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Interview: Comment un musicien aide à redéfinir le Kenya grâce à la créativité

Artiste kenyane Muthoni Drummer Queen

Photo: Shem Obara

Le musicien kenyan Muthoni Drummer Queen est un alchimiste culturel. Bien qu'elle excelle dans la création de chansons qui sont un mélange unique de genres – y compris le reggae, le blues et la batterie africaine – Muthoni voit la situation dans son ensemble et imagine une restructuration de l'industrie musicale (et au-delà) dans son pays d'origine et rassemble différents domaines créatifs pour y arriver. Cela l'a amenée à créer des festivals qui célèbrent des artistes, des cinéastes et des photographes kenyans.

Muthoni utilise sa voix pour diffuser un message d'autonomisation des femmes. Son dernier single intitulé "POWER" est un hymne pour les femmes du Kenya – ainsi que pour le reste du monde – honorant celles qui ont ouvert la voie à l'égalité. La chanson commente également la notion selon laquelle les femmes sont la racine du mal dans le monde et inférieures aux hommes. "Dans ma culture (Kikuyu), une femme n'est pas subordonnée à un homme", dit Muthoni à My Modern Met, "et est en fait vénérée comme la créatrice et la vérité."

Muthoni a partagé plus de ses idées dans une conférence TED inspirante intitulée «Creativity Builds Nations» qu'elle a donnée en 2019. Elle affirme que la créativité peut construire une identité pour le Kenya – une identité qu'elle n'a pas maintenant mais dont elle a désespérément besoin. «Nous ne pouvons pas construire ce que nous n'aimons pas vraiment», a-t-elle déclaré dans son discours. "Et nous ne pouvons pas aimer tant que nous ne nous aimons pas."

Nous avons eu l'honneur de parler à Muthoni de sa musique, de sa vision du Kenya et de la façon dont elle a contourné les itinéraires traditionnels de la musique pour créer un chemin qui lui est propre. Faites défiler vers le bas pour notre interview exclusive.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=y5wEJvnWOFo (/ incorporé)

Quel est votre parcours?

Donc, mon premier amour est la musique. Le chanter, danser dessus, le faire. J'ai chanté et joué depuis que je suis enfant. J'espérais le faire pour de vrai en tant qu'adulte, mais mes parents ne pouvaient pas voir cela comme une option de carrière viable étant donné la situation au Kenya en grandissant et la volatilité générale autour d'une carrière dans les arts. J'ai donc développé mes compétences à travers la chorale de l'école, le théâtre et les clubs de débat.

Comment êtes-vous devenu connecté avec l'art, la musique et la créativité globale?

Avance rapide jusqu'à mes 21 ans et un ami proche nous a proposé de créer un duo, d'écrire nos nouvelles chansons et de mettre en scène notre propre vitrine. Mettre cela ensemble a été le plus grand défi créatif et logistique que j'aie jamais connu et cela m'a rappelé que je voulais vraiment créer de la musique et performer comme ça avec cela rallumé, et nous sommes ici aujourd'hui.

Pour ceux qui ne connaissent pas votre musique, comment la décririez-vous?

C'est une combinaison de hip-hop, de reggae / dance hall et de soul / blues contre des tambours africains. Cool global afro-diasporique! C’est dope AF!

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=GQUMbOn7EzI (/ intégré)

"POWER" est votre dernier single en ode au courage et à la vision de nombreuses femmes. Pouvez-vous nous parler des autres thèmes que vous abordez dans cette chanson, ainsi que de la façon dont elle se connecte au clip vidéo?

«POWER» prend vraiment une minute pour célébrer tous les sacrifices incroyables et les contributions des femmes au développement du Kenya, de l'Afrique et du monde en général. C'est exaspérant pour moi que les contributions des femmes soient souvent sous-évaluées, sous-enregistrées et souvent simplement effacées!

Donc, en plus de reconstituer un moment vraiment puissant dans l'histoire du Kenya en 1992 – lorsque les mères de prisonniers politiques qui avaient demandé pacifiquement la libération de leurs fils et filles déshabillés lors d'une confrontation avec la police – je présente également l'entrepreneuriat féminin et l'amitié comme une réelle contribution des femmes kenyanes, en particulier dans les espaces dominés par les hommes comme le système de transport public (qui est vraiment privé mais pour le public). Je voulais aussi me moquer de cette idée stupide que le judéo-christianisme a inventée sur la façon dont les femmes sont la cause première de tout mal dans le monde, et l'idée de la tentatrice féminine (Eve) parce que dans ma culture (Kikuyu), une femme n'est pas une subordonnée à l'homme, et est en fait vénéré comme le créateur et la vérité.

Artiste kenyane Muthoni Drummer QueenFaire de la musique n'est qu'une partie de ce que vous faites – vous avez également créé des festivals. Qu'est-ce qui vous a inspiré pour faire ça?

Quelques années après le tout début de ma carrière musicale, j'en ai eu assez des producteurs me disant que je n'étais pas assez kenyan et que les Kenyans n'accepteraient jamais un artiste kenyan comme moi. J'ai donc décidé d'arrêter d'essayer d'enregistrer de la musique avec des producteurs qui ne partageaient pas mes vibrations et de se concentrer plutôt sur une vitrine régulière où je pouvais partager directement la musique avec mes fans. Il a grandi et pendant un moment, tout a semblé bien. Mais honnêtement, il y avait une limite au nombre de fois où je changeais de répertoire, le lieu était un minuscule bar de plongée, donc nous ne pouvions vraiment pas augmenter considérablement l'audience et nous avions des problèmes d'argent avec le propriétaire du bar.

En même temps, il y avait un certain nombre d'artistes que je considérais comme vraiment géniaux et qui, tout comme moi, avaient été «exclus» du système. Je me suis dit que je pourrais créer un festival de musique pour donner une plateforme à tous ces artistes et à moi-même, et que nous pourrions polliniser le public tout en gagnant notre vie grâce aux frais de performance. J'ai pensé que Nairobi (la capitale du Kenya) avait besoin d'une dose régulière de bonne musique live et qu'un festival fonctionnerait probablement si nous vendions l'idée de transporter votre pique-nique et votre vin et votre meilleur soi, et nous apporterons la meilleure musique live , et ensemble nous ferons le meilleur temps. De plus, j'étais assez désespéré pour essayer quelque chose de différent. Je suis heureux de l'avoir fait et reconnaissant à mes amis formidables qui m'ont aidé à réfléchir et à l'exécuter.

Artiste kenyane Muthoni Drummer Queen

Couvertures et vin 10e anniversaire en 2018

Comment les avez-vous vu grandir au fil des ans?

Notre premier festival, Blankets & Wine, en est maintenant à sa 12e année au Kenya, nous l'avons également organisé en Ouganda et au Rwanda et nous avons l'ambition de l'exporter vers la diaspora africaine. Notre deuxième festival, Africa Nouveau, est un festival multidisciplinaire d'arts et de musique dans sa quatrième année (bien avant le coronavirus) rassemblant des créateurs, des conservateurs et des fans de cool africain de toute l'Afrique et de sa diaspora pour un week-end de musique, de mode, d'art installations, réalité virtuelle, expositions de photographies et projections de films. Nous sommes ravis de faire de cela une expérience de festival de camping à l'extérieur de la ville.

Qu'est-ce qui vous oblige à entreprendre tant de choses et à travailler de tant de façons différentes?

Je ressens l'urgence de résoudre autant de choses que je peux me connecter à la musique. Nous avons eu une scène vraiment florissante dans les années 60, 70 et au début des années 80, puis tout s'est effondré. Ensuite, nous avons eu un réveil à la fin des années 90 / début des années 2000, mais comme auparavant, il n'y a pas eu de changement structurel dans le fonctionnement de la musique, alors des années plus tard, nous devons construire l'infrastructure, l'expertise et apporter les bons investissements pour réellement construire une industrie de la musique. Mais l'industrie de la musique n'est littéralement que le début, le plan de jeu ici est de vraiment développer l'économie créative en tant que véritable industrie manufacturière et pilier de la croissance économique du Kenya.

Vous avez la capacité unique d'associer des personnes, des idées, etc. apparemment disparates, et de les impliquer dans quelque chose de spectaculaire – un "ragoût ou sauce" comme vous le dites. Comment est-ce que tu fais ça?

L'alchimie culturelle est mon truc! J'adore tout l'éventail des arts créatifs et je tiens vraiment aux créateurs venant du Kenya et de l'Afrique dans son ensemble. Je crois aussi fondamentalement que l’artiste sait toujours, et s’il ne le sait pas, alors le travail critique est l’immobilité pour que l’artiste puisse entendre sa guidance intérieure. Je fais beaucoup de recherches pour trouver des modèles réussis / modèles de meilleures pratiques, donc généralement, je suis assez confiant quant aux chances de succès.

Vous avez donné une conférence TED inspirante sur la vitalité de l'industrie créative pour l'édification nationale du Kenya. Quelles sont les façons dont vous avez vu des musiciens, des acteurs, des artistes et autres aider le Kenya à mettre en valeur la diversité de la culture kenyane?

Je pense que l'industrie cinématographique a vraiment contribué à raconter nos histoires dans notre langue et à nous présenter à nous-mêmes. Je pense que celui-ci a été très convaincant.

En termes de film, quels sont les films qui, selon vous, racontent des histoires au Kenya et le font bien?

Certains films préférés du Kenya incluent Nairobi HalfLife (phénoménal!), SupaModo (super bon), Kati Kati (très très bien), et Pumzi (science-fiction!). Tous ces éléments ne sont qu'une courte liste de films créant des histoires et des images à notre image et nous aidant, ainsi que ceux qui interagissent avec nous pour mieux comprendre qui nous sommes.

Qu'est-ce qui vous attend à l'horizon? Quelque chose d'excitant dont vous pouvez nous parler?

Je suis ravi de devenir un meilleur artiste pendant ces temps de coronavirus #stayathome! Nous avons un tout nouvel album que nous avons hâte de laisser tomber alors attendez-vous à de nouveaux singles et vidéos de notre part. Notre festival a compris comment faire des one-two man shows pour le streaming, donc c'est excitant de voir comment nous traversons cette pandémie en tant qu'entreprise, et je commence vraiment à étoffer quelques idées de création de contenu que je voulais commencer . Je suppose que je suis l'éternel optimiste, mais j'ai vraiment hâte à l'effondrement de la façon dont le monde fonctionne et à son remplacement par un système plus humain et plus juste.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=KpgCf5ZlDqk (/ intégré)

Muthoni Drummer Queen: Instagram | Facebook | YouTube | SoundCloud

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Muthoni Drummer Queen.

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Les paysages urbains nocturnes éblouissants sont repensés comme de belles peintures de style bokeh

Peintures abstraites de Philip Barlow

Dans sa série de peintures abstraites, l'artiste Philip Barlow traduit les moments éphémères souvent vus à travers des objectifs d'appareil photo flous. Ce phénomène photographique commun appelé bokeh L'effet simplifie l'arrière-plan et les sujets en flous colorés de lumière. Bien que le bokeh puisse être considéré comme indésirable sur les photos, Barlow utilise le style géométrique dans ses peintures comme un moyen de "capturer" l'instant ", une milliseconde dans le temps où tout s'aligne parfaitement."

Les peintures à effet bokeh de Barlow mettent l'accent sur la couleur et l'harmonie sur des détails nets et clairs. Les paysages urbains nocturnes sont réduits à des blocs de lumière, tandis que les sujets humains deviennent des silhouettes anonymes à peine reconnaissables. Ce faisant, le spectateur est plongé dans un moment éphémère à la fois mystérieux et familier.

Barlow dit dans sa déclaration d'artiste que ses peintures "nous donnent un aperçu du temps où la forme, la lumière et la couleur se rencontrent dans leur complexité." Ces moments transitoires sont rehaussés par son abstraction intentionnelle. Les couleurs des feux de voiture, des panneaux, des magasins et des restaurants deviennent soudain des ornements magiques sur la toile. Ensemble, ils reflètent l'essence de l'espace dans ce cas.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de peintures à l'huile bokeh de Barlow, puis suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations et expositions.

L'artiste sud-africain Philip Barlow recrée l'effet bokeh dans ses peintures à l'huile.

Peintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Bokeh par Philip Barlow

Ses toiles abstraites imitent l'effet de flou souvent observé en photographie.

Peintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip Barlow

L'œuvre colorée de Barlow élève les moments ordinaires et fugaces en quelque chose de magique.

Peintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip BarlowPeintures abstraites de Philip Barlow

Philip Barlow: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Philip Barlow.

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Marionnettes

Photo: Stock Photos de Dziurek / Shutterstock

Aucun art du spectacle n'est aussi fascinant que marionnettes. Mélangeant toutes sortes de métiers – du théâtre et de l'animation au design et à la fabrication de poupées – cette pratique unique occupe une place particulière dans la tradition théâtrale. Depuis leurs débuts il y a des milliers d'années, les productions de marionnettes ont fait leur apparition dans les scènes artistiques et culturelles du monde entier, ce qui en fait l'une des représentations théâtrales les plus anciennes et les plus célébrées de l'histoire.

Vous voulez tout savoir sur l'histoire de la marionnette? Ici, nous mettons en lumière cette forme de divertissement enchanteresse, retraçant son évolution des drames religieux anciens aux spectacles modernes.

Qu'est-ce que la marionnette?

Croquis de spectacle de marionnettes

Photo: Photos de la création de Morphart / Shutterstock

La marionnette est un genre de théâtre. Plutôt que de compter sur des acteurs pour jouer en tant que personnages, la marionnette tourne autour de marionnettes—Des objets contrôlés par des personnes appelées marionnettistes. Les marionnettistes manipulent les mouvements, les gestes et même les expressions des marionnettes avec une variété de méthodes, notamment en tirant sur des cordes (marionnettes), en les soutenant avec des tiges (marionnettes à tige) ou en plaçant simplement leurs mains (marionnettes à main) ou leurs doigts (marionnettes à doigt) ) à l'intérieur des objets.

Tout comme les représentations théâtrales mettant en vedette des acteurs humains, les spectacles de marionnettes d'aujourd'hui présentent souvent des accessoires, des décors, de l'éclairage et du son. Bien que ces productions modernes soient principalement destinées à divertir, les spectacles de marionnettes du passé ont souvent servi à des fins plus solennelles comme raconter des histoires religieuses, enseigner des leçons de morale et préserver le patrimoine.

La mise en scène

Marionnettes grecques antiques

Marionnettes grecques antiques (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Avant l'émergence des marionnettes que nous connaissons et aimons aujourd'hui, les précurseurs primitifs ont émergé Egypte.

Pendant l'Empire du Milieu (vers 2030-1650 avant notre ère), les preuves suggèrent que les Égyptiens fabriquaient des automates en bois. Opérés par des cordes, ces prototypes de marionnettes simulaient des activités quotidiennes, comme l'acte de préparer la pâte à pain. Au cours des siècles à venir, des marionnettes d'argile et d'ivoire jointes contrôlées par des fils ont été trouvées dans des tombes, tandis que des «statues ambulantes» – des figurines utilisées pour représenter les protagonistes des drames religieux – ont été référencées dans les hiéroglyphes.

Dans l'ancien Grèce, Les historiens d'Hérodote et de Xénophon mentionnent des marionnettes dans leurs écrits. Leurs allusions à Nevrospastos, qui se traduit littéralement par «tiré par des cordes» ou «tirant des cordes», constitue la première trace écrite connue de la pratique, que Hérodote décrit dans le contexte d'une procession religieuse. "Ils ont inventé l'utilisation de marionnettes de deux pieds de haut, déplacées par des cordes …", écrit-il dans flûtiste va de l'avant, les femmes suivent le chant de Dionysos. »

Traditions théâtrales

Marionnette d'ombre chinoise

Marionnettes d'ombres chinoises (Photo: photos de la banque de photos / Shutterstock)

Au cours des siècles, les marionnettes ont fait leur apparition dans les cultures du monde entier. Pendant la dynastie des Song du Nord (960-1127) en Chine, Shadow Theatre – un spectacle dans lequel la lumière est projetée sur des marionnettes à tige translucides ou opaques afin qu'elles émettent des ombres colorées ou des silhouettes noires, respectivement – a fait ses débuts éblouissants.

Dans médiéval France, les marionnettes à cordes ont reçu le nom marionnette («Petite Marie»), alors que la Vierge Marie apparaissait comme un personnage privilégié dans les spectacles de marionnettes organisés par l'église catholique. Cette pratique jouerait un rôle particulièrement important Italie, où le Sicilien L’Opera deî Pupi («Opéra des marionnettes») a adapté la commedia dell ’arte—La tradition du théâtre italien — comme des productions fantaisistes mettant en vedette les figurines à cordes.

Au 17e siècle, les marionnettistes Grande Bretagne emprunté le look and feel de l'Italie commedia dell ’arte pour créer «Punch and Judy», un spectacle de slapstick tournant autour des bouffonneries comiques et violentes d'un couple marié. Bien que Punch (adapté de commedia dell ’arte Pulcinella) et Judy étaient à l'origine des marionnettes, les personnages à cordes ont ensuite été échangés contre des marionnettes à main afin de mieux s'adapter à leurs mouvements agressifs sans craindre de s'emmêler.

Marionnette Guignol

Marionnette Guignol (Photo: banque de photos d'Edel_s / Shutterstock)

Au XVIIIe siècle France, le dentiste devenu marionnettiste Laurent Mourguet a suivi les traces de la Grande-Bretagne et s'est inspiré des modèles italiens. Bien que son concept pour Guignol, un personnage plein d'esprit de la classe ouvrière, soit inspiré de Pulcinella, il dérive principalement des propres expériences de Mourguet avec la pauvreté – une approche qui a rendu Guignol populaire à travers les générations.

Pendant la période Edo (1603-1868) en Japon, Bunraku a émergé comme une forme de divertissement populaire mais sérieuse. Originaire d'Osaka, il a prospéré avec l'essor du Kabuki, un genre de théâtre japonais qui mélangeait musique contemporaine, acrobaties impressionnantes, maquillage stylisé et conception de costumes. En raison des mouvements et des expressions étonnamment réalistes de BunrakuLes marionnettes en bois fabriquées à la main, sans cordes et relativement grandes (environ la moitié de la taille de la vie), elles ont depuis été chéries comme une forme d'art japonaise importante.

De 1835 jusqu'au milieu du XXe siècle, le Compañía Rosete Aranda, une troupe de marionnettes, a volé la vedette dans Mexique. L'entreprise est célèbre pour sa troupe de 5 000 marionnettes à cordes. Fabriquées à l'origine en papier mâché puis fabriquées en acajou, ces marionnettes colorées restent une forme majeure d'art populaire à Mexico. Aujourd'hui, nombre de ces personnages ont adopté de nouveaux rôles en tant qu'objets de musée.

Au milieu du XXe siècle, la marionnette prend une tournure moderne lorsqu'elle s'adapte à de nouveaux publics: les téléspectateurs. dans le États Unis, plusieurs marionnettes à cordes, à main et à canne ont fait leurs débuts télévisés au cours de cette période, des voisins à la voix douce de Monsieur Roger dans le "Pays de la Foire" aux monstres colorés de Muppet de Jim Henson.

Marionnettes contemporaines

Marionnette japonaise

Marionnette Bunraku contemporaine (Photo: banque de photos de Cowardlion / Shutterstock)

Aujourd'hui, la marionnette reste une forme d'art du spectacle bien-aimée. Afin de préserver leurs productions traditionnelles, de nombreux pays et cultures à travers le monde continuent de proposer un spectacle. Au Japon, par exemple, le National Bunraku Theatre est parrainé par le gouvernement; en Angleterre et en France, Punch, Judy et Guignol éblouissent les nouvelles générations dans les parcs, les plages et autres sites publics; et, aux États-Unis, Rue de SesameLes résidents flous ravissent toujours les enfants et les adultes après plus de 50 ans.

Aujourd'hui, les marionnettes ne se limitent pas à mettre en lumière les interprétations passées. Les marionnettistes contemporains continuent de réinventer le métier, créant des productions qui associent des approches séculaires à des idées avant-gardistes, dont beaucoup sont même enseignées et présentées dans un contexte académique. "Les artistes de marionnettes d'aujourd'hui sont généralement formés dans des conservatoires et des universités spécialisés en marionnettes", explique l'Association internationale des critiques de théâtre. «Ils sont encouragés à travailler avec la littérature et avec d'autres formes d'art et à faire fondre la marionnette dans les arts du spectacle.»

Qu'il s'agisse de maintenir en vie des traditions séculaires, de jouer dans les médias grand public ou de se «fondre» dans des productions plus avant-gardistes, les marionnettes restent au centre du théâtre contemporain.

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Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

«Inflorescence»

L'artiste Soey Milk réalise de beaux portraits de femmes qui contiennent des éléments de calme et de calamité. Elle le fait en implémentant le push and pull visuel dans toutes ses œuvres. Certaines parties de la composition, comme les visages de ses sujets, sont étroitement restituées dans un style réaliste tandis que les fonds sont gestuels avec des coups de pinceau visibles et des gouttes de peinture. Les résultats sont des images convaincantes qui vous invitent à considérer les motifs intégrés dans le travail de l'artiste.

Milk constate que l'inspiration pour ses peintures peut provenir de n'importe où, et elle essaie donc de savoir quand une idée arrive. «Mon processus, explique-t-elle, commence généralement par un tout petit gribouillage. La plupart du temps, je pense à quelque chose et ça prend vie sur un morceau de serviette. " Elle ne s’assoit pas à un bureau et ne planifie pas son travail, et c’est cette ouverture – que son art est inspiré par son quotidien – qui rend les pièces si personnelles. «Mes peintures représentent des personnes de ma vie», raconte Milk à My Modern Met. "Chaque pièce met en évidence une certaine période de ma mémoire, faisant des pièces un point dans ma chronologie de la vie."

Bien que les peintures représentent les pièces les plus connues de Milk, le dessin est également important pour elle. "Je dessine ces derniers temps. Pour moi, le dessin est comme un plan pour une future peinture. C'est une recherche attentive du chemin, la nature de celui-ci est méditative. »

L'artiste Soey Milk fabrique des peintures contemporaines de femmes qui ont des éléments de calme aux côtés de la calamité.

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

"Pour la fois où je ne pouvais pas utiliser mon souffle"

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

«La vie entre les mots»

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

«Brume paniculaire: bleu et mauve»

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

«Vert et or»

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

«Coiffe de dague en argent»

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

"Noname My Heart"

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

«Pensées pour faire l'amour et dormir avec»

Peintures figuratives contemporaines de Soey Milk

"Genévrier"

Le dessin est une partie importante du processus de Milk. «Je dessine récemment», dit-elle à My Modern Met. "Pour moi, le dessin est comme un plan pour une future peinture."

Dessins contemporains de Soey MilkDessins de Soey MilkDessins de Soey Milk

Soey Milk: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Soey Milk.

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L'Écosse publie une monnaie colorée qui rend hommage aux femmes et à la faune écossaises

Billet écossais de couleur orange et rouge avec portrait de Mary Somerville

Portrait de la scientifique Mary Somerville sur le devant de la £ 10

La Royal Bank of Scotland a commencé la nouvelle décennie du bon pied avec la sortie d'une série de billets réputés Tissu de la nature. Avec des œuvres d'art présentées sur leurs faces avant et arrière, chaque projet de loi met en évidence une femme écossaise importante et une espèce indigène de la faune écossaise. La série était dirigée par la société de design écossaise Nile, en partenariat avec O Street, Timorous Beasties, Graven et Stuco.

Sur le devant, ces billets colorés en polymère rendent hommage à l'auteur et poète Nan Shepherd, à la scientifique Mary Somerville et à la femme d'affaires et patronne des arts Kate Cranston avec de délicats portraits. L'œuvre d'art illustrée au dos des billets représente des scènes de la faune écossaise de loutres, maquereaux et écureuils en jeu.

«De la typographie aux animaux présentés, en passant par les arrière-plans textiles sur mesure, chaque élément de chaque note a un sens lié au peuple écossais. Les notes sont une capture culturelle de ce qui est important, et cela nous a fait chaud au cœur », s'exclame la société de design. La série de billets de 5 £, 10 £ et 20 £ offre une belle démonstration de fierté nationale.

Le IBNS Banknote of the Year Award, qui reconnaît des conceptions de billets exceptionnelles, n'a pas encore publié ses nominations pour le concours de 2020, mais l'Écosse est sûre de donner aux autres nations une course pour leur argent cette année. Aruba a remporté le concours de 2019 pour son billet de 100 florins et le Canada a remporté le premier prix l'année précédente pour son billet de 10 dollars.

La Royal Bank of Scotland a dévoilé une série de billets de banque magnifiquement colorés.

Billet écossais de couleur orange et rouge avec illustration de loutres

Illustration de loutres au dos des 10 £

Placés sous lumière UV, les nouveaux billets révèlent des couleurs cachées et des traductions anglaises de la poésie gaélique.

Billet écossais avec illustration de deux écureuils éclairés par la lumière UV

L'arrière d'un billet de 20 £ illuminé par des rayons UV

Billet écossais de couleur bleue avec portrait de Nan Shepherd

Portrait de l'auteur et poète Nan Shepherd sur le devant de la £ 5

Illustration de billets de banque écossais bleu de deux maquereaux

Illustration du maquereau au dos des 5 £

L'Écosse se joint au mouvement pour célébrer les femmes inspirantes sur leur monnaie en 2020.

Billet écossais de couleur pourpre avec portrait de Kate Cranston

Portrait de femme d'affaires Kate Cranston sur le devant de la £ 20

Billet écossais de couleur pourpre avec illustration de deux écureuils assis sur un arbre

Illustration des écureuils au dos des 20 £

Nil: Site Web | Instagram
h / t: (Colossal)

Toutes les images via le Nil.

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Vue sur My Modern Met

Musée Miniature et Cinéma à Lyon

Les meilleures miniatures ont la capacité de transporter des gens dans un autre monde sans même s'en rendre compte. Si détaillés et précis, ils ressemblent à un environnement grandeur nature. Rien ne le prouve plus qu’une collection de photographies du Musée Miniature et Cinéma de Lyon. C'est ici que le retoucheur numérique Diego Speroni a tourné Petits espaces, une série fascinante où l'on se rend lentement compte que des environnements apparemment abandonnés ne sont pas réellement réels.

L'amour de Speroni pour la photographie le pousse à apporter son appareil photo partout où il va. Alors, quand il s'est retrouvé au musée lors de récentes vacances, il était tout naturel de commencer à prendre des photos. Ce qui a commencé comme quelques clichés rapides pour se souvenir du musée est devenu quelque chose de bien plus quand Speroni a vu plus tard le travail sur son ordinateur.

