changeant de température. Une fois que la boisson chaude de choix a été versée dans la tasse, un arrière-plan bucolique apparaîtra derrière le peintre de télévision bien-aimé. Ou, pour ceux qui préfèrent les cadeaux portables, Niaski's Vincat van Gogh Enamel Pin combine l'histoire de l'art et les chats en une seule épingle chic.

Faites défiler vers le bas pour voir certains de nos cadeaux drôles préférés pour vos amis, et rendez-vous sur My Modern Met Store pour acheter la collection entière.

Ces cadeaux fantaisistes feront sourire vos amis!

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Le photographe capture la douce nature de sa grand-mère dans des portraits réconfortants

Portraits de grand-mère au Japon par YASUTO

Si vous avez la chance de pouvoir passer du temps avec votre grand-mère, passée ou présente, vous conviendrez probablement qu’elles sont assez spéciales. La plupart des grands-mères sont pleines d'amour, de gentillesse, de sagesse et de plaisir! Le photographe japonais YASUTO montre son admiration pour sa grand-mère en capturant sa personnalité douce et ludique dans une série de photographies réconfortantes.

YASUTO a partagé la belle série sur Twitter, où il explique la raison de son projet. Il révèle qu'il regrette de ne pas avoir photographié son grand-père avant sa mort, alors il voulait capturer sa grand-mère à ce stade de sa vie. De la pose parmi des hortensias aux couleurs pastel à la pose sous des arbres d'automne dorés, la collection d'images a été prise tout au long de l'année et capture les célèbres saisons colorées du Japon.

Non seulement les images de YASUTO immortalisent la nature douce de sa grand-mère, mais elles montrent également le lien adorable entre elle et son chien. Son fidèle Shiba Inu est capturée assise à ses côtés, alors qu'elle le regarde avec une pure joie. Les adorables couples se montrent heureux en train de se détendre dans les superbes forêts et parcs du Japon, et ils semblent parfois plongés dans la conversation. La série de YASUTO célèbre la beauté de la vieillesse et la joie de vivre.

Le photographe japonais YASUTO capture la personnalité douce et ludique de sa grand-mère dans une série de photographies réconfortantes.

Portraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTO

La collection d'images a été prise tout au long de l'année et capture les célèbres saisons colorées du Japon.

Portraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTO

YASUTO capture également le lien entre sa grand-mère et son chien.

Portraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTO

La paire adorable semble souvent à travers leur profonde conversation.

Portraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOPortraits de grand-mère au Japon par YASUTOYASUTO: Facebook | Instagram | Twitter
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Natalie Portman portait une cape brodée de noms de femmes réalisatrices repoussées par les Oscars

Les titres menant aux Oscars 2020 parlaient souvent des choses que nous ne serait pas voir la nuit du spectacle. Une omission flagrante était les femmes manquantes dans la catégorie des meilleurs réalisateurs. La nouvelle décennie a marqué une autre année au cours de laquelle l'Académie n'a nommé que des hommes pour le prestigieux honneur. Au cours d'une année où les réalisatrices ont réalisé certains des films les plus aimés et les plus intéressants, le camouflet a été particulièrement douloureux. Comme beaucoup, l'actrice Natalie Portman était bouleversée et elle a utilisé la mode sur le tapis rouge pour le rappeler.

Portman a assisté aux Oscars vêtu d'une robe Dior noire et dorée accompagnée d'une cape sur laquelle étaient brodés les noms de certaines réalisatrices. La liste comprenait Greta Gerwig qui a fait Petite femme, Lulu Wang qui a réalisé L'adieuet Lorene Scafaria, directrice de Hustlers. "Je voulais reconnaître les femmes qui n'ont pas été reconnues pour leur travail incroyable cette année de ma manière subtile", Portman expliqué sur le tapis rouge cette nuit.

Ce n'est pas la première fois que Portman exprime son mécontentement des électeurs de l'Académie de manière très publique. En 2018, elle a remis le prix du meilleur réalisateur (avec Ron Howard), et quand est venu le temps d'annoncer les noms, elle a dit: «Et voici le Tous mâles candidats. "

Malgré ses affichages très largement médiatisés pour une reconnaissance égale, il y a eu un croissance tollé pour que la propre société de production de Portman (Handsomecharlie Films) reflète ce qu’elle demande publiquement. Sur les 11 films que sa société a produits, seulement 2 des films sont réalisés par une femme (qui sont toutes deux Portman elle-même). Il convient de noter que cela n’est pas dû à un manque d’essai. Portman aurait apparemment contesté la Thor films parce qu'elle voulait Patty Jenkins pour diriger la suite.

Qu'il soit performatif comme certains le suggèrent, on ne peut nier que les appels de Portman sont tout à fait justifiés et qu'ils attirent l'attention sur un problème très réel dans l'industrie. Au cours des 92 années des Oscars, seules cinq femmes ont été nominées dans la catégorie réalisateur. Kathryn Bigelow a été la seule à gagner pour son film The Hurt Locker En 2008.

L'actrice Natalie Portman a exprimé son mécontentement des électeurs de l'Académie, encore une fois. n'a nommé aucune femme dans la catégorie des meilleurs réalisateurs. Sa déclaration incluait le port d'une cape sur laquelle était brodée le nom de femmes réalisatrices.

Les réalisateurs sur sa cape étaient: Lorene Scafaria (Hustlers), Greta Gerwig (Petite femme), Lulu Wang (L'adieu), Marielle Heller (Une belle journée dans le quartier), Melina Matsoukas (Queen & Slim), Alma Har’el (Honey Boy), Céline Sciamma (Portrait d'une dame en feu) et Mati Diop (Atlantiques).

Ce n'est pas la première fois que Portman dénonce le manque de réalisatrices dans la catégorie Oscars. Elle l'a également fait en 2018.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=7ymYmfI-4uA (/ intégré)

h / t: (BuzzFeed)

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Une figurine de pompier australienne aide à collecter des fonds pour les animaux touchés par les feux de brousse

Figurine de pompier Bushfire par Funko

Alors que la plupart des jouets de super-héros représentent des personnages de films et de bandes dessinées, Funko a collaboré avec PopCultcha pour sortir une nouvelle édition limitée Pop! Figurine qui célèbre certains des vrais héros d'aujourd'hui: les pompiers australiens. Nommé Bushfire Heroes, les bénéfices de cette figurine iront tous à la Royal Society for the Prevention of Cruelty to Animals 'National Bushfire Appeal.

La figurine en vinyle, mignonne mais poignante, représente un pompier et un koala accroché à sa jambe, visualisant la situation déchirante et le travail difficile auquel les pompiers sont confrontés chaque jour. Au détail à 14,17 $, le produit aidera la RSPCA à fournir aux vétérinaires et aux autres agences gouvernementales les fournitures, l'équipement et les soins médicaux dont ils ont besoin pour aider les animaux déplacés par les incendies de forêt. "Une fois que les zones d'incendie actives sont dégagées, c'est là que commence notre travail le plus difficile", explique la RSPCA. «Notre travail se poursuivra pendant des mois après la fin des incendies.»

Vous voulez aider la RSPCA et sa cause? le Bushfire Heroes La figurine est disponible en précommande maintenant exclusivement sur le site PopCultcha, avec une livraison estimée pour juin 2020.

Funko a sorti un pompier australien et une figurine de koala, tous les profits iront en aide aux animaux déplacés.

Figurine de pompier Bushfire par FunkoFunko: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
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Toutes les images via Funko.

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Comment Jacob Lawrence a capturé l'expérience afro-américaine avec «The Migration Series»

Jacob Lawrence

Jacob Lawrence, «Panel 1» de la «Migration Series», 1940-1941

New York a toujours attiré des artistes d'avant-garde. Des énergiques expressionnistes abstraits aux pionniers du Pop Art américain, des créatifs avant-gardistes ont afflué vers la ville qui ne dort jamais depuis des décennies. Alors que chaque mouvement moderne cultivé dans la Grande Pomme a marqué l'histoire de l'art, la Renaissance de Harlem a permis à toute une population de s'épanouir.

Tout au long des années 1920 et dans les années 30, le quartier de Harlem à New York a prospéré en tant que centre culturel pour les Afro-Américains. Au cours de cet «âge d'or», les arts ont prospéré, culminant dans un mouvement culturel qui a vu la création de l'une des œuvres les plus émouvantes de l'art moderne: La série sur la migration, une collection prolifique de peintures de l'artiste afro-américain Jacob Lawrence.

L'inspiration derrière La série sur la migration

Quel était l'art de la Renaissance à Harlem

Jacob Lawrence, Panel 40 («Great Numbers») de la «Migration Series», 1940-1941 (Photo: Ron Cogswell via Flickr Public Domain)

Achevé en 1941, La série sur la migration raconte de façon colorée l'histoire de la Grande Migration – un exode massif de plus de 6 millions d'Afro-Américains du Sud. Fuyant les difficultés économiques et les lois liées à la ségrégation, ces personnes se sont réinstallées dans les zones urbaines de l'Ouest, du Midwest et, surtout, du Nord. Dans ces nouvelles villes, les migrants se sont souvent regroupés, formant des communautés de soutien en s'installant dans des quartiers comme Harlem.

"La section Harlem de Manhattan, qui ne couvre que trois miles carrés, a attiré près de 175 000 Afro-Américains, donnant au quartier la plus grande concentration de Noirs au monde", explique le Musée national d'histoire et de culture afro-américaine. «Harlem est devenue une destination pour les Afro-Américains de tous horizons. De travailleurs non qualifiés à une classe moyenne éduquée, ils ont partagé des expériences communes d'esclavage, d'émancipation et d'oppression raciale, ainsi qu'une détermination à forger une nouvelle identité en tant que peuple libre. »

La jeunesse et la carrière de Lawrence

Portrait de Jacob Lawrence

Carl Van Vechten, «Portrait de Jacob Lawrence», 1941 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Il n'est pas surprenant que Lawrence ait trouvé l'inspiration dans la Grande Migration. Né à Atlantic City en 1917 de parents nés dans le Sud (sa mère était de Virginie; son père était de Caroline du Sud), la propre famille de Lawrence avait déménagé dans le New Jersey pendant la Grande Migration. Quand il était enfant, ses parents ont divorcé; bien que lui et ses frères et sœurs se soient retrouvés en famille d'accueil à Philadelphie, ils ont pu retrouver leur mère à Harlem à New York en 1930 lorsque Lawrence avait 13 ans.

À cette époque, la Renaissance de Harlem battait son plein. Artiste en herbe, Lawrence a perfectionné ses compétences avec des cours d’art au Utopia Children’s Centre et, éventuellement, au Harlem Community Art Center, un studio créé par le biais du Federal Art Project. Plus important encore, son côté créatif était soutenu par son environnement. Ces influences organiques incluent le goût coloré de sa mère dans les meubles de maison («Nos maisons étaient très décoratives, pleines de motifs, comme des tapis de lit bon marché …», a-t-il dit: «J'ai eu des idées d'eux, les arabesques, le mouvement, etc.). ») Et le centre afro-américain qu'il a appelé chez lui. «La communauté (à Harlem) m'a permis de me développer», a-t-il expliqué. «J'ai peint la seule façon dont je savais peindre. . . J'ai essayé de mettre les images dans ma relation avec la communauté. »

Dans la foulée d'une célèbre collection de portraits narratifs de Harriet Tubman, Frederick Douglass et d'autres personnages de l'histoire des Noirs, cette approche communautaire a été couronnée de succès pour Lawrence quand, à tout juste 23 ans, il a attiré l'attention nationale avec La série sur la migration.

La série sur la migration

Migration Series-Jacob Lawrence au MOMA.

le Série sur la migration (initialement intitulé La migration du nègre) comprend 60 tableaux qui, ensemble, racontent l'histoire de la Grande Migration. Chaque scène est rendue à la peinture à la détrempe sur un panneau en carton et est exécutée dans le style caractéristique de Lawrence: compositions simplistes, formes stylisées et couleurs vives. Afin d'assurer un flux cohérent de ton et de style, Lawrence a peint chaque panneau en une série d'étapes simultanées.

Associée au sujet historique (qui s'étend des gares animées pleines de passagers noirs aux fermes abandonnées et inondées), cette approche esthétique présente la Grande Migration à travers une nouvelle lentille. "Le travail de Lawrence est un jalon dans l'histoire de l'art moderne et un exemple clé de la façon dont la peinture d'histoire a été radicalement repensée à l'ère moderne", explique le Musée d'art moderne.

Jacob Lawrence

Jacob Lawrence, Panel 3 («Great Numbers») de la «Migration Series», 1940-1941

Afin de raconter cette histoire importante aussi clairement que possible, Lawrence a associé chaque panneau à une légende. La première ligne de la série, par exemple, définit le décor: Pendant la Première Guerre mondiale, il y avait une grande migration vers le nord par les Afro-Américains du sud. Tout au long de la collection, Lawrence explique une série d'autres événements et expériences – de l'importance de la presse noire (panneau 20) aux «opportunités plus éducatives» (panneau 58) offertes par le Nord – jusqu'à ce que le panneau 60 conclue la série avec une déclaration ouverte. «Et les migrants n'arrêtaient pas», lit-on.

Après La migration

Jacob Lawrence Life

Marchand d'art Terry Dintenfass avec Jacob et Gwendolyn Lawrence, vers 1970 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

En 1941, La série sur la migration a été exposée pour la première fois à la Downtown Gallery de Manhattan, où elle a attiré deux parties intéressées: la Phillips Collection à Washington DC et le Museum of Modern Art (MoMA) à New York. Illustrant l'importance de la série, aucun acheteur n'a bougé; enfin, ils ont décidé de diviser la collection, la collection Phillips acquérant les panneaux impairs et le MoMA recevant les panneaux pairs.

Après le succès de La série sur la migration, Lawrence a lancé une carrière d'enseignant. Il a travaillé dans plusieurs universités, dont l'Université de Washington, où il a enseigné pendant seize ans. Il a également continué à créer de l'art jusqu'à sa mort en 2000, complétant des œuvres puissantes qui portent l'héritage de La série sur la migration.

"Pour moi, la migration signifie le mouvement", a déclaré Lawrence. «Il y a eu des conflits et des luttes. Mais de la lutte est née une sorte de pouvoir et même de beauté. «Et les migrants n'arrêtaient pas» est un refrain de triomphe de l'adversité. Si cela vous semble vrai aujourd'hui, alors cela doit encore faire écho à notre expérience américaine. »

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L'artiste brode les textures organiques de la mousse, du lichen, des récifs coralliens et des moisissures

Broderie abstraite Hannah Kwasnycia

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L'artiste canadienne Hannah Kwasnycia coud à la main des cerceaux de broderie abstraits inspirés de la nature. En particulier, elle souhaite capturer les formes organiques de mousse, de lichen, de récifs coralliens et de moisissures, en utilisant une variété de points de suture, de couleurs et de perles pour ce faire.

Actuellement basée en Nouvelle-Zélande, Kwasnycia a découvert l'art de la broderie à la main il y a un peu plus d'un an. Depuis lors, l'artiste de 26 ans pratique le métier pendant son temps libre, gagnant rapidement la reconnaissance sur Instagram pour ses créations uniques. Les cerceaux conceptuels de Kwasnycia sont fabriqués par l'expérimentation et l'instinct, comme elle le fait chacun à main levée. En raison de son approche imprévue, il n'y a pas deux pièces identiques. En fait, elle s'inspire de toutes les couleurs et formes de textures organiques. Ainsi, alors que certaines de ses pièces rappellent la pulpeuse mousse verte dans leurs épaisses mailles ondulées, d'autres imitent les fleurs d'un récif de corail avec leurs boucles en trois dimensions.

Outre les motifs abstraits caractéristiques de Kwasnycia, les couleurs de ses œuvres sont également remarquables. Chaque cerceau est généralement conservé dans une palette de couleurs limitée, que l'artiste utilise intelligemment pour améliorer la variété des points utilisés. En plaçant des couleurs contrastées les unes contre les autres, chaque motif se démarque par conséquent. De même, la technique de Kwasnycia de superposer des teintes similaires les unes aux autres semble conduire à un sentiment de succulence. La décoration occasionnelle de perles ajoute un élément scintillant agréable à l'image finale.

Vous pouvez acheter les créations originales de Kwasnycia via sa boutique Etsy, et pour suivre son dernier art, vous pouvez la suivre sur Instagram.

L'artiste néo-zélandaise Hannah Kwasnycia confectionne des broderies abstraites colorées.