Chaque cadre est un hommage aux paysages miniatures créés par le fondateur du musée Dan Ohlmann. Cet ancien ébéniste et architecte d'intérieur a passé plus de 25 ans à perfectionner son métier. Après avoir méticuleusement recherché et mesuré les environnements dont il s'inspire, Ohlmann se lance dans la création de ces modèles à l'échelle 1 / 10ème et 1 / 12ème.

Depuis 2005, le musée Ohlmann a aidé à faire découvrir à un public plus large les compétences et le talent artistique des miniaturistes. D'un théâtre délabré à une élégante maison moderne du milieu du siècle, chaque intérieur a sa propre histoire à raconter. Et grâce à la photographie incroyable de Speroni, nous pouvons explorer chaque monde miniature dans tous ses détails incroyables.

Lors d'un voyage au Musée Miniature et Cinéma de Lyon, le retoucheur numérique Diego Speroni a pris des photos de miniatures incroyables.

Photo de Cinematic MiniatureMusée Miniature et Cinéma à LyonPhoto de Cinematic Miniature

Les maquettes sont si réalistes qu’il est difficile de croire qu’elles ne sont pas de véritables intérieurs.

Musée Miniature et Cinéma à LyonMusée des Miniatures Cinématographiques de LyonMusée des Miniatures Cinématographiques de LyonMusée des Miniatures Cinématographiques de LyonDiego Speroni Photo de décors miniatures

Les modèles sont l'œuvre de Dan Ohlmann, le miniaturiste de renommée mondiale qui a fondé le musée.

Musée des Miniatures Cinématographiques de LyonPhoto de Cinematic MiniaturePhoto de Cinematic MiniatureDiego Speroni Photo de décors miniaturesMusée Miniature et Cinéma à LyonPhoto de Cinematic MiniatureDiego Speroni Photo de décors miniaturesDiego Speroni Photo de décors miniaturesMusée des Miniatures Cinématographiques de LyonPhoto de Cinematic MiniatureMusée des Miniatures Cinématographiques de Lyon

Diego Speroni: Site Web | Instagram | Behance

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Diego Speroni.

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LIS:

Vue sur My Modern Met

5 faits «curieux et curieux» sur l'écrivain fantaisiste Lewis Carroll

Portrait de Lewis Carroll

Reginald Southey, «Lewis Carroll (Charles Lutwidge Dodgson)», 1857 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)
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Peu d'écrivains ont capturé des imaginations comme Lewis Carroll. Pionnier du genre «non-sens littéraire», l'auteur anglais avait une manière fantaisiste avec les mots et un flair pour la narration. Une paire parfaite, ces talents ont cédé la place à l'un des contes les plus précieux de l'histoire moderne: Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles.

Écrit au milieu du 19e siècle, cette histoire fantaisiste du voyage d'une jeune fille dans un terrier de lapin est maintenant un incontournable de la culture pop. Bien que vous connaissiez sa distribution de personnages originaux et que vous puissiez probablement réciter quelques-unes de ses citations «curieux et curieux», vous ne savez peut-être pas grand-chose sur l'écrivain derrière pays des merveilles. Ici, nous regardons de plus près la vie de Carroll, de ses premiers jours excentriques à son héritage durable.

Prêt à flâner dans le terrier du lapin? Apprenez tout sur l'écrivain «non-sens littéraire» Lewis Carroll avec ces cinq faits fantaisistes.

C'était un mathématicien.

Les aventures d'Alice au pays des merveilles

John Tenniel, «La pluie de cartes» (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Selon l'un des Les aventures d'Alice au Pays des MerveillesS les personnages les plus royaux, il faut «commencer par le début» quand on raconte une histoire.

En 1832, Charles Lutwidge Dodgson– mieux connu sous son pseudonyme, Lewis Carroll – est né à Daresbury, Cheshire, Angleterre, dans une famille anglicane. Avec un père comme père, Carroll a été élevé dans un presbytère, où il était scolarisé à la maison avant de s'inscrire dans un pensionnat. Dans les deux milieux éducatifs, Carroll a réussi ses études. En plus d'écrire de la poésie et des nouvelles dès son jeune âge, il excellait en mathématiques. Ce talent pour les chiffres a culminé dans un diplôme avec spécialisation et un cours subséquent de l'Université d'Oxford, où il enseignera pendant 26 ans.

Les mathématiques ont joué un rôle important non seulement dans le travail académique de Carroll, mais aussi dans son écriture. Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles et, sa suite, À travers le miroir et ce qu'Alice y a trouvé, présentent une approche ludique de l'arithmétique, se matérialisant comme tout, des cartes à jouer anthropomorphes aux mathématiques mentales absurdes. "‘ Quatre fois cinq font douze, quatre fois six font treize et quatre fois sept font… oh mon Dieu! '', Dit Alice, sa protagoniste. "" Je n'aurai jamais vingt ans à ce rythme! ""

Il a aidé à ouvrir la voie du genre «non-sens littéraire» Les aventures d'Alice sous terre, un livre connu plus tard sous le nom de Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles.

Manuscrit original de

Lewis Carroll, manuscrit original de «Les aventures d'Alice sous terre», 1862-1864 (Photo: domaine public de la British Library)

Carroll terminé Les aventures d'Alice sous terre en 1864. Le livre a été adapté d'une histoire qu'il avait racontée aux trois jeunes filles (Lorina, Edith et Alice) du vice-chancelier d'Oxford, Henry Liddell, alors qu'il conduisait dans une barque le 4 juillet 1862. Le trio de filles, dont l'âge variait de 8 à 13 ans, aimait tellement Carroll que, à la demande d'Alice, il le tourna dans un manuscrit.

En 1864, il a donné son livre manuscrit à Alice et, un an plus tard, il a fait publier l'histoire. En plus d'une longueur accrue et d'illustrations du célèbre dessinateur Sir John Tenniel, le roman s'éloigne du manuscrit original avec l'ajout de personnages comme le Chapelier fou et le Lièvre de mars. Ces ajustements ont été couronnés de succès, et l'histoire a aidé à mettre "un non-sens littéraire«—Un genre de fiction qui déforme la réalité et joue avec le langage — sur la carte.

«Je ne sais pas», écrivait Carol en 1889, «si Alice au pays des merveilles était une histoire originale – je n'étais, au moins, pas un imitateur conscient en écrivant i – mais je sais que, depuis sa sortie, quelque chose comme une douzaine de livres d'histoires sont apparus, sur le même modèle. »

Les personnages «curieux et curieux» du roman ont été inspirés par des personnes réelles et par le fromage.

Illustration du chat du Cheshire

John Tenniel, illustration de la pépinière «Alice», contenant vingt agrandissements colorés des illustrations de Tenniel à «Alice’s Adventures in Wonderland», 1890 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Ce qui a fait Les aventures d'Alice sous terre un tel succès? En plus des talents de langage et de narration séduisants de Carroll, le public, jeune et vieux, s'est délecté de l'excentricité de ses personnages. Bien que l'histoire suive ces personnages alors qu'ils explorent un monde de fantaisie, beaucoup d'entre eux ont en fait été inspirés par vrai vie.

La toujours curieuse Alice était basée sur Alice Liddell; l'oiseau Dodo, selon la légende, a été inspiré par Carroll lui-même, qui, en raison d'un bégaiement, a prononcé son nom de famille "Do-do-dodgson"; et, le plus particulier de tous, l'idée derrière le chat du Cheshire souriant a probablement été déclenchée par le fromage.

"Dans Alice, le chat du Cheshire était assis en souriant sur la branche d'un arbre jusqu'à ce qu'il disparaisse progressivement, le sourire étant la dernière partie à disparaître », explique Robert Allen Palmatier dans Nourriture: un dictionnaire des termes littéraux et non littéraux. «Le chat et son sourire proviendraient du comté de Cheshire, en Angleterre, où se trouve le célèbre fromage de Cheshire, où un fromage était autrefois moulé dans la face ronde d'un chat souriant. Lorsque le fromage a été mangé, de l'extérieur vers l'intérieur, le sourire a été la dernière partie à disparaître. »

Il était passionné de photographie.

Portrait d'Alice Liddell

Lewis Carroll, «Alice Liddell and Ferns», 1860 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Les mathématiques et les «bêtises littéraires» n'étaient pas les seuls talents de Carroll. Il était également un photographe qualifié, quoique amateur, dont les images mettaient principalement en vedette ses amis, sa famille et sa petite muse préférée: Alice Liddell.

Carroll a utilisé le complexe méthode du collodion humide pour produire ses photographies. Ce processus minutieux a nécessité le revêtement d'une plaque de verre avec un mélange d'un iodure soluble et d'une solution à base de collodion. C’est la nature fastidieuse de cette méthode qui a à la fois frustré et séduit Carroll, qui a détaillé ses difficultés dans son poème «La photographie de Hiawatha».

"Mystique, horrible était le processus", conclut sa deuxième strophe.

Les hommages posthumes comprennent des vitraux, un astéroïde et même un syndrome neurologique.

Verre Lewis Carroll, Daresbury

Suite au succès de Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles, Carroll a continué à écrire. En 1871, il achève À travers le miroir et ce qu'Alice y a trouvé, et, en 1876, il a écrit La chasse au Snark, son poème «non-sens» le plus célèbre. À la suite de ces travaux, cependant, il a pris une pause de plusieurs décennies, ne revenant au métier qu'en 1895, trois ans seulement avant sa mort.

Au cours des 125 années qui ont suivi sa mort, l'héritage de Carroll a perduré. Ses nombreux hommages sont à juste titre éclectiques; ils comprennent tout, depuis une bibliothèque pour enfants à Londres et une statue à Central Park, jusqu'à un syndrome neurologique (le syndrome de Todd, qui a affligé Carroll, est communément appelé «syndrome d'Alice au pays des merveilles») et même un astéroïde, que la NASA a nommé d'après Carroll en 1994.

Cependant, l'une de ses dédicaces les plus colorées est la fenêtre commémorative Lewis Carroll de l'église All Saints, où Carroll est né et baptisé. Cette collection de vitraux a été conçue par Geoffrey Webb et comprend plusieurs personnages de Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles, ainsi que des vers du poème de Carroll «Salutations de Noël (d'une fée à un enfant)».

Comme une grande partie du travail de Carroll, y compris, bien sûr, Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles, ce poème illustre le talent de Carroll pour l'écriture à propos les enfants pour les enfants – une compétence dont il était très fier. "Aucun de nos actes, je suppose, de ce côté-ci de la tombe, n'est vraiment désintéressé", a-t-il dit, "mais si l'on peut exercer tous ses pouvoirs dans une tâche où rien de la récompense est espérée, mais les remerciements chuchotés d'un petit enfant, et le contact aérien des lèvres pures d'un petit enfant, on semble s'approcher de cela. »

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Des installations de miroirs d'extérieur éblouissantes reflètent notre connexion au monde qui nous entoure

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Tide», Australie, 2019.

L'artiste iranienne Shirin Abedinirad installe des miroirs dans des endroits inattendus pour explorer notre relation avec la nature. Ses expositions imaginatives ont germé dans le monde entier – de l'Italie à l'Australie en passant par l'Iran – sous des formes diverses et passionnantes, comme une porte ouverte emprisonnée dans le sable ou des tremplins réfléchissants menant un chemin à travers le désert.

«Pour moi, l'utilisation de miroirs fait partie intégrante de la création d'un paradis», explique Abedinirad sur son site Internet. "Les miroirs donnent de la lumière, un concept mystique important dans la culture perse." Son installation Paradis sur terre présente une composition géométrique symétrique de miroirs traversant un escalier à Trévise, en Italie. Son positionnement intelligent nous offre plusieurs images disparates – certaines transforment notre façon de nous voir tandis que d'autres magnifient le ciel et le soleil sur un espace de béton gris.

En plus de ses installations de miroirs statiques, Abedinirad explore l'art interactif dans sa sculpture à plusieurs niveaux changeante intitulée Tour de Babel. Cette installation scintillante est capable de mouvements différents selon son environnement. Lorsqu'elle est placée dans une ville, la tour en miroir réagit au public et, lorsqu'elle est positionnée dans un environnement naturel, elle se déplace en fonction des conditions météorologiques. «Cette installation interactive donne une image transformatrice du monde en le décomposant en parties et en le recomposant en une nouvelle union», explique Abedinirad.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'art d'installation d'Abedinirad et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste iranienne Shirin Abedinirad installe des arrangements géométriques de miroirs dans divers environnements.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Babel Tower», Iran, 2016.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Babel Tower», Iran, 2016.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Babel Tower», Iran, 2016.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Babel Tower», Iran, 2016.

Son art réflexif examine comment les gens se connectent à la nature.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Mirrored Ziggurat», Sydney, Australie, 2015.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Mirrored Ziggurat», Sydney, Australie, 2015.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Mirrored Ziggurat», Sydney, Australie, 2015.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Mirrored Ziggurat», Sydney, Australie, 2015.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Le paradis sur terre», Trévise, Italie, 2014.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Le paradis sur terre», Trévise, Italie, 2014.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Le paradis sur terre», Trévise, Italie, 2014.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Le paradis sur terre», Trévise, Italie, 2014.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Evocation», Isfahan, Iran, 2013.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Evocation», Isfahan, Iran, 2013.

Installation du miroir par Shirin Abedinirad

«Le ciel est à moi», Semnan, Iran, 2017.

Regardez le travail d'Abedinirad ci-dessous:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=1RRrV_XNVJQ (/ intégré)

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=6gsvQfTCtqk (/ embarqué)

Shirin Abedinirad: Site Web | Youtube | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Shirin Abedinirad.

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10 des meilleurs carnets de croquis que les artistes de toutes capacités aiment dessiner

Dessin dans un carnet de croquis

Photo: Photos de Jacob Lund / Shutterstock
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Un carnet de croquis est le compagnon ultime de l’artiste. Comme un ami proche, vous passerez beaucoup de temps avec lui et lui raconterez vos pensées intérieures (à travers le dessin, la peinture et l'écriture). De nombreux artistes rempliront régulièrement leurs blocs avec une multitude de dessins. Certains sont si raffinés que leurs livres ressemblent à des galeries d'art mobiles. Mais, de superbes spreads ne sont pas le point de garder un carnet de croquis. Ces livres sont des lieux privés pour enregistrer vos griffonnages, vos idées et vos observations sans la pression de les partager avec le monde. Si vous le souhaitez, c'est génial, mais avant tout, un carnet de croquis devrait être un endroit juste pour vous.

Alors, comment allez-vous choisir le carnet de croquis parfait pour vous? Eh bien, il y a quelques choses que vous devrez considérer…

Dessin dans un carnet de croquis

Photo: Stock Photos de Africa Studio / Shutterstock

Choisir le bon carnet de croquis est un choix personnel.

Il y a quelques grandes considérations que vous devez prendre lors de l'achat d'un carnet de croquis.

1. La taille dans laquelle vous aimez travailler. Si vous dessinez beaucoup, vous remarquerez qu’il y a une échelle à laquelle vous esquissez naturellement. Elle est peut-être inférieure à un quart ou vous préférez occuper la page entière. Ou peut-être quelque part au milieu. Faites le point lors de la sélection d'un carnet de croquis. Si vous aimez dessiner grand, assurez-vous de choisir quelque chose qui peut gérer de grandes œuvres d'art. Avec des dessins miniatures, vous pouvez opter pour quelque chose de beaucoup plus petit.

2. Où utiliserez-vous ce carnet de croquis? Un autre aspect à déterminer est l'endroit où vous avez l'intention de dessiner. Pour les croquis à la maison, la taille n'aura pas autant d'importance – votre livre n'a pas à voyager. Mais si vous avez l'intention de dessiner sur la route, il serait judicieux de sélectionner une balance qui s'adaptera confortablement dans un sac à dos.

3. Quels médias utiliserez-vous? Il est important de décider du support que vous utiliserez dans votre carnet de croquis, car il déterminera le type de papier qui peut le mieux gérer votre œuvre. Pour le crayon et le crayon de couleur, vos griffonnages seront parfaits sur du papier mince de 20 livres. Les outils comme la peinture à l'aquarelle, la gouache ou les marqueurs sont mieux utilisés sur du papier plus épais qui peut gérer beaucoup de supports et une forte saturation des matériaux.

Consultez notre guide complet pour un aperçu des types de papier utilisés pour l'art.

Nos choix pour les meilleurs carnets de croquis

Il y a beaucoup de carnets de croquis sur le marché qui viennent dans une variété de reliures et couvertures. Le populaire relié en spirale les livres vous permettent de les poser complètement à plat lorsque vous dessinez. Un autre style de reliure est appelé reliure parfaite, ce qui fait que votre carnet de croquis ressemble à un livre classique que vous trouverez sur une étagère de bibliothèque. En termes de choix de couverture, vous pouvez opter pour couverture souple des croquis ou des folies sur un relié livre qui offre plus de durabilité.

Avant de commencer à griffonner, consultez notre liste des meilleurs carnets de croquis ci-dessous.

Carnet de croquis hahnemühle 12 ″ x 8 1/2 ″ beige

Le livre Cappuccino de Hahnemühle

Hahnemühle | 21,18 $

Le papier lisse et bronzé de Le livre Cappuccino par Hahnemühle offre une surface idéale pour travailler avec de l'encre de Chine, des stylos plume, des marqueurs acryliques et d'autres stylos à base d'eau.

Alibabette Paris 8,25 "x 5,7" Journal

Journal Alibabette Paris

Journaux Alibabette Paris | 11,93 $

Parfois, les carnets de croquis sont eux-mêmes des œuvres d'art. Les journaux Alibabette Paris présentent des couvertures colorées et 240 pages blanches de papier à dessin ivoire 100 g / m2 de haute qualité. Cette exquise couture de style Bodoni permet au livre de s'ouvrir complètement à plat lorsque vous dessinez, écrivez ou collez.

Carnet Blackwing Palomino 8 1/2 ″ x 5 ″

Carnet Palomino par Blackwing

Blackwing | 29,95 $

Si vous êtes un fan des crayons Blackwing Palomino populaires, alors il est peut-être temps de compléter l'ensemble avec un journal assorti! Le carnet Palomino est disponible avec des pages vierges ou lignées et dispose d'une couverture durable et résistante à l'eau et d'une reliure à double couture qui permet au livre de reposer à plat.

Journal Shizen en similicuir 8 ″ x 6 ″

Journal en faux cuir par Shizen Designs

Shizen Designs | 9,99 $

Faites une pause dans la toile vierge avec les carnets de croquis colorés inspirants de Shizen Designs. Ces revues fantaisistes sont reliées dans une couverture en similicuir doux et contiennent 180 pages de papier 80 g / m2. Les couleurs disponibles incluent le rouge, le jaune, l'orange, le noir et le blanc.

Global Art 5 1/2 ″ x 5 1/2 ″ Hand Book Artist Journal

Journal d'artiste Global Art Hand Book

Art mondial | 9,92 $

Les journaux Global Art Hand Book contiennent 128 pages de 130 g / m2 et des couvertures rigides durables enveloppées dans un tissu de livre coloré. Ces gros carnets de croquis sont disponibles dans une variété de tailles pour s'adapter à vos différents projets créatifs.

Carnet de croquis Strathmore Series 400 9 ″ x 12 ″

Carnet de croquis Strathmore

Strathmore | 6,40 $

C'est le carnet de croquis par excellence, si vous aimez dessiner avec un support sec. Reliées en spirale avec une couverture souple, les feuilles de papier de 60 livres sont perforées pour vous permettre de les déchirer et de les encadrer plus tard. Avec 100 feuilles de papier à faible coût, c'est un excellent carnet de croquis pour garder dans votre studio et dessiner tous les jours.

Carnet de croquis à couverture rigide Moleskine 5 ″ x 8,25 ″

Meilleurs carnets de croquis

Moleskine | 23,80 $

Moleskine est connu pour ses carnets de croquis de haute qualité que les artistes aiment utiliser. Ce livre contient du papier blanc cassé de qualité supérieure de 111 lb et adapté à tous les types de supports. De plus, Moleskine est idéal pour voyager. Il a des poches intérieures pour les papiers en vrac et est fixé avec une bande de fermeture élastique.

Carnet de croquis Leda 7 "x 10"

Meilleurs carnets de croquis

Leda Art Supply | 16,94 $

Leda a créé une revue d'art premium qui compte 160 pages de couleur crème. Le papier lisse et épais est conçu pour manipuler des stylos, des crayons, des pastels, etc. Comme Moleskine, il est livré avec une poche arrière en accordéon et une bande élastique pour garder les pages ensemble. Il y a cependant une mise en garde. Vous voudrez regarder ailleurs si vous envisagez de peindre. "Leda n'est pas destiné aux supports humides lourds", note la société. "Certains utilisateurs expérimentent avec un lavage aquarelle léger." Si vous procédez ainsi, les pages pourraient se déformer.

Carnet de croquis multimédia Holbein 14 "x 11"

Holbein Sketchbook

Holbein | 23,03 $

Vous cherchez votre prochain carnet de croquis pour des excursions en plein air? Le livre multimédia Holbein est idéal pour travailler en plein air. Chaque livre comprend 28 feuilles de papier durable acceptant l'aquarelle, le graphite, la craie, le crayon, le fusain ou le pastel.

Fabriano 8 1/4 ″ x 11 3/4 ″ Carnet de croquis noir à couverture rigide

Fabriano Black Sketchbook

Fabriano | 18,20 $

Le nom Fabriano est synonyme de produits créatifs de haute qualité. Le carnet de croquis noir à couverture rigide comprend 40 feuilles de papier noir de 190 g / m2, ce qui est idéal pour le travail au pastel, au crayon de couleur, à la peinture acrylique et au collage.

Une fois que vous avez rempli un carnet de croquis, ne le jetez pas! Regardez-le plus tard pour vous inspirer d'une manière inattendue.

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10 cadeaux personnalisés pour la fête des pères pour que votre père se sente très spécial

Cadeaux personnalisés pour la fête des pères

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Avec la fête des pères à l'horizon, vous vous demandez peut-être ce que votre père a à offrir cette année. Même si la plupart des papas adorés se contenteront de tout cadeau que leurs enfants leur donneront, pourquoi ne pas aller plus loin? L'achat d'un cadeau personnalisé est une façon réfléchie d'offrir à quiconque un cadeau qui sera le leur uniquement – et les papas ne font pas exception.

Personnaliser un cadeau peut signifier graver un message personnel ou monogrammer un vêtement, mais cela peut aller bien au-delà. Qu'en est-il d'un portrait illustré adapté à votre famille? Ou, si vous en avez un dans la maison, que diriez-vous d'un livre de contes qui mettra papa dans le rôle d'un héros? Ces petites touches supplémentaires aideront à différencier votre cadeau et à le transformer en un souvenir précieux.

Vous ne savez pas par où commencer vos achats? Ne vous inquiétez pas, nous avons trouvé 10 cadeaux uniques qui peuvent être personnalisés pour votre père. Quels que soient ses intérêts ou votre âge, il y a quelque chose de spécial qui fera de cette fête des pères un souvenir inoubliable.

Voici 10 cadeaux personnalisés pour que votre père se sente très spécial en cette fête des pères.

Portrait de famille illustré personnalisé

Art mural personnalisé pour la fête des pères

Shelly Klein | 75 $ et plus

Tasse à café personnalisée

Tasse de fête des pères personnalisée

shypig | 16,56 $ et plus

Histoire de coucher personnalisée

Livre pour enfants personnalisé pour papa

De Lucy cadeaux | 29,20 $

Montre-bracelet gravée

Montre de fête des pères personnalisée

Fossile | 169 $

Gobelet de plan de ville

Gobelets de plan de ville

Brian, Dave, Neil et Colin | 16 $ ch.

Porte-clés en cuir personnalisé

Porte-clés personnalisé fête des pères

Créer un cadeau d'amour | 37,22 $

Art mural personnalisé

Art mural personnalisé pour la fête des pères

Nid Nœud | 49,45 $ +

Ensemble de chaussettes monogrammées

Chaussettes personnalisées pour lui

Marchandises rares | 50 $

Trousse d'outils de voyage de 24 pièces avec couvercle gravable

Cadeaux personnalisés pour lui

Choses dont on se souvient | 40 $

Support de téléphone portable en bois

Station de charge personnalisée pour papa

Store bois UA | 51 $ US

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Une clinique vétérinaire sauve un rare possum doré qui ressemble à un vrai Pokémon

Il s'avère que Pikachu existe dans plus que des jeux vidéo Pokémon. La créature dorée est réelle! Il y a quelques années, un opossum orphelin en queue de pinceau avec un manteau jaune vif est arrivé à la Boronia Veterinary Clinic à Melbourne. Le personnel stupéfait ne pouvait pas s'empêcher de lui donner le surnom approprié de Pikachu.

La couleur de l'opossum doré est le résultat d'une mutation génétique, car ces marsupiaux sont normalement bruns. La mutation provoque «un faible niveau de pigment mélanine qui leur donne leur couleur normale», partage la clinique dans un article Facebook. Et tandis que nous nous émerveillons du manteau incroyable de l'opossum, la caractéristique unique n'est pas idéale lorsque nous vivons avec d'autres créatures. "Ils sont si rares dans la nature et bien que leur couleur vive les rend spéciaux pour nous, ils se distinguent également des prédateurs!"

Heureusement, le Pikachu secouru est resté en sécurité. Après avoir passé la nuit à Boronia, elle a été donnée à un soignant et s'est retrouvée dans une réserve faunique «afin qu'elle puisse vivre une vie longue et heureuse». Elle n'est pas non plus la seule observation d'opossum doré. Wildlife Victoria, une organisation à but non lucratif de protection des animaux, reçoit des appels au sujet des créatures mais garde leur emplacement secret pour leur sécurité.

Ce rare opossum doré ressemble à un Pikachu dans la vraie vie.

Le choc d'une variété de jardin pikachu atteint un peu moins qu'une clôture électrique, environ 1600 volts. Juste assez pour empêcher un prédateur de mordre. Alors s'il vous plaît, au nom de la décence commune, s'il vous plaît arrêtez de les faire combattre des monstres psychiques et des dragons littéraux contre lesquels ils n'ont aucune chance. de r / ShittyAnimalFacts

Le Golden Brushtail Possum ressemble à un vrai Pokémon! de r / aww

Originaire d'Australie, sa coloration est causée par une mutation génétique.

La mutation provoque «un faible niveau de mélanine pigmentaire qui leur donne leur couleur normale», explique la Boronia Veterinary Clinic à Melbourne.

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Les gens ajoutent des tentes à haricots faciles à cultiver à leurs jardins extérieurs

Tipi de haricot

Photo: tout-petits joyeux

Apprendre à vos enfants à jardiner et comment les choses poussent est encore plus amusant avec un enchantement tente poteau de haricots. Cette création vivante de style tipi met en valeur la nature au travail tout en offrant un répit au soleil. Mieux encore, la tente est un projet de bricolage facile qui nécessite un minimum de matériaux et peut être personnalisé selon ce que vous souhaitez faire pousser.

Comme son nom l'indique, vous voudrez cultiver des haricots autour de votre tente à poteaux. Le raisonnement est qu'ils sont rapides à germer et faciles à cultiver (tant que le temps est assez chaud), de sorte que les enfants pourront voir leur travail prendre forme en un rien de temps. À mesure que les grains mûrissent, ils s'enroulent autour du tipi et deviennent suffisamment forts pour résister au vent.

Pour fabriquer votre propre tente à poteaux de haricots, vous voudrez commencer par quelques fournitures de base. Rassemblez des poteaux en bambou ou des bâtons en bois qui peuvent être enfoncés dans le sol et appuyés ensemble pour former la forme d'un cône vertical. Utilisez du sisal ou de la ficelle pour les attacher en haut de la tente, puis des roches ou des briques pour fixer les bâtons au sol. Ensuite, plantez vos haricots dans le sol et arrosez-les, en gardant le sol humide pendant leur croissance.

Bien que nous ayons décrit les bases, il existe de nombreuses façons de concevoir une tente. Faites défiler vers le bas pour l'inspiration et préparez-vous à profiter des légumes de votre travail!

Les tentes de poteaux de haricots enchanteurs sont un excellent moyen d'enseigner à vos enfants le jardinage tout en étant un endroit amusant pour eux.

Ces tentes de bricolage peuvent être faites avec du bambou d'autres bâtons en bois (fixés avec du sisal ou de la ficelle) et cultivées avec une variété de haricots.

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Célébrez la beauté mystérieuse des méduses avec ces parapluies colorés

Parapluies méduses par vous + PLUS!

Les méduses sont indéniablement fascinantes, mais il est pratiquement impossible de les voir de près sans être piquées. Pour célébrer la beauté mystérieuse de la créature, le détaillant japonais You + MORE! fait équipe avec Kamo Aquarium pour créer des conceptions de parapluie basées sur de vraies espèces de méduses: la gelée de lune, l'ortie de mer du nord et la gelée tachetée.

L'aquarium de Kamo est connu dans le monde entier pour ses recherches et sa reproduction prolifiques de méduses, et il détient même le record mondial Guinness actuel pour la plupart des espèces de gelées exposées. Vous + PLUS! approché l’équipe Jellyfish Dome de l’aquarium pour trouver les conceptions des parapluies, chacune présentant des détails spécifiques en fonction des espèces sur lesquelles elle est basée.

Le parapluie en gelée de lune présente un dégradé bleu, des marques en forme de pétale et est conçu avec une forme de dôme plus large, imitant la forme de son homologue réel. Le parapluie basé sur l'ortie de mer du nord présente 16 rayures orange, faisant référence au motif distinctif de la méduse, tandis que le parapluie de gelée tachetée présente de larges bords festonnés et de jolis pois. Les experts de Kamo Aquarium ont veillé à ce que chaque conception soit visuellement précise, et chaque parapluie est même livré avec un charme en édition limitée d'une méduse pour bébé.

Vous pouvez acheter votre propre parapluie pour méduses chez You + MORE! boutique en ligne pour 1600 yens (15 $) chacun.

Ces jolis parapluies sont basés sur de vraies espèces de méduses.

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Détaillant japonais You + MORE! fait équipe avec Kamo Aquarium pour les concevoir.

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Chaque design présente des détails spécifiques, en fonction des espèces sur lesquelles il est basé.

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Une vidéo 4K hypnotique de la vie à 14 750 pieds sous l'eau vous laissera sans souffle

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=e_PyW3XHrw0 (/ embarqué)

Grâce au Schmidt Ocean Institute, nous avons une toute nouvelle perspective sur la vie en haute mer. Après avoir exploré les profondeurs de la mer indienne, ils ont publié des images 4K des canyons de Ningaloo. Située au large de la côte ouest de l'Australie, cette zone auparavant non visitée est le lieu des dernières expéditions de l'institut – et les découvertes sont incroyables.

Les canyons ont été visités par le ROV Sebastian, un véhicule télécommandé sous-marin qui peut aller jusqu'à 14 750 pieds sous l'eau. Cette profondeur beaucoup plus profonde que n'importe quel humain pourrait jamais plonger, et le ROV peut également rester à cette profondeur beaucoup plus longtemps que n'importe quel véhicule actionné par l'homme. Grâce à cette technologie, nous pouvons rester sur terre et voir les merveilles loin sous la mer.

Non seulement les images publiées sont hypnotiques, mais elles sont également importantes sur le plan scientifique. De nombreux animaux capturés sur vidéo n'ont jamais été vus auparavant et les chercheurs estiment qu'il y a environ 30 nouvelles espèces dans le film. Cela comprend un nouveau type d'Apolémie, ou siphonophore, d'une taille impressionnante. À 150 pieds, c'est peut-être le plus long animal jamais enregistré. Ce prédateur ressemble à une longue chaîne maigre mais est en fait fabriqué à partir d'une colonie de petits animaux appelés zooïdes qui s'attachent à un corps spécialisé et travaillent ensuite en équipe.

"Nous soupçonnions que ces zones d'eau profonde seraient diverses, mais nous avons été époustouflés par l'importance de ce que nous avons vu", a déclaré Nerida Wilson, scientifique en chef, du Western Australian Museum. La Dre Lisa Kirkendale, chef de la zoologie aquatique au Western Australian Museum et co-chercheur principal, ajoute: «Ces spécimens représentent autant d'extensions en profondeur et des enregistrements de l'aire de répartition pour tant d'espèces, et formeront une nouvelle partie importante du WA Museum. collections. "

En plus de la "ficelle" géante, les scientifiques ont également repéré un calmar de poulpe de Taning bioluminescent, un concombre de mer à longue queue, des homards squat et des hydroïdes rares parmi d'autres animaux, pendant les 180 heures du ROV en haute mer. Grâce aux images que le Schmidt Ocean Institute a partagées, tout le monde peut en apprendre davantage sur la mer profonde et les créatures qui y vivent. Alors asseyez-vous, détendez-vous et buvez dans la beauté hypnotique de la vie sous l'eau. Et si vous voulez voir encore plus de vidéos, vous pouvez regarder des images en direct de différents ROV pendant leurs expéditions.

De nouvelles créatures des grands fonds ont été découvertes dans les canyons de Ningaloo au large de l'ouest de l'Australie.

Créature des mers profondes dans les canyons de Ningaloo

GIF via Colossal

Créature des mers profondes dans les canyons de Ningaloo

GIF via Colossal

Hydroïde rare dans le canyon de NingalooHomard squat blanc dans les canyons de NingalooAssfish à oreilles osseuses en haute merCréature des mers profondes dans les canyons de NingalooRésultats de l'expédition Schmidt Ocean Institute Ningaloo CanyonsRésultats de l'expédition Schmidt Ocean Institute Ningaloo CanyonsRésultats de l'expédition Schmidt Ocean Institute Ningaloo CanyonsSchmidt Ocean Institute: site Web | Facebook | Instagram | Twitter
h / t: (PetaPixel, Colossal)

Toutes les images via Schmidt Ocean Institute / YouTube.

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Comment les puzzles sont-ils devenus un passe-temps populaire?

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Photo: Photos de Soloviov Vadym / Shutterstock

La réalisation d'un puzzle est un moyen idéal pour soulager le stress, garder vos mains occupées et construire quelque chose de beau. Ces jeux complexes sont composés de centaines et même de milliers de pièces uniques qui s'imbriquent et sont disponibles dans une myriade de designs et de niveaux de difficulté. Les artistes et les entreprises créatives explorent continuellement les limites des puzzles, inventant des activités non conventionnelles, mais belles, dans une activité séculaire, comme une représentation circulaire de 1000 pièces de la Lune ou un plan réversible de 500 pièces du musée Guggenheim.

Bien que les puzzles soient souvent considérés comme une activité de loisir, ses débuts sont enracinés dans l'éducation et l'enseignement de la géographie. Ici, nous explorons l'histoire des puzzles pour voir comment cette activité de carrelage est devenue un passe-temps populaire pour les enfants et les adultes.

Petite histoire des puzzles

Carte de l'Europe par John Spilsbury

«L'Europe divisée en ses royaumes», John Spilsbury, 1766. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Les premiers puzzles commerciaux ont été développés vers 1760 par un cartographe et graveur britannique John Spilsbury. Il a attaché une carte européenne sur du bois dur et a utilisé un scie à marqueterie de couper le long des frontières nationales des pays. Ces prototypes ont été appelés «cartes disséquées», Et ont été utilisés comme outils pédagogiques pour enseigner la géographie aux enfants.

Voyant que les premiers puzzles ont été bien accueillis, Spilsbury a démarré une entreprise et produit des puzzles sous huit thèmes géographiques: le monde, l'Europe, l'Asie, l'Afrique, l'Amérique, l'Angleterre et le Pays de Galles, l'Irlande et l'Écosse. Ces premiers puzzles étaient populaires auprès des ménages aisés, y compris la famille royale britannique.

le Seconde révolution industrielle des 19e et 20e siècles a grandement amélioré le processus de fabrication de puzzles. Progrès dans techniques d'impression lithographique a permis aux fabricants de puzzles de transférer des impressions de meilleure qualité sur des surfaces en bois. Et au lieu d'utiliser du bois dur (comme l'acajou) pour produire des puzzles, les fabricants ont commencé à utiliser contre-plaqué—Dans quelles couches de bois plus mince sont collées ensemble. Cela a permis d'obtenir un matériau plus léger et plus abordable qui était également plus facile à couper. En outre, l'invention de pied-actionné scies à pédale a permis aux fabricants de créer plus complexe pièces imbriquées à un rythme rapide.

Le nom «scie sauteuse» fait référence aux scies spécialisées utilisées pour les produire, mais il ne deviendra courant que des décennies plus tard.

Boom en popularité

Photographie en noir et blanc d'une personne résolvant un casse-tête

Photo: Photos de la collection Everett / Shutterstock

Quand le Grande Dépression a frappé l'Amérique en 1929, les puzzles ont connu un énorme montée en popularité. Au lieu de produire des puzzles en bois, les entreprises américaines ont commencé à produire des puzzles en carton avec un nouveau découpage technique. Cela a considérablement réduit le coût des puzzles. À une époque où la plupart des familles ne pouvaient se permettre des activités récréatives plus chères, les scies sauteuses forme de divertissement recyclable.

En fait, les puzzles étant si bon marché à réaliser, les annonceurs les ont utilisés pour diffuser des images promotionnelles. D'autres sociétés ont exploré des conceptions plus créatives de contes de fées, de châteaux, de navires et de la nature. Dans les années 1900, puzzles en carton étaient le produit dominant, et les puzzles en bois vieillis sont devenus un article haut de gamme plus rare.

Comment ils sont faits aujourd'hui

Maintenant, la production de puzzles est complètement modernisé et très variable. La plupart des fabricants collent l'image souhaitée sur la feuille de carton, qui est ensuite introduite dans une machine qui crée les formes d'emboîtement en appuyant avec des lames d'acier précises. D'autres sociétés utilisent des technologies plus avancées telles que les lasers pour créer des pièces très uniques. La force de découpe au laser permet également d'utiliser facilement un matériau plus durable, comme le bois dur ou l'acrylique.

Pour cette raison, des puzzles uniques et non conventionnels émergent qui explorent les paramètres spécifiques de l'activité séculaire.

Photo d'un puzzle bleu

Puzzle fabriqué à partir de carton (Photo: Jared Tarbell via Wikimedia Commons (CC BY 2.0))

Puzzles étonnants

Les puzzles ont connu un regain de popularité en 2020 en raison du coronavirus. La pandémie mondiale, qui a laissé le monde dans l'isolement, a cédé la place à davantage d'activités à domicile comme la résolution de l'humble puzzle. Avec cet intérêt croissant pour le passe-temps séculaire, les concepteurs ont commencé à faire preuve de créativité avec le genre de puzzles que les gens pouvaient assembler et potentiellement accrocher comme une œuvre d'art. La pièce terminée ressemblait maintenant presque à un beau trophée.

Puzzle "L'accident"

Le studio d'animation transformé en studio de fabrication de puzzles, Yelldesign, est l'un des plus récents entrepreneurs de puzzles à créer un puzzle qui vous fera regarder deux fois. Appelé "L'Accident", ce puzzle en acrylique transparent s'inspire d'une vitre brisée.

Puzzle Geode par Nervous System

Puzzle «Géode»

Le studio de design Nervous System a également repoussé les limites de la fabrication de puzzles avec leur série de puzzles Geode très uniques et extrêmement difficiles. Ces puzzles de type labyrinthe sont créés par un simulation par ordinateur qui crée des simulations naturelles dans la forme, les pièces et l'image.

En outre, le record de le plus grand puzzle du monde semble se rompre à une succession rapide. Regardez la vidéo ci-dessous pour voir l'achèvement du plus grand casse-tête à image unique au monde – avec 42 000 pièces.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=dj0Yl_50q4E (/ intégré)

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Une artiste nomade partage ses nombreux voyages à travers des aquarelles d'encre

Carnet de croquis Alicia Aradilla

En 2017, l'artiste espagnole Alicia Aradilla a décidé d'adopter un style de vie nomade et de parcourir le monde. Au lieu de tenir un journal de ses voyages, Aradilla a commencé à documenter l'architecture, la nature et d'autres sites mémorables qu'elle a vus – et continue de découvrir – dans des carnets de croquis. Le style lâche et expressif de ses aquarelles miniatures capture le sentiment éphémère de voir un site pour la toute première fois.

Les illustrations annotées d'Aradilla fournissent des images attrayantes pour son large public Instagram. Les téléspectateurs voient des paysages urbains et des paysages du monde entier ainsi que des prises de vue en coulisse et des études de peinture. Lorsque l'artiste assemble ses photographies à plat, elle inclut des pages ouvertes de ses carnets de croquis, des ébauches finies et toutes ses fournitures artistiques.

Ces décisions photographiques intentionnelles de l'artiste créent une expérience de visionnement en couches. Chacune des images d'Aradilla offre aux observateurs plusieurs aspects différents à prendre, leur montrant efficacement son processus créatif à travers l'affichage réfléchi des matériaux dans le cadre.

Aradilla enseigne étape par étape comment réaliser ses illustrations à l'aquarelle via Patreon. Vous pouvez également vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste en la suivant sur Instagram.

L'artiste espagnole Alicia Aradilla remplit ses carnets de croquis d'illustrations aquarelles colorées.

Carnet de croquis Alicia AradillaCarnet de croquis Alicia AradillaPeintures de carnet de croquis de voyageCarnet de croquis Alicia AradillaPeintures de carnet de croquis de voyage

Aradilla peint des bâtiments, des paysages et d'autres sites qu'elle voit au cours de ses voyages à travers le monde.

Carnet de croquis Alicia AradillaPeintures de carnet de croquis de voyageCarnet de croquis Alicia AradillaPeintures de carnet de croquis de voyageCarnet de croquis Alicia AradillaCarnet de croquis Alicia AradillaCarnet de croquis Alicia AradillaPeintures de carnet de croquis de voyageCarnet de croquis Alicia AradillaCarnet de croquis Alicia AradillaAlicia Aradilla: Patreon | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Alicia Aradilla.

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Un zoo japonais utilise des capybaras farcies pour encourager la distanciation sociale dans son restaurant

Izu Shabonten Zoo Capybaras

Tout comme de nombreux endroits ouverts au public à travers le monde, le zoo Izu Shabonten à Shizuoka, au Japon, a dû fermer temporairement en raison de la pandémie de COVID-19. Cependant, le 16 mai, il a rouvert avec plusieurs nouvelles mesures pour aider à assurer la sécurité de ses clients et de son personnel. Une initiative en particulier est particulièrement créative (et mignonne): le personnel du zoo a placé des capybaras en peluche sur certains des sièges de son restaurant, encourageant les convives à s'espacer entre les tables.

D'autres créatures en peluche sont parsemées dans tout le restaurant, mais les mignons capybaras sont clairement les invités d'honneur. Le zoo d'Izu Shabonten aime particulièrement les rongeurs géants: il propose divers programmes, événements, souvenirs sur le thème du capybara et même un bain chaud en plein air qui offre aux mammifères amérindiens un endroit pour se baigner. Selon le site Web du zoo, en 1982, un gardien de zoo nettoyait l'un des stylos capybara lorsqu'ils ont remarqué qu'un groupe d'entre eux se sont rassemblés dans une flaque d'eau tiède. Le gardien du zoo a rempli une piscine, et les capybaras ravis ont immédiatement sauté dedans. Depuis lors, le bain chaud est leur endroit préféré pour se réchauffer pendant les mois froids d'hiver.

Les clients du zoo d'Izu Shabonten peuvent découvrir le confort des capybaras, grâce aux peluches grandeur nature. Asseyez-vous simplement à côté et mangez en toute sécurité. Qu'est-ce qu'il n'y a pas à aimer?

Le zoo Izu Shabonten à Shizuoka, au Japon, a placé des capybaras en peluche sur certains des sièges de son restaurant, encourageant les convives à maintenir une distance sociale.

Zoo Izu Shabonten: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (Colossal)

Toutes les images via le zoo Izu Shabonten et l'utilisateur Twitter @ chacha0rca.

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Les sculptures de sable incroyablement réalistes semblent avoir rampé sur le rivage

Sculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni Bastarrika

Pour certaines personnes, un voyage à la plage signifie profiter de l'océan, marcher le long du rivage ou peut-être essayer de faire un château de sable. Cependant, certains artistes comme Andoni Bastarrika prennent cette activité insouciante à un tout nouveau niveau – transformant le sable mouillé en incroyables œuvres d'art en trois dimensions. La série de sculptures animales réalistes stupéfiantes de Bastarrika semble avoir «échoué» sur la plage.

L'artiste doué utilise les plages basques locales du nord de l'Espagne comme toile de fond pour son land art. Il trouve une plate-forme de ciment surélevée qui surplombe la côte et commence à y déposer des seaux de sable. Ensuite, l'artiste autodidacte moule les matériaux humides à la main et parfois avec des bâtons jusqu'à ce qu'il soit satisfait du réalisme du sujet. Pour améliorer le produit final, Bastarrika utilisera souvent des objets trouvés comme embellissements. La sculpture de sable grandeur nature d'un taureau, par exemple, utilise de véritables cornes sur sa tête et des rochers comme sabots. À première vue, l'animal semble étonnamment réel – comme s'il faisait simplement une sieste au bord de l'océan.

D'autres sculptures de sable préférées incluent un cheval, un grand requin blanc, un alligator à pleines dents, un rhinocéros et même un éléphant. L'artiste espagnol a également réalisé une série de différentes races de chiens dormant sur la plage. Bastarrika publie des photos des projets terminés sur son Instagram, où il peut souvent être vu posant de manière ludique à côté de ses incroyables créations.

Faites défiler vers le bas pour voir des sculptures de sable plus réalistes de Bastarrika et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste Andoni Bastarrika crée des sculptures de sable hyperréalistes d'animaux.

Sculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni Bastarrika

Ces chefs-d'œuvre en trois dimensions semblent avoir rampé sur le rivage pour faire une sieste.

Sculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaSculptures réalistes d'animaux de sable par Andoni BastarrikaAndoni Bastarrika: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos par Andoni Bastarrika.

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Les plantes succulentes sont connues pour avoir des feuilles en forme de lapins de bande dessinée, de dauphins et de cœurs. Alors le Haworthia cooperi, bien que de forme inhabituelle, remporte le prix de la variété la plus inhabituelle. Parfois appelé «clair succulent», La transparence est particulièrement visible lorsque le soleil brille sur les minuscules feuilles bulbeuses. La lumière fait pratiquement disparaître le sommet des plantes, ne laissant visible que la base des feuilles bleu-vert. Tout ce qui reste est un effet brillant comme un bijou de la pointe des plantes succulentes.

Originaire de la province du Cap oriental en Afrique du Sud, le Haworthia cooperi pousse à l'ombre d'un arbre ou d'un arbuste dans son environnement naturel. À la maison, il préfère la lumière vive (mais pas le plein soleil), il est donc préférable de le garder près du rebord de la fenêtre (mais pas vraiment dessus). Si cette plante reçoit trop de soleil, les pointes transparentes disparaissent et deviennent blanches.

Comme le Conophytum bilobum en forme de cœur, le Haworthia cooperi est considéré comme une succulente rare. Pour les trouver en dehors de l'Afrique du Sud, cherchez à les cultiver comme graines. Vous pouvez en commander quelques-unes auprès du vendeur Etsy Little Leaf Garden.

La rare Haworthia cooperi est une succulente claire qui a un effet transparent sur ses feuilles bulbeuses.

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Une mosaïque romaine antique est découverte en parfait état sous un vignoble en Italie

Grâce à la riche histoire de l'Italie, si vous creusez un peu, vous êtes sûr de trouver quelque chose de spécial, même dans des endroits inattendus. Cela a été clairement indiqué à Vérone, où la ville fouille un vignoble privé depuis l'automne. Et maintenant, leur travail acharné a porté ses fruits car les archéologues ont découvert un sol en mosaïque vierge datant du 1er siècle de notre ère.

C'est une découverte incroyable dans une région qui a longtemps été reconnue pour abriter des trésors de la Rome antique. En fait, selon des sources locales, la terre était connue pour se trouver au sommet d'objets romains depuis le 19e siècle. Certaines mosaïques, exposées dans un musée de la ville, ont déjà été fouillées sur le site dans les années 1960.

Les travaux, qui ont commencé en octobre, ont été lents. Bien que les archéologues aient pu délimiter les lignes de l'ancienne Domus– une maison occupée par la classe supérieure – ils n'avaient pas découvert de trésors notables. Tout cela a changé récemment lorsque les fouilles ont mis au jour d'incroyables sols en mosaïque dans la maison.

Les petites sections qui ont été révélées semblent vierges, et maintenant les archéologues ont la tâche ardue de creuser tout le sol. Dans le même temps, les autorités de la ville travaillent avec les propriétaires fonciers pour rendre le site accessible au public, bien que cela puisse être un long processus en raison du financement qui serait nécessaire.

Les mosaïques romaines sont couramment découvertes en Italie. Compte tenu de l'histoire de Vérone, il n'est en fait pas surprenant qu'un autre artefact soit apparu. Vérone, située dans la région nord de la Vénétie en Italie, était une colonie importante de la Rome antique, car elle était stratégiquement située à la jonction de quatre routes principales. De nombreux monuments antiques de Vérone ont été préservés à travers l'histoire, y compris son impressionnant amphithéâtre romain. Connue sous le nom de Verona Arena, elle est encore utilisée aujourd'hui pour des concerts et des représentations d'opéra.

Nous espérons que, une fois que les mosaïques seront complètement découvertes, elles pourront être ajoutées à la liste des anciens trésors romains que le public pourra voir à Vérone.

Les archéologues de Vérone ont mis au jour un ancien sol en mosaïque romaine sous un vignoble.

h / t: (Panda ennuyé, Corriere del Veneto)

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Duo mère-fille inspirant diplômés de l'école de médecine ensemble pour devenir médecins

Mère et fille terminent l'école de médecine ensemble

Le lien entre mère et fille est irremplaçable. L'une des femmes scientifiques les plus renommées du XXe siècle, Marie Curie, a travaillé aux côtés de sa fille Irene dans le domaine du radium et de la radioactivité, chacune d'entre elles gagnant finalement ses propres prix Nobel. Aujourd'hui, il y a des duos mère-fille plus inspirants montrant ce qui se passe lorsque la famille travaille ensemble.

En avril 2020, la Dre Cynthia Kudji et sa fille, la Dre Jasmine Kudji, sont devenues la première mère et sa fille à obtenir leur diplôme de médecine en même temps et à être placées dans le même hôpital. Cynthia Kudji – originaire du Ghana – a mis son rêve de devenir médecin en attente lorsqu'elle est tombée enceinte de sa fille à 23 ans. Elle a travaillé comme infirmière et infirmière praticienne pendant près d'une décennie avant de prendre la décision de fréquenter une école de médecine à l'Université de médecine et des sciences de la santé sur le campus de Saint-Kitts dans les Caraïbes et au 5e semestre à Portland, dans le Maine. Pendant ce temps, sa fille Jasmine a fréquenté la Louisiana State University School of Medicine (LSU Health) à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane.

Au début, il leur était difficile de vivre et d'étudier si loin les uns des autres. «Je pense qu'au début, c'était difficile parce que ma mère et moi avons toujours été très proches, j'ai donc dû m'habituer à la distance, nous avons dû apprendre à faire faceTime et Skype l'un à l'autre», explique le Dr Jasmine Kudji à AfroTech. Bien que l'expérience ait été difficile, elle a également eu des résultats bénéfiques. «Parfois, les gens ont du mal à trouver quelqu'un qui se rapporte à leurs difficultés, alors que cette personne soit ma mère a été extrêmement utile», admet le Dr Jasmine Kudji.

Après des années d'écart, Cynthia a obtenu son doctorat en médecine familiale en même temps que sa fille a obtenu son doctorat en chirurgie générale. Puis, le «Match Day» – lorsque les récents diplômés des écoles de médecine découvrent les résultats de leurs demandes de résidence et de bourse – Cynthia et Jasmine ont appris qu'ils étaient tous les deux placés à LSU Health. La paire puissante continuera de faire des vagues alors qu'elle entreprend son voyage chez le médecin dans le même hôpital.

Cette mère et sa fille prouvent que la famille peut tout faire ensemble.

Mère et fille terminent l'école de médecine ensemble

Cynthia Kudji a mis son rêve de devenir médecin en attente pour élever sa fille Jasmine.

Mère et fille terminent l'école de médecine ensemble

Elle a travaillé comme infirmière praticienne pendant près d'une décennie avant de fréquenter l'école de médecine.

Mère et fille terminent l'école de médecine ensemble

Cynthia a obtenu son doctorat en médecine de l'Université de médecine et des sciences de la santé de Saint-Kitts-et-Maine, et sa fille Jasmine est diplômée de LSU School of Medicine en Louisiane.

Mère et fille terminent l'école de médecine ensemble

Le «Match Day», la mère et la fille ont appris qu'elles allaient travailler ensemble à LSU Health en Louisiane.

Mère et fille terminent l'école de médecine ensembleDre Cynthia Kudji: Instagram
Dr Jasmine Kudji: Instagram

h / t: (AfroTech)

Toutes les images via le Dr Cynthia Kudji et le Dr Jasmine Kudji.

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Bigfoot vendant sa maison de Felton, en Californie

Les fanatiques de Bigfoot peuvent enfin arrêter de chercher – la bête velue traîne dans sa maison de 5 chambres dans les Redwoods tout ce temps. Son emplacement a été récemment découvert en ligne après avoir mis en vente sa maison de Felton, en Californie, sur Zillow. Sur les photos, Bigfoot est considéré comme le reste d'entre nous. Il a capturé des biscuits, fait du yoga, lire des livres, appeler son ami par vidéo, jardiner et, sur une image, il porte même un masque facial – bon de savoir que même Sasquatch fait sa part pour aider à freiner la propagation du COVID-19 .