Broderie abstraite Hannah Kwasnycia

Son travail s'inspire des textures organiques de mousse, de lichen, de récifs coralliens et de moisissure.

Broderie abstraite Hannah Kwasnycia

Chaque cerceau est complètement unique dans ses points, ses combinaisons de couleurs et ses motifs.

Broderie abstraite Hannah KwasnyciaBroderie abstraite Hannah KwasnyciaBroderie abstraite Hannah KwasnyciaBroderie abstraite Hannah KwasnyciaBroderie abstraite Hannah KwasnyciaBroderie abstraite Hannah KwasnyciaBroderie abstraite Hannah KwasnyciaHannah Kwasnycia: Etsy | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Hannah Kwasnycia.

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Un artiste de médias mixtes crée des collages dynamiques à l'aide de photographies et de livres trouvés

Collages de Hollie Chastain

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L'artiste de techniques mixtes Hollie Chastain explore le potentiel narratif des objets trouvés dans ses collages énergiques. Ces pièces texturées sont créées à partir de couches de photographies anciennes, de livres et de bouts de papier que l'artiste lie ensemble dans de nouvelles histoires de sa propre invention. Chastain déclare qu'elle est une «illustratrice dans l'âme», ce qui motive sa prise de décision créative dans ces compositions adroites.

Basée à Chattanooga, dans le Tennesse, Chastain possède à la fois une expérience en conception graphique et en art classique. En fait, l'artiste n'a commencé à faire des collages qu'en 2008. «Je cherchais un nouveau départ en studio et je n'avais jamais expérimenté le collage du tout», explique-t-elle à My Modern Met. Chastain a utilisé sa collection préexistante d'éphémères en papier et de livres vintage comme matériaux de base pour ses créations. Alors qu'elle continuait à créer des collages, l'artiste est tombée amoureuse de l'histoire visuelle latente dans des livres particulièrement anciens – comme les timbres comme identification de bibliothèque et d'école – qu'elle réutilise dans son œuvre.

Chastain trouve les «personnages» de ses collages à travers les fournitures riches en images de National Geographic magazines des années 60 et 70. En raison de la forte volonté de raconter des histoires dans ses pièces, cependant, leur utilisation peut prendre un certain temps. "J'ai une pile de personnages découpés sur mon bureau en attendant que leur scène parfaite se présente", explique Chastain.

L'artiste trouve constamment de nouvelles façons de créer ses collages. Certaines de ses pièces les plus remarquables incluent l'utilisation de la poche pour cartes de bibliothèque comme balcon pour les personnages et les bords déchirés de papiers déchirés comme des montagnes ou des vagues abstraites. Récemment, Chastain a également commencé à tisser pour unir ses divers éléments en papier avec du fil.

Pour ceux qui souhaitent apprendre l'art du collage, Chastain a récemment publié un livre pédagogique sur la fabrication de collages, intitulé Si vous pouvez couper, vous pouvez coller. Vous pouvez également vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste en la suivant sur Instagram.

L'artiste de techniques mixtes Hollie Chastain crée des collages dynamiques en utilisant des photographies et des livres trouvés.

Collages de Hollie Chastain

Chastain utilise ses divers matériaux vintage pour créer de nouveaux récits.

Collages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie ChastainCollages de Hollie Chastain

Hollie Chastain: site Web | Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Hollie Chastain.

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Le coyote et le blaireau forment un charmant couple étrange pour s'entraider à chasser

Amitié coyote et blaireau

Photo: Kimberly Fraser, USFWS

En ce qui concerne les duos dynamiques, l'un des couples les plus inhabituels dont nous avons entendu parler est peut-être le coyote et le blaireau. De temps en temps, des vidéos de ces animaux chassant ensemble font le tour en ligne, ce qui amène les gens à se demander comment fonctionne ce couple étrange. La réponse est le mutualisme. Défini comme une relation bénéfique entre deux espèces différentes qui aide les deux à survivre, c'est le phénomène qui rassemble ces animaux.

Plus précisément, les coyotes et les blaireaux chassent souvent ensemble pendant l'été. Chaque animal aide à équilibrer l'autre et ensemble, ils forment un chasseur bien équilibré qui peut plus facilement abattre des proies. Les coyotes rapides peuvent chasser les animaux en fuite, tandis que les blaireaux peuvent chasser des proies qui creusent sous terre. Il a été démontré qu’en travaillant en tandem, les deux espèces sont des chasseurs plus performants que si elles allaient seules.

Bien sûr, cela ne signifie pas qu'ils travaillent toujours ensemble. Par exemple, pendant l'hiver, les blaireaux peuvent trouver des proies plus facilement. Ils creusent simplement dans les tanières des animaux en hibernation et ont leur fête, ce qui signifie qu'ils n'ont pas besoin de compter sur les coyotes pendant cette période de l'année. Et même tout au long de l'été, il n'est pas rare de voir un coyote ou un blaireau chasser seul. La relation n’est pas exclusive et les deux espèces sont connues pour chasser sans l’autre.

Pourtant, voir ces différentes espèces ensemble, en particulier lorsque les deux sont connues pour leurs capacités de chasse féroces, est un spectacle fascinant.

Les coyotes et les blaireaux sont souvent vus chasser ensemble dans une démonstration de mutualisme bénéfique.

Chasse au coyote et au blaireau ensemble

Photo: Kimberly Fraser, USFWS

Les coyotes peuvent descendre des proies, tandis que les blaireaux peuvent suivre les animaux sous terre.

Mutualisme avec Coyote et Badger

Photo: Kimberly Fraser, USFWS

Une caméra de la faune a récemment capturé cette amitié unique dans la région de la baie.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=QP4XHeqow8M (/ intégré)

Ce couple étrange est souvent vu chasser ensemble dans les parcs nationaux des États-Unis.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=8jUUQV3_vNI (/ intégré)

h / t: (U.S.Fish & Wildlife Services)

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Les abeilles créent une ruche en forme de cœur quand il n'y a pas de cadres pour les guider

Si vous avez déjà eu besoin de preuves que les abeilles étaient des artistes, jetez un œil à cette incroyable photographie publiée par le National Trust. Livrées à elles-mêmes, les abeilles du château de Bodiam à Robertsbridge, au Royaume-Uni, ont fait tout un spectacle. Dans la structure de leur ruche, ils ont créé un délicieux nid d'abeilles en forme de cœur qui a l'air aussi doux que bon.

Cela peut sembler étrange, mais c'est uniquement parce que nous sommes habitués aux apiculteurs qui placent des cadres rectangulaires dans la ruche. Les abeilles déposent ensuite leur miel et construisent un peigne directement sur le châssis, qui peut être facilement retiré et récolté par l'apiculteur. Mais la réalité est que les abeilles utiliseront autant d'espace qu'elles ont pour stocker le miel. En fait, les ruches naturelles peuvent prendre toutes les formes et tailles.

Par exemple, les abeilles à sucre, qui sont originaires d'Australie, fabriquent des ruches qui forment de grandes structures en spirale. Dans les climats tempérés, certaines abeilles formeront même une «colonie ouverte» où toute la ruche est exposée. Ceux-ci peuvent pendre des arbres, des clôtures ou des surplombs et prendre des formes oblongues impressionnantes.

Pourtant, la photographie du château de Bodiam est fascinante car elle a été formée dans le cadre en bois d'une ruche. L'apiculteur gregthegregest2 a mentionné sur Reddit que c'était un phénomène courant lorsque les abeilles laissaient un grand espace entre le haut des cadres et le toit de la ruche. Bien sûr, il est logique que ces travailleurs acharnés profitent de chaque pouce qui leur est donné. Bien que la forme soit belle, cela peut être un casse-tête pour les apiculteurs qui cherchent à récolter leur miel. Ils doivent couper le nid d'abeilles supplémentaire afin de libérer les cadres ci-dessous.

Bien sûr, l'habileté des abeilles est bien connue. En fait, même les artistes ont profité de leurs capacités en travaillant avec des abeilles pour tout créer, des sculptures à la broderie. Donc, la prochaine fois que vous verrez une abeille bourdonner de fleur en fleur, imaginez simplement quel talent artistique pourrait se produire lorsqu'elle retournera à la ruche.

Lorsqu'elles sont livrées à elles-mêmes, les abeilles sont des architectes incroyables.

Peigne naturel
Ruche naturelle 3S5X3730

Ils peuvent créer des formes incroyables à partir de leur nid d'abeille, que ce soit dans des boîtes ou dans la nature.

Ruche naturelle
Ruche naturelle

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Portraits de célébrités glamour capturés à la soirée des Oscars Vanity Fair 2020

Les Academy Awards visent à célébrer les réalisations dans le cinéma, mais regardez la cérémonie et vous verrez que cela concerne également les observations de célébrités et la mode fantastique. Le photographe Mark Seliger et Vanity Fair commémorent les participants de la liste A (et leurs fabuleuses robes) à travers des portraits saisissants. Comme les années précédentes, ils ont créé un Oscar Portrait Studio lors de la célèbre after-party du magazine et ont partagé une sélection des images sur leur site Web et Instagram.

Le Portrait Studio est réinventé à chaque nouvelle saison de récompenses. Pour 2020, l'ensemble a rappelé un appartement de mauvaise humeur et peu décoré dans un ancien entrepôt. Équipée d'un téléphone à cadran, d'un radiateur en fonte, d'une petite bibliothèque et d'une causeuse, la scène semblait arrachée à une autre époque. Certaines stars, comme Tracee Ellis Ross, ont choisi de profiter de tout l'espace. Sur sa photo, elle s'appuie contre le bras du canapé et regarde avec mélancolie les fenêtres opacifiées.

D'autres célébrités ont privilégié un portrait recadré qui mettait en évidence la lumière diffusée de l'extérieur. Robert De Niro, par exemple, regarde vers la fenêtre dans un moment de réflexion. Seliger a choisi de se concentrer sur l'expression de l'acteur et d'exclure le reste de l'ensemble. Cette photographie émotionnelle, comme le reste du travail de Seliger cette nuit-là, contraste fortement avec ce qui était certainement une fête rugissante à proximité.

Faites défiler vers le bas pour voir des photos plus glamour des gagnants de la soirée au Oscar Portrait Studio.

Vanity Fair et le photographe Mark Seliger ont collaboré au Oscar Portrait Studio pour capturer des photos saisissantes des célébrités.

Martin Scorsese

Robert de niro

Gabrielle Union et Dwyane Wade

Tracee Ellis Ross

Holland Taylor et Sarah Paulson

Laura Dern

John Legend et Chrissy Teigen

Charlize Theron

Mark Seliger: site Web | Instagram
Vanity Fair: Site Web | Instagram

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Affiche de film parasite

Le film sud-coréen Parasite a fait l'histoire des Oscars le dimanche 9 février 2020. Le thriller comique a franchi les frontières en devenant le premier film qui n'est pas en anglais à remporter le prix du meilleur film. Mais le premier prix n'était pas le seul prix Parasite gagné cette nuit-là. Le réalisateur Bong Joon-ho a également remporté le prix du meilleur réalisateur, du meilleur scénario original (partagé avec Han Jin Won) et du meilleur long métrage international.

Bong a accepté ses récompenses et a parlé par l'intermédiaire de son traducteur – la cinéaste de 25 ans Sharon Choi – transmettant son exaltation lors de chacune des victoires du film. "Quand j'étais jeune et que j'étudiais le cinéma, il y avait un dicton que j'avais creusé profondément dans mon cœur, qui est:" Le plus personnel est le plus créatif "", a-t-il déclaré en recevant le trophée de réalisation. "Cette citation vient de notre grand Martin Scorsese", a ajouté Bong en anglais, reliant les deux cultures et amenant la foule à ses pieds.

En ce moment, on ne peut nier que l'excitation pour Bong et son film incomparable a imprégné le Dolby Theatre à Hollywood. Mais, Parasite gagné un public dévoué bien avant la nuit des Oscars. Le film a inspiré des gens du monde entier, y compris des artistes et des designers qui ont décidé de rendre hommage à ce chef-d'œuvre cinématographique. En fait, plusieurs fans ont décidé de concevoir leurs propres affiches pour le film, en jouant avec les thèmes visuels et métaphoriques du film.

Le film transcende la race, la culture, la croyance et tout ce qui peut séparer les gens. C'est un conte universel et intemporel compris par les gens du monde entier. Le film est quelque chose que vous devriez vivre sans spoilers, donc nous ne dirons rien du conte sordide des démunis et des démunis.

Si vous n'avez pas vu ce film, le Parasite vous dirigera vers un théâtre où il se déroule près de chez vous. En attendant, faites défiler vers le bas pour voir les différentes itérations de l'affiche du film, certaines créées par des fans du monde entier.

Aux Oscars 2020, le film sud-coréen Parasite est entré dans l'histoire en étant le premier film non en anglais à remporter le prix du meilleur film.

Bong est méticuleux dans son processus et crée des storyboards complets (séquences de plans planifiés) pour tous ses films.

Son travail acharné a culminé dans un film qui a été diffusé dans le monde entier…

Affiche de film parasiteAffiche de film pour parasiteAffiche de film pour parasiteAffiche de film parasite

… Et de nombreuses versions alternatives de l'affiche du film désormais emblématique (dont certaines créées par des fans).

Affiche de film alternatif parasiteAffiche de film alternatif parasite

Affiche de film alternative pour parasite

Photo: Nikos Borgis

Affiche de film alternative pour parasite

Photo: Amanda Penley

Affiche de film alternatif parasite

Photo: Marie Bergeron

Affiche de film alternative pour parasite

Photo: gregthings

Affiche de film de parasite Tribute Art

Photo: Joseph K. Roman

Affiche de film alternatif parasite

Photo: La Boca

Affiche de film alternatif parasite

Photo: Andrew Bannister

Affiche de film de parasite Fan Art

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Affiche de film de parasite Fan Art

Photo: Danny DalCompo

Affiche du film parasite Hommage

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Affiche de film alternatif parasite

Photo: Jisu Choi

Affiche de film alternatif parasite

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Parasite: Site Web

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Futurisme: le mouvement artistique d'avant-garde obsédé par la vitesse et la technologie

Umberto Boccioni, formes uniques de continuité dans l'espace

«Formes uniques de continuité dans l'espace» par Umberto Boccioni. 1913. (Photo: Wikipedia)

Fasciné par la nouvelle industrie et ravi de ce qui nous attend, le début du XXe siècle Futuristes taillé une place dans l'histoire. Issus d'Italie, ces artistes ont travaillé comme peintres, sculpteurs, graphistes, musiciens, architectes et designers industriels. Ensemble, ils ont contribué à façonner un nouveau style d'art moderne qui a toujours sa force.

Les futuristes étaient des révolutionnaires, membres d'un mouvement d'avant-garde qui cherchait à se libérer des normes artistiques du passé. Grâce à des manifestes fréquents et bien présentés, ils ont pu diffuser largement leurs idées et ont connu un grand succès avant la Première Guerre mondiale. Ce groupe était fermement tourné vers l'avenir et ne pouvait pas en avoir assez de ce qu'il avait vu. Pour les futuristes, le passé était quelque chose à regarder de haut. Les avions et les automobiles symbolisaient la vitesse dont ils rêvaient et le dynamisme avec lequel ils voyaient le monde.

Aujourd'hui, le mouvement futuriste est connu pour son adoption de la vitesse, de la violence et de la culture des jeunes dans le but de faire avancer la culture. Bien que le mouvement soit probablement le plus largement associé à Umberto BoccioniSculpture de Formes uniques de continuité dans l'espace, il y a encore beaucoup à explorer.

Les origines du futurisme

Groupe original de futuristes

Les futurologues italiens Luigi Russolo, Carlo Carrà, Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni et Gino Severini devant «Le Figaro», Paris, 9 février 1912 (Photo: Wikipedia)

Le futurisme a été fondé à Milan par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti. Il a publié son Manifeste du futurisme en 1909, premier La gazzetta dell’Emilia puis dans le quotidien français Le Figaro.

Ce premier manifeste exposait le mépris du futuriste pour le passé, déclarant: «Nous n'en voulons pas, le passé, nous les jeunes et les futuristes forts!» Dans le texte, il est également clair que Marinetti souhaite rétablir l'Italie en tant que nouveau centre culturel. . L'Italie, qui ne fut unifiée qu'en 1870, jouissait encore de la gloire de l'ancien Empire romain et de la Renaissance italienne. Pour les futuristes, cela ne suffisait pas.

En fait, Marinetti en avait fini avec le passé en écrivant: «Nous libérerons l'Italie de ses innombrables musées qui la couvrent comme d'innombrables cimetières.» Les futuristes ont vu beaucoup plus de beauté dans les grandes découvertes industrielles du XXe siècle que la peinture et la sculpture classiques. Dans le manifeste, ils déclarent carrément que les inventions industrielles modernes sont beaucoup plus attrayantes: «Nous déclarons… une nouvelle beauté, la beauté de la vitesse. Une voiture de course… est plus belle que la Victoire de Samothrace. "

Le manifeste a également promu la violence et la nécessité de la guerre, mais il est intéressant de noter qu'il n'a pas discuté ni défini de règles pour les arts visuels. Cela viendrait plus tard, avec le 1914 Manifeste technique pour la peinture futuriste. Ce n'était qu'un des nombreux manifestes qu'ils produiraient, comme les futuristes l'ont écrit sur toutes sortes de sujets, de l'architecture et de la religion aux vêtements.

Autour de Marinetti au cours de cette première étape se trouvait un groupe central d'artistes qui façonneraient le futurisme et, en particulier, les arts visuels. Le compositeur Luigi Russolo, ainsi que les peintres Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla et Gino Severini ont formé les futuristes originaux.

Dynamisme d'un cycliste par Umberto Boccioni

«Dynamisme d'un cycliste» par Umberto Boccioni. 1913. (Photo: Wikipedia)

Caractéristiques de l'art futuriste

Comme le premier manifeste n'a pas abordé directement la production artistique du futurisme, il a fallu un certain temps avant qu'il y ait un visuel cohérent. Une caractéristique de l'art futuriste est la représentation de la vitesse et du mouvement.

En particulier, ils adhéraient aux principes de «dynamisme universel", Ce qui signifie qu'aucun objet n'est séparé de son arrière-plan ou d'un autre objet. «Les seize personnes qui vous entourent dans un autobus roulant sont à leur tour et en même temps un, dix quatre trois; ils sont immobiles et changent de place. … Le bus se précipite dans les maisons qu'il traverse et à leur tour les maisons se jettent sur le bus et s'y mélangent. »

Ceci est mieux illustré par Giacomo Balla Dynamisme d'un chien en laisse, où le mouvement de la marche du chien est illustré par la multiplication des pieds, de la laisse et des jambes du propriétaire. Des scènes urbaines comme celle-ci étaient un sujet typique pour les futuristes, qui considéraient l'environnement de la ville comme le sommet de leurs idéaux.

Dynamisme d'un chien en laisse par Giacomo Balla

«Dynamisme d'un chien en laisse» par Giacomo Balla. 1912. (Photo: Wikipedia)

Umberto Boccioni a expliqué les principes de l'art futuriste en le distinguant d'un autre mouvement d'avant-garde, l'impressionnisme. «Alors que les impressionnistes peignent un tableau pour donner un moment particulier et subordonnent la vie du tableau à sa ressemblance avec ce moment, nous synthétisons chaque instant (temps, lieu, forme, tonalité) et peignons ainsi le tableau.»

Les futuristes ont également été fortement influencés par le cubisme, qui a d'abord été apporté au groupe par Gino Severini. Severini est entré en contact avec le style lors de sa visite à Paris en 1911 et a présenté son utilisation des champs de couleurs brisées et des coups de pinceau courts aux futuristes. Les principaux artistes ont utilisé ces techniques pour créer des scènes encore plus dynamiques de tout, des cyclistes aux danseurs en passant par les villes en construction.

Finalement, Boccioni a pris son travail de deux dimensions à trois dimensions et a créé la sculpture acclamée Formes uniques de continuité dans l'espace. Aérodynamique et fluide, il est emblématique de la nouvelle obsession du peintre pour la sculpture et sa capacité à suggérer le mouvement. Fait intéressant, la sculpture n'a jamais été coulée en bronze de son vivant. Son plâtre original est situé dans le musée d'art contemporain de São Paulo. Plusieurs moulages en bronze ont été fabriqués à partir de 1931, l'un des moulages d'origine ayant été acquis par le MoMA de New York.

Art futuriste de Gino Severini

«Hiéroglyphique dynamique du Bal Tabarin» de Gino Severini. 1912. (Photo: Wikipedia)

Déclin et héritage du futurisme

Exemples d'art futuriste

«Brooklyn Bridge» de Joseph Stella. 1919-1920. (Photo: Wikipedia)

Le début de la Première Guerre mondiale a marqué la fin du groupe futuriste d'origine. Boccioni n'a créé qu'une seule peinture pendant la guerre et a été enrôlé dans l'armée italienne. Ce fut un coup dur pour le groupe lorsqu'il fut tué en 1916 lors d'un exercice d'entraînement.

Après la fin de la guerre, Marinetti relance le mouvement. Cette période a été appelée plus tard Deuxième futurisme qui est devenu associé au fascisme. Comme beaucoup de fascistes, ils estiment que l'Italie est un pays divisé entre le nord industrialisé et le sud agricole et souhaitent construire un pont pour les rapprocher. Le parti politique futuriste de Marinetti a en fait été absorbé par le parti fasciste de Benito Mussolini, bien que Marinetti soit plus tard en désaccord avec certains de leurs dirigeants et se retire de la vie politique.

Le futurisme de l'après-Première Guerre mondiale était consacré à de nouveaux types d'expression. En particulier, Aeropainting est devenu un style populaire dans les années 1920. Il combinait l'amour du vol avec des paysages aériens et était souvent utilisé dans la propagande. Non limitée aux paysages, l'Aeropainting était en fait varié dans son sujet et est resté populaire jusqu'en 1940.

Après la défaite de Mussolini et la mort de Marinetti en 1944, le futurisme en tant que mouvement officiel était mort. Cependant, il est resté très influent pour les mouvements artistiques ultérieurs du XXe siècle comme Dada, le surréalisme et, en termes de design, l'Art déco.

Aujourd'hui, les œuvres d'artistes futuristes se trouvent dans de grandes collections du monde entier et sont essentielles pour comprendre la culture du début du XXe siècle.

Art futuriste des années 1920

«Bateau à moteur excès de vitesse» par Benedetta Cappa. 1923. (Photo: WikiArt)

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Meilleure photographie de naissance

«Un moment de silence», lauréate de la première place, Photo: Jessica Vink de VI-Photography

L'accouchement est vécu de tant de façons différentes, et les histoires de deux familles ne se ressemblent pas. Pour enregistrer ces moments à la fois stimulants et joyeux, les photographes de naissance jouent le rôle de documentariste et d'artiste pour présenter le travail, l'accouchement et le post-partum d'une manière authentique mais agréable sur le plan esthétique. L'Association internationale des photographes de naissance professionnels (IAPBP) vient de conclure son concours Image de l'année 2020 dans lequel elle reconnaît et célèbre les créatifs qui excellent dans la chronique de tous les aspects de la photographie de naissance.

Le concours d'image est ouvert à plus de 1 100 membres de la communauté IAPBP en ligne qui résident dans 51 pays à travers le monde. Ils décernent un premier prix ainsi que les meilleures photographies dans des catégories telles que La main d'oeuvre, Livraison, Post-partum, et Détails de naissance, ainsi que les images favorites choisies parmi les membres. Pour 2020, Jessica Vink de VI-Photography a remporté le premier prix pour son portrait saisissant appelé Un moment de silence. L'image montre une maman et son bébé en train de faire une sieste bien méritée sur le canapé. Les entourant sont les signes extérieurs de la maternité nouveau-née qui, bien que non présentée de manière glamour, est belle dans sa vérité. C'est la photographie de naissance à son meilleur.

Faites défiler vers le bas pour plus d'entrées gagnantes incroyables du concours IAPBP 2020. Ensuite, visitez le site Web du concours d'image pour voir toutes les soumissions.

L'Association internationale des photographes de naissance professionnels vient d'annoncer les meilleures images du concours d'images 2020.

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«Warrior», Best in Birth Details, Photo: Bree Garcia de J&B Photography, LLC

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«Démasquer les nombreuses couches de la naissance», Best in Delivery, Photo: Alexandria Mooney de Alexandria Mooney Photography

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«Holding Two Sons», mention honorable, photo: Lindsey Ellis de LL.E. Ellis Photography

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«Non planifié, furieux et gratuit», mention honorable, photo: Bree Garcia de LJ&B Photography LLC

Association internationale des photographes de naissance professionnels

«Frais», mention honorable, photo: Brittney Hogue de LBrittney Hogue Naissance, bébé, famille

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"Nous vous avons bébé!" Mention Honorable, Photo: Belle Verdiglione de LBelle Verdiglione Photography

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Calendrier de photographie par G. Venket Ram

Shruti Haasan représentant Radha au clair de lune

Le photographe G. Venket Ram a traduit des peintures célèbres du XIXe siècle en photographies exquises qui ornent un calendrier 2020. En utilisant le célèbre peintre indien Raja Ravi Varma comme inspiration, Ram et son équipe ont été méticuleux pour recréer les détails fins des originaux de Varma avec des acteurs du sud de l'Inde. Dans certains cas, Ram a fusionné la peinture et la photographie en ajoutant des fonds qui semblent être des versions agrandies du matériel source. C'est un choix qui rend hommage à la technique de Varma, qui est remarquable comme étant un exemple d'approches de peinture européennes avec une «sensibilité purement indienne».

"J'ai toujours admiré la compréhension du mystère de la lumière dans les peintures des grands maîtres", raconte Ram à My Modern Met. «L'éclairage éthéré des peintures de Varma, réalisé il y a plus de cent ans, est tout simplement à couper le souffle.» Il a eu la chance d'explorer le travail de Varma lors d'une séance photo pour le NAAM Charitable Trust, une organisation qui «autonomise les femmes célibataires de la catégorie défavorisée de la société. »Suhasini Maniratnam, le fondateur de NAAM, a demandé à Ram de prendre des photos de quelques femmes qui représentaient les sujets dans les peintures de Varma.

Après le tournage, Ram a partagé quelques images sur les réseaux sociaux. «La réponse retentissante que j'ai obtenue pour ceux-ci m'a inspiré à faire une recréation à part entière de 12 portraits emblématiques du grand artiste», se souvient-il. Le projet a ensuite été étendu à un calendrier qui commémore le 10e anniversaire de NAAM. «Ces peintures sont animées par de superbes femmes du sud de l'Inde avec du grain et de la substance», explique Ram. «Parmi eux, nous avons présenté Chamundeswari, qui est un bénéficiaire de NAAM. Face à la caméra pour la première fois de sa vie, elle nous a surpris en dégageant de la confiance, comme un mannequin professionnel. »

Ram et son équipe ont travaillé dur pour rapprocher le plus possible ses photographies des originaux, des bijoux aux accessoires utilisés. Leur dévouement a porté ses fruits. «Ce fut une expérience enrichissante et très satisfaisante de voir la portée que le calendrier a eue dans les quelques jours de sa sortie.»

Le photographe G. Venket Ram a recréé des peintures du célèbre peintre indien Raja Ravi Varma dans un calendrier 2020 comprenant une série de portraits photographiques.

Calendrier de photographie par G. Venket Ram

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Calendrier de photographie par G. Venket Ram

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Calendrier de photographie par G. Venket Ram pour NAAM

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Peintures recréées en tant que photos du travail de Raja Ravi Varma

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Peintures recréées en tant que photos du travail de Raja Ravi Varma

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Peintures recréées en tant que photos du travail de Raja Ravi Varma

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Peintures recréées en tant que photos du travail de Raja Ravi Varma

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Calendrier de photographie par G. Venket Ram

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Peintures recréées en tant que photos du travail de Raja Ravi Varma

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G. Venket Ram: site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos et des légendes de G. Venket Ram.

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Impressions botaniques Amy Rose Geden

L'artiste britannique Amy Rose Geden ajoute sa propre touche à l'esthétique romantique des imprimés botaniques. Dans chacune de ses pièces, Geden organise plusieurs illustrations à l'aquarelle, qui incluent des variétés de flore et de faune, ainsi que des objets trouvés uniques tels que des clés et des chandeliers. Alors que certaines peintures ne contiennent que des tableaux de fleurs agréables, d'autres ont des motifs juxtaposés, comme des jumelles, des insectes et des œufs.

Pour obtenir des détails naturalistes précis sur ses illustrations, Geden puise souvent dans son environnement ainsi que dans des ouvrages de référence. Tout d'abord, chaque objet est soigneusement étudié dans les avant-projets. Ensuite, l'artiste organise ses sujets de manière réfléchie d'une manière qui est visuellement agréable – souvent par couleur ou par genre – et commence à esquisser la pièce finale. Chaque peinture originale est composée de couches d'aquarelle et de gouache, créant profondeur et réalisme. L'esthétique unique de Geden et son œil attentif pour les objets négligés apportent une nouvelle approche à l'art des imprimés botaniques vintage.

Vous pouvez acheter des originaux, des tirages, des cartes postales et plus de travaux de Geden via sa boutique Etsy. Et, pour vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste, vous pouvez la suivre sur Instagram.

L'artiste Amy Rose Geden combine l'histoire naturelle avec des motifs botaniques dans ses imprimés.

Impressions botaniques Amy Rose Geden

L'artiste s'inspire de son environnement ainsi que des objets trouvés.

Impressions botaniques Amy Rose Geden

Elle peint chaque pièce originale à l'aquarelle et vend des impressions giclées sur sa boutique Etsy.

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200 gravures sur bois japonaises de plus de deux siècles dans un seul livre

Livre d'estampes sur bois japonais par Taschen

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Si vous aimez l'art japonais, ce récent livre de Taschen ne manquera pas de piquer votre intérêt. Titré Gravures sur bois japonaises (1680-1983), l'édition à couverture rigide de 622 pages relate plus de deux siècles de cette forme d'art unique en son genre, des paysages à couper le souffle aux images vibrantes de créatures mythiques.

Taschen a passé 3 ans à rassembler la magnifique collection de 200 estampes japonaises reproduites sur bois provenant des archives de musées et de collections privées à travers le monde. Il comprend le travail de 89 artistes en 7 chapitres organisés chronologiquement qui retracent l'histoire du médium séculaire de 1680 à 1938. Il comprend également 17 images dépliantes, une annexe complète répertoriant les artistes, les titres des gravures sur bois, ainsi que des notes éditoriales de l'auteur Andreas Marks, chef du département d'art japonais et coréen au Minneapolis Institute of Art.

Le livre couvre un large éventail de sujets de maîtres de gravure sur bois ainsi que les histoires derrière chaque motif. «Nous découvrons les quatre piliers de l'estampe – beautés, acteurs, paysages et compositions d'oiseaux et de fleurs – aux côtés de représentations de lutteurs de sumo, d'acteurs de kabuki ou de courtisanes alléchantes – des rock stars qui peuplaient le« monde flottant »et dont les fans les bases ont alimenté la production effrénée de gravures sur bois », explique Taschen. «Nous nous plongons dans l'horreur et l'obscurité sur des imprimés où des démons, des fantômes, des mangeurs d'hommes et des créatures surnaturelles tourmentent les vivants – des images époustouflantes qui continuent d'influencer les mangas, films et jeux vidéo japonais à ce jour.»

Vous souhaitez ajouter ce livre d'histoire visuelle à votre collection? Vous pouvez acheter Gravures sur bois japonaises (1680-1983) sur le site web de Taschen maintenant.

Ce nouveau livre relate plus de deux siècles de gravures sur bois japonaises de 1680 à 1938.

Livre d'estampes sur bois japonais par TaschenLivre d'estampes sur bois japonais par Taschen

Il comprend 200 gravures de l'oeuvre de 89 maîtres de gravure sur bois.

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Taschen a passé 3 ans à s'approvisionner en images auprès de musées et de collections privées du monde entier.

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Comment «La Belle Époque» a transformé Paris en ville que nous connaissons et aimons aujourd'hui

Art Belle Epoque

Mary Cassatt, «Femme avec un collier de perles dans une loge», 1879 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Lorsque vous pensez à Paris, ses illustres monuments me viennent probablement à l'esprit. Alors que certains de ces monuments datent du Moyen-Âge, beaucoup d'entre eux ont été construits La Belle Époque.

Émergeant à la fin du XIXe siècle, cet «âge d'or» a vu la construction d'icônes allant de l'emblématique Tour Eiffel aux sinueuses entrées du métro de la ville. L’architecture n’était cependant pas la seule forme d’art transformée par la touche dorée de La Belle Époque; L'art et la littérature française ont également fait de grands progrès au cours de cette période, aboutissant à un phénomène culturel pas comme les autres.