On ne sait pas où Bigfoot ira ensuite, mais si son futur ex-foyer est quelque chose à passer, il a l'habitude de vivre la bonne vie. Entourée d'arbres, la propriété de 1 872 pieds carrés (près de 174 mètres carrés), 5 chambres, 3 salles de bains est sur le marché pour un peu moins de 1 000 000 $. Construit en 1939, il a été récemment rénové et modernisé et comprend de nombreuses caractéristiques en bois.

Malgré l'intelligence de cette ruse Bigfoot, ce n'est pas la première fois que le géant poilu est repéré dans les listes de propriétés. Il est également apparu en images pour une maison à Ravenna, Ohio en 2019. L'agent immobilier de l'époque, Shauna Bailey, a acheté le costume Bigfoot pour Halloween et avait l'intention de l'utiliser pour essayer d'attirer l'attention sur l'annonce. L'idée hilarante a fonctionné et la maison s'est vendue! Maintenant, Daniel Oster (l'agent inscripteur de la propriété Felton actuelle) a adopté la même approche. Il révèle: «Lors de notre séance photo initiale, l'idée de Bigfoot m'est venue à l'esprit. Les vendeurs ont immédiatement soutenu l'idée, et nous espérions tous qu'elle apporterait un peu de légèreté aux gens dans leur aventure d'achat d'une maison. »

Sans surprise, la liste des propriétés a suscité beaucoup d'intérêt en ligne depuis sa mise en ligne il y a près de 2 semaines. "Beaucoup de gens subissent beaucoup de stress maintenant, et nous espérions alléger la journée des gens et les faire sourire", explique Oster. «Dans le même temps, dans l'espoir de faire connaître leur maison à vendre. Et cela semble effectivement se produire. Nous avons eu un intérêt énorme pour les gens qui appellent pour fixer des rendez-vous pour voir la propriété. Et nous anticipons bientôt des offres. »

Découvrez la séance photo amusante ci-dessous et, si vous êtes intéressé par la propriété, vous pouvez en savoir encore plus sur Zillow.

Bigfoot est présenté dans cette liste immobilière de 5 chambres à Felton, en Californie, et les photos sont hilarantes.

Bigfoot vendant sa maison de Felton, en Californie

La bête du folklore est capturée en lisant les journaux…

Bigfoot vendant sa maison de Felton, en Californie

Préparer des biscuits…

Bigfoot vendant sa maison de Felton, en Californie

En savoir plus sur les champignons comestibles…

Bigfoot vendant sa maison de Felton, en Californie

Et bien plus!

Bigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieBigfoot vendant sa maison de Felton, en Californie

On dirait que ce n'est pas un mauvais endroit pour que Bigfoot se cache et vive sa vie.

Bigfoot vendant sa maison de Felton, en CalifornieZillow: Site Web | Facebook | Twitter
h / t: (Calmar riant)

Toutes les images via Zillow.

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La mystérieuse disparition de l'opulente «salle d'ambre» en Russie

Autochrome de la salle d'ambre d'origine

Intérieur de la salle d'ambre d'origine (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Considérée par beaucoup comme la «huitième merveille du monde», la Chambre ambre était un chef-d'œuvre aux teintes dorées de construction complexe de l'art contemporain. Conçu par le sculpteur baroque allemand Andreas Schlüter et construit par l'artisan danois de l'ambre Gottfried Wolfram, il est devenu un spectacle glorieux dont l'histoire est remplie d'aventures, de mystères et d'effusions de sang. La création, la disparition et la reconstruction de ce lieu remarquablement opulent et mystérieux ne ressemble à aucun autre.

Les origines

Bien que l'installation de panneaux d'ambre sculptés soit souvent attribuée à la Empire russe– dont les mains finiraient par tomber – il a été construit à l'origine pour la monarchie prussienne en 1701 et logé dans le palais de Charlottenburg, domicile du premier roi de Prusse, Friedrich I. La montée des conflits en Europe de l'Est a conduit à une alliance entre la Russie et la Prusse contre la Suède. Cette alliance a ensuite été symbolisée par le don de la salle d'ambre à Pierre le Grand de Russie en 1716. Le célèbre chef russe a fait installer la salle au palais d'hiver de Saint-Pétersbourg, mais la tsarine Elizabeth a ordonné son transfert au Palais Catherine à Tsarskoïe Selo en 1755.

Palais Catherine à Tsarskoïe Selo, Saint-Pétersbourg

Palais Catherine à Saint-Pétersbourg (Photo: Alex «Florstein» Fedorov (CC BY-SA 4.0))

C'est à cet endroit que la pièce a été agrandie et a atteint plus de 180 pieds carrés. À ce stade, il comprenait six tonnes d'ambre et d'autres pierres semi-précieuses – les historiens estiment que la salle coûte environ 176 millions de dollars en argent d'aujourd'hui. Pendant les deux siècles suivants, la salle a été admirée par les Russes et le reste du monde occidental – à tel point que la salle, et de nombreuses autres œuvres d'art historiques comme elle, ont été menacées par le sentiment totalitaire croissant en Europe centrale dans les années 1930. .

Photo colorée à la main de la salle d'ambre vers 1931

Photo colorée à la main de la salle d'ambre d'origine (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Seconde Guerre mondiale et disparition

Le 22 juin 1941, Adolf Hitler a lancé l'opération Barbarossa, qui a porté sur l'invasion de l'URSS. Sachant que les trésors nationaux comme la salle d'ambre étaient en grand danger d'être saisis par des officiers nazis, les conservateurs soviétiques ont tenté de déplacer la salle loin du front. L'ambre était devenu si fragile au fil des ans depuis son moulage qu'il s'est effondré. Incapables de retirer la pièce du palais, les Soviétiques ont tenté de la cacher aux envahisseurs nazis en la couvrant de papier peint fin.

Malheureusement, les nazis ont découvert les précieux panneaux d'ambre et l'ont complètement démantelé, le reconstruisant plus tard dans le Château de Königsberg en Allemagne. La chambre y est restée pendant deux ans de plus, avant d'être ordonnée par les responsables nazis pour être déplacée à la fin de 1943. La chambre a été emballée avec succès pour le voyage, mais n'a jamais été revue.

Cour du château de Königsberg vers 1890

Château de Königsberg (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Complot et reconstruction

Intégrer à partir de Getty Images

De nombreuses théories du complot se sont développées au cours des années qui ont suivi sa mystérieuse disparition. La théorie la plus simple est que les bombardements qui ont détruit la ville dans laquelle il se trouvait devaient également avoir détruit les panneaux d'ambre et qu'ils n'ont jamais réellement quitté la région. D'autres croient que les panneaux se trouvent quelque part au fond de la mer Baltique dans un navire coulé. Le seul élément qui a été trouvé à la suite de l'installation est un panneau de mosaïque découvert en 1997 par des détectives d'art allemands, mais il n'y avait aucune indication quant à sa provenance. Les chasseurs de trésors des temps modernes vantent constamment leurs pistes sur l'emplacement légendaire de la salle Amber, mais la «huitième merveille du monde» semble être perdue pour toujours.

Heureusement, vous pouvez visiter une reconstruction de la pièce d'origine, basée sur ses spécifications prussiennes, à Tsarskoïe Selo au musée d'État de Tsarkoïe Selo aujourd'hui. La reconstruction a été une entreprise de grande envergure, qui a coûté environ 11 millions de dollars et s’est déroulée sur 25 ans. Son ouverture en 2003 a marqué le 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg.

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Hatchepsout repensé comme une figure moderne par Royalty Now

Hatchepsout

Les talents uniques de Becca Saladin pour redonner vie à des personnages historiques célèbres du monde entier ont fait de son célèbre compte Instagram, Royalty Now, une première étape pour les amateurs d'histoire et de design graphique. Plus tôt cette année, l'artiste a décrit son processus complexe à My Modern Met, en disant: «Il faut beaucoup de temps pour que tout semble logique.» Les bustes et les masques anciens s'avèrent souvent être le plus grand défi artistique pour Saladin, en grande partie à cause de leurs rendus peu réalistes; néanmoins, elle les considère comme étant parmi les favoris à recréer. «Les portraits que je reconstruis à partir de bustes ou de masques sont toujours mes préférés», admet-elle, «car ils montrent une réelle transformation lorsqu'ils sont terminés. Je pense que mon préféré a été Hatchepsout en raison de la vie que j'ai vue en elle après l'avoir créé. »

Concevant ces œuvres depuis plus d'un an, l'amateur d'histoire devenu graphiste possède désormais un catalogue impressionnant dans lequel même un novice en histoire peut se perdre. tragique deuxième épouse – on dirait que ce serait à la maison dans les pages de Vogue ou Bazar de Harper. Avec plus de soixante portraits dans la série, Saladin atteste: «Vous pouvez développer n'importe quelle compétence si vous y consacrez du temps et travaillez dur.»

Elle admet qu’au début de son travail, elle «a dû s’arrêter de faire beaucoup de figures africaines… parce qu’elles ne sont très souvent représentées que par des masques qui ne sont pas photoréalistes». En affinant également son approche technique pour appliquer des textures de peau, elle a pu donner vie à des personnages comme Hatchepsout, la reine mère Idia et un homme zoulou.

Sa popularité n'a cessé de croître, et elle confie que l'augmentation de la fréquentation l'a rendue «plus enthousiaste et passionnée par le partage de son travail». Elle nous dit: «Je reçois tellement de bons messages d'éducateurs et de gens qui me disent que cela fait revivre l'histoire pour eux, leurs enfants ou leurs élèves. Cela me fait gagner du temps et des efforts. »

Heureusement, Saladin et Royalty Now ne disparaîtront pas de si tôt. «Je prévois de continuer à créer et à publier sur le compte Instagram. J'espère également commencer à créer des imprimés et éventuellement des chemises / tasses / calendriers, etc. », dit-elle. "Mes objectifs à long terme seraient de créer des œuvres pour un musée ou une exposition – c'est le travail de rêve ultime pour moi!"

Vous pouvez explorer tout le travail de Saladin sur Instagram et également découvrir les coulisses de son processus sur TikTok.

Becca Saladin publie ses réimaginations numériques de personnages historiques célèbres en tant que personnes modernes sur son Instagram, Royalty Now.

Anne Boleyn repensée en tant que figure moderne par Royalty Now

Anne Boleyn

Mary Queen of Scots repensé comme une figure moderne par Royalty Now

Marie, reine d'Écosse

Louis XIV repensé comme une figure moderne par Royalty Now

Louis XIV

Gengis Khan repensé comme une figure moderne par Royalty Now

Gengis Khan

La Vénus de Botticelli repensée comme une figure moderne par Royalty Now

Botticelli's Vénus

Grace Kelly repensée comme une figure moderne par Royalty Now

Grace Kelly

«Je reçois tellement de bons messages d'éducateurs et de personnes qui me disent que cela fait revivre l'histoire pour eux, leurs enfants ou leurs élèves. Cela me fait gagner du temps et des efforts. »

Catherine Parr repensée comme figure moderne par Royalty Now

Catherine Parr

Simon Bolivar repensé en tant que figure moderne par Royalty Now

Simon Bolivar

Ingrid Bergamn repensée comme une figure moderne par Royalty Now

Ingrid Bergman

L'homme zoulou repensé comme une figure moderne par Royalty Now

zoulou

Pocahontas repensé comme une figure moderne par Royalty Now

Pocahontas

Jane Austen repensée comme une figure moderne par Royalty Now

Jane Austen

Mère Idia repensée comme une figure moderne par Royalty Now

Mère Idia

Royalty Now: Instagram | Facebook | TikTok | Patreon

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Becca Saladin.

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Cette photo Joker incroyable a été faite avec des articles ménagers simples

Photo de chute libre Joker par Arjun Menon

Tout en passant plus de temps à la maison ces jours-ci, le photographe indien Arjun Menon teste l'expression «la limitation est la mère de la créativité». À l'aide d'articles ménagers et de figurines d'action, il a pu prendre des photos dynamiques inspirées de ses personnages de bandes dessinées préférés. Ceci comprend Chute libre, une image exceptionnelle de Joker semblant tomber d'un gratte-ciel dans l'obscurité.

Bien que l'image finale ait l'air polie, ses blocs de construction étaient assez rudimentaires. «J'ai commencé à chercher des choses dans ma maison qui conviendraient bien à une scène», explique Menon à My Modern Met. «Et soudain, le monde s'est ouvert à moi. J'ai commencé à voir des objets ordinaires de manière abstraite et je les décomposais en éléments de conception. Cela peut être n'importe quoi, d'une râpe à fromage à un four ou à une armoire PC. »

Pour donner vie à Gotham, Menon est devenu créatif, en commençant par une couverture AC. Il a réalisé que sa forme longue serait parfaite pour le gratte-ciel, car les fentes avant laisseraient passer la lumière. Maintenant, il avait juste besoin de remplir le reste de la scène. «J'ai finalement réalisé que les filtres à air de la climatisation me rappelaient également les fenêtres des bâtiments en verre», se souvient-il. «J'ai donc pensé que si je comblais les lacunes avec de minuscules lumières LED, cela pourrait sembler ressembler à une toile de fond crédible. Pour les lampadaires, j'ai utilisé des bandes LED. Des bacs à glace, un haut-parleur Bluetooth, des haltères, des abat-jour, etc. pourraient passer pour des bâtiments très éloignés et – tadaaa – j'en avais un!

Afin de créer un environnement enneigé, Menon a utilisé de la crème à raser et de la farine de maïs sur les structures. Les flocons de neige flottant dans le ciel sont en fait de la laque qu'il a vaporisée pendant le tournage. Une fois la scène en place, Menon avait juste besoin de trouver les angles parfaits pour sa figurine Joker.

Après quelques essais et erreurs, il a pu obtenir l'échelle de la figure proportionnellement aux bâtiments et créer l'impact émotionnel qu'il recherchait. Le résultat est une image qui capture parfaitement la psychose de Joker, qui s'effondre à sa mort mais semble plutôt l'apprécier. Pour Menon, travailler avec ce personnage était un moyen de laisser couler sa créativité même pendant le verrouillage de l'Inde.

Le photographe Arjun Menon a fait preuve de créativité pour une séance photo à domicile pendant le verrouillage.

Configuration de la séance photo à domicile

Il a acheté des articles ménagers pour faire de Gotham City sa figurine Joker.

Articles ménagers utilisés pour la séance photoFake Snow pour une séance photo

Et grâce aux essais et erreurs, cette séance photo supervillain a pris vie.

Accueil Séance photo avec figurine articuléeAccueil Séance photo avec figurine articulée

Arjun Menon: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Arjun Menon.

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Un homme qui a grandi sans père donne maintenant «Dadvice» dans «Papa, comment faire?» Vidéos

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=2LO1MRyrTPs (/ incorporé)

Lorsque les freins de votre voiture font un bruit étrange ou que votre réfrigérateur fuit, il est courant de se tourner vers votre père pour lui donner un coup de main avec ces réparations domestiques et automobiles. Beaucoup de papas sont considérés comme des hommes à portée de main par leurs enfants, disponibles 24h / 24 et 7j / 7 pour leurs défis inattendus chaque fois que quelque chose tombe en panne. Pourtant, tout le monde n'a pas la chance d'avoir un tel guide sur la numérotation rapide. Heureusement, un homme du nom de Rob Kenney aide à résoudre ce problème avec sa chaîne YouTube, «Papa, comment faire?» Sur sa chaîne saine, il distribue la sagesse paternelle à ses téléspectateurs.

Le père de Kenney a quitté sa famille à l'âge de 12 ans, le laissant sans père pour le soutenir ou lui apprendre des choses simples comme se raser. Maintenant, avec ses deux enfants adultes, le père dévoué s'inspire de ses expériences en tant que père actuel. Kenney fournit des «conseils» sur des sujets comme comment déboucher un évier, vérifier l'huile dans votre voiture et comment attacher correctement une cravate.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=TATblk1LUQI (/ intégré)

Il a décidé de lancer sa chaîne YouTube pédagogique le 1er avril, et ses vidéos sont récemment devenues virales. Il compte désormais deux millions d'abonnés sur sa chaîne. "Mon objectif dans la vie était d'élever de bons adultes", a révélé Kenney dans une interview avec WICU, "et donc quand je suis arrivé, vous savez, au début des années 50, j'avais l'impression d'avoir déjà fait ça." Maintenant qu'il a atteint l'objectif ultime de son père, il s'est tourné vers le partage de ce qu'il a appris au fil des ans pour aider les enfants et les jeunes adultes comme lui.

«Évidemment, être père est bien plus que de pouvoir visser une ampoule ou quoi que ce soit», explique le YouTuber. Lui et sa fille – qui l'appelle à propos des questions «d'adultes» – «parlent de toutes sortes de choses – des finances, et que faites-vous de ceci et que faites-vous de cela». Bien que ces sujets ne soient pas aussi facilement abordés sur sa chaîne YouTube, Kenney espère explorer ces questions dans le futur à l'aide d'autres médias numériques, comme le podcasting.

«Je pensais juste que j'allais montrer aux gens comment faire des choses», admet Kenney. "Mais ça résonne à un niveau tellement différent … Je reçois des commentaires incroyables de la part des gens. J'en suis humilié. "

Rob Kenney a grandi sans père, mais maintenant qu'il a élevé deux enfants, il aide les autres en étant une figure de père virtuelle sur YouTube.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=H27wGdjuR6M (/ intégré)

Vous pouvez apprendre à vérifier l'huile de votre voiture, changer un pneu, installer une étagère, repasser une chemise habillée et bien d'autres choses sur sa chaîne YouTube, «Papa, comment faire?»

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=0KDMdYww4VE (/ incorporer)

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=UeXETC6inVo (/ embarqué)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=yMr8dOEr1Qw (/ intégré)

Rob Kenney: YouTube | Facebook
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Avions d'American Airlines à l'aéroport international de Tulsa

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Le blogueur de voyage Andy Luten a l'habitude de vivre sa vie en déplacement. Depuis huit ans, Luten raconte ses aventures et donne de précieux conseils à d'autres voyageurs à travers son blog à succès. Mais pour l'instant, comme le reste d'entre nous, sa vie a changé. Avec le début de COVID-19, Luten reste près de chez lui, mais cela ne l'a pas empêché d'utiliser sa créativité. Intrigué par l'impact de la pandémie sur l'industrie aéronautique, il entreprit de capturer des avions au sol dans une série qu'il appelle Ils voleront à nouveau.

Luten a visité six aéroports aux États-Unis et a pris un hélicoptère pour voir à quoi les choses ressemblent lorsque les avions ne sont pas en action. Avec la plupart des vols annulés et le ciel calme, ces hubs autrefois occupés prennent une apparence différente. Il y a une certaine beauté obsédante dans ces avions alignés, rangée après rangée. Et en même temps, il y a une tristesse de ce que ce visuel représente.

L'industrie aéronautique est l'une des nombreuses qui éprouvent des difficultés en raison des changements drastiques provoqués par le coronavirus. Alors que les pays ferment leurs frontières et que les voyageurs annulent leurs voyages, il reste à voir comment les compagnies aériennes sortiront de cette crise. Luten, qui a roulé entre les aéroports, utilise sa photographie comme instrument de compréhension et comme moyen d'immortaliser ce moment unique de l'histoire.

Nous avons discuté avec Luten de cette perspective unique du voyage pendant le coronavirus et de ses espoirs pour la reprise de l'industrie aéronautique. Lisez la suite de l'interview exclusive de My Modern Met et découvrez les aventures de Luten en créant le projet sur son blog.

Avions d'Air Canada au Pinal Airpark

Pinal Airpark, Arizona

Delta Airplanes au sol à l'aéroport international de Kansas City

Aéroport international de Kansas City

Qu'est-ce qui a inspiré votre amour des voyages?

Ma grand-mère a occupé trois emplois avant ma naissance afin de pouvoir emmener toute notre famille en voyage. Nous avons donc été une famille itinérante aussi loin que je me souvienne. Nous avons fait un voyage en famille en Europe à l'âge de 15 ans qui m'a ouvert les yeux sur différentes cultures et expériences étrangères qui m'ont apporté tellement de joie, j'ai su dès la seconde où je suis sorti de l'aéroport de Gatwick à Londres pour la première fois que j'étais absolument accroché.

Des avions de Spirit Airlines échoués au cours d'un coronavirus à l'aéroport de Fort Worth Alliance

Aéroport de Fort Worth Alliance

Delta Airplanes au sol à l'aéroport international de Kansas City

Aéroport international de Kansas City

Comment COVID-19 a-t-il changé votre routine quotidienne et votre vie professionnelle?

C’est un stress mental plus qu’économique pour moi, car mon emploi à temps plein – je suis consultant en logiciels financiers – est capable de se déplacer à distance depuis des années. Je me suis assuré de rester actif (merci Peloton!) Et je fais plus d'efforts pour tendre la main aux amis et à la famille plus souvent pour m'assurer que tout le monde va bien.

Avions d'American Airlines au sol à l'aéroport international de Dallas / Fort Worth

Aéroport international de Dallas / Fort Worth

Avions d'American Airlines à l'aéroport international de Tulsa

Aéroport international de Tulsa

Comment est née l'idée de la série de photos?

J'ai vu des histoires de jets au sol dans tout le pays et je n'y ai vu aucun art. Je suis un photographe aérien expérimenté et je savais que je pouvais apporter quelque chose de beau à une situation aussi macabre. Quand j'ai appris que certains avions étaient stationnés dans un aéroport près de moi, j'ai appelé ma compagnie de charter d'hélicoptères préférée et je suis allé les voir. Quand j'ai regardé les images, j'ai réalisé que j'en étais capable et les images étaient belles. De là, j'ai décidé de me lancer et je suis allé dans cinq autres aéroports à travers le pays.

Delta Airplanes au sol à l'aéroport international de Kansas City

Aéroport international de Kansas City

Des avions de Spirit Airlines échoués au cours d'un coronavirus à l'aéroport de Fort Worth Alliance

Aéroport de Fort Worth Alliance

Qu'est-ce qui fait des avions un sujet si fascinant pour la photographie?

Les avions sont quelques-uns des plus gros objets qui sont encore «relatables» pour la personne moyenne. Généralement, les gens savent à quel point un avion est grand par rapport à eux-mêmes. D'un point de vue artistique, la juxtaposition attire toujours l'attention, et la juxtaposition d'être dans l'air – là où les avions devraient être – prendre des photos faisant que les avions énormes semblent petits au sol – où je devrais être – semblait juste une perspective si évidente et palpable.

Des avions unis échoués pendant le coronavirus

Aéroport George Bush Intercontinental, Houston

Des avions de Spirit Airlines échoués au cours d'un coronavirus à l'aéroport de Fort Worth Alliance

Aéroport de Fort Worth Alliance

Quelle a été la partie la plus difficile du projet?

Rester concentré sur le thème. Il y avait tellement d'avenues que j'aurais pu emprunter (avions sur lesquels me concentrer, peut-être une compagnie aérienne spécifique, etc.) mais avoir la discipline pour rester concentré sur mon objectif principal était difficile mais finalement gratifiant. J'ai pris 7 500 images et j'ai pu réduire cela à 88 images finales sans trop d'effort, uniquement à cause de la discipline artistique.

Avions immobilisés à l'aéroport international de Dallas / Fort Worth

Aéroport international de Dallas / Fort Worth

Avions au Pinal Airpark

Pinal Airpark, Arizona

Que vouliez-vous capturer à travers votre travail?

À court terme, je voulais donner au grand public une perspective bien exécutée sur l'énormité des problèmes auxquels l'industrie aéronautique est confrontée. À l'avenir, ces images deviendront beaucoup plus importantes, car les compagnies aériennes et toute une industrie se pencheront sur elles pour dire: «C'est de cela que nous venons. C'était le point faible. "

Avions d'American Airlines à l'aéroport international de Tulsa

Aéroport international de Tulsa

Avions au Pinal Airpark

Pinal Airpark, Arizona

Quelle a été la chose la plus surprenante que vous ayez découverte en regardant tous ces avions?

Ayant été un blogueur de voyage depuis près de 8 ans maintenant et connaissant tant de gens dans l'industrie de l'aviation, j'ai été surpris de voir combien j'étais émotif en l'air. Je ne voyais pas d’avions au sol, je voyais mes amis nerveux à propos de leur travail, les pilotes nerveux à propos du congé et des entreprises entières nerveuses à propos de leur existence même. Ce que je pensais allait être de simples vols de photos transformés en une confrontation austère avec une empathie à laquelle je ne m'attendais pas.

Avions d'American Airlines à l'aéroport international de Tulsa

Aéroport international de Tulsa

Avions au Pinal Airpark

Pinal Airpark, Arizona

Quel est votre espoir pour l'industrie du voyage qui sortira de cette pandémie?

Une connexion plus étroite avec leurs clients. En fin de compte, les voyages amplifient la connexion, et je pense que peut-être une partie de l'industrie du voyage est devenue un peu trop axée sur le profit et a perdu une partie de cette connexion avec ses clients. Depuis que tout cela a frappé, j'ai entendu des histoires de clients achetant des repas pour l'un des bureaux de réservation d'une grande compagnie aérienne, juste pour essayer de stimuler leur moral, et d'autres histoires qui montrent à quel point les clients se soucient de leurs entreprises préférées. J'espère que cet impact est ressenti (et je le sais) et est retourné vers le client lorsque tout cela se rétablit.

Delta Airplanes au sol à l'aéroport international de Kansas City

Aéroport international de Kansas City

Avions au Pinal Airpark

Pinal Airpark, Arizona

Qu'espérez-vous que les gens retirent du travail?

J'espère que les gens comprennent l'énormité de la bataille menée pour rester en vie, non seulement par les compagnies aériennes, mais comme indicateur indirect du reste de l'économie. Ce qui arrive aux compagnies aériennes arrive à une myriade d'autres secteurs. Ces images sont un regard tragiquement magnifique à un moment qui, espérons-le, ne se reproduira plus jamais. Pour comprendre quelque chose, vous devez commencer par la bonne perspective et j'espère que les gens trouveront cela dans mon travail.

Des avions à l'aéroport intercontinental George Bush de Houston ont échoué pendant Covid-19

Aéroport George Bush Intercontinental, Houston

Delta Airplanes au sol à l'aéroport international de Kansas City

Aéroport international de Kansas City

Et après?

Une pause! Je suis récemment allé au parc national de Zion dans l'Utah alors qu'il rouvrait progressivement et j'attends avec impatience un certain temps d'arrêt dans ma ville natale de Dallas. Alors que le monde rouvre, il est si important de savoir où vos batteries se rechargent, et pour moi, c'est à la maison. J'adore voyager pour pouvoir profiter de mon retour à la maison.

Andy Luten: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Andy Luten.