Quel est La Belle Époque?

Architecture Belle Epoque

Photos de Everett Historical / Shutterstock

Littéralement traduit par «la belle ère"La Belle Époque de Paris a duré de 1871 à 1914. Pendant cette période, plusieurs aspects de la culture parisienne ont connu des développements importants. Dans les beaux-arts, les pionniers impressionnistes, cubistes et fauves ont révolutionné la peinture et les graphistes ont élevé la gravure à une forme d'art. Les architectes ont exécuté des plans pour un nouveau Paris, tandis que les écrivains ont fait leur marque avec une approche plus moderne de la narration.

Qu'est-ce qui a déclenché un âge d'or aussi complet? Pour le savoir, il faut contextualiser cet événement culturel dans l'histoire.

Contexte historique

Histoire de la Belle Epoque

Anglais: La rue de Rivoli après les combats et les incendies de la Commune de Paris, Paris 4e arr. À l'arrière-plan, l'hôtel de ville de Paris, 1871 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Au cours de l'été 1871, la ville lumière a trouvé sa place après la chute du Commune de Paris. La Commune de Paris était un gouvernement révolutionnaire né de la défaite de la France pendant la guerre franco-prussienne et, par conséquent, de l'effondrement du Second Empire de Napoléon III. Soutenue par la Garde nationale, cette commune radicale de gauche a pris le pouvoir le 18 mars et a gouverné Paris jusqu'au 28 mai, date à laquelle la ville a été récupérée par l'armée française, mais non sans se battre.

Pendant la violente confrontation, des immeubles à travers Paris – y compris des appartements haussmanniens dans la rue animée de Rivoli, Hôtel de Ville, L'hôtel de ville de Paris et, plus symboliquement, le palais des Tuileries, ont été incendiés. En conséquence, le nouveau gouvernement a été confronté à la tâche de reconstruire Paris. Alors que certains bâtiments ont été restaurés à leur état d'origine, d'autres ont été reconstruits dans un nouveau style ou remplacés entièrement. En tout cas, ces projets ont inauguré une nouvelle période parisienne: La Belle Époque.

Contributions culturelles

Architecture emblématique

Architecture Belle Epoque

Intérieur du Palais Garnier, carte postale de 1909. (Photo: Domaine public Wikimedia Commons)

Les développements architecturaux de Paris pendant La Belle Époque ne peuvent être sous-estimés. En plus de tour Eiffel—Un «grand pylône» conçu pour servir d'entrée au Exposition Universelle, ou Exposition universelle, en 1889 – la période a vu la construction de bâtiments Beaux-Arts comme le Gare d'Orsay (l'actuel Musée d'Orsay), le Petit Palais, les Grand Palais, et le Palais Garnier, Premier opéra de Paris. Les coupoles éblouissantes de Grands Magasins, ou grands magasins, ont changé l'horizon; Entrées Art Nouveau transformé le métro; et les romano-byzantins Sacré Coeur insufflé une nouvelle vie au cœur de Paris.

Art d'avant-garde

Affiches Belle Epoque

Jules Chéret, «Bal du Moulin Rouge», 1889 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Dans fin de siècle («Fin du siècle») Paris, l'art a subi une refonte avant-gardiste. Jusqu'aux années 1870, la plupart des peintres français s'accrochaient aux goûts traditionnels de la Académie des Beaux-Arts. Cette prestigieuse organisation parisienne organise des salons annuels qui présentent une collection d'art soigneusement sélectionnée. En règle générale, le jury a privilégié les œuvres présentant des sujets conventionnels, des portraits historiques aux allégories religieuses. Réagissant contre ces normes étouffantes, un groupe d'artistes – dont Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas et Camille Pissarro – a commencé à travailler dans un style caractérisé par un pinceau irréaliste et un sujet ordinaire. Ils ont organisé des expositions indépendantes et sont finalement devenus les Impressionnistes.

Les impressionnistes ont ouvert la voie à d'autres mouvements modernistes, dont les fous de couleurs Fauvisme, abstrait Cubismeet éclectique Post-impressionnisme. Mais en plus de la peinture, La Belle Époque connaît des avancées majeures dans le graphisme, lorsque Jules Chéret, le «père de l'affiche moderne», présente le lithographie couleur. Avec cette nouvelle technologie, des artistes comme Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont hardiment immortalisé les cafés, cabarets et clubs qui ont coloré Paris au tournant du siècle.

Écrivains notables

Écrivains de la Belle Époque

Portrait de Victor Hugo (vers 1871) (Photo: Domaine public Wikimedia Commons)

Pendant La Belle Époque, Paris est devenu un centre d'écrivains. Parmi ses figures les plus influentes figuraient les pionniers Guy de Maupassant et romancier naturaliste, dramaturge et journaliste Émile Zola. Même écrivain romantique Victor Hugo—Qui a été élevé à Paris mais a vécu en exil à partir de 1851 — est retourné dans la capitale française en 1871 à l'âge de 68 ans.

Alors qu'il écrivait ses œuvres les plus célèbres de Paris des années plus tôt (Le Bossu de Notre Dame et Les misérables en 1831 et 1862, respectivement), son travail de longue date et son amour de Paris ont sans aucun doute inspiré les écrivains à fuir dans la capitale pendant La Belle Époque.

La fin d'une ère

Architecture Belle Epoque

Stock Photos de Premier Photo / Shutterstock

Tout comme le conflit militaire a déclenché l’âge d’or de Paris, il l’a également éteint. Le début de Première Guerre mondiale a mis un terme brutal à la période de prospérité, les récents développements culturels de Paris ayant été éclipsés par les efforts de mobilisation. En effet, c'est pendant la guerre que La Belle Époque reçut rétroactivement son nom romantique.

Bien que l'ère soit terminée depuis longtemps, sa présence peut encore être vue et ressentie dans toute la ville lumière, illustrant l'étendue de son influence et l'héritage immuable de Paris. "Celui qui contemple les profondeurs de Paris est pris de vertige", écrit Victor Hugo. «Rien n'est plus fantastique. Rien de plus tragique. Rien n'est plus sublime. "

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N'oubliez pas votre valentine! Découvrez ces cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin dans My Modern Met Store.

Écharpe oiseau White Wings

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin

Shovava | 56 $ US

Boucles d'oreilles Peace & Love

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Atelier de la chouette jaune | 20 $

Broche émaillée «Andy Pawhol»

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Niaski | 12,50 $

Tasse Frida Kahlo

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Guilde des philosophes au chômage | 15,95 $

Tatouages ​​temporaires floraux bleus

Tatouage temporaire

Tattly | 15 $

Collier carte abstraite NYC

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Talia Sari | 79 $ US

Deskspace Solar System Series avec lampe solaire

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin

DeskX | 368 $

Tuer un oiseau moqueur Book Clutch

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin

Studio BAGatelle | 78 $

Iris Bougie

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Flatyz | 17,95 $

Grand jeu de pile de chat en bois

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Virgule | 36 $

Collier plastron du système solaire

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Tribu Yugen | 55 $ US

Puzzle Lune

Mono Puzzle

Puzzles en quatre points | 24,95 $

Chaussettes Yayoi Toesama

Chaussettes d'inspiration artiste

ChattyFeet | 12,50 $

Pendentif roue de couleur

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin

Atelier de la chouette jaune | $ 25

Par amour Livre

Livre de photographie d'amour

Eugene Kim et Alice Yoo | 19,95 $

Kit de broderie effraie des clochers

Kit de broderie bricolage

Kiriki Press | 18 $

Jardin secret Livre de coloriage pour adultes

Livre de coloriage pour adultes

Johanna Basford | 15,95 $

Bague Panda réglable en trois pièces

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Mary Lou | 119 $

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Les tatouages ​​fantaisistes semblent tout droit sortis d'un livre de contes pour enfants

Tatouages ​​Mignons par Ayhan Karadag

Ayant toujours expérimenté avec des matériaux artistiques depuis son enfance, l'artiste basé à Istanbul Ayhan Karadağ a enfin trouvé sa vocation – le tatouage. Il encre des tatouages ​​colorés et mignons qui ressemblent à des illustrations fantastiques de livres de contes. Chaque dessin à l'encre permanente permet aux porteurs de célébrer la magie de l'imagination enfantine.

«En faisant de l'art, j'ai réalisé que le corps d'une personne est le matériau le plus précieux et que je veux rendre les gens heureux quand ils regardent mon travail sur leur corps», explique Karadağ. "Je ne pense pas qu'il y ait quelque chose de plus gratifiant que de porter le dessin de conte de fées que l'on imagine sur son corps toute sa vie." Des personnages mignons aux motifs de la nature, chaque tatouage minimaliste conçu sur mesure est encré sur la peau en utilisant des lignes délicates et couleurs vives.

Karadağ aime particulièrement rendre des dessins inspirés de la nature, tels que des animaux, des arbres et des plantes – mais presque toujours avec une touche surréaliste. «Dans mon travail, j'aime raconter les histoires de contes de fées qui se produisent dans nos rêves, entrelacées avec la nature et les animaux», révèle le talentueux tatoueur. "Je suis passionné par la nature et les animaux parce que je crois que plus nous dépendons de la nature, plus nous sommes libres en tant qu'individus."

Découvrez quelques-uns des tatouages ​​de conte de fées de Karadağ ci-dessous et découvrez-en plus dans son portfolio sur Instagram.

Les dessins à l'encre permanente du tatoueur Ayhan Karadağ célèbrent la magie de l'enfance.

Tatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan Karadag

Chaque dessin est encré sur la peau du porteur de lignes délicates et de couleurs vibrantes.

Tatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan Karadag

De nombreux modèles semblent sortir tout droit d’un conte de fées.

Tatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagTatouages ​​Mignons par Ayhan KaradagAyhan Karadağ: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des images d'Ayhan Karadağ.

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Les adorables créatures feutrées de laine semblent appartenir à un bois magique

Créatures en feutre de laine par Nastasya Shuljak

Des animaux forestiers flous aux aliments feutrés à l'aiguille, nous avons vu de nombreux artistes textiles transformer la laine en toutes sortes de créations mignonnes. Les créatures en feutre de laine de l'artiste moscovite Nastasya Shuljak sont cependant particulièrement adorables. Elle crée des jouets fantaisistes en laine qui apporteront à coup sûr un sourire à tous ceux qui les rencontreront.

Le portefeuille d’amis feutrés miniatures de Shuljak comprend des créatures reconnaissables telles que des ours polaires et des renards, mais elle fabrique également de jolies créatures d'un autre monde qui ont l'air de s'être promenées dans un bois enchanté. Des minuscules arbres souriants aux petits gars charnus avec des plantes qui sortent de leur tête, les personnages ludiques de Shuljak célèbrent son amour de la nature et son imagination enfantine.

L'artiste a commencé à créer ses animaux feutrés lorsqu'un ami lui a donné un paquet de laine. Elle l'a transformé en ours et en lièvre, et elle continue d'ajouter à sa jolie collection aujourd'hui. La talentueuse artiste textile anime même ses propres ateliers sur la création des jouets. Shuljak est amenée à créer par la réponse qu'elle obtient des personnes qui tiennent ses créations entre leurs mains. Elle dit que ses œuvres «n'aspirent pas à la salle d'exposition, ne prétendent pas être de l'art», mais ce ne sont «que de petits morceaux de joie, des seconds sourires insouciants».

Faites défiler vers le bas pour découvrir les adorables créations feutrées de Shuljak et suivez-la sur Instagram pour des mises à jour sur les ateliers et les ventes.

L'artiste textile basée à Moscou, Nastasya Shuljak, crée des créatures fantaisistes en feutre de laine qui ne manqueront pas de vous faire "serrer!"

Créatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya Shuljak

Chaque mignon ami feutré semble appartenir à une forêt enchantée.

Créatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakCréatures en feutre de laine par Nastasya ShuljakNastasya Shuljak: Instagram
h / t: (Colossal)

Toutes les images via Nastasya Shuljak.

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Le photographe immortalise les rues vides de Shanghai pendant le coronavirus

Shanghai pendant l'épidémie de coronavirus

Alors que le monde attend pour entendre les nouvelles de la Chine concernant le coronavirus, une artiste visuelle est descendue dans les rues pour voir les effets par elle-même. Nicole Chan vit à Shanghai depuis six ans et, pour le photographe américain, ce nouvel an chinois ne ressemble à aucun autre. Au lieu que les rues soient inondées de millions de fêtards, Shanghai est restée calme. Le gouvernement a conseillé aux gens de rester à l'intérieur et la plupart des entreprises et des écoles sont fermées, ce qui a transformé une ville de 24 millions d'habitants en une ville fantôme.

一个 人 城市 Ville pour une personne est une série née dans le contexte d'une crise, celle qui a permis à Chan d'avoir une perspective unique de la ville, car elle était l'une des rares à avoir osé sortir. Bien que n'étant pas officiellement en quarantaine, la population de Shanghai ne prenait aucun risque, c'est pourquoi Chan se retrouvait souvent seule. En dehors des quelques concierges ou gardes de sécurité qui sont restés en service – des masques d’hôpital fermement apposés sur leur visage – il n’y avait pas un autre être humain en vue.

Pour Chan, ce fut une expérience surréaliste étant donné la nature généralement active de la ville et la foule qui remplit des sites populaires comme le jardin Yuyuan, le Bund et la place du Peuple. Ce qui a remplacé l'atmosphère normalement vibrante était un silence et un vide effrayants qui semblent refléter la solitude ressentie par ceux qui attendent le virus. "Mon expérience de vie à Shanghai pendant l'épidémie de coronavirus, et apparemment beaucoup d'autres, est l'isolement", explique Chan à My Modern Met. "C'est un Où est Waldo? de millions de personnes. Bien qu'il existe de nombreux visages à la pandémie, pour la plupart, il semble qu'elle n'aura aucun visage. "

Shanghai vide à cause de l'épidémie de coronavirus

Chan’s est un travail humble qui montre comment la vie en ville peut changer en un instant. Même à 429 milles de Wuhan, l’épicentre de l’épidémie, le vide de Shanghai montre la gravité de la situation. Depuis qu'il a été signalé pour la première fois à Wuhan le 31 décembre 2019, le coronavirus a voyagé dans 25 pays différents. Actuellement, selon l'Organisation mondiale de la santé, 31 420 cas ont été signalés. Tous sauf 209 de ces cas se sont produits en Chine et 638 personnes sont mortes du virus.

Ce qui apparaît souvent comme un rhume peut provoquer une pneumonie, un syndrome respiratoire aigu sévère, une insuffisance rénale et même la mort dans les cas les plus graves. L'OMS recommande de se laver les mains régulièrement, de se couvrir la bouche lors de la toux ou des éternuements et de bien cuire la viande et les œufs comme pratiques standard pour éviter de propager l'infection. Ils recommandent également d'éviter tout contact avec toute personne présentant des signes de maladie respiratoire, c'est pourquoi de nombreuses régions de Chine sont en quarantaine.

Les chercheurs tentent toujours de déterminer la cause exacte de l'épidémie, bien qu'un marché populaire des fruits de mer ait été impliqué dès l'origine. Alors qu'une grande majorité de personnes infectées précocement par le virus sont entrées en contact avec le marché, les chercheurs tentent toujours de reconstituer le puzzle de son origine exacte.

En attendant, Chan et d'autres comme elle vivant au milieu de l'épidémie essaient d'avancer avec leur nouvelle réalité. Alors que la Chine et d’autres pays du monde luttent pour contrôler le nombre de nouveaux patients, les citoyens de Shanghai s’assoient, attendent et se demandent quand la vie pourra redevenir normale.

La photographe Nicole Chan a documenté comment la vie a changé à Shanghai à cause du coronavirus.

Shanghai vide à cause de l'épidémie de coronavirusShanghai vide à cause de l'épidémie de coronavirusShanghai pendant l'épidémie de coronavirus

Hotspots autrefois prospères, comme les célèbres jardins Yuyuan de Shanghai…

Le jardin Yuyuan rempli de gens à Shanghai

Jardin Yuyuan, 2 février 2014.

… Sont maintenant devenus des espaces presque isolés.

Jardin Yuyuan vide à Shanghai lors d'une épidémie de coronavirus

Jardin Yuyuan, 31 janvier 2020.

Mis à part quelques travailleurs essentiels, Chan se retrouvait souvent seule alors que les gens restaient à l'intérieur.

Bâtiment presque vide en Chine pendant le coronavirusVille vide en Chine pendant le coronavirusShanghai pendant l'épidémie de coronavirusLe coronavirus vide le métro de ShanghaiUn photojournaliste prend des photos pendant le coronavirus

La plupart des entreprises et des écoles sont fermées pour le moment et les célébrations du Nouvel An chinois ont été annulées.

Shanghai pendant l'épidémie de coronavirusShanghai pendant l'épidémie de coronavirusTemple de Shanghai vide à cause du coronavirus

Plus de 31 000 cas de coronavirus ont été signalés en Chine et plus de 630 personnes sont décédées des suites de cette maladie.

Les gens en Chine restent à l'intérieur pendant le coronavirusShanghai pendant l'épidémie de coronavirusLe coronavirus vide le métro de ShanghaiShanghai pendant l'épidémie de coronavirusPersonne portant un masque à Shanghai pendant le coronavirus

La Chine s'efforce d'arrêter la propagation du virus, qui a déjà fait son chemin dans 25 pays différents.

Le Bund sans personne pendant le coronavirusShanghai pendant l'épidémie de coronavirusShanghai pendant l'épidémie de coronavirus

Nicole Chan: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Nicole Chan.

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«Jungle Bubbles» permet aux clients de dormir parmi les éléphants en liberté en Thaïlande

Jungle Bubble au Anantara Golden Triangle Elephant Camp & Resort

Si vous cherchez une façon unique de vous engager avec la nature lors de vos prochaines vacances, vous pourriez être intrigué par une nouvelle expérience offerte en Thaïlande. L'Anantara Golden Triangle Elephant Camp & Resort offre aux clients la possibilité de passer la nuit avec des éléphants alors qu'ils parcourent leur habitat naturel. Grâce aux bulles de jungle transparentes, les visiteurs peuvent rester douillets et confortables pendant que les éléphants poursuivent leurs activités normales.

Conçus par Eye In The Sky, les deux Jungle Bubbles reposent sur des ponts en bois surélevés et sont fabriqués à partir de tissu polyester de haute technologie. Ces chambres entièrement climatisées de 235 pieds carrés sont les endroits parfaits pour observer les étoiles et observer les éléphants de près. Chaque bulle comprend une chambre et un espace de vie avec un lit king-size et un coin salon, ainsi qu'une douche et un meuble-lavabo fermés. Vous pourrez également profiter de toutes les commodités de luxe de l'Elephant Camp, qui est perché sur une colline surplombant le Mékong et le Ruak.

C’est une expérience innovante qui ne fait qu’améliorer le camp d’éléphants de 160 acres à Chiang Rai. Travaillant aux côtés de la Golden Triangle Asian Elephant Foundation, la station contribue à fournir un soutien et des revenus non seulement aux 22 éléphants qui y vivent, mais aussi aux entraîneurs locaux (cornacs) qui s'occupent d'eux. Les éléphants de la station ont tous été sauvés des rues de la ville de Thaïlande et ont eu la possibilité de vivre leurs journées dans leurs habitats naturels.

Hôtels tranquilles Thaïlande

L'Elephant Camp possède également un centre de recherche sur les utilisations des éléphants en thérapie pour les enfants autistes et forme des cornacs aux techniques de renforcement positif. De plus, ils redonnent aux familles de cornacs en offrant des cours d'anglais, une éducation pour les enfants et 100% des bénéfices de la vente de vêtements d'une entreprise traditionnelle de vers à soie.

En élargissant leur offre pour inclure les Jungle Bubbles, la station continue d'innover dans le secteur. Ils espèrent que le leur sera un exemple que d'autres camps d'éléphants suivront en réfléchissant à la manière de permettre au public de s'engager avec les éléphants de manière non invasive.

Les clients de l'Anantara Golden Triangle Elephant Camp & Resort peuvent acheter l'expérience Jungle Bubble en tant qu'activité facultative et passer la nuit du crépuscule à l'aube, en revenant à l'hôtel le matin. Les tarifs commencent à partir de 17700 bahts thaïlandais (environ 570 $ US) par nuit pour deux personnes et comprennent un délicieux panier à dîner, un mini-bar bien approvisionné, un service de restauration en chambre 24h / 24 et un plateau / bouilloire.

Une station balnéaire en Thaïlande offre à ses clients la possibilité d'observer des éléphants de près à partir de bulles transparentes.

Jungle Bubble au Anantara Golden Triangle Elephant Camp & Resort

Ces bulles de la jungle donnent une chance unique d'interagir avec la faune sans perturber leur routine normale.

Dormir avec des éléphants en ThaïlandeCamp d'éléphants dans le nord de la Thaïlande

Anantara Golden Triangle Elephant Camp & Resort: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Anantara Golden Triangle Elephant Camp & Resort.

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Une femme de 88 ans crée des œuvres d'art colorées à l'aide de Microsoft Paint

Bien que de nombreuses personnes âgées puissent éviter les technologies avancées et les appareils complexes, une Espagnole de 88 ans nommée Concha García Zaera a adopté son ordinateur comme un outil artistique. Elle crée des peintures numériques élaborées à l'aide de Microsoft Paint, un programme avec lequel même les plus avertis en technologie ont du mal à créer quelque chose d'important. Cependant, Zaera a maîtrisé l'art de créer des paysages colorés et des portraits vibrants en utilisant le programme comme toile, des pixels comme peinture et une souris d'ordinateur comme pinceau.

Non seulement Zaera a maîtrisé le programme notoirement difficile, mais elle est également très avisée sur les réseaux sociaux. L'humble artiste a été convaincue par l'une de ses petites-filles de créer un profil Instagram en 2017, où elle partage ses créations avec le monde depuis. Au moment de la rédaction, elle compte près de 250 000 abonnés et elle prend toujours le temps de répondre à leurs commentaires. Sa biographie, rédigée en espagnol, dit: «Je suis une femme de 88 ans. J'aime peindre avec le programme Paint. Et surtout être avec ma famille et mes amis. »

L'amour de Zaera pour l'art numérique a commencé lorsque sa famille lui a donné un ancien PC Windows 7 après le décès de son mari il y a plusieurs années. Elle a commencé à explorer le programme MS Paint préinstallé comme un moyen de passer le temps, et a rapidement découvert qu'elle était plutôt bonne dans ce domaine. Inspiré par sa ville natale de Valence, ainsi que par une collection de cartes postales d'amis et de la famille, les chefs-d'œuvre numériques de Zaera capturent une grande variété de sujets. De l'architecture aux portraits d'animaux, chaque œuvre est incroyablement détaillée et peut prendre plusieurs semaines. Zaera montre que vous n'êtes jamais trop vieux pour apprendre quelque chose de nouveau!

Découvrez quelques-uns des arts numériques de Zaera ci-dessous et découvrez plus de son portfolio sur Instagram.

Voici Concha García Zaera, une artiste de 88 ans qui crée ses œuvres colorées sur Microsoft Paint.

Elle a commencé à créer de l'art numérique lorsque sa famille lui a donné un ordinateur après le décès de son mari.

Ses œuvres sont inspirées de sa ville natale de Valence…

… Ainsi que des cartes postales envoyées par des amis et la famille.

Concha García Zaera: Instagram

Toutes les images via Concha García Zaera.

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6 artistes afro-américains révolutionnaires pour célébrer ce mois de l'histoire des Noirs

Depuis des siècles, Artistes afro-américains ont contribué à façonner la culture visuelle des États-Unis. Canalisant souvent leurs antécédents familiaux et leurs expériences personnelles dans leur travail, ces figures créatives ont influencé et inspiré une grande partie de l’évolution de l’art américain.

Malheureusement, tout au long de l'histoire, aux États-Unis et ailleurs, les artistes de couleur n'ont pas été correctement reconnus pour leurs talents, leurs réalisations et leurs contributions. Cela a abouti à une histoire populaire de l'art pavée principalement par des artistes blancs. Heureusement, cependant, le public contemporain s'intéresse de plus en plus à la diversité des arts, ce qui incite les musées, les bibliothèques et autres institutions culturelles à braquer les projecteurs sur le travail d'artistes afro-américains.

Voici 6 artistes afro-américains révolutionnaires qui ont marqué l'histoire.

Joshua Johnson était un portraitiste vivre et travailler à Baltimore aux XVIIIe et XIXe siècles. Bien que l'on en sache peu sur ses antécédents (il existe des rapports contradictoires quant à savoir s'il avait été ou non un esclave), plus de 100 portraits sont attribués à l'artiste. Toutes ces pièces sont rendues dans un style typiquement naïf et partagent pour la plupart une composition distinctive: une gardienne positionnée dans une vue de trois quarts, sur un fond uni, et parmi des accessoires allant des fruits et fleurs aux parasols et aux cravaches.

Aujourd'hui, Johnson est célébré comme le premier Afro-Américain connu qui a travaillé professionnellement en tant qu'artiste, ouvrant la voie à de nombreux créatifs à venir.

Augusta Savage

En 1918, un mouvement révolutionnaire a émergé à New York. Connu aujourd'hui comme la Renaissance de Harlem, cet «âge d'or» de l'art, de la littérature et de la musique a transformé le quartier de Harlem en un centre culturel pour les Afro-Américains, avec Augusta SavageDe nombreuses contributions en son cœur.

Savage était un sculpteur né en Floride. En 1921, elle a déménagé à New York, où elle a fréquenté la Cooper Union for the Advancement of Science and Art, une école fondée sur des bourses. Après avoir obtenu son diplôme (une année entière plus tôt), la bibliothèque de Harlem lui a demandé de créer un buste de l'écrivain et activiste des droits civiques W. E. B. Du Bois – une pièce qui l'a mise sur la carte.

Aujourd'hui, le rôle de Savage à la Renaissance est principalement lié à l'enseignement et au plaidoyer. En 1935, elle a cofondé la Harlem Artists Guild, une organisation qui conseillait les artistes afro-américains du quartier; et, en 1937, elle a créé le Centre d'art communautaire de Harlem, où elle a dirigé des cours de sculpture et a aidé à lancer la carrière d'artistes afro-américains, dont Jacob Lawrence.

Jacob Lawrence

Jacob Lawrence est né dans le New Jersey en 1918. À tout juste 23 ans, il a terminé son Série sur la migration. Cette collection colorée de peintures raconte l'histoire de la Grande Migration, un exode massif de plus de 6 millions d'Afro-Américains fuyant le sud ségrégué vers des zones urbanisées à travers le pays.

Imaginée comme des formes avant-gardistes et rendue dans des tons vifs, cette œuvre est célébrée autant pour son sujet que pour son esthétique inspirée de Harlem. "Le travail de Lawrence est un jalon dans l'histoire de l'art moderne et un exemple clé de la façon dont la peinture d'histoire a été radicalement repensée à l'ère moderne", explique le Musée d'art moderne.

Après le succès de cette série de 60 panneaux, Lawrence a continué à documenter artistiquement l'expérience afro-américaine dans un certain nombre de projets. Il a également enseigné dans plusieurs universités et a reçu de nombreuses distinctions et récompenses. En 1941, par exemple, il est devenu le premier artiste afro-américain à faire figurer des œuvres dans la collection permanente du Museum of Modern Art, et en 1990, il a reçu la National Medal of Arts des États-Unis.

Jean-Michele Basquiat

La ville de New York continuera de servir de catalyseur aux artistes afro-américains pendant des décennies, avec Jean-Michel Basquiat parmi les artistes les plus célèbres de la Big Apple – et les figures de l'art contemporain les plus universellement reconnues.

Basquiat est né à Brooklyn d'une mère portoricaine et d'un père haïtien en 1960. Adolescent, il a aidé à pionnier et à populariser art de rue, d'abord avec SAMO ©, une étiquette servant de raccourci pour «le même vieux sh-t», et finalement avec ses dessins distinctifs «poulet-scratch». En tant que jeune adulte, il a introduit des graffitis dans la galerie, d'abord dans des expositions de groupe exclusives et finalement en tant qu'artiste solo recherché.

Bien qu'il soit décédé tragiquement à seulement 27 ans, la carrière de Basquiat pendant une décennie a conduit à un héritage prodigieux. Aujourd'hui, il reste à la fois un créateur célèbre et une icône culturelle, reconnu pour son approche de thèmes comme l'esclavage et l'oppression. Ses œuvres peuvent être trouvées dans les meilleurs musées et galeries du monde entier, et elles se vendent pour des dizaines de millions de dollars aux enchères.

Kara Walker

Comme Lawrence et Basquiat, Kara Walker, une artiste née en Californie, explore les questions de race dans son travail. Plutôt que d'opter pour une palette de couleurs vives, Walker travaille souvent en monochrome, qu'il s'agisse de fabriquer une fontaine en fausses pierres, un sphynx en sucre ou, surtout, sa signature silhouettes.

Walker a commencé à créer des silhouettes en 1994. Depuis lors, elle a continué à utiliser ces vignettes à grande échelle pour aborder de manière créative l'histoire du racisme qui prévaut aux États-Unis. Souvent, elle imagine des scènes se déroulant dans l'Antebellum South – un point focal approprié compte tenu des racines de l'artisanat en papier découpé. "J'ai eu une catharsis en regardant les premières variétés américaines de boutures de silhouette", a-t-elle déclaré. "Ce que je reconnais, outre le récit et l'historicité et le racisme, était un déplacement très physique: le paradoxe de retirer une forme d'une surface vierge qui à son tour crée un trou noir."

En plus de la création de silhouette, Walker se lance également dans d'autres médiums, créant tout, des peintures et des œuvres d'animation aux marionnettes d'ombre et aux projections de «lanterne magique».

Kehinde Wiley

En 2017, le portraitiste nigérian américain Kehinde Wiley a marqué l'histoire en devenant le premier artiste noir à peindre un portrait présidentiel officiel. Sélectionné par le président Barack Obama lui-même, Wiley a été chargé de terminer la peinture de la National Portrait Gallery, dont la collection de portraits présidentiels figure parmi ses plus importantes collections.

Depuis ce projet majeur, Wiley n'a cessé de réinventer le portrait traditionnel. Plus récemment, il a défié les attentes de la peinture équestre avec Rumeurs de guerre, une sculpture monumentale qui propose une réponse contemporaine aux statues confédérées. Avec cette pièce, Wiley repense le concept de «héros» – et d'identité américaine.

«Aujourd'hui», a-t-il déclaré lors du dévoilement de la sculpture à Times Square, «nous disons oui à quelque chose qui nous ressemble. Nous disons oui à l'inclusivité. Nous disons oui à des notions plus larges de ce que signifie être un Américain. »

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Denver à but non lucratif transforme un hôtel en logements abordables pour les sans-abri

Extérieur de Fusion Studios - Logement abordable pour les sans-abri à Denver, Colorado

À Denver, un organisme sans but lucratif montre comment une pensée innovante peut être utilisée pour combler le fossé du logement abordable et s'attaquer aux problèmes de l'itinérance. La Colorado Coalition for the Homeless commencera à louer des appartements aux Fusion Studios ce mois-ci. Le complexe de 139 appartements est un ancien Quality Inn & Suites qui a été transformé en un temps record après avoir été acheté par le groupe pour 8,4 millions de dollars.

Il s'agit du 17e bâtiment du genre inauguré par John Parvensky, qui gère l'organisme à but non lucratif depuis 1985. Ces appartements apporteront un soulagement immédiat aux sans-abri qui viennent de refuges ou directement dans la rue. Et avec l'itinérance qui augmente rapidement à travers le pays, ces types de solutions sont essentiels pour garder les gens hors de la rue. Cela est particulièrement vrai à Denver, où l’interdiction de camping de la ville n’est toujours pas appliquée. Bien que la loi ait été déclarée inconstitutionnelle par un juge du comté de Denver, l'interdiction demeure en vigueur pendant l'appel.

"Le projet est vraiment né du désespoir", a déclaré Parvensky. «Nous nous grattions la tête en essayant de trouver un moyen de raccourcir la période afin que les gens qui sont dans la rue ce soir aient un endroit pour appeler leur maison le plus rapidement possible.»

Dans ce contexte, il est clair de voir comment l'achat et la transformation d'un bâtiment existant peuvent être plus efficaces que de recommencer à zéro, à la fois en termes de temps et de dépenses. Selon Denverite, il peut prendre jusqu'à 35 millions de dollars et plusieurs années pour construire un complexe de logements abordables à partir de zéro. Dans le cas de Fusion Studios, il a fallu quelques mois pour obtenir le financement de sources privées, municipales et d'État et pour rénover l'ancien hôtel.