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Regardez Jennifer Lopez Out-Dance Jimmy Fallon dans le défi "Watch It Once" TikTok

TikTok Dance Challenge

Capture d'écran: YouTube

Jennifer Lopez est une femme aux multiples talents connue pour son jeu d'acteur, son chant et surtout pour ses incroyables talents de danseuse. Donc quand Spectacle de ce soir l'animateur Jimmy Fallon l'a invitée à s'affronter contre lui dans le défi TikTok «Watch It Once», vous pouvez probablement deviner qui a gagné. Le principe était simple; ils regardent un TikTok danser une fois puis essaient de le recréer du mieux qu'ils peuvent.

Pour commencer leur bataille «Watch It Once», Fallon a choisi le défi Laxed (Siren Beat). En ce qui concerne les défis de danse TikTok, c'est le plus simple du groupe et ressemble aux mouvements emblématiques de la macarena. Fallon fait du bon travail, mais quand vient le temps pour J.Lo de jouer, elle donne l'impression d'avoir pratiqué les heures de routine à l'avance – en réalité, elle est juste aussi bonne! Le Laxed Challenge n'est pas la seule danse TikTok qu'ils exécutent, et chaque routine suivante devient plus difficile.

Le fait que Lopez, un juge de l'émission de télévision World of Dance, absolument écrasée par la compétition ne la rend pas moins divertissante avec Fallon. En fait, cela le rend encore plus d'autant plus que Fallon se fraye un chemin à travers les danses tandis que Lopez a le talent inné de reprendre n'importe quelle routine qu'elle voit, même si ce n'est que pour quelques secondes.

Regardez la vidéo "Regardez-le une fois" ci-dessous et émerveillez-vous des capacités de danse de Lopez, y compris dans un défi TikTok qu'elle a créé pour World of Dance.

Regardez Jennifer Lopez danser Jimmy Fallon dans une série de défis de danse TikTok amusants.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=rfwWW3XLQ9o (/ intégré)

h / t: (Mashable)

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Cerisier dans un paysage brumeux

Un rituel matinal s'est transformé en quelque chose de bien plus pour le photographe slovaque Jozef Morgoš. Morgoš vit dans la région slovaque centrale de Turiec et, chaque matin, il aime se promener au lever du soleil tout en sirotant un café. Inévitablement, son voyage l'emmène dans son paysage préféré, ponctué d'un magnifique cerisier.

Inspiré par la nature qui l'entoure, l'arbre pittoresque est devenu sa muse. Le résultat? Une série inoubliable de photographies. Tout en buvant dans le paysage, Morgoš ne peut s’empêcher de prendre une photo de l’environnement. Finalement, quand il a regardé dans ses archives, il s'est rendu compte qu'il avait involontairement créé une série de photos à couper le souffle.

Ses promenades matinales ont abouti à des photographies du cerisier sur quatre saisons. Lorsqu'elles sont placées ensemble, ces images racontent l'histoire d'un arbre en évolution. Nous pouvons observer les branches hivernales nues de l'arbre se remplir de fleurs printanières. Celles-ci cèdent la place à de riches feuilles vertes en été qui se transforment en un rouge ardent pendant la transition vers l'automne.

Comme si l'arbre ne suffisait pas, les collines verdoyantes qui l'entourent, ainsi qu'une forêt éloignée, contribuent à améliorer la qualité magique de l'environnement. Morgoš note que l'arbre est également une destination populaire pour les touristes, qui viennent souvent s'asseoir sur la balançoire du cerisier et prendre des photos. Pour Morgoš, ce fut une belle surprise de voir ses photos si bien reçues une fois mises en ligne. Maintenant, il veut se consacrer à prendre encore plus de photos de son modèle préféré et les partager avec le monde.

Jozef Morgoš s'arrête souvent devant son cerisier préféré et prend une photo.

Cerisier dans un paysage brumeux

Cela a entraîné une série involontaire de l'arbre pittoresque à travers toutes les saisons.

Jozef Morgoš: Site Web | Facebook | 500px

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jozef Morgoš.

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15 cadeaux créatifs pour la fête des pères pour les nouveaux papas

Meilleurs cadeaux pour la première fête des pères

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La fête des pères est un moment spécial pour tout papa, mais c'est particulièrement significatif pour les nouveaux pères. Célébrer pour la première fois avec leurs petits est un jour qu'un nouveau papa n'oubliera jamais. Alors pourquoi ne pas le rendre encore plus mémorable avec le cadeau parfait?

Que vous décidiez de prendre soin de votre père préféré ou de lui donner quelque chose qui l'aidera, il y a plein de cadeaux créatifs qu'il appréciera. Cela pourrait signifier un incroyable petit déjeuner au lit en utilisant un coffret petit déjeuner gourmand ou un rasage propre en utilisant un kit de rasage de luxe. Ou, il pourrait apprécier un bien café le matin après une longue nuit blanche ou cocktail pour couronner une longue journée.

D'autres cadeaux pourraient être de préserver des souvenirs. Cela pourrait être un morceau de bijoux personnalisés ou, s'il est créatif, un appareil Polaroïd pour prendre ses propres photos. Quoi qu'il en soit, avec notre liste de cadeaux organisée pour la première fête des pères d'un père, vous ne pouvez pas vous tromper. Découvrez 15 cadeaux qui feront que tout nouveau papa se sentira aimé.

Est-ce sa première fête des pères? Voici 15 cadeaux pour faire sentir un nouveau papa spécial.

copainsà bière à thème

Kit de rasage humide complet

Sac à langer sac à dos

Abonnement mensuel au café

Art mural empreinte nouveau-né

Carafe Stormtrooper

Première fête des pères Onsie

Panier petit déjeuner gourmand

Pack appareil photo instantané Polaroid Now

Art personnalisé Minifig Star Wars

Coffret d'abonnement mensuel Cocktail

Collier personnalisé avec étiquette de fête des pères

"Je suis ton père" T-shirt Star Wars

Livre de jeu de papa, Sagesse pour les pères

Mosaïque photo personnalisée

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Burger King utilise des couronnes géantes en carton pour encourager la distanciation sociale en Allemagne

Couronne de Burger King géante pour la distanciation sociale

De nombreux restaurants à travers le monde rouvrent lentement leurs portes, mais ils doivent encore veiller à ce que les clients restent à une distance sûre. La semaine dernière, nous avons signalé un café en Allemagne utilisant des nouilles de piscine sur des chapeaux, mais ce n'est pas le seul établissement allemand à adopter des chapeaux de fantaisie comme outil pour aider à freiner la propagation de COVID-19. Les succursales Burger King du pays ont récemment introduit des «couronnes de distanciation sociale» géantes, forçant les clients à se tenir à 6 pieds l'un de l'autre.

Vous vous souvenez peut-être des couronnes en carton de Burger King de votre enfance, mais la chaîne de restauration rapide a mis à jour le design classique pour un casque de taille jumbo qui ressemble plus à un sombrero qu'à une couronne. Chaque client Burger King reçoit une version pliée et plate du chapeau qu'il doit ensuite fabriquer lui-même. «Nous voulions renforcer les règles de normes élevées de sécurité et d'hygiène que les restaurants BK suivent», déclare un représentant de Burger King. «La couronne de distance sociale à faire soi-même était une façon amusante et ludique de rappeler à nos clients de pratiquer la distanciation sociale pendant qu'ils dégustent de la nourriture dans les restaurants.»

Ce n'est pas la seule idée que Burger King essaie. En Italie, la chaîne alimentaire vend un «whopper de distanciation sociale» – un hamburger qui a trois fois la quantité d'oignons crus, de sorte qu'il donne la mauvaise haleine aux gens et donc éloigne les autres. C’est une approche qui tourne le ventre, mais aussi une sorte de génie!

Les succursales de Burger King en Allemagne ont récemment introduit des «couronnes de distanciation sociale» géantes, forçant les clients à se tenir à 6 pieds l'un de l'autre.

Burger King Allemagne: Site Web | Facebook
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Des arrangements floraux massifs apparaissent dans les rues de New York à l'appui des travailleurs de la santé COVID-19

Le concepteur de fleurs Lewis Miller fabrique des compositions de fleurs pop-up massives qui occupent les rues de New York. Appelant chaque itération un «Flower Flash», la superbe collection de roses, de lys, de cerisiers en fleurs, et plus encore, est une vue inattendue et bienvenue sur le fond graveleux de l'environnement urbain. Il était auparavant habillé de cabines téléphoniques et de poubelles avec les fleurs qui tombent, et plus récemment, il s'est concentré sur la zone dans laquelle son abondance de fleurs apparaît. Miller et son équipe Lewis Miller Design (LMD) ont placé leurs arrangements près des hôpitaux pour honorer les travailleurs de la santé qui mettent leur vie en danger lorsqu'ils prennent soin des personnes pendant COVID-19.

L'un des derniers flashs de Miller était à l'extérieur de l'hôpital presbytérien de New York. Là, des fleurs s'enroulaient autour d'un lampadaire et décoraient également le sol à côté. "Les travailleurs de la santé de New York continuent d'aller au-delà de la prise en charge des personnes dans le besoin pendant cette pandémie", a écrit Miller pensivement sur Instagram.

Bien que l'arrangement soit immortalisé sur les médias sociaux, la sécurité de l'hôpital a demandé à l'équipe de Miller de retirer leurs fleurs peu de temps après qu'elles aient été terminées – LMD n'a pas initialement demandé la permission de le mettre en place, mais cela n'a pas empêché l'équipe de continuer à apporter de la joie à ceux qui passent. Ils ont rassemblé les fleurs dans des vases à bourgeons et des bouquets en vrac et les ont remis aux infirmières, aux médecins et à d'autres agents de santé au fur et à mesure de leur passage. Le simple fait a fait pleurer beaucoup de gens.

Faites défiler vers le bas pour voir des arrangements Flower Flash plus étonnants.

Lewis Miller et sa talentueuse équipe d'artistes floraux décorent les rues de New York avec de superbes compositions florales.

Ils appellent ces installations un "Flower Flash".

Plus récemment, ils ont centré leurs dispositions en l'honneur des professionnels de la santé qui prennent en charge d'innombrables patients COVID-19.

Lewis Miller Design: site Web | Instagram
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Premiers temps forts des Comedy Wildlife Photography Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Dure nuit"
© Anthony Bucci / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

Dans un monde plein d'incertitude, vous pourriez probablement faire avec quelques encouragements en ce moment. Alors que beaucoup d'entre nous sont toujours coincés à l'intérieur – ou du moins sortent moins – le règne animal est toujours en plein essor. Les Comedy Wildlife Photography Awards ont récemment révélé certaines des meilleures candidatures à ce jour pour le concours 2020, et les résultats ne manqueront pas de vous faire sourire.

Maintenant dans sa 6e année, les Comedy Wildlife Photography Awards ont été cofondés par Paul Joynson-Hicks et Tom Sullam, deux photographes britanniques passionnés par les animaux. En s'associant à la fondation Born Free, le couple espère promouvoir la conservation de la faune sauvage grâce à des images humoristiques et joyeuses. Des milliers d'entrées viennent du monde entier de photographes qui ont réussi à capturer des animaux lors de leurs moments les plus drôles. Cette année, des photos remarquables incluent un phoque confus, des hippopotames rieurs et des lionceaux choqués.

"La planète a eu un peu de répit récemment, parce que la plupart d'entre nous sont bloqués", ont déclaré les organisateurs du concours dans un communiqué. «En conséquence, nous avons vu la faune revenir et prospérer dans nos rivières, nos océans, nos terres et notre ciel. Il est plus important que jamais que nous en tirions des enseignements et que nous fassions de notre mieux pour conserver et prendre soin de cette incroyable planète qui est la nôtre avant qu'il ne soit trop tard. »

Découvrez quelques-unes des meilleures inscriptions jusqu'à présent ci-dessous, et si vous vous sentez inspiré pour participer au concours, vous avez encore beaucoup de temps: le concours se déroule jusqu'au 30 juin 2020.

Les Comedy Wildlife Photography Awards ont récemment révélé certaines des meilleures entrées à ce jour pour 2020.

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Il est trop tard Roebuck, trop tard"
© Alvin Tarkmees / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Wowza!"
© Yaron Schmid / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

Ces photos d'animaux drôles sont exactement ce dont nous avons besoin pour nous remonter le moral en période d'incertitude.

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

«Faire la danse du sable»
© Janet Miles / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

«La loutre de mer qui rit»
© David DesRochers / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Confus"
© Joham Siggesson / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

«Lutte légère»
© Yarin Klein / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

«Hippo qui rit»
© Manoj Shah / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Marcher sur l'eau"
© Tommy Mees / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Maestro"
© Reynante Martinez / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Risée"
© Tanvir Ali / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards Best so far 2020

"Vrai nom"
© Thomas Grigoleit / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

The Comedy Wildlife Photography Awards: site Web | Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos des Comedy Wildlife Photography Awards.

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Les concepteurs créent des passages pour piétons mains libres pour réduire la propagation des germes

Lampe piétonne mains libres Dropkick

Alors que le monde continue de lutter contre le coronavirus, de plus en plus de concepteurs utilisent leurs compétences pour nous protéger. Des nouvelles façons d'ouvrir les portes aux concepts pour les voyages en avion, le design ouvre une nouvelle normalité pour ce à quoi ressemblera la vie après Covid. Alors que nous restons plus conscients de ce que nous touchons et des germes que nous répandons, même de petites choses comme les passages pour piétons deviennent un point de contamination. C’est là que Foreward intervient.

Les concepteurs australiens ont remarqué que les gens recherchaient une solution mains libres pour appuyer sur le bouton aux passages pour piétons. En fait, ils ont observé que certaines personnes avaient même eu recours à des coups de pied, même si ces boutons sont placés à hauteur de taille. Ainsi, en collaboration avec ODO et Greenpoint Media, ils ont conçu Dropkick. Cette solution simple permet aux piétons la satisfaction d'appuyer sur le bouton tout en gardant leurs mains propres.

Dropkick est un bouton en aluminium en forme de pilule qui peut être placé à la base de n'importe quel poteau de signalisation. Il est rétroéclairé pour assurer la visibilité et permet facilement aux piétons de l'activer d'un simple coup de pied. Le bouton peut être une solution autonome ou utilisé en tandem avec des boutons pour piétons de hauteur standard.

Fait intéressant, Foreward note que dans de nombreuses villes, les passages pour piétons sont activés à l'aide de capteurs ou de minuteries en fonction de l'heure de la journée. Les boutons restent souvent en place comme placebo. «Se pourrait-il que ces boutons existent dans le seul but de satisfaire le besoin humain de se sentir comme s'ils avaient activement fait quelque chose pour réduire les temps d'attente, un peu comme le bouton« fermer »dans les ascenseurs», écrit la firme. "Nous soupçonnons qu'il ne pourrait pas y avoir de remplacement pour la tactilité d'un bouton physique."

À cette fin, Dropkick permet d'agir sans le souci des germes. Il a été démontré que des traces de coronavirus ont été trouvées sur de l'acier inoxydable pendant 72 heures maximum et il est à craindre qu'une désinfection constante ne puisse que renforcer certaines bactéries. Le bouton activé par le pied est une alternative intéressante qui donne aux gens plus de choix lorsqu'ils retournent dans le monde.

Dropkick est une solution innovante et mains libres pour appuyer sur le bouton du passage pour piétons.

Bouton pour piétons au bas d'un poteau de signalisation

L'idée est venue après que les concepteurs ont vu des gens donner des coups de pied aux boutons des passages piétons.

Personne, donner coup pied, piéton, croisement, bouton

Alors ils ont pensé, pourquoi ne concevons-nous pas quelque chose qui peut être lancé confortablement et en toute sécurité?

Personne, donner coup pied, a, piéton, bouton, à, leur, pied

Le bouton est rétroéclairé pour une visibilité facile.

Lampe piétonne mains libres Dropkick

Et en même temps, il contribue également à réduire la propagation des germes.

Lampe piétonne mains libres DropkickBouton pour piétons au bas d'un poteau de signalisationForeward: Site Web | Instagram
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Toutes les images via Foreward.

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Les meubles modulaires pour chats se transforment en art mural chic que les parents d'animaux adoreront

Meubles de chat modernes

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Bien que la plupart des meubles pour animaux de compagnie ne soient pas les plus élégants, le mode Cats crée des meubles de chat modernes qui se transforment en accessoires de maison contemporains. Les pièces artisanales comportent des étagères murales hexagonales et des lits de chat en forme d'icosaèdre qui non seulement ont fière allure, mais sont conçus en tenant compte des besoins de nos amis à fourrure.

Les chats peuvent être considérés comme des créatures paresseuses, mais ils ont encore besoin de beaucoup d'exercice et de divertissement. Les étagères murales Cats Mode encouragent les félins à grimper et à explorer. Et quand ils ont besoin d'un endroit pour se reposer, les étagères sont l'endroit parfait pour la sieste, car il est haut et hors de portée de toute perturbation. Vous choisissez le matériau du décor (contreplaqué de bouleau ou acrylique) et le nombre d'hexagones que vous souhaitez. Chaque pièce est modulaire, vous pouvez donc les monter sur votre mur comme vous le souhaitez.

Cats Mode vend également des lits de chat élégants et géométriques qui offrent non seulement un coin confortable pour votre animal de compagnie, mais ils s'intègrent également parfaitement dans la plupart des intérieurs modernes. Découvrez-les par vous-même ci-dessous, et si vous aimez ce que vous voyez, vous pouvez acheter dans la collection de meubles pour animaux de compagnie Cats Mode sur Etsy.

Cats Mode crée des meubles de chat modernes qui se transforment en accessoires de maison contemporains.

Meubles contemporains pour chatsMeubles contemporains pour chats

Ces étagères murales hexagonales modulaires sont non seulement superbes, mais elles encouragent les amis félins à jouer.

Meubles de chat modernesMeubles muraux pour chatsMeubles contemporains pour chatsDécor de chatDécor de chat

Ces lits de chat élégants et géométriques s'intègrent parfaitement dans la plupart des intérieurs modernes.

Meubles de chat modernesMobilier de chat moderne par Oh My WooodMobilier de chat moderne par Oh My WooodMobilier de chat moderne par Oh My WooodMode chats: Etsy
h / t: (donc super génial)

Toutes les images via le mode Chats.

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Le photographe redonne à New York en vendant des tirages en édition limitée pour COVID-19 Relief

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Vue depuis le toit à New York

Pour le photographe Navid Baraty, New York a une signification particulière. C'est à cet endroit qu'il a décidé d'abandonner sa carrière d'ingénieur et de poursuivre la photographie à plein temps. Bien que cela l'ait depuis conduit à des missions dans le monde entier, New York a continué d'être une inspiration créative. Et maintenant, à une époque où New York a besoin d'aide, il redonne.

Baraty vend une série de quatre tirages photo en édition limitée avec un pourcentage des bénéfices reversés au NYC COVID-19 Relief Fund. Ce fonds, géré par le bureau du maire, soutient les travailleurs de la santé et le personnel essentiel, les petites entreprises locales, les travailleurs horaires déplacés et les membres vulnérables de la population de New York. Baraty estime que 40% à 50% des recettes, selon les frais d'emballage et d'expédition, iront au fonds.

Avec New York City lui donnant tant, de manière créative et personnelle, il semblait naturel que Baraty redonne. «New York signifie tellement de choses pour moi, trop pour être énumérées ici», dit-il à My Modern Met. «Quand je pense à New York, je pense à une ville si dynamique et vibrante qu'elle vous inspire et vous met au défi à l'extrême en tant qu'artiste. Je pense à son incroyable diversité d’ethnies et de cultures que l’on ne trouve nulle part ailleurs sur Terre. Je pense aussi à la façon entièrement altruiste dont les habitants de New York se réunissent et se soutiennent mutuellement en cas de difficultés. »

Alors que Baraty fait face à ses propres difficultés pendant la pandémie en tant que pigiste – il n'a pas eu de tournage prévu depuis la mi-mars et l'avenir n'est pas clair – il voulait toujours utiliser ses talents pour faire sa part. Sa photographie nous rappelle à quel point la ville de New York est dynamique et résiliente et que si nous nous rassemblons en tant que communauté, nous pouvons tout surmonter.

Les tirages en édition limitée de Baraty en soutien au NYC COVID-19 Relief Fund sont disponibles à l'achat sur son site Web.

Le photographe Navid Baraty vend des tirages en édition limitée en soutien au NYC COVID-19 Relief Fund.

Vue à plat du toit à New YorkVue aérienne de personnes au pique-nique à New YorkHomme avec un parapluie marchant dans une tempête de neige à New York

Navid Baraty: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Navid Baraty.

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Un artiste voyageur peint des aquarelles exquises immortalisant l'architecture du vieux monde européen

Peinture à l'aquarelle de la cathédrale d'Aix-la-Chapelle

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La graphiste et aquarelliste russe Eleanor Mill a le don de capturer l'esprit du lieu. À travers ses croquis aquarellés architecturaux, elle documente les bâtiments avec des détails exigeants. En même temps, Mill imprègne son travail de la couleur et de la lumière qui confèrent à chaque environnement un caractère. Cela permet aux téléspectateurs de l'accompagner alors qu'elle place les souvenirs de ses voyages sur papier.

Se concentrant généralement sur l'architecture européenne du vieux monde, Mill est intrigué par la façon dont ces bâtiments représentent un témoignage de l'histoire face au changement. «Les bâtiments et les constructions autrefois créés par des personnes mais aujourd'hui tombés dans l'oubli ont une valeur inspirante pour moi», explique Mill à My Modern Met. "Ce sont des témoins silencieux de l'histoire. Ces géants dominant des villes densément peuplées préservent les souvenirs du moment de leur création jusqu'à ce que la dernière pierre tombe de leurs murs. »

Mill commence son processus créatif sur le terrain, dessinant à l'aquarelle pendant qu'elle voyage. «Dessiner en voyageant est une forme particulière d'exploration d'un nouvel espace, une opinion subjective exprimée par l'artiste à travers différents styles et accents», partage-t-elle. «Une photographie ordinaire capture l'instant tandis qu'une œuvre d'art est l'occasion de voir le monde à travers les yeux de l'artiste. De même, les croquis représentent mon opinion subjective et capturent mes impressions personnelles. »

De retour en studio, elle utilise ces croquis pour aider à définir ce qui deviendra une aquarelle entièrement réalisée. Non contente de copier ses observations directes, Mill aime se souvenir des émotions qu'elle a ressenties lors de l'esquisse ainsi que d'apporter des scénarios hypothétiques à chaque scène. «Je visualise mon imagination: que faire si les gens disparaissent d'une grande ville? Dans quelle mesure sommes-nous éphémères devant les géants centenaires créés par nos compatriotes? Complétons-nous la grandeur de la nature?

Les amateurs de peinture à l'aquarelle apprécieront que Mill documente abondamment son travail sur Instagram, leur donnant la possibilité de voir comment chaque pièce se développe. Ces photographies en cours montrent également la réflexion et le soin qui accompagnent le travail de Mill. De la palette de couleurs à la sélection du bon pinceau, chaque décision est soigneusement pesée afin de concrétiser sa vision.

Pour ceux qui souhaitent posséder une œuvre de Mill, elle vend ses impressions et originaux sur Etsy.

L'artiste aquarelliste Eleanor Mill est connue pour ses incroyables peintures architecturales.

Peinture à l'aquarelle de l'hôtel de ville de Louvain par Eleanor MillPeinture à l'aquarelle de l'hôtel de ville de Louvain en cours par Eleanor MillPeinture à l'aquarelle de Namur, Belgique par Eleanor Mill in ProgressPeinture à l'aquarelle de Namur, Belgique par Eleanor MillPeinture à l'aquarelle de Bernkastel-Kues, Allemagne par Eleanor MillAquarelliste Peinture ArchitecturePeinture à l'aquarelle de Namur, Belgique par Eleanor MillPeinture à l'aquarelle de Namur, Belgique par Eleanor MillPeinture à l'aquarelle des murs de Bouillon en Belgique par Eleanor Mill

Elle documente souvent son processus créatif sur Instagram, du croquis à l'aquarelle terminée.

Dessin architectural d'Aix-la-Chapelle par Eleanor MillArtiste Eleanor Mill Peinture Image d'Aix-la-ChapelleDétail aquarelle de fenêtre gothique

Mill s'inspire des croquis et des dessins qu'elle crée en voyage.

Croquis aquarelle de l'île Roosevelt par Eleanor MillCroquis aquarelle de l'île Roosevelt par Eleanor MillDessin aquarelle de Francfort par Eleanor MillCroquis aquarelle de Saint-Pétersbourg

Non limitée à l'aquarelle, elle crée également de superbes dessins architecturaux au crayon.

Dessin architectural de l'Abbaye de VillersDétail du dessin architectural de l'abbaye de VillersCroquis au crayon du manoir Ungru en Estonie par Eleanor MillCroquis au crayon du manoir Ungru en Estonie par Eleanor MillEleanor Mill: Site Web | Instagram | YouTube | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Eleanor Mill.

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Redbubble a une grande vente sur leurs masques en tissu décorés par des artistes

Masques faciaux en tissu

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Alors que les lieux commencent à rouvrir lentement, il est important que nous prenions les mesures nécessaires pour une distanciation sociale responsable. Cela comprend en partie le port de masques faciaux en public, surtout lorsqu'il est difficile de maintenir six pieds d'espace, comme dans une épicerie ou une pharmacie. Heureusement, les artistes ont facilité le port de masques en y mettant leurs illustrations. Ce faisant, ils rendent les revêtements en tissu à la fois pratiques et à la mode. Marché en ligne Redbubble propose une vaste sélection de masques en tissu décorés par des artistes; et pour le Memorial Day, ils sont offrant 25% de réduction sur toute leur sélection lorsque vous utilisez le code MASK25 à la caisse. Mais vous devez agir vite; le code de réduction est valable uniquement pour le 25 mai 2020.

Parce que vous quitterez probablement votre maison plus d'une fois par semaine, c'est une bonne idée de prendre plusieurs masques, en particulier parce que les professionnels de la santé vous conseillent de les «traiter comme des sous-vêtements» et de les laver après chaque utilisation. Cela vous donne la possibilité de sélectionner plusieurs styles. Des modèles inspirés de la culture pop aux jolis motifs, vous êtes sûr de trouver au moins quelques masques que vous voudrez porter.

Faites défiler vers le bas pour certains de nos masques en tissu préférés de Redbubble, et consultez leur sélection complète (de plus de 21 000 modèles!) Sur leur site Web.

Redbubble vend des masques réutilisables qui vous aideront à vous conformer aux directives du CDC.

Happy Boho Sloth Floral

Masques faciaux en tissu

Micklyn | 12,49 $

Délice de dinosaure

Masques réutilisables

Gingerlique | 12,49 $

Ils offrent 25% de réduction sur toute leur sélection lorsque vous utilisez le code MASK25 à la caisse. C'est bon pour une journée le 25 mai 2020.

Grande vague: la nuit de Kanagawa

Masques faciaux en tissu

Rapplatt | 13,01 $

Toile d'araignée

Masques faciaux en tissu

Clockworkheart | 12,18 $

Bébé inspiré par Yoda

Masques réutilisables

WizzlesEmporium | 13,01 $

Floral minuit

Masques faciaux en tissu

Esther Fallon Lau | 13,01 $

Gravity III

Masques réutilisables

GalaxyEyes | 12,49 $

Menu déroulant

Masques faciaux en tissu

KinguOmega | 12,49 $

Délice de dinosaure

Masques réutilisables

Gingerlique | 12,49 $

Jolly Corgis

Masques faciaux en tissu

Colordrilos | 12,49 $

Van in Time

Masques réutilisables

Créateur Freak | 12,49 $

fleur de cerisier

Masques faciaux en tissu

MagentaRose | 12,70 $

Redbubble: Site Web | Instagram | Facebook

Toutes les images via Redbubble.

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Un duo ludique capture le plaisir et la joie d'interagir avec l'architecture

Photographie architecturale originale

Le duo créatif Daniel Rueda et Anna Devís trouvent merveille dans des endroits apparemment ordinaires. En tant que deux anciens architectes, ils incorporent des éléments de bâtiments dans leurs compositions fantaisistes dans lesquelles un modèle (souvent Devís) est parfaitement coordonné avec différentes façades ou se fond dans le paysage.

«Nos antécédents en architecture ont complètement façonné notre façon de voir le monde», explique Rueda à My Modern Met. "En fait, je suis presque sûr que nous ne le ferions pas si nous n'avions pas étudié ce degré particulier." Les voyages, même s’ils se déroulent dans la même ville, font partie intégrante du processus de Rueda et Devís. "Pour nous, chaque image doit raconter une histoire différente et, pour ce faire, elle a besoin d'un endroit unique pour être raconté."

Les photographies dépendent également de la précision. Un modèle, par exemple, doit se tenir à un endroit précis, à un certain endroit, pour maintenir les illusions qui sont une partie essentielle de son travail. "Il n'y a rien d'aléatoire ou de fortuit dans notre travail", révèle Rueda. «Nous pouvons décider de chaque élément et comment il affecte le récit de l'image. Cela nous permet également de poursuivre un certain type d'humeur et de ton qui nous aide à construire un portfolio cohérent d'images où, même si chaque photographie raconte une histoire différente, elle le fait de manière très homogène. »

Parce que la planification est nécessaire, toutes les compositions commencent par un croquis. Ils réfléchissent au projet et Devís le traduit en «petits dessins» qui transforment les idées en réalité. «Dans cette partie du processus, nous réalisons généralement que nous avons besoin de quelque chose qui doit être produit, comme un morceau de Tetris à taille humaine ou un rouleau à peinture de couleur arc-en-ciel, par exemple. Tous nos accessoires sont faits à la main, c'est pourquoi certaines de nos images mettent si longtemps à prendre vie! "

Un sentiment commun qui vient du travail de Rueda et Devís est celui de la merveille – vous ne pouvez pas vous empêcher de vous demander comment ils trouvent autant de lieux incroyables. «Aussi importants que les accessoires nécessaires à l'image sont d'autres choses comme la tenue du modèle et l'emplacement de l'ensemble. Ces deux variantes jouent toujours un rôle très important dans notre travail, c'est pourquoi nous passons autant de temps à rechercher des lieux et des vêtements uniques, même lorsque nous ne travaillons pas sur un projet particulier. »

Ainsi, même si les images peuvent sembler «simples», elles sont tout sauf cela. «À première vue, on pourrait probablement penser que la plupart de nos images ne sont pas très difficiles à capturer en raison de leur apparence modeste. Mais, au fil des années, nous avons appris que parvenir à ce niveau de simplicité est vraiment, vraiment compliqué; ce qui fait du processus de création de chaque image une aventure complètement différente et unique! »

Le duo créatif Daniel Rueda et Anna Devís mettent en valeur la beauté des bâtiments dans leur photographie architecturale originale.

Photographie originale par Daniel RuedaPhotographie architecturale originalePhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie intelligente par Daniel RuedaPhotographie intelligente par Daniel RuedaPhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie originale par Daniel RuedaPhotographie architecturale originalePhotographie architecturale originalePhotographie originale par Daniel RuedaBâtiment rosePhotographie intelligente par Daniel RuedaDaniel Rueda: Site Web | Instagram
Anna Devís: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Daniel Rueda.

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Art Light par Chris Wood Light Art

Photo: Hu’s Art

L'artiste Chris Wood considère la lumière dans son œuvre de la même manière qu'un peintre pigmenterait. Bien que le contrôle de l'éclairage présente un défi plus important que les huiles ou les acryliques, Wood a appris à manier le soleil à son avantage. «Je travaille avec la lumière comme matériau et j'utilise tout ce qui me permet de la manipuler», explique-t-elle à My Modern Met, «afin d'attirer l'attention sur ce phénomène magique.» Les résultats sont de magnifiques installations artistiques qui produisent des reflets vibrants et des fragments de couleur de notre monde dans des tons néons.

«J'ai étudié le design de meubles dans les années 80 et le premier projet a été de concevoir un luminaire», se souvient Wood, «et cela m'a ouvert les yeux sur le potentiel de travailler avec la lumière comme médium principal. J'ai ensuite étudié le verre au Royal College of Art où j'ai rencontré le dichroïque pour la première fois. » Le dichroïque est un revêtement développé par la NASA au milieu du 20e siècle. «Cela m'a absolument fasciné, mais j'ai eu du mal à trouver un moyen de travailler avec ce matériau incroyablement complexe d'une manière dont j'étais satisfait.»

Il a fallu 10 ans à Wood et un déménagement dans les Fenlands, une plaine côtière plate de l'est de l'Angleterre, pour comprendre comment elle pouvait utiliser le filtre spécial. «J'explorais l'utilisation de matériaux réfléchissants contre les lignes fortes du paysage de la région», dit-elle. "Ce fut un moment d'ampoule pour moi (littéralement)." De son moment a-ha, elle savait qu'elle devait changer la façon dont elle utilisait le dichroïque. «Je me suis vite rendu compte, comme le paysage qui m'entourait, que mon travail avec le dichroïque devait être réduit, supprimé des frivolités afin de permettre au matériau d'illustrer le dialogue étonnant qu'il entretient avec la lumière.»

Mur léger, située à Taipei, est l'une des dernières installations spécifiques au site de Wood qui utilise le dichroïque. Il comprend plus de 2500 ailettes en verre filtré qui sont positionnées autour du périmètre du dernier étage du National Convention and Exhibition Centre. Leur placement est symbolique et spécifique à Taiwan et à sa culture. "Les lanternes rouges sont un symbole de la vie en plein essor et des affaires prospères dans la culture chinoise", explique une déclaration sur le travail. "Chris a traduit l'expression" lanterne rouge "dans les langues des 19 principaux partenaires commerciaux de Taiwan en code binaire. Ce code a dicté le placement des ailettes autour des murs-rideaux. » Lorsque le soleil brille dans le bâtiment, il crée des ombres brillantes qui ajoutent un peu de fantaisie à celles qui les rencontrent.

Installation d'art léger de Chris Wood Mur léger est une exposition éblouissante située dans le centre national de conventions et d'expositions de Taipei.

Installation Light Art par Chris Wood

Photo: Hu’s Art

À l'aide d'un filtre spécial appelé dichroïque, le revêtement conçu par la NASA crée des reflets brillants lorsqu'ils interagissent avec la lumière.

Installation Light Art par Chris Wood

Photo: Hu’s Art

Installation Light Art par Chris Wood

Photo: Hu’s Art

Installation de Chris Wood

Photo: Hu’s Art

Installation Light Art par Chris Wood

Photo: Hu’s Art

Installation Light Art par Chris Wood

Photo: Hu’s Art

Installation de Chris Wood

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Tatouages ​​surréalistes à lignes fines inspirés de sujets scientifiques et étranges

Idée de tatouage par Michele Volpi

Le tatoueur Michele Volpi crée un art corporel surréaliste conçu à partir de détails finement encrés. Dépourvu de couleur, son style de dessin délicat est au centre de son travail. Sa technique de choix est appelée dotwork, dans laquelle de minuscules points composent les images. Jumelé à des lignes fines, il représente des œuvres d'art célèbres, des diagrammes d'inspiration vintage et l'intérieur du corps humain.

Volpi a toujours eu un intérêt pour l'art, même s'il a fréquenté une école technique – il dessinait toujours. «Mon désir de« doigts dans de nombreuses tartes »m'a amené à trouver un moyen d'exercer ma passion», dit-il à My Modern Met. Après avoir reçu un kit de démarrage de tatouage d'un ami, il est tombé amoureux de cette facette de l'art et a persévéré à travers les moments difficiles qui viennent d'apprendre quelque chose de nouveau. «C'était un chemin difficile à parcourir, mais je le voulais vraiment», se souvient-il.

«Au début, après avoir essayé de nombreuses techniques de dessin, le dotwork et le dessin au trait étaient deux de mes préférés, à tel point que j'ai commencé à faire des croquis en les utilisant.» Inspirée par la géométrie, la nature, l'étrange autant que le scientifique, l'évolution du travail de Volpi ne s'arrête jamais. «J'aime me pousser tous les jours à trouver l'inspiration autour de moi et à essayer d'aller au-delà du superficiel dans ce que je vois.»

Le tatoueur Michele Volpi crée des tatouages ​​dotwork surréalistes inspirés de la géométrie, de la nature, ainsi que de l'étrange et du scientifique.

Tatouage Dotwork par Michele VolpiTatouage Dotwork par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiTatouage Dotwork par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiTatouage Dotwork par Michele VolpiTatouage Dotwork par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiIdée de tatouage par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiTatouage Dotwork par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiTatouage Surréaliste par Michele VolpiMichele Volpi: Instagram

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Le photoshoot du nouveau-né «Friends» est rempli d'accessoires de la célèbre sitcom

Accessoires de séance photo pour nouveau-né

La sitcom emblématique copains créée il y a près de trois décennies, mais son influence culturelle reste indéniable même aujourd'hui. La photographe Mandy Penn fait découvrir une nouvelle génération à la série bien-aimée avec une adorable séance photo pour nouveau-né. Le créateur, «obsédé par copains»A conçu un ensemble thématique et habillé six bébés en tant que membres de la distribution et personnages spéciaux.

Penn a eu l'idée de cette séance photo spéciale grâce à son copain Ali, un ami copains amant et une nouvelle maman à un ensemble de jumeaux. Avec le concept à l'esprit, Penn a commencé à planifier. Cela a fini par prendre un village pour que le concept se réunisse et se transforme en quelque chose de spectaculaire.

Penn et Ali ont commencé par faire une liste d'accessoires qu'ils voulaient inclure dans les photos. Cette étape s'est avérée cruciale, copains-les objets à thème sont ce qui rend les images si amusantes et réussies. Plus important encore, Penn savait qu'ils avaient besoin du célèbre canapé rouge comme on le voit dans Central Perk. Cet article incroyable a été rendu possible par son amie Danielle Shunk qui est arrivée avec le canapé rembourré miniature personnalisé en seulement cinq jours. La décoration du canapé (et des bébés) a été rendue possible par l'amie de Penn, Denise, qui a fabriqué les accessoires en crochet comme les chapeaux de homard et la tête de dinde.

Une fois la planification terminée, Penn était profondément satisfait de voir tous les bébés sur le canapé. Témoin de sa passion et de sa vision créative, chaque photo regorge d'articles qui copains les fans vont adorer. Faites défiler vers le bas pour voir les portraits adorables et voir combien de détails vous pouvez identifier.

La photographe Mandy Penn a créé un adorable photoshoot nouveau-né inspiré par son amour de la sitcom Copains.

Idées de séance photo pour nouveau-né

Rachel

Idées de séance photo pour nouveau-né

Monica

Idées de séance photo pour nouveau-né

Chandler

Idées de séance photo pour nouveau-né

Joey

Idées de séance photo pour nouveau-né

Ross

Accessoires de séance photo pour nouveau-né

Phoebe

Accessoires de séance photo pour nouveau-né

Tatou de vacances, Père Noël et Superman

Accessoires de séance photo pour nouveau-né

Monica, Rachel et Phoebe dans leurs robes de mariée

Accessoires de séance photo pour nouveau-né

Il est son homard!

Mandy Penn: Site Web | Facebook | Instagram

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Photo d'architecture

Mosquée Emam d'Ispahan, Iran

L'artiste Fatemeh Hosein Aghaei souligne la beauté des mosquées fascinantes qui encapsulent des intérieurs saisissants. En se concentrant sur l'architecture iranienne historique – et en particulier sur la province d'Ispahan – les superbes photographies présentent des pièces baignées de motifs vertigineux qui s'étendent du sol au plafond. Hosein Aghaei recadrera souvent ses photos avec l'appareil photo pointé vers le haut afin que toute la composition soit remplie de motifs colorés, d'arcades et de dômes. Vous pouvez facilement vous perdre dans la sensation d'un autre monde de ses images.

L’inspiration pour les photographies de Hosein Aghaei vient de sa vénération pour l’architecture iranienne. «La chose la plus importante pour moi est de montrer la beauté de l'architecture traditionnelle iranienne aux gens du monde», dit-elle à My Modern Met, «et c'est une tâche très difficile car même dans les meilleures conditions, ce n'est pas possible pour mettre toute cette beauté dans un seul cadre. "

Hosein Aghaei a un processus dans lequel elle prend ses photos, qui sont toutes prises à l'aide d'un Canon 5D Mark III. «Les photographies de bâtiments commencent généralement par une image de l'intérieur ou de l'extérieur capturée par l'objectif grand angle et le plus souvent à partir d'un angle faible», explique-t-elle. "Pour la photo suivante, j'essaie de capturer des détails sur ces bâtiments qui attirent mon attention et la plupart du temps ils ne suffisent pas, alors j'essaie de prendre une photo de ce bâtiment avec plus d'un élément sur la photo." Cela ferait partie du plafond et de l'autel, par exemple.

Après avoir pris plusieurs photos, elle a une directive pour savoir si elle a bien pris la photo. "Je regarde la photo et si je peux montrer la moitié de cette beauté, j'ai fait mon travail."

L'artiste Fatemeh Hosein Aghaei capture la beauté intérieure saisissante de l'architecture iranienne.

Photo de la mosquée

Mosquée Sheikh Lotfollah à Ispahan, Iran

Elle se concentre sur les mosquées de la province d'Ispahan.

Photo de l'architecture iranienne

Mausolée de Sheykh Abdussamad

Photo d'architecture

Mosquée Agha Bozorg de Kashan

Photo de la mosquée

Jardin Dowlatabad de Yazd

Photo de l'architecture iranienne

Mosquée Agha Bozorg de Kashan

Photo de la mosquée

Palais Ali Qapu d'Ispahan, Iran

Photo d'architecture

Mosquée Sheikh Lotfollah à Ispahan, Iran

Photo d'architecture

Mosquée Jameh d'Ispahan, Iran

Fatemeh Hosein Aghaei: Instagram

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Les cartographes cachent secrètement des illustrations dans les cartes de la Suisse depuis des décennies

Illustrations cachées dans les cartes suisses

Marmotte

Le travail de cartographe laisse peu de place à la créativité, car les cartes devraient fournir une représentation précise d'un lieu. Depuis plusieurs décennies, cependant, les cartographes travaillant pour l'Office fédéral suisse de topographie ont subtilement défié leur rôle en insérant secrètement des illustrations cachées dans les cartes officielles de la Suisse.

D'une marmotte cachée parmi les courbes de niveau des Alpes suisses à un poisson se fondant dans les rainures d'une réserve naturelle française, il est difficile de croire que ces dessins sont restés inaperçus pendant tant d'années. En fait, le rendu d'une femme nue est resté caché pendant près de 60 ans dans la commune d'Egg, située dans le nord de la Suisse. Sa forme incurvée et inclinée a été composée en 1958 à partir d'un marais vert et de lignes de rivière bleues. La femme nue n'a été retrouvée qu'en 2012, et même la marmotte est restée inaperçue pendant cinq ans. De courtes lignes parallèles indiquant les pentes montagneuses ont doublé à mesure que la fourrure de la créature, et son visage, sa queue et ses pattes étaient cachés avec un ombrage en relief intelligent.

On ne sait pas pourquoi les cartographes ont décidé d’inclure ces œufs de Pâques. Peut-être que les griffonnages cachés sont un clin d'œil aux créatures marines illustrées et autres bêtes mythiques des cartes anciennes, ou peut-être que les cartographes voulaient juste s'amuser un peu. Mais trouver l'un de ces dessins signifie que le cartographe a échappé à l'une des institutions de cartographie les plus prestigieuses au monde – chaque carte Swisstopo subit un processus de relecture rigoureux.

Une fois ces illustrations trouvées, elles rencontrent un sort malheureux; ils sont supprimés de la prochaine édition des cartes et disparaîtront de la circulation. Un porte-parole de Swisstopo a déclaré à Eye on Design: "La créativité n'a pas sa place sur ces cartes." Malgré cela, nous pensons que ces illustrations secrètes doivent être célébrées comme si elles étaient les véritables trésors cachés des cartes.

Depuis plusieurs décennies, les cartographes travaillant pour l'Office fédéral suisse de topographie insèrent secrètement des illustrations cachées dans les cartes officielles de la Suisse.

Illustrations cachées dans les cartes suisses

Promeneur

Illustrations cachées dans les cartes suisses

Poisson

Illustrations cachées

Araignée

Ce dessin subtil d'une femme nue est resté caché pendant près de 60 ans.

Illustrations cachées dans les cartes suisses

Femme allongée

Illustrations cachées dans les cartes suisses

Visage de dessin animé

Swisstopo: Site Web | Facebook | Twitter
h / t: (Swissmiss, Eye on Design)

Toutes les images via Eye on Design / Swisstopo.

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Comment les camps d'internement ont façonné en profondeur les sculptures célèbres de Ruth Asawa

La création d'art peut fournir une lueur d'espoir pendant les temps sombres. De nombreux artistes de l'histoire – comme Frida Kahlo et Vincent van Gogh – ont produit certaines de leurs meilleures œuvres pendant les périodes d'isolement, de détention ou de maladie. L'artiste américano-japonaise Ruth Asawa (1926 – 2013) a été l'une de ces créatrices qui ont fait preuve de résilience tout au long de sa vie. Avec sa famille et d'autres Américains d'origine japonaise, elle a été injustement détenue dans un camp d'internement après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en 1942. Elle n'avait que 16 ans à l'époque, mais malgré les difficultés, Asawa a commencé à dessiner et à peindre.

«Parfois, le bien passe par l'adversité», a expliqué Asawa en 1994, à l'âge de 68 ans. «Je ne serais pas qui je suis aujourd'hui sans l'internement, et j'aime qui je suis.»

Qui était Ruth Asawa?

Ruth Asawa était une artiste américaine plus connue pour ses sculptures en fil de fer complexes et suspendues basées sur des formes organiques. Elle est née le 24 janvier 1926 à Norwalk, en Californie, d'immigrants japonais. Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en 1942, elle a été détenue pendant 5 mois sur la piste de course de Santa Anita en Californie avant d'être envoyée dans un camp d'internement à Rohwer, Arkansas pour le reste de sa période de détention de 18 mois. Pendant ce temps, elle a rencontré plusieurs dessinateurs de Disney – qui étaient également détenus au camp – qui l'ont inspirée à commencer à dessiner et à peindre. Une fois libérée, elle a consacré le reste de sa vie à son art et a également été militante et mentor en éducation artistique.

La vie d'Asawa pendant l'internement

Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, le gouvernement américain est devenu paranoïaque que les Américains japonais se lèveraient contre le pays. Bien qu'il n'y ait pas eu une telle action pour justifier leur décision, environ 120000 personnes d'ascendance japonaise vivant aux États-Unis ont été expulsées de leurs maisons et contraintes de vivre dans des camps d'internement. Parmi ces personnes, 40 000 étaient des enfants.

En février 1942, le père d'Asawa, Umakichi – un fermier de 60 ans qui vivait aux États-Unis depuis 40 ans – a été arrêté et emmené dans un camp au Nouveau-Mexique. Asawa ne l'a pas vu pendant près de deux ans, et elle, sa mère et ses cinq frères et sœurs ont été envoyés sur la piste de course de Santa Anita à Arcadia, en Californie. Ils y ont vécu cinq mois dans deux box à chevaux. "La puanteur était horrible", se souvient Asawa. "L'odeur de crottin de cheval n'a jamais quitté l'endroit pendant tout notre séjour."

Parmi les personnes détenues figuraient des animateurs de Walt Disney Studios. Ils ont enseigné l'art dans les tribunes de la piste de course, marquant le début de la formation artistique d'Asawa.

En septembre, la famille Asawa a été envoyée dans un camp d'internement à Rohwer, Arkansas. Construit à côté d'un marais et entouré de huit tours de guet et de barbelés, il contenait 8 000 Américains d'origine japonaise. "Il y avait des lignes pour tout", se souvient Asawa. «Je crois que la moitié de notre temps a été consacrée à faire la queue.» Même l'eau était insalubre. "Ça sentait les œufs pourris", se souvient Asawa. "La seule façon dont il était à moitié acceptable était de le faire bouillir et de faire du thé."

Malgré les conditions difficiles, Asawa a passé le reste de sa période de confinement à dessiner et à peindre. En août 1943, la War Relocation Authority lui a délivré une carte d'identité qui lui a permis de se rendre à Milwaukee, dans le Wisconsin. Là, elle a fréquenté le Milwaukee State Teachers College, avec l'intention de devenir professeur d'art. Le jeune artiste a cependant fait face à plus d'adversité. Rencontrée par la discrimination, elle n'a pas pu terminer ses études ou trouver un emploi dans l'enseignement.

"On m'a dit qu'il pourrait être difficile pour moi, avec les souvenirs de la guerre encore frais, de travailler dans une école publique", a rappelé Asawa. «Ma vie pourrait même être en danger. Ce fut une aubaine, car cela m'a encouragé à suivre mon intérêt pour l'art, et je me suis ensuite inscrit au Black Mountain College en Caroline du Nord. »

La vie au Black Mountain College

Connu pour ses méthodes d'enseignement progressives, le Black Mountain College a placé la pratique des arts au centre du programme et a rendu les étudiants responsables de leur propre éducation. Asawa y est arrivée à l'été 1946, et l'expérience s'est avérée être formatrice dans son développement en tant qu'artiste. Elle a été particulièrement influencée par ses professeurs et a rencontré l'étudiant en architecture Albert Lanier, qu'elle a épousé plus tard en 1949.

"Les enseignants y pratiquaient des artistes, il n'y avait pas de séparation entre l'étude, l'exécution des tâches quotidiennes et les relations avec de nombreuses formes d'art", a déclaré Asawa. «J'y ai passé trois ans et j'ai rencontré d'excellents professeurs qui m'ont suffisamment stimulé pour durer toute ma vie – Josef Albers, peintre, Buckminster Fuller, inventeur, Max Dehn, mathématicien et bien d'autres. Grâce à eux, j'ai compris l'engagement total requis pour être artiste. »

Après avoir quitté Black Mountain College en 1949, Asawa a régulièrement produit de l'art au cours de plus d'un demi-siècle, créant un ensemble impressionnant de dessins abstraits sur papier et de sculptures qui ont défini sa carrière.

Sculptures en fil d'Asawa

En 1947, un artisan mexicain a enseigné à Asawa comment tisser des paniers en fil de fer, ce qui a inspiré ses propres structures uniques. Souvent suspendues au plafond, ses créations étonnantes sont comme des lanternes à treillis complexes et des orbes délicats et gonflants. Asawa a créé ces œuvres en bouclant, tordant et nouant de longs morceaux de fil jusqu'à ce que les formes inspirées de la nature soient créées.

Le jardin d'Asawa a inspiré les motifs organiques trouvés dans son travail. Elle explique: «Ma curiosité a été suscitée par l'idée de donner une forme structurelle aux images de mes dessins. Ces formes proviennent de l'observation des plantes, de la coquille en spirale d'un escargot, de la lumière à travers les ailes d'insectes, de l'observation des araignées réparer leurs toiles tôt le matin et du soleil à travers les gouttelettes d'eau suspendues au bout des aiguilles de pin pendant l'arrosage de mon jardin. . "

Asawa décrit son travail comme «une maille tissée, semblable au courrier médiéval. Un fil continu, les formes enveloppent les formes intérieures, mais toutes les formes sont visibles (transparentes). L'ombre révélera une image exacte de l'objet. "

Le travail d'Asawa a été exposé dans des musées et des galeries du monde entier. En outre, le United States Postal Service a récemment annoncé qu'il sortira dix timbres représentant ses œuvres en boucle pour célébrer l'artiste et sa carrière prolifique.

Les dernières années d'Asawa

L'héritage d'Asawa s'étend bien au-delà de son œuvre. Elle croyait que l'art appartenait à la communauté et était une partie essentielle de la vie, elle est donc devenue une force majeure dans la fondation de l'éducation artistique publique pour les enfants à San Francisco, où elle a vécu pendant ses dernières années.

En 1968, Asawa a cofondé l'Atelier des arts de l'école Alvarado avec son amie Sally Woodbridge. Avec un peu plus que des cartons de lait, des bouts de fils et de l'argile de boulanger, ils ont créé un programme innovant qui a permis à tout enfant (quel que soit son revenu) l'opportunité d'explorer son potentiel artistique avec l'aide d'artistes professionnels. À peu près à la même époque, Asawa est devenue membre de la Commission des arts de San Francisco, où elle a réussi à persuader les politiciens et les fondations caritatives de soutenir des programmes artistiques qui bénéficieraient aux jeunes enfants de San Francisco. L'Alvarado School Arts Workshop a été introduit dans 50 écoles publiques de San Francisco et employait des artistes, des musiciens, des jardiniers et des milliers de parents d'élèves.

Asawa a ensuite rejoint le California Arts Council, le National Endowment for the Arts, et elle est devenue administratrice des Fine Arts Museums de San Francisco. En 2010, le lycée public des arts de San Francisco a été nommé Ruth Asawa San Francisco School of the Arts en son honneur.

Asawa est décédée de causes naturelles le 5 août 2013 à son domicile à l'âge de 87 ans, mais son héritage continuera sans aucun doute à perdurer.

Ruth Asawa: site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via la succession de Ruth Asawa.

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Les plans d'étage illustrés présentent l'architecture et la scénographie des films préférés

Plan d'étage illustré de parasite par Plan d'étage Croissant

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L'artiste Boryana Ilieva examine l'architecture du film et la scénographie dans son projet Plan Croissant. Cette série continue de plans d'étage méticuleusement peints capture les espaces cinématographiques de films célèbres comme Parasite (2019), Roma (2018) et Appelle-moi par ton nom (2017).