Intérieur de Fusion Studios - Logement abordable pour les sans-abri à Denver, Colorado

«Cela montre vraiment ce que nous pouvons faire lorsque nous faisons preuve de créativité en matière de résolution de problèmes et de logement abordable», a déclaré le gouverneur Jared Polis. Il a également appelé Fusion Studios un «exemple de réduction des formalités administratives… à une fraction minuscule du coût de construction de quelque chose de nouveau et une fraction minuscule du temps».

Les appartements seront remplis sur une base continue, les résidents ayant accès à des bons spéciaux qui leur permettront de payer un loyer ne dépassant pas 30% de leur revenu mensuel. Alors que de nombreuses personnes paieront leur loyer en fonction de leur handicap ou de tout autre financement public, le gouverneur Polis a noté que beaucoup travaillaient actuellement – certains avaient plus d'un emploi. Malheureusement, les salaires de l'État ne sont souvent pas en mesure de suivre le marché du logement, ce qui fait partie du problème forçant les personnes à se retrouver sans abri.

Chaque appartement de 300 pieds carrés aura sa propre salle de bain et kitchenette. De plus, ils seront chacun équipés d'un lit, d'une commode, d'un bureau, d'une chaise, d'une télévision, d'un micro-ondes et d'un mini-réfrigérateur, ainsi que d'un garde-manger. Pour aider les résidents à avoir un meilleur accès aux services médicaux et de santé comportementale, les gestionnaires de cas travailleront sur place. Il y a aussi une sécurité 24h / 24, ainsi qu'un gestionnaire immobilier à temps plein qui veille à ce que les appartements restent en bon état.

Alors que la Colorado Coalition for the Homeless commence à travailler avec des partenaires comme Denver Health et Metro Denver Homeless Initiative pour identifier de bons candidats à la location, Fusion Studios devient un phare d'espoir pour ce qui est possible en matière de logement abordable. "J'espère vraiment que nous pourrons reproduire ce modèle et ces partenariats sur d'autres sites à Denver et héberger davantage de personnes à un prix abordable", a déclaré Britta Fisher, directrice exécutive du Department of Housing Stability (HOST) de Denver.

Coalition du Colorado pour les sans-abri: site Web | Facebook | Twitter
h / t: (The Gazette, Denverite)

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de la Coalition du Colorado pour les sans-abri.

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10 cadeaux originaux de dernière minute pour la Saint-Valentin pour lui

Cadeaux Saint Valentin pour lui

Il est de notoriété publique que la Saint-Valentin est le moment de gâter votre amoureux. Ces vacances romantiques offrent l'excuse parfaite pour doucher votre beau avec des chocolats, des bonbons et des cartes de sappy. Parfois, cependant, il peut être agréable de recevoir quelque chose qui n'est pas aussi éphémère. Alors cette année, pensez à ajouter un cadeau pour accompagner votre boîte de bonbons. Chez My Modern Met Store, nous lui proposons une gamme de cadeaux de la Saint-Valentin réfléchis et inattendus.

Lorsque vous réfléchissez à quoi donner à votre homme ce jour-là, pensez à ce dont il pourrait avoir besoin. Artori Design est spécialisé dans les étagères et serre-livres fantaisistes inspirés des super-héros qui organiseront sa bibliothèque super rapidement. Ou, si votre gars est un buveur de café, le cadeau d'une nouvelle tasse peut instantanément égayer sa matinée. Nous adorons la tasse Bob Ross pour ses images passionnantes qui changent de température. Ajoutez simplement votre boisson chaude de choix et un arrière-plan bucolique apparaît derrière le populaire peintre de télévision.

Il y a beaucoup de dictons romantiques liés à la beauté du ciel nocturne, alors pourquoi suivre les étoiles dans vos cadeaux? S'il est un passionné de puzzle (ou mieux encore, vous l'êtes tous les deux), le puzzle en quatre points de la lune est un magnifique défi de 1000 pièces qui vous montrera les subtilités de la surface de notre lune. De plus, les vacances peuvent également offrir des opportunités de folies parfaites. Donc, si vous allez grandir, la série Deskspace Solar System avec Sun Lamp est le moyen de le faire. Cet accessoire de bureau unique en son genre illuminera son bureau de la beauté de notre système solaire.

Faites défiler vers le bas pour voir certains de nos cadeaux de Saint Valentin préférés pour lui, et rendez-vous sur My Modern Met Store pour voir toute la collection.

Notre sélection triée sur le volet de produits uniques vous aidera à trouver le cadeau de Saint Valentin parfait pour lui.

Coffret cadeau The Artists Socks

Boîte-cadeau de chaussettes d'artistes Pieds bavards

Chattyfeet | 39,95 $

Supershelf

Supershelf

Artori Design | 27,50 $

Par amour

For Love Book

Eugene Kim et Alice Yoo | 19,95 $

Tasse Bob Ross

Tasse Bob Ross

Guilde des philosophes au chômage | 15,95 $

Feuilles de couleurs Viviva

Feuilles de couleurs Viviva

Feuilles de couleurs Viviva | 19,95 $ et plus

Puzzle de lune en quatre points

Puzzle de lune en quatre points

Puzzles en quatre points | 24,95 $

Rainbow Joes: Figurines de la série 1

Rainbow Yoga Joes

Brogamats | $ 25

Coffret de chaussettes Keith Haring

Coffret de chaussettes Keith Haring

Chaussettes Happy | 42 $ US

Ce livre est un planétarium

Ce livre est un planétarium

Kelli Anderson | 40 $

Deskspace Solar System Series avec lampe solaire

Deskspace Solar System Series avec Sun

DeskX | 368 $

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15+ cadeaux de la Saint-Valentin de dernière minute réfléchis et romantiques

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15+ cadeaux de Saint Valentin de dernière minute réfléchis et romantiques pour elle

Cadeaux de dernière minute pour la Saint Valentin

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Même avec les meilleures intentions du monde, la vie fait parfois obstacle et avant que vous ne le sachiez, il ne vous reste que quelques jours avant la Saint-Valentin et aucun cadeau en main. (Ne vous inquiétez pas. Nous y sommes tous allés.) Heureusement, acheter des cadeaux de dernière minute n'a jamais été aussi facile. Il est révolu le temps de se précipiter et de cueillir tout ce que vous pouvez trouver sur l'étagère. Grâce aux marchands en ligne et à la livraison rapide, la dernière minute ne signifie pas une ordure irréfléchie.

Il y a des tonnes de beaux cadeaux romantiques pour obtenir votre bien-aimé pour la Saint Valentin sans avoir à planifier trop à l'avance. Que ce soit une rose éternelle arrachée directement de La belle et la Bête ou un appareil en forme de cœur à la fois pratique et doux, il existe de nombreuses options, peu importe ce qui intéresse votre Saint-Valentin.

Bien sûr, il y a la dernière minute et puis il y a dernière minute. Si vous n'avez vraiment, vraiment pas de temps à perdre, ne vous inquiétez pas, nous avons également couvert cela avec quelques suggestions de cadeaux d'accès instantané qui feront fondre le cœur de votre bien-aimé.

Attendu jusqu'à la dernière minute pour acheter votre cadeau de Saint Valentin? Nous vous avons couvert avec plus de 15 cadeaux réfléchis qui sont parfaits pour l'occasion.

Mini gaufrier en forme de coeur

Mini gaufrier en forme de coeur

DASH | 14,99 $

Réel La belle et la Bête "Forever Rose"

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin pour elle

DeFaith | 59,99 $

Ensemble de tasses à baiser en céramique

Cadeaux de dernière minute pour la Saint Valentin

Mia Mio | 20,99 $

Coffret cadeau bombes de bain

Coffret cadeau bombes de bain

LifeAround2Angels | 26,80 $

Sculpture coeur abstrait

Cadeaux de dernière minute pour la Saint Valentin

Wade Logan | 39,99 $

Porte-clés assortis «Grande cuillère» et «Petite cuillère» pour couple

Porte-clés Grande Cuillère Petite Cuillère Couples

Diverses conceptions MM | 20,59 $

Coussin en forme de rose

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin pour elle

August Grove | 22,99 $

Ensemble d'huiles essentielles

Ensemble d'huiles essentielles

Natrogix | 19,99 $

Collier courbe de phase de lune

Collier courbe de phase de lune

Tribu Yugen | 55 $ US

Robe Kimono à fleurs

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin pour elle

Vieux Shanghai | 98 $

Foulard oiseau Jasper Wings

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin pour elle

Shovava | 56 $ et plus

Lumière ambiante de la lune

Lumière ambiante de la lune

mamre | 35,99 $

Bague Azure Falls en résine et bois

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin pour elle

Bois secret | 179 $

Sculpture coeur et flèche en métal coulé

Cadeaux de dernière minute pour la Saint Valentin

Gracie Oaks | 27,63 $

Coffret Macaron

Coffret Macaron

Leila Love | 36 $

Vous magasinez vraiment à la dernière minute et vous ne pouvez pas attendre l'expédition? Découvrez ces cadeaux intelligents qui arrivent instantanément.

Cadeaux de dernière minute pour la Saint-Valentin

Photos de kodzha / Shutterstock

Amazon Prime – Offrez à votre bien-aimé le cadeau qui continue à être offert: un abonnement Amazon Prime. Non seulement ils bénéficieront d'une livraison gratuite de deux jours sur des tonnes d'articles, mais ils gagneront également des milliers de films et d'émissions de télévision avec Prime Video et pourront diffuser de la musique.

Audible Si votre Valentine est un rat de bibliothèque ou aime écouter des podcasts, pourquoi ne pas lui offrir un abonnement Audible? Ils recevront un livre audio gratuit par mois, ainsi que 30% de réduction sur des livres audio supplémentaires et auront accès à des podcasts exclusifs.

Bluprint – En achetant à votre chéri un abonnement à Bluprint, vous lui donnez accès à toute la bibliothèque de cours en ligne dirigés par des experts. Du bien-être à la cuisson en passant par la préparation, il y en a pour tous ceux qui aiment se salir les mains. Certaines des catégories à choisir incluent le yoga, la décoration de gâteaux, la broderie et le travail du bois.

Partage de compétences – Il y a plus de 25 000 classes à rejoindre lorsque vous offrez un abonnement à Skillshare. La conception graphique, l'entrepreneuriat, la photographie et l'illustration ne sont que quelques-uns des sujets que votre Valentin peut sélectionner afin de devenir son meilleur moi.

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Cette boulangerie japonaise fait d'adorables petits pains corgi en forme de bout à bout

De leurs oreilles surdimensionnées à leur petite taille, il y a beaucoup à aimer chez les corgis. Mais il y a une boulangerie au Japon qui célèbre sans doute la caractéristique la plus mignonne de la charmante race – leurs mégots moelleux! La boulangerie Utiwapayna fabrique des produits de boulangerie adorables depuis des années, y compris pains en forme de chiot et petits pains en forme de chat. La boulangerie a récemment fait passer le facteur mignon au niveau supérieur avec l'ajout de son petit pain inspiré du corgi.

Si vous avez déjà parcouru de jolies photos de corgi en ligne, vous avez probablement vu à quel point elles se couchaient souvent avec leurs pattes arrière étendues derrière elles. La boulangerie Utiwapayna capture parfaitement cette pose de crêpe en levrette avec leurs petits pains galbés, avec deux pattes arrière évasées et le bobtail emblématique de la race. Non seulement chaque création cuite au four capture parfaitement ces bribes velues de bêtise, mais elles sont également remplies de confiture ou de crème pâtissière – les fesses ne vous plaisent pas?

Si vous êtes déjà au Japon, assurez-vous de vous arrêter à la boulangerie Utiwapayna à Sapporo pour récupérer votre propre pain corgi.

La boulangerie d'Utiwapayna au Japon fait des petits pains en forme de mégot moelleux de corgi!

Voici une photo d'un vrai cul de corgi pour référence.

Voir ce post sur Instagram

Un post partagé par Dexter The Corgi 🎾🐾 (@ dextagram_6118) sur

Boulangerie Utiwapayna: Site Web | Twitter
h / t: (boingboing, Popsugar)

Toutes les images via la boulangerie Utiwapayna.

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Les gens tricotent la météo pour suivre les changements climatiques tout au long de l'année

Pour bon nombre d'entre nous, il peut être difficile de comprendre la notion abstraite de changement climatique. Une femme a décidé de prendre les choses en main pour sa résolution du Nouvel An et de se donner un moyen de visualiser l'évolution du temps dans sa ville natale. Josie George met ses talents de tricoteuse à profit en créant un foulard où chaque rangée représente la température et la météo de sa ville. Et apparemment, elle n'est pas la seule à créer un guide de température en tricot.

Après avoir posté son projet sur Twitter, d'autres ont répondu au sujet de leur propre couvertures de température et foulards. Chaque personne a sa propre façon de marquer la météo. Pour George, elle a un brin coloré en fonction de la température, puis une deuxième rangée qui indique si un jour particulier a été nuageux, ensoleillé, pluvieux ou neigeux. Il n'y a aucune limite à ce que vous pouvez représenter. Par exemple, la couverture de température au crochet d’une femme comprend des carrés colorés en fonction de la température, tandis que d’autres comprennent également des marquages ​​pour représenter les saisons.

Pour George, son écharpe a un double objectif. Non seulement cela lui fera tricoter quotidiennement, mais cela lui permettra également de s'impliquer davantage dans le changement climatique. "J'ai décidé que cette année, chaque jour, je tricoterais une rangée sur un foulard pour marquer la température / météo quotidienne correspondante de ma ville", a-t-elle expliqué. tweeté. «C'était une bonne façon de s'engager avec le changement climatique et avec l'année qui change. Un moyen de remarquer et de ne pas détourner le regard. »

La belle chose à propos de la création d'une couverture thermique est qu'elle peut être personnalisée. Les gens utilisent souvent des couleurs arc-en-ciel, mais d'autres peuvent choisir des pastels ou une palette plus restreinte. Même le choix du point appartient au créateur, ce qui rend les résultats vraiment uniques. Si vous souhaitez créer le vôtre mais que vous ne savez pas par où commencer, ce tableau imprimable gratuit vous donnera une idée des températures et des combinaisons de couleurs correspondantes.

Bien sûr, toutes les régions n'auront pas une large gamme de températures tout au long de l'année, alors vous voudrez tenir compte de vos températures locales élevées et basses et construire votre échelle à partir de là, comme George l'a fait. Donc, si vous cherchez une excuse pour continuer à tricoter ou crocheter tout en commémorant une année entière, une couverture de température fait un excellent projet.

Josie George est en train de tricoter une écharpe qui commémorera la météo dans sa région.

Les couvertures thermiques sont un projet de tricot et de crochet non conventionnel populaire.

Vous pouvez créer votre propre palette de couleurs et votre propre motif de point pour quelque chose de vraiment unique.

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Des affiches de films nominés aux Oscars repensées avec un adorable Corgi en vedette

Affiches de films nominées aux Oscars repensées

«Il était une fois à Fluffywood» alias «Il était une fois à Hollywood»

Le corgi Maxine célèbre sur Internet est connu pour son cul moelleux et son sourire adorable. Mais au-delà de ses oreilles surdimensionnées et de son talent pour rentrer dans un sac à dos, elle est aussi une star de cinéma – pour ses pawrents, au moins. Ses humains, Bryan Reisberg et Alex Garyn, sont des cinéphiles qui ont centré le populaire Instagram de Maxine autour des films. (Son pseudo Instagram, @madmax_fluffyroad, porte même le nom de Mad Max: Fury Road.) Ainsi, alors que la saison des prix du film bat son plein, il est logique que Maxine soit au centre des films nominés aux Oscars. Et c’est exactement ce que Reisberg et Garyn ont fait; Les films de 2019 ont été repensés autour du corgi.

Les humains de Maxine ont été intelligents dans la façon dont ils ont remanié les affiches originales du film. Ils ont renommé les films pour être corgi-centric et ont même imaginé des éléments du design pour les adapter à la vie de Maxine. Le film de Quentin Tarantino Il était une fois à Hollywood est maintenant Il était une fois à Fluffywood. Les acteurs originaux – Brad Pitt, Leonardo DiCaprio et Margot Robbie – sont remplacés par différentes itérations de Maxine. Au-delà de cela, les aspects «Hollywood» de l'affiche source sont oubliés et incluent maintenant des choses qui concernent Maxine, comme New York City (où elle vit) ainsi que son amour pour Cheerios.

Faites défiler vers le bas pour plus d'affiches de films pawome avec Maxine. Ensuite, suivez ses fesses moelleuses sur Instagram.

Maxine l'adorable corgi a été retouchée sur des affiches de films repensés de films nominés aux Oscars.

Affiche du film Corgi mignon

"Paracorg" alias "Parasite"

Maxine le Corgi dans des affiches de films repensées

"Fluffies" aka "Hustlers"

Affiche du film Corgi mignon

"Max" alias "Nous"

Maxine le Corgi dans des affiches de films repensées

"Corgi" alias "Joker"

Maxine le Corgi dans des affiches de films repensées

"The Doghouse" alias "The Lighthouse"

Maxine le Corgi dans des affiches de films repensées

«Maxsommar» alias «Midsommar»

Affiche du film Corgi mignon

"L'histoire de Maxine" alias "L'histoire du mariage"

Affiche du film Corgi mignon

«Corgs non pelucheux» alias «Gemmes non coupées»

Maxine le Corgi dans des affiches de films repensées

"Corgi v Ferrari" alias "Ford v Ferrari"

Maxine le Corgi: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Maxine the Corgi.

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Ce calendrier de la voie lactée fera de la photographie de la galaxie un jeu d'enfant

Comment photographier la voie lactée

Comme tout astrophotographe qualifié en attestera, la Voie lactée est une muse incroyable. Il n'y a rien de tel que de capturer la magie de notre galaxie, et une fois que vous l'avez fait, il est facile de devenir accro. Bien sûr, pour beaucoup, l'idée de photographier la Voie lactée est intimidante. Que vous pensiez que votre appareil photo n'est pas assez puissant ou que vous ne savez pas quels paramètres utiliser, il est parfois difficile de savoir par où commencer. Heureusement, le photographe Dan Zafra de Capture the Atlas a facilité les choses en créant une infographie claire sur les meilleures techniques à utiliser, ainsi qu'un calendrier des jours les meilleurs pour photographier la Voie lactée.

Zafra a simplifié la planification de votre séance photo en créant des calendriers de la Voie lactée pour 14 endroits différents à travers le monde. Et si vous ne voyez pas l'emplacement que vous recherchez, vous pouvez envoyer une demande de calendrier personnalisé. Bien que la Voie lactée soit visible pendant la majeure partie de l'année, il n'y a que certains jours où le centre hautement évocateur de la galaxie est visible. Non seulement le calendrier vous indique quand la Voie lactée est visible, mais il décompose également les moments où vous pouvez voir le centre galactique, ainsi que la position moyenne du centre dans le ciel.

Calendrier de la Voie lactée pour les photographes

Toutes ces informations sont essentielles pour calculer le timing de vos images de la Voie lactée, ainsi que la composition. Et pour rendre les choses encore plus claires, Zafra a également un code couleur chaque jour, vous permettant de savoir quels sont les meilleurs jours pour photographier la galaxie, lorsqu'elle est visible pendant une courte période et lorsque la Voie lactée n'est pas visible.

Bien sûr, lorsque vous planifiez votre tournage, vous devez également tenir compte de la pollution lumineuse et assurez-vous de vous positionner dans une zone où cela ne sera pas un problème. Zafra recommande également de filmer en heures lorsque la Lune n'est pas visible ou est assez sombre. Grâce aux heures de lever de la lune et de la lune incluses dans le calendrier, il ne devrait y avoir aucun problème avec ces horaires.

Les autres gros conseils de Zafra pour obtenir la magnifique photo de la Voie Lactée que vous recherchez?

  • Baissez la luminosité de l'écran LCD de votre appareil photo pour éviter les photographies sous-exposées.
  • Tirez en RAW pour obtenir le plus de détails possible.
  • Définissez une balance des blancs manuelle (vous pouvez toujours la modifier en post-production).
  • Utilisez le mode de mesure de la lumière matricielle.
  • Placez soigneusement votre trépied pour éviter les vibrations.

Vous pouvez télécharger gratuitement le calendrier de la Voie lactée de Zafra, ainsi que son guide pour photographier la Voie lactée, sur Capture the Atlas.

En plus de son calendrier de la Voie lactée, le photographe Dan Zafra a également créé une infographie utile remplie de conseils.

Infographie de la photographie de la voie lactéeCapturez l'Atlas: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Dan Zafra.

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L'artiste brode des méduses réalistes qui «nagent» après le cerceau

Broderie de méduses Yuliya Kucherenko

Les brodeuses contemporaines ont revitalisé un métier séculaire avec leur art cousu main exceptionnel. Et certains, comme Yuliya Kucherenko, non seulement repoussent les frontières, mais ils se libèrent des frontières littérales. Sa broderie d'inspiration aquatique représente des méduses colorées dont les longues vrilles dérivent du cerceau.

Pour illustrer la flottabilité des méduses gélatineuses, Kucherenko utilise une variété de techniques de broderie, notamment la peinture au fil, le feutrage à l'aiguille et le perlage. Chaque «tête» de sa méduse est recouverte de plusieurs couleurs de fil différentes, ce qui crée un sentiment de profondeur en trois dimensions. Ensuite, pour donner vie à la créature marine flottant, l'artiste attache des dizaines de longs fils qui se déroulent au-dessus de la limite du cerceau. Dans certaines pièces, Kucherenko ajoutera des perles et mélangera des tissus pour les vrilles pour améliorer leur apparence sauvage et se déplaçant librement.

Bien que la broderie soit magnifique en soi, l'artiste met également en scène ses pièces de manière créative. Avant de photographier, Kucherenko pose chaque cerceau de méduses sur de délicates couches de tulle bleu et vert qui imitent le mouvement dynamique de l'océan. Et, selon la pièce, elle ajoute des perles nacrées, de petites étoiles de mer et des coquillages comme finitions réfléchies.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'images de la broderie de Kucherenko et, pour suivre les dernières créations de l'artiste, vous pouvez la suivre sur Instagram.

L'artiste Yuliya Kucherenko crée une broderie unique de méduses.

Broderie de méduses Yuliya Kucherenko

Dans chacun, l'artiste coud une méduse colorée dont les vrilles s'étendent au-delà du cerceau.

Broderie de méduses Yuliya KucherenkoBroderie de méduses Yuliya KucherenkoBroderie de méduses Yuliya KucherenkoBroderie de méduses Yuliya KucherenkoBroderie de méduses Yuliya KucherenkoYuliya Kucherenko: Instagram
h / t: (sac en papier brun)

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Yuliya Kucherenko.

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Des courtepointes vibrantes honorent des hommes et des femmes noirs dont les histoires ont été oubliées ou ignorées

Bisa Butler Artist

«Je ne suis pas votre nègre», 2019 (coton, laine et mousseline matelassés et appliqués | 50 ″ x 72 ″ x 1 ″)

L'artiste Bisa Butler crée des courtepointes colorées qui ont une touche narrative. S'identifiant comme «essentiellement une portraitiste qui utilise les fibres et la courtepointe comme médium», elle crée des images de personnes utilisant les mêmes approches conceptuelles qu'un peintre ferait une toile. Les résultats sont frappants. Bien que nous puissions imaginer une courtepointe comme affichant des motifs géométriques, il y a un beau lyrisme dans la façon dont Butler assemble le tissu pour éclairer et honorer les enfants et les adultes noirs dont les histoires peuvent avoir été oubliées ou négligées.

Butler a reçu une formation officielle de peintre, mais ne s'est pas sentie inspirée à poursuivre sa pratique après avoir obtenu son diplôme de premier cycle. Pendant ses études supérieures en éducation artistique, elle a créé une petite courtepointe avec un design de paysage. «J'ai réalisé à ce moment-là que je pouvais utiliser toutes les fibres comme support», explique-t-elle à My Modern Met. «Ma grand-mère et ma mère cousaient tous les jours pour confectionner des vêtements et de la décoration intérieure, et elles m'ont appris le pouvoir de faire quelque chose pour vous.» Et d'un point de vue logistique, la courtepointe était séduisante. «Je pouvais manipuler la fibre et le tissu en étant assis à côté de mes petits enfants.»

Portrait Art Quilt

«The Equestrian», 2019 (coton, laine et mousseline matelassés et appliqués | 43 ″ x 68 ″ x 1 ″)

Lorsque Butler a commencé ses portraits matelassés, elle les a créés à partir des membres de sa famille. «Maintenant, je choisis mes sujets en parcourant des centaines de bases de données publiques pour trouver des photos qui éveilleront ma curiosité», partage-t-elle. Butler les exprime en commençant par un dessin au trait détaillé qui devient son modèle. Commence alors son travail avec le tissu. «Je dépose des couches de tissu comme un peintre dépose des couches de glaçures», explique-t-elle, «en coupant soigneusement chaque pièce pour qu'elle corresponde à mon croquis.» Cette partie du processus peut prendre environ 200 heures, et ensuite, elle assemble tout ensemble sur une machine à courtepointe à bras long. «Ma machine est sur un châssis de 12 pieds de long et me permet de dessiner efficacement avec les fils. J'utilise des points pour montrer la texture comme les plis et les boucles des cheveux afro-américains. "

En plus de raconter des histoires, Butler a l'impression de perpétuer la tradition de la courtepointe afro-américaine et de la transformer en une nouvelle forme d'expression. «Il est important d'apprendre nos traditions, sinon elles seront perdues dans l'histoire», dit-elle. «Les Afro-Américains ont à l'origine piqué de la nécessité de rester au chaud dans des endroits contrairement à leur pays d'origine et nous avions très peu de ressources. Nos courtepointes étaient faites de patchs parce que ces petits chiffons étaient tout ce que nous avions à épargner à une époque où nous portions nos vêtements jusqu'à ce qu'ils s'effondrent littéralement.

«Mes courtepointes sont des rappels de ces moments avec leurs matériaux, et certains des sujets eux-mêmes sont des rappels, mais la différence est qu'ils sont faits simplement pour ne pas être utilisés. Les tissus que j'utilise sont neufs et très chers, mais la tradition se perpétue car en mélange avec mes nouveaux tissus sont des morceaux de tissu qui m'ont été donnés par ma mère et ma grand-mère. Je fais quelque chose de mes deux mains, tout comme mes ancêtres. »

Le travail de Butler sera exposé dans son exposition solo intitulée La tempête, le tourbillon et le tremblement de terre à la Claire Oliver Gallery de New York du 29 février au 18 avril 2020.

L'artiste Bisa Butler crée un quilting contemporain de portraits mettant en scène des enfants et des adultes noirs dont les histoires peuvent avoir été oubliées ou négligées.

Matelassage contemporain Bisa Butler

«Broom Jumpers», 2019 (coton, laine et mousseline matelassés et appliqués | 58 ″ x 98 ″)

Matelassage contemporain Bisa Butler

«Broom Jumpers» (détail)

Matelassage contemporain Bisa Butler

«Dear Mama», 2019 (coton, laine et mousseline matelassés et appliqués | 53 ″ x 73 ″ 1 ″)

Matelassage contemporain Bisa Butler

«Chère maman» (détail)

Bisa Butler Artist

«Kindred», 2019 (coton, laine et mousseline matelassés et appliqués | 60 ″ x 84 ″ x 1 ″)

Bisa Butler Artist

«Kindred» (détail)

Bisa Butler Artist

«Three Kings», 2018 (coton, laine et mousseline matelassés et appliqués, 95 ″ x 72 ″)

Portrait Art Quilt

«Trois rois» (détail)

Portrait Art Quilt

«Trois rois» (détail)

Portrait Art Quilt

«À Dieu et à la vérité» (détail, en cours), 2019 (coton, mousseline de soie, satin, soie et dentelle | 144 ″ x 108 ″ x 1 ″)

Portrait Art Quilt

«À Dieu et à la vérité» (détail, en cours)

Bisa Butler: Instagram | Facebook | Galerie Claire Oliver

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Bisa Butler.

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Une école irlandaise décide d'abandonner ses devoirs et d'assigner à la place des «actes de gentillesse»

Une école irlandaise abandonne ses devoirs en faveur d'actes de bonté

Photos de Purino / Shutterstock

Il est fort probable que vous ayez investi beaucoup de temps dans vos devoirs pendant vos années scolaires, mais que se passerait-il si, au lieu de passer vos soirées à mémoriser des multiplications, vous auriez pu les consacrer à de bonnes actions pour votre communauté? C’est l’idée derrière une initiative dirigée par Gaelscoil Mhichíl Uí Choileáin, une école primaire de Clonakilty, en Irlande. Au cours du mois de décembre 2019, les enseignants ont décidé d'abandonner tous les devoirs et d'assigner des «actes de gentillesse» aux enfants.

Ce n’est pas la première fois que Gaelscoil Mhichíl Uí Choileáin met en œuvre cette brillante idée. Selon un article Facebook de l'école, les élèves ont mené des activités similaires en décembre pendant trois années consécutives. Le message se lit comme suit: «S'appuyant sur le succès écrasant et la positivité des« Dialann Buíochais »de l'année dernière, lorsque les enfants et leurs familles ont documenté les petites choses dont ils étaient reconnaissants dans leur vie, cette année, on leur demande de prendre une attitude proactive approcher et entreprendre de petits actes de gentillesse qui pourraient faire une grande différence dans la vie de quelqu'un. "

Au cours des semaines précédant la fin de 2019, les enfants de l'école ont été chargés d'un acte de gentillesse différent pour chaque jour de la semaine. Le lundi, on leur a demandé de tendre la main à une personne âgée, le mardi, ils ont été chargés d'aider les parents dans les tâches ménagères, le mercredi était pour tout acte de bonté au hasard, et le jeudi, les enfants ont été encouragés à faire quelque chose pour eux-mêmes, en tant que acte d'amour-propre. Les enfants ont tenu un «journal de gentillesse» pour documenter leurs expériences, et l'école a également créé un «seau de gentillesse», où les élèves ont déposé des notes pour renforcer l'estime de soi de leurs pairs. Le vendredi matin, les notes ont été lues à haute voix pour que tout le monde puisse les entendre, afin de stimuler l’estime de soi des élèves.

«Dans ce monde, consommé par les médias sociaux, où nos jeunes subissent constamment des pressions, il n'y a pas de meilleure façon de leur montrer la voie à suivre dans le monde qu'en pratiquant la gentillesse», explique l'école. «Nous savons tous qu'aider les autres nous fait nous sentir bien dans notre peau…. Qu'est-ce qu'il ne faut pas aimer à ce sujet?!? "

Vous aimez cette idée? Pourquoi ne pas utiliser une partie de votre soirée pour faire quelque chose de gentil aussi

Au cours du mois de décembre 2019, l'école élémentaire Gaelscoil Mhichíl Uí Choileáin en Irlande a décidé d'abandonner tous les devoirs et d'assigner des «actes de gentillesse» aux enfants.

Gaelscoil Mhichíl Uí Choileáin: Site Web | Facebook

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Téléchargez plus de 150 000 illustrations de la flore et de la faune gratuitement

Guide des oiseaux de Grande-Bretagne

«Les oiseaux de Grande-Bretagne» (1873)

Les illustrations botaniques et animales capturent le cœur et l'esprit des amoureux de la nature depuis des siècles. Quand ils ont commencé à être produits il y a 300 ans, ils étaient le seul dossier scientifique que nous avions sur différentes espèces végétales et animales. Aujourd'hui, ils continuent de captiver l'imagination pour leur démonstration de beauté et d'adresse. L'une des meilleures ressources pour trouver des illustrations animales et botaniques gratuites et à haute résolution est la Biodiversity Heritage Library, qui propose plus de 150 000 images à télécharger.

Depuis 2011, la bibliothèque numérique en accès libre construit des archives sur Flickr. En permettant aux utilisateurs d'accéder à ces images haute résolution, ils nous aident à comprendre comment la nature a été représentée à travers l'histoire. Bien sûr, nous ne parlons pas seulement des illustrations de fleurs, il y a aussi beaucoup de dessins qui incluent la faune dans le mélange.

Si vous recherchez une image spécifique, vous pouvez effectuer une recherche directement sur le site Web de BHL. Chaque entrée aura un lien direct vers Flickr dans le champ de description de l'image. Vous pouvez également accéder directement à BHL Flickr, où vous trouverez des albums ventilés par publication. De nouveaux éléments sont constamment ajoutés, il vaut donc la peine de vérifier tous les quelques mois pour voir ce qui est apparu. En fait, depuis 2017, plus de 50000 nouvelles images ont fait leur chemin dans les archives.