L'idée de la série a commencé après qu'Ilieva a assisté à une conférence en 2014 de l'architecte finlandais Juhani Pallasmaa. Dans le discours, Pallasmaa élabore sur son livre L'architecture de l'image, qui explore l'espace vécu de cinq films de quatre réalisateurs emblématiques: Hitchcock, Tarkovsky, Antonioni et Kubrick. En tant qu'architecte et cinéphile elle-même, Ilieva a été intriguée par la relation entre le cinéma et l'architecture et a commencé à étudier elle-même des films notables.

Selon sa déclaration d'artiste, le travail d'Ilieva est basé sur «l'extraction de plans d'étage de maisons de personnages principaux». Elle passe un temps considérable à enquêter sur chaque film et à tracer l'architecture sur du papier millimétré. Ensuite, Ilieva dessine un délicat croquis au crayon sur du papier, qu'elle remplit ensuite de couches d'aquarelle. Sa compréhension magistrale de la couleur et son souci du détail font briller ses plans d'étage à la fois comme des peintures d'art et des relevés analytiques de mondes cinématographiques uniques. Avec son crayon et son pinceau, Ilieva construit des pièces, des bâtiments et des lieux qui se sentaient auparavant intangibles.

Vous pouvez acheter des tirages de Plan Croissant via Société6et toutes les peintures originales disponibles sur le site d'Ilieva site Internet.

Projet en cours de l'artiste Boryana Ilieva Plan Croissant étudie l'architecture et la scénographie de différents films et émissions de télévision.

Plan d'étage illustré de parasite par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de parasite par Plan d'étage Croissant

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=lVLPUi-vvmo (/ intégré)

Elle rend soigneusement les espaces cinématographiques de films tels que Parasite (2019), Roma (2018) et Appelle-moi par ton nom (2017).

Plan d'étage illustré de Appelez-moi par votre nom par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Portrait de Roma par Plan d'étage Croissant

Ces plans d'étage sont peints à l'aquarelle et capturent à la fois les détails et l'atmosphère de différents décors.

Plans d'étage du film Wes Anderson par Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré de Darjeeling Limited par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Darjeeling Limited par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de l'hôtel Chevalier par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de l'hôtel Chevalier par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Portrait d'une dame en feu par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Get Out by Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré de Blade Runner par Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré de The Dreamers par Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré de velours bleu par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Stealing Beauty par Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré des yeux Wide Shut par Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré de fil fantôme par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Last Tango à Paris par Plan d'étage CroissantPlan d'étage illustré de Portrait of Stranger Things par Floor Plan CroissantPlan d'étage illustré de Matrix par Floor Plan CroissantPlan du Croissant: Site Web | Society6 | Facebook | Instagram | Youtube | Patreon

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Violons décorés de Leonardo Frigo

L'artiste italien Leonardo Frigo utilise des instruments à cordes comme base pour des peintures narratives ornées. Son travail unique en son genre embellit les surfaces des violons et des violoncelles avec des dessins audacieux, des symboles saisissants et du texte intégré. Ces ajouts créatifs rendent les pièces non seulement fonctionnelles comme instruments de musique, mais aussi comme livres de contes.

Avant de déménager à Londres, Frigo a obtenu un diplôme en restauration d’art de l’Università Internazionale dell’Arte de Venise, en Italie. Il a étudié le violon pendant cinq ans et a expérimenté différentes façons d'enlever le vernis et de décorer la surface en dessous. Une fois que l'artiste a trouvé la bonne consistance de l'encre de Chine spécialisée, qui coulerait bien de sa plume mais resterait noire et durable, il s'est lancé dans des projets d'illustration ambitieux. Frigo maintient sa pratique artistique méticuleuse aujourd'hui, et cela peut prendre en moyenne trois semaines pour dessiner sur chaque violon. Une fois l'illustration terminée, il garantit la qualité et la longévité des instruments en appliquant du vernis et en rattachant les cordes.

Parmi les œuvres les plus célèbres de Frigo figurent des représentations des «Seven Deadly Sins» et des «Four Seasons», qui ont été exposées en Europe et en Asie, notamment en Italie, en Corée du Sud, en France et en Angleterre. Actuellement, il en est à quatre ans dans sa plus grande entreprise à ce jour: illustrant l’intégralité de Dante Alighieri Enfer, avec un violon pour chacun des 33 cantos ainsi qu'un violoncelle. Il a l'intention de terminer le projet d'ici 2021 pour le 700e anniversaire de la mort de Dante.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de violons décorés de Frigo et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations. Les instruments décorés de Frigo sont disponibles à l'achat via son site Web.

L'artiste italien Leonardo Frigo décore les surfaces des violons et violoncelles avec des dessins complexes à l'encre.

Violons décorés de Leonardo Frigo

Ces pièces uniques sont conçues pour être à la fois des instruments fonctionnels et des livres de contes visuels.

Violons décorés de Leonardo Frigo

Frigo a illustré des instruments pour les «Seven Deadly Sins» et les «Four Seasons».

Violons décorés de Leonardo Frigo

Actuellement, l'artiste italien crée une série élaborée qui suit celle de Dante Alighieri Enfer.

Violons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo FrigoViolons décorés de Leonardo Frigo

Découvrez le processus de Frigo dans la vidéo ci-dessous:

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Leonardo Frigo: Site Web | Instagram

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Portrait du Dr Seuss

Al Ravenna, «Ted Geisel (Dr. Seuss)», 1957 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))
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En ce qui concerne la fantaisie, pensez à Dr. Seuss un expert. Connu pour célébrer la bêtise, l’auteur américain a écrit et illustré des livres pour enfants présentant des images fantaisistes et des mots rimés pleins d’esprit. Bien que ces travaux soient venus pour définir la carrière du Dr Seuss, la rédaction de livres ludiques n'était pas sa seule passion.

Avant et après des titres comme Le chat dans le chapeau frappé les étagères, le Dr Seuss lui-même a essayé de nombreux chapeaux différents. Croyant que «vous pouvez vous diriger dans la direction que vous choisissez», il a exploré – et excellé dans – un certain nombre de voies créatives possibles. D'un premier concert de montage à un doctorat honorifique, ces différents «chapeaux» ont contribué à façonner une carrière colorée surmontée d'un héritage tout aussi dynamique.

Voici les tenants et aboutissants de la carrière créative du Dr Seuss:

Éditeur de magazine

Signature du Dr Seuss

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Le 2 mars 1904, Theodor Seuss Geisel est né à Springfield, Massachusetts. Son double nom de famille allemand était une fusion du nom de jeune fille de sa mère, Seusset le nom de famille de son père, Geisel.

Jeune adulte, «Ted» Geisel a fréquenté le Dartmouth College dans le New Hampshire. Alors qu'il était inscrit dans la prestigieuse université, il a rejoint son magazine d'humour, le Dartmouth Jack-O-Lantern, d'abord en tant que contributeur de dessins comiques et de prose intelligente, puis en tant que rédacteur en chef.

En 1925, la quatrième et dernière année de Geisel à Dartmouth, il a été libéré du journal pour avoir défié les lois d'interdiction et buvant du gin. «Dévasté, mais sans se laisser décourager», a-t-il trouvé une solution: Geisel ne pouvait pas continuer à contribuer à l'article, mais une distribution d'autres personnages pourrait. Ces figures fictives – tous pseudonymes pour Geisel – incluaient L. Burbank, Thos. Mott Osborne, D.G. Rossetti et, surtout, Seuss.

"Dans quelle mesure ce subterfuge ringard a trompé le doyen, je ne l'ai jamais découvert", a révélé Geisel. "Mais c'est ainsi que" Seuss "a été utilisé pour la première fois comme signature."

Illustrateur commercial

Flit Ad avec l'oeuvre de Theodore Geisel, 1949

Après avoir obtenu son diplôme de Dartmouth et après un passage de courte durée à l'Université d'Oxford, Geisel a déménagé à New York. En 1927, alors qu'il travaillait pour Juge, un autre magazine d'humour, il a ajouté le "Dr." préfixe à son nom. A partir de là, il continuera à utiliser ce pseudonyme dans plusieurs de ses campagnes publicitaires les plus réussies, y compris des dessins animés pour le bug bug Flit, Ford Motor Company, NBC Radio Network, et plus encore.

Bien que destinées à une population adulte, la majorité des publicités de Geisel présentent des illustrations ludiques adaptées à un livre d'images – une approche originale qui correspond directement à la préférence de Geisel pour un public plus jeune. "Les adultes ne sont que des enfants obsolètes et l'enfer avec eux", a-t-il déclaré dans une interview.

Dessinateur politique

Dr Seuss Cartoon politique

Ted Geisel, "Gardez un œil sur les fesses qui se cachent derrière!", 1941 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Geisel est resté dans cette ligne de travail jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale quand il a changé de vitesse pour créer des caricatures politiques. Pendant deux ans, il a travaillé comme caricaturiste éditorial pour New York City PM, un quotidien de tendance libérale. Au cours de cette courte période, il a produit plus de 400 caricatures faisant l'éloge du président Roosevelt, condamnant les puissances de l'Axe et commenté l'actualité.

Comme beaucoup de caricatures politiques de cette période, certaines des pièces politiques de Geisel sont, aujourd'hui, considérées comme racistes, en particulier envers les Japonais. Alors que Geisel n'a pas exprimé de regret absolu pour ces pièces, les critiques contemporains pensent que ses œuvres ultérieures – dont beaucoup tournent autour des thèmes de la tolérance – ont expié ces erreurs. Pourtant, ses premières attitudes ne peuvent pas – et ne devraient pas – être rejetées. "Nous avons tous des angles morts", Richard H. Minear, l'auteur de Le Dr Seuss part en guerre, explique. "Je l'utilise comme un moment d'enseignement – même le Dr Seuss s'est égaré."

Cinéaste de l'armée

Dr Seuss Animation

Carte d'ouverture des courts métrages d'animation de l'armée américaine "Private Snafu", 1943 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En 1942, Geisel a commencé à aider l'effort de guerre plus directement, d'abord en produisant des affiches mobilisatrices pour le département du Trésor et le War Production Board, puis en rejoignant les forces armées en tant que capitaine. Pendant qu'il servait pour l'armée de l'air américaine, il est devenu commandant du département d'animation de la First Motion Picture Unit.

En plus d'écrire deux films de propagande en direct (Votre travail en Allemagne et Notre métier au Japon, qui allait devenir la base du documentaire primé aux Oscars Design for Death) et en réalisant des brochures, il a aidé à écrire et à animer des dessins animés. Parmi ses contributions les plus célèbres en tant que commandant est Snafu privé, une série très appréciée qui utilise l'humour pour enseigner le protocole de l'armée aux soldats.

Auteur de livres pour enfants

Livres du Dr Seuss

Photo: Photos de Julie Clopper / Shutterstock

Après la guerre, Geisel et sa femme, Helen, ont déménagé dans le sud ensoleillé de la Californie. Ici, il a revisité une passion qu'il avait brièvement explorée avant ses efforts en temps de guerre: écrire des livres pour enfants.

En 1937, il publie son premier livre, Et penser que je l'ai vu sur Mulberry Street. Un poème rythmique plein de «tableaux impossibles et (a) conte moral», Et penser que je l'ai vu sur Mulberry Street jeté les bases du style qui définira plus tard le travail du Dr Seuss. Pourtant, en tant qu'écrivain relativement inconnu, il était difficile pour Geisel de le faire décoller. En réalité, Et penser que je l'ai vu sur Mulberry Street a été rejeté par au moins 20 maisons d'édition avant d'être publié sous Vanguard Press – et par la suite salué par la critique.

Après son hiatus de guerre, Geisel est retourné à l'écriture. Dans les années 1950 et 1960, il a produit certains de ses classiques les plus appréciés, notamment Horton entend un Who! (1955), Le chat dans le chapeau (1957), Comment le Grinch a volé Noël! (1957), et Oeufs verts et jambon (1960).

Geisel a continué à écrire des livres pour enfants – et à aider à plusieurs adaptations d'écran – jusqu'à sa mort en 1991.

«Docteur» honoraire

Dessin du Dr Seuss

Al Ravenna, «Ted Geisel», 1957 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Avec une expérience en tant que monteur, dessinateur, cinéaste et auteur, vous vous demandez peut-être quand Geisel a trouvé le temps de gagner un doctorat. Alors que, pour le reste de sa carrière, Geisel a connu la gloire en tant que «Dr. Seuss ", il n'était pas réellement médecin. Il a simplement adopté le préfixe comme un signe ironique du fait que son père avait espéré qu'il obtiendrait un doctorat.

Bien que ce rêve ne se soit pas réalisé au sens traditionnel, Geisel fait recevoir un doctorat honorifique de Dartmouth en 1955. Cette distinction a validé son pseudonyme – une réalisation que, à la manière du Dr Seuss, Geisel a plaisanté. "Plutôt que d'attacher le nouveau titre honorifique à Theodor Geisel," Dartmouth Medicine explique: "Ted a fait remarquer qu’il pourrait maintenant être obligé de signer ses Dr. Seuss.'"

Tout comme son œuvre célèbre, cette astuce astucieuse illustre l'une des observations les plus remarquables de Geisel: "De là à ici, et ici à là, des choses drôles sont partout."

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Des peintures de paysages de couleur barbe à papa mettent en valeur la beauté tranquille du ciel occidental

Peinture de paysage occidental par Kristin Moore

L'artiste Kristin Moore dépeint de vastes paysages occidentaux et un ciel immersif dans ses peintures acryliques. Ces environnements ouverts, dépourvus de tout peuple, semblent représenter des moments transitoires de silence et de solitude. Moore met l'accent sur cette esthétique mélancolique à travers de belles atmosphères dégradées qui dirigent l'œil vers la terre en dessous.

Originaire du Texas, Moore a obtenu son MFA à l'Otis College of Art and Design de Los Angeles. "La façon dont je regarde le monde est le résultat direct de mon enfance au Texas et de ma vie en Californie", a expliqué l'artiste à My Modern Met. En particulier, elle s'inspire des horizons des deux États, ainsi que de l'architecture, des montagnes et des arbres qui imprègnent l'horizon. Moore explique que c'est pendant son oscillation entre la maison et l'école qu'elle a remarqué comment la signalisation refléterait le changement dans le paysage. Pour cette raison, les signes jouent un rôle majeur dans sa peinture. L'artiste dit: "J'ai regardé ce que la plupart des gens trouveraient banal ou banal et y ai ajouté une couche esthétique et éthérée à travers mon travail."

Bien que les peintures de Moore contiennent une délimitation minimale entre le sol et l'architecture, chaque sujet qu'elle inclut est réalisé dans les moindres détails. La juxtaposition de ces rendus raffinés sur le fond plat et uniforme du ciel confère à son travail un style graphique percutant. "Les couleurs que je choisis pour les cieux proviennent souvent de souvenirs de paysages que j'ai vus », explique l'artiste. Elle associe le Texas à l'énergie du jour tandis que ses peintures nocturnes reflètent la ville tentaculaire et les lumières de Los Angeles.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de peintures graphiques de Moore et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste texane Kristin Moore dépeint de vastes paysages occidentaux et un ciel immersif dans ses peintures acryliques.

Peinture de paysage acryliquePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin Moore

Moore est inspiré par les horizons du Texas et de la Californie en particulier.

Peinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin Moore

Elle met l'accent sur une atmosphère nostalgique à travers ses figures clairsemées et ses ciels dégradés.

Peinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage acryliquePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin MoorePeinture de paysage occidental par Kristin Moore

Kristin Moore: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Kristin Moore.

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Ce masque magique «Harry Potter» se transforme en carte du maraudeur lorsque vous respirez dedans

Masque Harry Potter par CPEX

Étant donné que les Centers for Disease Control and Prevention (CDC) ont recommandé aux Américains de porter des masques faciaux lorsqu'ils s'aventurent dans les espaces publics, de nombreuses entreprises ont intensifié leurs efforts en proposant des masques réutilisables avec des designs uniques qui vous permettent d'exprimer votre personnalité. Maintenant, Potterheads peut se réjouir, car la propriétaire du Colorado Pony Express (CPEX), Stefanie Hook, a créé un masque magique qui se transforme en carte du Maraudeur lorsque vous respirez dedans.

Le masque facial transformateur de Hook a commencé à gagner du terrain grâce à son TikTok dans une vidéo qui compte maintenant plus de 2 millions de vues. Quand elle met le masque pour la première fois, il semble être noir, sans aucun motif; mais au fur et à mesure qu'elle y respire, une impression de la carte du maraudeur fleurit sur le tissu. L'artiste a voulu allier son amour du Harry Potter monde avec un produit qui pourrait apporter un peu de magie dans la vie des gens.

Chaque masque, qui prend en moyenne 17 heures à fabriquer, est spécialement conçu. Hook applique un pigment changeant de couleur qui réagit à des températures supérieures à 82 degrés Fahrenheit sur le tissu de coton sous licence et le coud sur les bandes élastiques. Bien que ces masques fantastiques soient basés sur le modèle fourni par le CDC, Hook dit que ses masques ne devraient pas être portés en remplacement de l'équipement de protection médicale, comme le N95 ou les masques chirurgicaux.

D'autres masques magiques seront disponibles à l'achat sur le site Web de Hook le 29 mai à 17 h. MT. En attendant, vous pouvez regarder des vidéos plus amusantes sur son TikTok.

Stefanie Hook, propriétaire de l'entreprise créative Colorado Pony Express (CPEX), a créé un envoûtant Harry Potter masque.

Masque de carte de Maurader par CPEX

Images avant et après du masque de carte du Maraudeur.

Le revêtement magique du visage réagit à des températures supérieures à 82 degrés Fahrenheit, donc lorsque le porteur y respire, une image de la carte du Maraudeur fleurit sur le tissu.

@coloradopexVoulait faire une vidéo mise à jour plus nette de ce à quoi s'attendre que vos masques ressemblent à des quantités limitées ## handmade ## harrypotter ## mask ## artist ## maurauders ♬ son original – coloradopex
@coloradopexmagic time !!!! ## magic ## mask ## handmade ## artist ## maurauders ## hp ## smallbusiness ♬ Magic # 2 – Coldplay
@coloradopexJe suis le créateur du masque 🖤🖤🖤 ## mask ## hp ## artist ## smallbusiness ## magic * checkmeouton FB *** CPEX ♬ sound original – coloradopex

CPEX: Site Web | TIC Tac
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via CPEX.

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Cette exposition d'art en voiture vous permet de «Gogh» visiter l'art de Van Gogh depuis votre voiture

L'Atelier des Lumières ouvre son installation Immersive Van Gogh à Toronto cet été, et encourage les amateurs impressionnistes de la région à «Gogh» le visiter depuis la sécurité de leurs voitures. Cette série de circuits spéciaux sera ouverte du 18 au 28 juin et se composent de cycles de quatorze véhicules entrant dans l'installation à la fois. Les invités pourront vivre l'intégralité du spectacle multisensoriel de 35 minutes sans jamais quitter leur véhicule, ce qui leur permettra de se distancier correctement des autres spectateurs.

Ce spectacle de lumière intense projette certaines des peintures les plus célèbres de Vincent van Gogh sur les murs de l'entrepôt de l'installation, et est accompagné d'un mélange intéressant de sons naturels et de musique contemporaine. Vous pouvez sentir l'héritage plus grand que nature du peintre dans toute son ampleur lorsque vous êtes confronté aux coups de pinceau tourbillonnants de son Tournesols (1888) au-dessus de vous. «Les lumières s'éteignent et la projection commence», explique le coproducteur Corey Ross à CBC News. "Ce sera presque comme si la voiture flottait à travers les peintures."

«Nous avons commencé à entendre tous les autres organismes artistiques de la ville et de l’Ontario et vraiment partout au Canada ont cessé leurs activités et les travailleurs des arts perdent leur emploi… Cela nous a motivés encore plus, nous avons dû trouver un moyen d’ouvrir (nous pourrions) ce spectacle », poursuit Ross. L'exposition a étonné les visiteurs lors de sa première à Paris plus tôt cette année, et les Torontois sont tellement excités de voir le spectacle que tous les billets pour cette tournée automobile sont actuellement en rupture de stock. Heureusement, cependant, l'installation devrait rouvrir le 1er juillet pour la circulation piétonne générale avec de nouvelles mesures de sécurité en place pour protéger les visiteurs et les travailleurs. Les visiteurs et les travailleurs devront porter un masque facial lors de l'exploration de l'exposition, et vous pouvez acheter vos billets pour le spectacle sur le site Web d'Immersive Van Gogh.

Pendant une durée limitée cet été, vous pouvez visiter l'exposition Immersive Van Gogh à Toronto depuis la sécurité de votre voiture.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=H2EOujviHG0 (/ intégré)

Immersive Van Gogh: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Smithsonian Magazine)

Toutes les images via Immersive Van Gogh.

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De superbes anneaux d'architecture contiennent des horizons urbains entiers

Bague Teti Architecture par Art is Therapy

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Étant donné que les restrictions de voyage pour COVID-19 sont toujours en vigueur, il vous manque probablement de voyager vers vos endroits préférés. Et même s'il vous faudra peut-être un certain temps avant de pouvoir les visiter à nouveau, les designers amateurs d'art de Art is Therapy ont trouvé un moyen de vous permettre de garder vos villes préférées à proximité. Appelé Teti, cette collection de bagues fantaisie réinvente les lignes d'horizon des villes en miniature, fabriquées en métaux précieux et recouvertes de résine brillante.

De New York à Londres, chaque pièce présente une quantité incroyable de détails architecturaux. L'anneau de New York comprend une minuscule statue de la liberté et le pont de Brooklyn, tandis que l'anneau de Londres comprend un petit London Eye et Big Ben. Quelle que soit la ville qui vous appartient, le port de l'une de ces bagues vous permet de garder le souvenir de cet endroit à portée de main, où que vous alliez.

«Nous sommes partis de la certitude que quiconque a passé un certain temps à voyager connaît le sentiment de vouloir s'accrocher physiquement à un endroit préféré», explique Art is Therapy. "C’est pourquoi nous avons traduit ce sentiment en beaux bijoux à l’image de certaines des villes les plus aimées du monde." le Teti La collection comprend des bagues pour New York, Rome et Londres, et chaque modèle est disponible en cuivre, argent, or ou nickel.

Vous pouvez en savoir plus sur le Teti sur Kickstarter, où vous pouvez également soutenir la campagne et acheter votre propre bague.

Ces anneaux d'architecture incroyablement détaillés contiennent des horizons urbains entiers, sculptés à partir de métaux précieux et recouverts de résine brillante.

Bague Teti Architecture par Art is Therapy

le Teti collection est conçue par Art is Therapy, un groupe de créatifs amoureux des voyages.

Bague Teti Architecture par Art is Therapy

Le port de l'une de ces bagues vous permet de garder le souvenir de votre ville préférée à portée de main, où que vous alliez.

Bague Teti Architecture par Art is TherapyBague Teti Architecture par Art is Therapy

le Teti la collection comprend des bagues pour New York, Rome et Londres.

Bague Teti Architecture par Art is TherapyBague Teti Architecture par Art is TherapyBague Teti Architecture par Art is TherapyBague Teti Architecture par Art is Therapy

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=_PvbO3F49-c (/ intégré)

L'art est thérapie: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Pinterest | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Art is Therapy.

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Crayola lance un ensemble de crayons «Couleurs du monde» pour représenter 40 tons de peau différents

Couleurs du monde Crayola

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Les matériaux artistiques des enfants ne permettent pas toujours aux enfants de représenter avec précision la diversité lorsqu'ils dessinent des gens, laissant beaucoup de gens se sentir non représentés. C’est pourquoi Crayola a récemment annoncé un ensemble de nouveaux crayons appelés Couleurs du monde. Cet ensemble inclus comprend 40 tons de peau différents, représentant un spectre complet de teints humains.

En travaillant avec de vraies personnes pour développer chaque teinte, Crayola a commencé avec les teintes les plus claires et les plus sombres comme points de départ. Il a fallu environ 3 mois pour finaliser la palette de 24 couleurs, qui propose désormais une large gamme de «nuances claires à profondes» pour les enfants, ainsi que des nuances comme «rose», «amande» et «doré». Un plus grand pack de 32 a également été conçu pour inclure 8 teintes supplémentaires pour les yeux et les cheveux. Il y a même un Couleurs du monde livre de coloriage, permettant aux jeunes artistes de «colorier leur chemin à travers le monde».

«Le monde étant plus diversifié que jamais, Crayola espère que notre nouveau Couleurs du monde les crayons augmenteront la représentation et favoriseront un plus grand sentiment d'appartenance et d'acceptation », explique Rich Wuerthele, PDG de Crayola. «Nous voulons le nouveau Couleurs du monde des crayons pour faire progresser l'inclusion dans la créativité et influer sur la façon dont les enfants s'expriment. »

Les crayons de couleur 24 et 32 ​​sont disponibles en pré-commande maintenant, exclusivement chez Walmart.

Crayola a récemment annoncé un ensemble de nouveaux crayons – appelés Couleurs du monde—Qui comporte 40 tons chair.

Couleurs du monde CrayolaCrayola: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Nerdist)

Toutes les images via Crayola.

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Le professeur a raté ses élèves alors elle a tricoté 23 adorables poupées pour les représenter chacune

L'enseignante a créé les poupées tricotées de ses élèves

De nombreuses écoles sont toujours fermées en raison des blocages de COVID-19, obligeant les parents à scolariser leurs enfants à la maison et laissant de nombreux enfants sans amis et sans routine. Les enseignants sont un autre groupe touché par les changements. Certains ont dû s'adapter à la prise de leurs cours en ligne – par le biais d'appels vidéo – mais cela n'atteint pas la même intimité qu'une salle de classe traditionnelle. En fait, Mlle Ingeborg Meinster-Van der Duin, enseignante d'école primaire néerlandaise, manque tellement d'élèves qu'elle a conçu 23 poupées tricotées, représentant chacun d'eux.

Meinster-Van der Duin travaille en tant que professeur d'école primaire à l'école Dr. H.Bavinck à Haarlem, Pays-Bas. Depuis que son école a temporairement fermé ses portes, elle a du mal à ne pas voir tous les jours ses élèves bien-aimés. «Tout était opérationnel et que l'école a fermé. Tout cela m'a frappé comme ça », dit-elle. «Les enfants n'étaient plus à l'école. Et ils me manquent tellement. "

Après avoir découvert un projet de poupée tricotée similaire sur Pinterest, Meinster-Van der Duin a décidé de créer de minuscules versions textiles de ses 23 élèves. Prenant 3-4 chacune pour terminer, chaque jolie poupée présente une quantité impressionnante de détails. Chaque élève tricotée a reçu une tenue, selon son style dans la vraie vie, et Meinster-Van der Duin a même inclus des lunettes, des boucles de cheveux et d'autres accessoires pour certains. L'enseignante dévouée a même tricoté une poupée qui se représentait!