Les nouvelles entrées incluent un manuel de 1901 pour identifier les champignons, un guide de 1872 pour Beaux oiseaux dans les contrées lointaines, ainsi que de multiples volumes dédiés aux aquarelles de plantes nord-américaines et européennes. Partout où vous vous tournez, il y a des trésors à trouver; et en permettant des téléchargements à haute résolution, BHL permet aux téléspectateurs de se rapprocher des détails de ce matériau précieux.

Découvrez d'autres illustrations incroyables de la nature disponibles en téléchargement gratuit grâce à la bibliothèque du patrimoine de la biodiversité.

Illustration d'oiseau en ligne

«Heures rurales» (1851)

Illustration d'un colibri au XIXe siècle

«De beaux oiseaux dans des contrées lointaines» (1872)

Illustration d'archive de la bibliothèque du patrimoine de la biodiversité

Extrait de L'histoire naturelle de la Caroline, de la Floride et des îles Bahama (1771)

Illustration d'archive de la bibliothèque du patrimoine de la biodiversité

Extrait de L'histoire naturelle de la Caroline, de la Floride et des îles Bahama (1771)

Dessin d'un léopard du XIXe siècle

«Croquis zoologiques» (1861-1867)

Guide des champignons

«Le livre aux champignons» (1901)

Illustration botanique du 19e siècle

«Le cabinet botanique» (1817-1833)

Croquis aquarelles de plantes nord-américaines

«Croquis aquarelle de plantes d'Amérique du Nord et d'Europe»

Illustration d'archive de la bibliothèque du patrimoine de la biodiversité

Flore des serres et des jardins de l’Europe (1845-1880)

Bibliothèque du patrimoine de la biodiversité: site Web | Facebook | Instagram | Flickr

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Le joueur des Chiefs célèbre la victoire au Super Bowl en payant des frais d'adoption pour plus de 100 chiens de refuge

Les Chiefs de Kansas City ont remporté leur première victoire au Super Bowl en 50 ans en battant les 49ers de San Francisco dans le Super Bowl LIV. Alors que les joueurs et les fans célèbrent ce moment monumental, il y a aussi une raison pour que nos amis à quatre pattes se réjouissent. Grâce à l'attaquant défensif des Chiefs Derrick Nnadi, 109 chiots d'un refuge pour animaux local auront bientôt de nouvelles maisons. Après la victoire de l'équipe 31-20, il s'est engagé à payer les frais d'adoption pour les chiens qui étaient dans le Kansas City Pet Project le 2 février, peu importe le temps qu'il leur fallait pour trouver leur maison pour toujours. (Les frais de sauvetage d'un chien du Kansas City Pet Project varient de 75 $ à 300 $.)

La réponse à la promesse de Nnadi a été presque immédiate. Le KC Pet Project a déclaré que seul lundi, 38 chiens ont quitté le refuge avec de nouvelles familles et jusqu'à 30 autres chiens rentrant chez eux le lendemain. "Nous tenons à remercier toutes les familles qui sont venues aujourd'hui et qui ont patiemment attendu d'adopter un animal de compagnie", ont-elles partagé sur Facebook, "et nous sommes au-delà de la reconnaissance à Derrick Nnadi pour ce geste incroyablement gentil qui aide les animaux de notre ville."

Ce n'est pas la première fois que Nnadi s'associe à l'abri local No-kill. Il s'est connecté avec le KC Pet Project au cours de sa deuxième année dans la NFL et a été inspiré pour le faire en raison de son expérience avec l'adoption de son premier chien, Rocky. "Quand je l'ai eu pour la première fois, il était très timide", a déclaré Nnadi. "Cela m'a fait penser à la façon dont les autres animaux, qu'ils soient possédés ou dans un refuge, se sentent seuls et effrayés."

Au cours de la saison, Nnadi a payé les frais d'adoption pour un chiot difficile à adopter chaque fois que les Chiefs ont gagné. Entre la saison régulière et les séries éliminatoires, l'équipe a remporté 15 matchs et tous les chiens parrainés par Nnadi ont trouvé leur domicile.

Pour célébrer la victoire de son équipe au Super Bowl, l'attaquant défensif des Chiefs Derrick Nnadi s'est engagé à payer les frais d'adoption des 109 chiens qui se trouvaient dans le Kansas City Pet Project le 2 février.

La réponse à la promesse de Nnadi a été presque immédiate avec 38 chiens rentrant chez eux le lundi après le Super Bowl.

Nnadi a été inspiré pour s'associer au KC Pet Project après sa propre expérience en adoptant son premier chien, Rocky.

KC Pet Project: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Upworthy)

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Précisionisme: le style américain moderne déclenché par l'industrialisation

Charles DeMuth

Charles DeMuth, «Modern Conveniences», 1921

Dans les années 1920, les artistes avant-gardistes ont commencé à regarder le faste et le grain de industrie pour l'inspiration. Cette fascination pour les nouvelles technologies était particulièrement répandue aux États-Unis, où les artistes ont adapté des mouvements internationaux entraînés par l'industrialisation, comme l'Art Déco et le Muralisme mexicain. En plus de ces pratiques empruntées, cependant, certains artistes ont travaillé dans un style entièrement américain: Précisionisme.

Bien que influencé par les sensibilités européennes, le précisionnisme est indigène aux États-Unis. En fait, il est même reconnu comme le premier mouvement moderniste du pays – un rôle qui souligne l’importance de ce mouvement sous-estimé.

Précurseurs européens

Cubisme

Robert Delaunay, «La ville no. 2 », 1910 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Le précisionnisme a marqué la première incursion des États-Unis dans un style local de modernisme. Cependant, il a été fortement façonné par deux mouvements européens: Cubisme et Futurisme.

Lancé par Pablo Picasso et Georges Braque, Cubisme a fait ses débuts en 1907. Ce style se caractérise par des compositions déconstruites et fracturées qui permettent de voir simultanément des sujets singuliers sous plusieurs angles. Les précisionnistes ont adapté cette approche simplifiée à la forme. Plutôt que de fracturer leurs compositions, cependant, ils se sont appropriés les perspectives biaisées du cubisme, les angles aigus et les formes abstraites.

Futurisme est apparu en Italie au début du XXe siècle. Dirigé par le théoricien de l'art Filippo Tommaso Marinetti, Les futuristes s'efforçaient de capturer la vitesse, le dynamisme et le mouvement dans leur travail. Pour y parvenir, les artistes futuristes se sont souvent tournés vers la technologie moderne pour trouver l'inspiration artistique – une décision qui a ouvert la voie aux précisionnistes aux vues similaires.

Différentes approches du précisionnisme

Précisionisme

Charles Demuth, «Aucassin et Nicolette», 1921 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

En 1920, le cubisme et le futurisme étaient bien établis dans le monde. Bien que les mouvements ne soient plus à leur apogée, les Precisionists – un titre inventé par Alfred H. Barr Jr., le premier directeur du MoMA, en 1927 – ont rapidement relancé leur héritage.

Bien que ces artistes – dont Charles Sheeler, Charles Demuth, Georgia O'Keeffe, Stuart Davis et d'autres figures américaines d'avant-garde – ne se soient jamais officiellement regroupés, ils ont conçu un mouvement officieux motivé par un intérêt commun pour l'iconographie industrielle et un style axé sur Lignes et formes «précises».

Gratte-ciel imposants, usines urbaines et machines modernes font partie des concepts industriels explorés par les Précisionistes. Souvent, ces sujets étaient abstraits, aboutissant à des compositions simplifiées rendues dans un minimum de détails et des formes géométriques.

J'ai vu la figure 5 en or par Charles Demuth, par exemple, dépeint un camion de pompiers qui file dans les rues comme un amas de formes rouges et de lignes parallèles convergentes recouvertes d'une série de chiffres élégants et dorés.

Modernisme

Charles Demuth, «J'ai vu la figure 5 en or», 1928 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Certains artistes de précision, cependant, ont dévié de cette esthétique pour produire des représentations plus simples de leurs sujets industriels. Charles Sheeler a souvent travaillé dans ce style, comme en témoigne Conversation – ciel et terre, une représentation réaliste du barrage Hoover. Peinte à partir d'une photographie, cette pièce démontre l'attention de Sheeler pour les détails nets et sa capacité à transformer des objets apparemment banals en sujets transcendants qui valent la peine d'être peints – et même adorés.

"Chaque âge se manifeste par des preuves externes", a-t-il expliqué. «À une époque comme la nôtre, où seuls quelques individus semblent se consacrer à la religion, il faut trouver une autre forme que la cathédrale gothique. L'industrie concerne le plus grand nombre – il est peut-être vrai, comme cela a été dit, que nos usines sont notre substitut à l'expression religieuse. »

Peinture de précisionnisme

Charles Sheeler, «Conversation – Sky and Earth», 1940 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Cette approche artistique a été fortement influencée par la photographie contemporaine, à savoir le travail révolutionnaire d'Alfred Stieglitz, le mari de Georgia O’Keeffe, et de Paul Strand, qui ont contribué à faire de la photographie de style documentaire une forme d'art. Plus précisément, les artistes ont trouvé l'inspiration dans l'utilisation experte de Stieglitz du recadrage et l'approche de Strand dans le choix du sujet. "Le monde de l'artiste est illimité", a-t-il déclaré. «On peut le trouver n'importe où, loin de chez lui ou à quelques mètres. Il est toujours à sa porte. »

Héritage

Qu'est-ce que le précisionnisme

Georgia O’Keeffe, «Blue and Green Music», 1921 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Le précisionnisme est resté populaire jusqu'aux années 40, lorsque les réalités de la Seconde Guerre mondiale ont forcé le public américain à considérer les inconvénients de la technologie. Alors que Demuth, Sheeler et quelques autres artistes ont conservé l’esprit de précision pour la majeure partie de leur carrière, d’autres, comme Georgia O’Keeffe, ont adapté leur approche et adopté de nouveaux sujets.

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Amusez-vous dehors avec ces jeux et activités uniques

Activités extérieures

Par beau temps, il est temps de profiter du plein air. Pour beaucoup, cependant, il peut être difficile de trouver des activités agréables qui n'impliquent pas d'écrans. C’est à ce moment-là que de bons divertissements à l’ancienne deviennent utiles. Du jeu d'empilement surnommé «chat Jenga» aux puzzles en passant par les arts et l'artisanat, My Modern Met Store propose une variété d'activités amusantes pour garder votre esprit actif à l'extérieur.

Pour les artistes qui veulent suivre les traces des impressionnistes, Viviva Colorsheets est l'outil de création parfait. Cet ensemble de la taille d'un téléphone vous permet de transporter 16 aquarelles transparentes sous la forme d'un petit livret. Avec cela, vous pouvez peindre en plein air peu importe où tu vas.

Si vous voulez faire quelque chose avec toute la famille, pensez à explorer les puzzles très uniques de Nervous System. Ce studio de conception avant-gardiste combine des algorithmes informatiques avec l'inspiration de la galaxie et des géodes pour créer des puzzles qui sont littéralement uniques. Le Puzzle Infinity, par exemple, n'a ni début ni fin, ce qui signifie qu'il peut être assemblé de milliers de façons différentes. De même, le magnifique grand puzzle géode imite la géologie avec ses 360 pièces complexes et ses cinq fantaisies sur le thème du cristal. Vous aurez besoin de toutes les mains sur le pont pour terminer ces puzzles difficiles!

Alternativement, si vous voulez prendre un jeu lors d'une randonnée ou d'un pique-nique, vous cherchez peut-être quelque chose de plus portable. Si tel est le cas, l'adorable jeu Cat Pile de Comma est idéal. L'un des meilleurs vendeurs de notre magasin, cet ensemble de chatons en bois est un peu comme une forme inversée de Jenga. Dans ce jeu, l'objectif est d'empiler les six félins le plus haut possible sans les renverser. C'est l'activité idéale pour les groupes de tous âges.

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Ces jeux et activités uniques ajouteront du plaisir à vos excursions en plein air!

Feuilles de couleurs Viviva

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Des illustrations comiques colorées célèbrent la vie vibrante de Vincent van Gogh

Bande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi Moghaddam

L'histoire fascinante de la vie de Vincent van Gogh est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles tant de gens sont attirés par ses peintures emblématiques. La vie courte mais mouvementée du post-impressionniste né aux Pays-Bas est l'inspiration derrière la série de bandes dessinées en cours du dessinateur iranien Alireza Karimi Moghaddam. Chaque illustration colorée donne un aperçu du monde de Van Gogh, de son amour de la nature à ses problèmes de santé mentale.

Bien que Van Gogh ait tragiquement mis fin à sa propre vie, Moghaddam espère que ses illustrations pourront jeter un éclairage positif sur les moments les plus sombres de l'artiste et faire sourire ses spectateurs. «La vie de Van Gogh était entièrement consacrée à la beauté et à l’amour», explique Moghaddam sur son site Web. «Cela a peut-être eu une fin amère, mais c'était une source d'inspiration pour l'avenir.»

Rendu dans le style distinctif et animé du dessinateur, chaque image rend hommage à la technique picturale de Van Gogh et à l'amour des couleurs vibrantes. De nombreuses illustrations font référence à des œuvres d'art particulières, telles que La nuit étoilée (1889). L'une des images de Moghaddam représente Van Gogh regardant par sa fenêtre le ciel nocturne tourbillonnant alors qu'il fume sa pipe, tandis qu'une autre l'illustre en regardant avec amour les iris – une fleur qui est devenue le sujet d'une peinture qu'il a réalisée à Saint Paul-de-Mausole asile à Saint-Rémy-de-Provence, France, l'année dernière avant sa mort en 1890.

Faites défiler vers le bas pour voir certaines des dernières illustrations inspirées de Moghaddam de Van Gogh et découvrez plus de sa série de webcomic sur Instagram. Si vous aimez son travail, vous pouvez également acheter ses oeuvres d'art sous forme d'affiches via son site Internet.

Le dessinateur iranien Alireza Karimi Moghaddam célèbre la vie de Vincent van Gogh dans une série de bandes dessinées en cours.

Bande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi MoghaddamBande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi Moghaddam

De nombreuses illustrations mettent en scène le peintre postimpressionniste lui-même, dans son propre monde pictural.

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D'autres images illustrent la bataille de l'artiste emblématique avec la santé mentale.

Bande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi MoghaddamBande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi MoghaddamBande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi MoghaddamBande dessinée Van Gogh par Alireza Karimi Moghaddam

Moghaddam espère que ses illustrations colorées peuvent faire sourire les gens.

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My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Alireza Karimi Moghaddam.

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Un homme commence à chanter Bon Jovi en étant assis dans un parc et chaque étranger se joint à

Bon Jovi chante

Photos de Debby Wong / Shutterstock

Même si vous ne le faites pas l'amour Bon Jovi, il y a de fortes chances que vous connaissiez encore quelques mots de leur classique de 1986, «Livin 'on a Prayer». La chanson est ceinturée tard le soir dans les bars, sur les pistes de danse lors des mariages et, comme il s'avère, au hasard journée dans un parc de Londres. Matej Priteržnik a mis en ligne une vidéo sur YouTube dans laquelle un homme commence à chanter la chanson – tout seul, au début, jusqu'à ce qu'une foule le rejoigne dans le refrain. C’est un moment magique et spontané que vous ne verrez que lorsque vous sortirez de chez vous.

À seulement 46 secondes, Priteržnik dit dans un commentaire sur YouTube qu'il a capturé le clip vidéo juste pour en avoir un souvenir. Il l'a partagé en ligne pour démontrer un message plus large: «Ce gars-là peut tout changer!» Le sentiment a fait écho dans les autres commentaires. "Cette vidéo est incroyable, et met en évidence l'humanité et la communauté qui existe au plus profond de nous tous", a écrit un spectateur.

Ce n'est pas la première fois que l'homme présenté dans le clip semble se mettre au hasard dans la chanson. L'automne dernier, une vidéo a été téléchargée mettant en vedette un chanteur – qui ressemble beaucoup au gars du parc – faisant la sérénade dans une voiture de métro avec le même bop Bon Jovi.

Matej Priteržnik a mis en ligne une vidéo sur YouTube présentant un moment magique où un homme a commencé un chant de Bon Jovi dans un parc de Londres.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=LtoQY7i3kH0 (/ intégré)

Ce n’est pas la première fois que cet homme chante «Livin’ on a Prayer »en public. L'automne dernier, une vidéo a été mise en ligne montrant un homme – qui ressemble beaucoup au gars du parc – faisant la sérénade dans une voiture de métro.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=Yg5op8vvAQQ (/ intégré)

h / t: (Twisted Sifter, app.)

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