Meinster-Van der Duin a pu donner à chacun de ses élèves leur poupée après leur retour à l'école (un par un) pour récupérer leurs effets personnels qu'ils avaient laissés avant le verrouillage. Chaque enfant était ravie de recevoir son «mini moi» et Meinster-Van der Duin s'est déjà engagée à tricoter des poupées pour sa nouvelle classe l'année prochaine. Même certains des autres enseignants de l'école ont demandé à Meinster-Van der Duin de tricoter les poupées de leurs élèves, mais l'artisan occupé a dû décliner en disant: "Non, il n'y a pas de temps pour cela."

Mlle Ingeborg Meinster-Van der Duin, enseignante d'école primaire néerlandaise, manque tellement d'élèves qu'elle a fabriqué 23 poupées en tricot, représentant chacune d'elles.

L'enseignante a créé les poupées tricotées de ses élèvesL'enseignante a créé les poupées tricotées de ses élèves

h / t: (Upworthy)

Toutes les images via Miss Ingeborg Meinster-Van der Duin.

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Découvrez comment l'invention de l'imprimerie a changé le monde pour le mieux

Image historique de l'imprimerie

Photo: Daniel Chodowiecki (domaine public)

Il y a des inventions qui ont changé le cours de l'histoire humaine, et la presse d'imprimerie est l'un d'eux. Comme son nom l'indique, cette machine permet production de masse d'imprimés comme les journaux et les livres. Sa fonction semble banale aujourd'hui, mais lorsque la presse à imprimer a été affinée par Johannes Gutenberg au XVe siècle, ce n'était rien de moins que révolutionnaire.

Apprenez-en davantage sur l'histoire de l'imprimerie et comment cette invention a façonné la culture et jeté les bases du monde que nous connaissons aujourd'hui.

Lettres d'imprimerie pour presse à imprimer

Photo: Stock Photos de PHOTOGRAPHER / Shutterstock

La Chine et la machine à imprimer

Diamond Sutra

Photo: Une page de Diamond Sutra (domaine public)

Le Sutra du Diamant

L'itération la plus courante de la presse à imprimer est la presse Gutenberg, mais ce n'était pas la première. On ne sait pas qui a inventé l'imprimerie initiale, mais le texte imprimé le plus ancien connu est venu de Chine. Appelé Le Sutra du Diamant, c'est un rouleau bouddhiste qui a été publié vers 868 CE.

Bien que ce texte imprimé ait marqué la reproduction du texte (qui n'a pas été fait à la main), le type d'impression qu'il a utilisé était l'impression par blocs, ce qui implique des blocs de bois sculptés à la main coupés à l'envers. Les blocs ont été coupés spécifiquement pour un projet, et ils ne pouvaient pas être réutilisés pour un autre.

Bi Sheng et type mobile

Les lettres mobiles, également appelées caractères mobiles, ont été développées par Bi Sheng en Chine peu après le deuxième millénaire. Il a sculpté des formes de lettres individuelles dans de l'argile et les a cuites en blocs durs. Une fois encrés, ils étaient pressés contre du papier. Bien qu'il soit plus facile à produire que la méthode d'impression par blocs, le processus était coûteux, rendant l'impression de masse réservée à la classe supérieure.

Wang Chen et le premier livre produit en série au monde

Bien que la typographie en bois ait la réputation d'absorber trop d'encre et de ne pas être faite pour durer, elle a refait surface en 1297 grâce à Wang Chen et sa publication sur l'agriculture et l'agriculture appelée Nung Shu.

Chen a amélioré le texte en bois en développant un processus qui rendait les blocs plus durables. Il a également facilité la tâche des typographes (les personnes qui placent les blocs) de manière efficace. Ces progrès réalisés Nung Shu le premier livre produit en série que le monde ait jamais vu.

Johannes Gutenberg et l'histoire de l'imprimerie

Gutenberg prend une impression

Photo: Gutenberg en train de prendre une impression (domaine public)

Johannes Gutenberg est considéré comme le père de l'imprimerie – il y en a même un qui porte son nom. Mais son invention n'est apparue que pendant 150 ans après Chen.

Gutenberg était un exilé politique d'Allemagne et a commencé à expérimenter avec l'impression tout en vivant en France. En 1450, il était retourné chez lui à Mayence et avait développé le célèbre Presse Gutenberg.

L'imprimerie Gutenberg a eu plusieurs innovations sur la machine de Chen. Le plus remarquable est que les blocs autrefois en bois étaient désormais en métal. De plus, chaque lettre était son propre bloc, et ces blocs ont été produits à grande échelle. Pour reproduire le type en de telles quantités, des moules en laiton ont été créés, puis du plomb fondu y a été versé. Ils s'emboîtent de manière à ce que les lignes des lettres soient cohérentes et apparaissent uniformes sur le papier.

D'autres aspects de la presse Gutenberg en ont fait l'une des innovations les plus réussies au monde. Gutenberg a développé sa propre encre qui collait au métal, et il a réutilisé les pressoirs à vin et à olives – quelque chose utilisé pour presser les raisins pour le vin et les olives pour l'huile – en un moyen d'aplatir le papier.

Presse en bois

Photo: Gun Powder Ma (CC BY-SA)

Alors, comment fonctionnait la presse Gutenberg? Le nœud de l'invention était un écran en bois lourd avec une longue poignée utilisée pour le faire tourner. Lorsqu'il était tourné, il appliquait une pression vers le bas sur le papier qui était posé sur le type et le plateau en bois.

La Bible de Gutenberg

Bible de Gutenberg

La première chose qui est sortie de l'imprimerie de Gutenberg a été la Bible. Connu aujourd'hui sous le nom de Bible de Gutenberg, il a imprimé entre 150 et 180 exemplaires qui comportaient des doubles colonnes de texte et certaines des lettres en couleur. L'élaboration de cette Bible n'était pas une mince affaire; Gutenberg a utilisé 300 blocs de lettres et 50 000 feuilles de papier.

Depuis l'impression du livre en 1452, beaucoup de ses fragments subsistent, mais il ne reste que 20 exemplaires complets.

Comment la culture a changé grâce à la presse de Gutenberg

En ayant un moyen de reproduire rapidement – et maintenant à peu de frais – l'écrit, une ère de communication de masse a commencé. Les livres, qui étaient autrefois un symbole de richesse et de statut, pouvaient atteindre le commun des mortels et transmettre des informations et des idées qui menaçaient ceux au pouvoir.

L'expansion de la littérature, avec les lunettes (inventées autour du 12ème siècle), a augmenté l'alphabétisation en Europe et au-delà. Maintenant, l'éducation et la lecture n'étaient pas réservées à la classe d'élite, mais également à une classe moyenne émergente.

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Les aquarelles hyperréalistes recréent parfaitement la beauté délicate des pétales de fleurs

Aquarelles botaniques de Svetlana Lanse

L'art méticuleux de l'illustration botanique a une histoire longue et riche. Avant l'invention de la photographie, les artistes devaient capturer des espèces végétales dans des détails immaculés, ce qui a ensuite informé les scientifiques, les médecins, les pharmaciens et d'autres chercheurs. Bien que cet art scrupuleux ne serve plus à des fins scientifiques, l'étude de la flore continue de prospérer parmi les créateurs contemporains tels que Svetlana Lanse.

L'artiste basé à Saint-Pétersbourg utilise l'aquarelle pour créer des portraits étonnamment réalistes de diverses plantes. Son habileté remarquable lui permet de peindre les moindres détails de chaque fleur, fronde et fruit, de la subtile variation de couleur des pétales doux comme la plume aux veines précises et fines comme un rasoir qui s'étendent sur les feuilles. Même les illustrations de tranches d'orange de Lanse semblent somptueuses dans la façon dont elle rend soigneusement les reflets et les ombres de la peau du fruit.

Pour montrer à quel point ses peintures sont réalistes, Lanse met souvent en scène des modèles vivants de la vie végétale à côté de ses œuvres finies avant de les photographier pour son Instagram. De cette façon, les téléspectateurs peuvent remarquer l'incroyable habileté de l'artiste à décrire la profondeur tridimensionnelle dans ses aquarelles.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'art botanique étonnant de Lanse et suivez-la sur Instagram et Behance pour vous tenir au courant des dernières créations de l'artiste.

L'artiste Svetlana Lanse peint des peintures botaniques hyperréalistes.

Aquarelles botaniques de Svetlana Lanse

Lanse utilise des couches d'aquarelle pour capturer les moindres détails de diverses plantes.

Aquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseAquarelles botaniques de Svetlana LanseSvetlana Lanse: Behance | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Svetlana Lanse.

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Les succulentes rares en forme de cœur vous permettent de cultiver l'amour à partir de zéro

Les plantes succulentes ont la réputation d'être des plantes mignonnes. De nombreux types ont des feuilles bulbeuses et de petits bourgeons qui les rendent absolument adorables d'avoir planté sur le rebord de votre fenêtre. Mais parmi les variétés, le Conophytum bilobum, alias le «cœur succulent», pourrait être le plus charmant de tous. Ces plantes poussent en minuscules grappes et ressemblent à des coeurs de dessins animés qui poussent du sol.

Comme les autres plantes succulentes, le Conophytum bilobum est facile à entretenir. Vous n'avez pas à les bébé comme les autres plantes; mettez-les simplement dans une casserole bien drainée, placez-les dans un endroit où ils recevront un soleil radieux pendant quelques heures par jour, et assurez-vous de ne pas trop les arroser. Ils prospèrent dans le bon environnement et poussent de petites fleurs en automne et en hiver.

Originaire d'Afrique du Sud, le cœur succulent peut être un défi à obtenir dans d'autres endroits et sont considérés comme des graines rares. Si vous êtes un pouce vert et que vous souhaitez essayer de les cultiver par vous-même, une boutique en ligne appelée Plant Valley vend maintenant un pack de 10 graines.

le Conophytum bilobum est un succulent mignon en forme de coeur.

Les feuilles ressemblent à des coeurs de dessins animés qui poussent du sol.

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Un photographe capture l'ISS en transitant par le soleil lors du premier photoshoot solaire

ISS Transiting the Sun par Mack Murdoc

Le photographe Mack Murdoc est toujours prêt à relever un défi. Et il s'en est certainement donné un lorsqu'il a décidé de capturer la Station spatiale internationale se déplaçant à travers le Soleil. Bien que l'ISS transite le Soleil assez souvent – la station spatiale tourne autour de la Terre toutes les 90 minutes – pour obtenir de bonnes images, il faut beaucoup de recherche et de compétence.

Après que Murdoc ait fixé l'objectif de capturer un transit solaire, il a commencé à travailler sur tous les détails dont il avait besoin pour donner vie à sa vision. Cela comprenait non seulement l'apprentissage du moment où l'ISS passerait devant le Soleil, mais également la recherche des coordonnées précises et de l'élévation nécessaires pour obtenir une vue correcte. Comme il l'a fait remarquer, «vous avez comme un demi-mille de marge de manœuvre ou bien vous êtes trop loin et l'ISS va juste couper le côté, ou vous pouvez complètement le manquer», donc la précision est la clé.

Dans ce cas, Murdoc a dû voyager environ une heure en dehors de Los Angeles pour se mettre dans la bonne position d'observation. À partir de là, c'était assis et en attente, car le moment venu, ça ne dure pas longtemps.

"La station spatiale se déplace à 17 500 mph, donc le temps qu'il faut à l'ISS pour passer d'un côté du soleil à l'autre est exactement d'une demi-seconde", a déclaré Murdoc à My Modern Met. "Vous commencez votre compte à rebours – vous déclenchez maintenant des expositions au cas où il arriverait tôt ou tard – et vous regardez votre écran d'ordinateur avec enthousiasme alors qu'il souffle à travers votre cadre. Tout le monde crie et applaudit. La planification et les efforts en valaient la peine. »

La séance photo a été particulièrement difficile pour Murdoc car il n'avait reçu le télescope solaire qu'il a utilisé que cinq jours avant l'événement. En fait, avant ce projet, il n'avait jamais pris d'image solaire auparavant. Il a donc passé les jours précédant le tournage à pratiquer et à apprendre tout ce qu'il avait besoin de savoir sur sa nouvelle pièce d'équipement.

En fin de compte, son dévouement a porté ses fruits. Il est rentré chez lui avec des photographies incroyables qui ont été fusionnées en une image finale montrant l'ISS alors qu'il se déplaçait à travers le Soleil. Non seulement cela, une fois chez lui, il a découvert qu'il parviendrait également à capturer plusieurs protubérances solaires sur le dessus et les côtés du Soleil. Ce fut une surprise bienvenue qui ne fait que renforcer le talent artistique de son image. Pour Murdoc, le succès de la photographie n'est que la confirmation que se lancer un défi créatif peut donner des résultats incroyables.

«La première étape pour créer quelque chose de beau comme une photographie, ou même juste un souvenir, est de faire l'effort de se lever et de le faire», partage-t-il. «Les grandes choses ne viennent pas seulement à vous. Et lorsque les choses se mettent en place et que vous atteignez votre objectif, vous avez ce grand sentiment d'accomplissement, qui est l'un des meilleurs sentiments du monde. "

Mack Murdoc: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter une photo de Mack Murdoc.

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Gymnaste championne et mannequin trisomique révèle la beauté de l'inclusivité

Gymnaste Chelsea Werner

L'athlète et mannequin Chelsea Werner nous montre ce que c'est que d'accomplir de grandes choses malgré ce que le monde pourrait penser de vous. Werner est née avec le syndrome de Down, mais elle n'a pas laissé le trouble génétique l'empêcher de poursuivre ses rêves. Maintenant, elle est un modèle international et une championne à plusieurs reprises des Jeux olympiques spéciaux, et elle ne fait que commencer.

Werner a commencé à faire du sport à l'âge de huit ans. Après avoir essayé une variété d'entre eux, y compris le football et la natation, la gymnastique a été celle qui a gardé son intérêt. Les parents de Werner l’ont inscrite à la gymnastique Special Olympics, où elle s’est entraînée pendant des années. De plus, elle a travaillé avec un entraîneur nommé Dawn Pombo qui a aidé Werner à développer ses compétences pour éventuellement participer aux premiers championnats nationaux de gymnastique des Jeux olympiques spéciaux de 2012. Werner a reçu le championnat national cette année-là et l'a depuis remporté trois autres fois tout en étant double champion du monde en titre.

«Chelsea a développé une très bonne éthique de travail grâce à la gymnastique», explique sa mère, Lisa Werner, à My Modern Met. «Elle travaille très dur plusieurs heures par semaine. Elle est très disciplinée et a appris à traverser des situations difficiles. Elle a une confiance et une estime de soi incroyables. »

La confiance acquise grâce à la gymnastique a permis à Werner de poursuivre ses ambitions dans d'autres parties de sa vie. Le mannequinat est né de sa pratique du sport, et Werner s'y est mis tout de suite. "Elle a adoré le mannequinat dès le début!" Dit sa maman. "Chelsea a été devant la caméra la plupart de sa vie et est très à l'aise avec cela, et cela aide vraiment à la modélisation."

Werner a été repéré par We Speak, une agence basée à New York qui défend la diversité et veut apporter l'inclusivité devant la caméra. Depuis qu'elle fait partie de l'agence, elle a modelé pour Teen Vogue, Target, H&M, Aerie, et plus encore.

Avec son succès, Werner est un modèle qui veut inspirer chacun à être son plus grand moi. «Faites ce que vous aimez et faites toujours de votre mieux», dit-elle. "Soyez reconnaissant et essayez de rester positif."

Chelsea Werner est une championne de gymnastique et mannequin atteinte du syndrome de Down.

Gymnaste Chelsea WernerGymnaste Chelsea Werner

Elle a poursuivi ses rêves et est maintenant quadruple championne nationale des Olympiques spéciaux et double championne du monde en titre.

Modèle Chelsea Werner

De la gymnastique, Werner a commencé à modeler et a terminé des campagnes avec Target, Teen Vogue, et plus encore.

Modèle Chelsea WernerModèle Chelsea WernerModèle Chelsea WernerModèle Chelsea WernerModèle Chelsea WernerModèle Chelsea WernerChelsea Werner: site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Briauna Mariah.

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Google Doodle rend hommage au 61e anniversaire de l'auteur-compositeur-interprète hawaïen Israel Kamakawiwo`ole

Anniversaire Google Doodle d'Israël Kamakawiwoʻole

Google est connu pour honorer les anniversaires, les personnes et les événements avec leurs Google Doodles illustrés. L'un des plus récents Doodles du moteur de recherche célèbre le 61e anniversaire du regretté auteur-compositeur-interprète hawaïen natif et activiste Israel Ka`ano`i Kamakawiwo`ole avec une animation réconfortante. Largement dénommé «Voice of Hawaii», il est peut-être mieux connu pour son interprétation bien-aimée de «Somewhere Over the Rainbow»"—La bande originale du Doodle.

Kamakawiwo`ole est né le 20 mai 1959 dans la banlieue d'Honolulu. L'insulaire natal a été élevé pour partager l'amour de sa communauté pour la musique, et il a adopté le ukulélé comme instrument de signature à seulement 10 ans. Tout au long de son adolescence, il a collaboré avec son frère et 3 amis pour produire 15 albums qui célèbrent les sons traditionnels d'Hawaï. Une nuit en 1988, Kamakawiwo`ole a ramassé son ukulélé et a chanté sa propre version émotionnelle de «Somewhere Over the Rainbow», et l'enregistrement est devenu un favori international.

Le Doodle animé de Google capture magnifiquement la vie et la musique de Kamakawiwo`ole. Il comporte même des morceaux de kapa, tissu hawaïen traditionnel fabriqué à partir de fibres végétales et décoré avec un colorant végétal hawaïen. Google s'est associé à la famille de Kamakawiwo`ole pour le projet. "La Kamakawiwo`ole` Ohana (famille) reste submergée par la portée mondiale de la musique israélienne et la réaction de tous ceux qui entendent sa voix, une voix qui touche instantanément votre cœur ", disent-ils dans un communiqué. "Le fait que Google crée un Doodle pour son 61e anniversaire nous donne toutes les raisons de célébrer à nouveau sa vie et son impact sur des millions de personnes dans le monde."

Découvrez le Doodle Google du 61e anniversaire d'Israël Kamakawiwoʻole ci-dessous. Il est impossible de ne pas chanter!

Ce Google Doodle célèbre le 61e anniversaire du regretté auteur-compositeur-interprète hawaïen et activiste israélien Israel Kamakawiwo`ole.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=fMSezPwq2js (/ intégré)

Google Doodles: site Web | Youtube

Toutes les images via Google.

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Une fillette de 10 ans livre plus de 1 500 kits d'art aux enfants dans le besoin pendant le coronavirus

Pour une jeune fille, le temps passé en quarantaine n'a pas ralenti ses ambitions ni son désir d'aider les autres. Chelsea Phaire, 10 ans, se tient occupée en expédiant plus de 1 500 kits d'art dans des refuges pour sans-abri, des écoles touchées par la violence armée, des refuges pour femmes et des foyers d'accueil depuis le début de la pandémie. La charité est depuis longtemps une passion pour Chelsea, il n'est donc pas surprenant qu'elle consacre son temps à égayer les jours des autres enfants.

Les kits Chelseas sont remplis de marqueurs, de stylos gel, de livres à colorier, de crayons de couleur, de peintures et bien plus encore. Ce n'est que le dernier projet de Chelsea's Charity, qui a été lancé par Chelsea et sa famille en août 2019. La jeune fille inspirante, originaire de Danbury, Connecticut, avait supplié ses parents de démarrer une œuvre caritative depuis qu'elle n'avait que 7 ans. . Enfin, la 6e niveleuse a débuté l'année dernière en demandant des dons de fournitures d'art au lieu de cadeaux lors de sa fête d'anniversaire. C’est à ce moment-là qu’elle a commencé à fabriquer ses kits d’art.

La prochaine étape est venue lorsque Chelsea et ses parents ont commencé une liste de souhaits Amazon pour les fournitures, ce qui leur a permis d'envoyer des kits en continu. À travers son projet, elle espère diffuser son amour de l'art et montrer aux enfants comment la créativité peut être thérapeutique. C'est quelque chose que Chelsea connaît de première main, car elle a utilisé l'art comme un moyen émotionnel lorsque son moniteur de natation a été tragiquement tué à cause de la violence armée alors qu'elle n'avait que 8 ans.

Maintenant, elle peut partager ce qu'elle a appris avec les autres. En fait, avant la pandémie, Chelsea et sa mère voyageaient souvent à travers le pays pour livrer des trousses et rencontrer les enfants qui les avaient reçues. Chelsea donnerait également des cours d'art aux enfants et partagerait ses conseils de dessin préférés.

Bien que les réunions en personne ne soient pas possibles pour le moment, Chelsea et ses kits d'art ont toujours un impact sur les enfants qui sont coincés à la maison pendant le verrouillage. Depuis mars, elle a envoyé plus de 1 500 kits à des enfants dans 12 États américains.

«Je me sens bien à l'intérieur en sachant à quel point ils sont heureux lorsqu'ils reçoivent leurs kits d'art», a expliqué Chelsea. «J'ai définitivement grandi en tant que personne à cause de cela. Maintenant, mon rêve est de rencontrer tous les enfants du monde entier et de leur donner de l'art. Qui sait, peut-être que si nous faisons cela et que nos enfants le font, nous aurons la paix mondiale! "

Pendant cette période difficile en particulier, ces kits peuvent être un point lumineux pour les enfants en situation difficile. Stacy DeWitt, directrice exécutive de James Storehouse (un organisme sans but lucratif qui aide les enfants en famille d'accueil) a été ravie de recevoir des kits de Chelsea. «Lorsqu'un enfant ou un jeune est placé en famille d'accueil, il n'a généralement pas d'effets personnels. Cela a été un excellent ajout de pouvoir offrir les kits d'art, afin que les enfants et les jeunes aient un débouché créatif pour traiter leurs émotions pendant cette période traumatisante de leur vie. "

Et, comme elle le fait remarquer, ils sont encore plus nécessaires en ce moment lorsque les écoles sont fermées. «Cela donne aux enfants et aux adolescents un débouché créatif amusant pour canaliser leur énergie, car ils ne peuvent pas être en classe pour le moment», dit-elle. "Les kits de Chelsea ont été une bénédiction pour de nombreux enfants dans les endroits difficiles et leur ont apporté de la joie."

Chelsea’s Charity a livré plus de 1 500 kits d’art à des enfants dans le besoin pendant la pandémie.

Chelsea, 10 ans, a commencé à fabriquer ses kits en 2019 pour aider les enfants à utiliser l'art comme débouché thérapeutique.

Charité de Chelsea: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (CNN)

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Tous les adultes en Angleterre seront automatiquement donneurs d'organes à partir de maintenant

Don d'organe

Photo: banque de photos de vchal / Shutterstock

Grâce à la campagne menée par un jeune garçon, davantage de personnes en Angleterre pourraient voir leur vie sauvée grâce à des transplantations d'organes. La loi de Max et Keira, entrée en vigueur le 20 mai, modifie le système de donneurs d'organes de l'Angleterre. Désormais, au lieu de devoir s'inscrire et s'inscrire au registre des donneurs d'organes du NHS, les adultes seront tous considérés comme des donneurs d'organes à moins qu'ils ne se retirent du système.

On estime que cela pourrait entraîner 700 greffes supplémentaires par an d'ici 2023, ce qui est une bonne nouvelle pour les personnes inscrites sur les listes d'attente. En règle générale, le NHS effectue environ 4 000 transplantations par an, mais la liste des transplantations du Royaume-Uni compte actuellement environ 6 000 personnes. En 2019, 400 personnes sont décédées en attendant une greffe.

En modifiant la loi, le système de santé espère capturer une partie des 80% des adultes en Angleterre qui disent qu'ils envisageraient le don d'organes. Pour mettre les choses en perspective, sur ces 80%, seulement 40% avaient effectivement pris les mesures nécessaires pour s'inscrire et s'inscrire.

Le changement de système a été déclenché par l'histoire de Max et Keira. En 2017, Keira, 9 ans, a été victime d'un horrible accident de voiture avec sa famille. Alors que Keira a malheureusement perdu la vie, sa famille a décidé de faire don de ses organes lorsqu'elle serait approchée par l'hôpital. Le don de Keira a sauvé quatre vies, son cœur allant à un jeune garçon nommé Max.

La famille de Max a alors commencé à faire campagne pour la nouvelle loi, qui s'appelait à l'origine la loi de Max. À la demande de Max, le nom de Keira a été ajouté.

«Nous n’avons jamais pensé au don d’organes, à l’époque où nous pensions que Keira allait s'en sortir», se souvient le père de Keira, Joe, à propos des médecins qui lui avaient demandé de donner ses organes. «J'ai regardé Keira, c'était une fille vraiment aimante et elle aimait la vie. Si elle pouvait aider quelqu'un, elle le ferait toujours, alors c'était une évidence pour aider les autres. Elle était luxuriante, si vous pouviez décrire l'enfant parfait – c'était Keira. Tout chez elle, elle était un ange. "

Maintenant, chaque année pour marquer l'anniversaire de la mort de Keira et de la transplantation de Max, les familles se réunissent pour célébrer la vie de Keira. C’est leur espoir que, grâce à la nouvelle loi, plus de gens pourront vivre des greffes réussies.

Fait intéressant, d'autres régions du Royaume-Uni ont déjà pratiqué le système d'adhésion. Au Pays de Galles, il est en place depuis 2015 et a provoqué une augmentation de près de 20% du taux de consentement des donneurs. Une version du système d'opt-out entrera en vigueur en Écosse l'année prochaine; entre-temps, l'Irlande du Nord a voté pour le maintien du système d'opt-in en 2016.

Bien que tous les adultes soient considérés comme des donneurs d’organes en Angleterre, il est toujours important pour les personnes qui souhaitent faire don de leurs organes de parler avec leurs proches de leurs croyances. Les familles seront toujours consultées avant tout don d'organe et auront le dernier mot. Le NHS a également déclaré que les croyances religieuses et éthiques seront toujours respectées.

Le système de donneurs d'organes de l'Angleterre est devenu opt-in. Le NHS explique comment les familles seront toujours impliquées dans le processus de prise de décision.

Le NHS espère que cela entraînera 700 nouvelles transplantations par an et, sur Internet, les gens partagent leurs histoires édifiantes de transplantation d'organes.

h / t: (Indépendant, The Guardian)

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Apprenez à dessiner un papillon monarque en cinq étapes faciles

Éclosion de papillon à partir d'une chrysalide

Photos de Cathy Keifer / Shutterstock

Une fois que vous avez appris à dessiner des fleurs, il n'y a pas de meilleure façon d'accompagner un jardin bucolique qu'avec un beau papillon. Ces insectes colorés vont de pair avec le printemps et sont disponibles dans une variété de couleurs et de motifs. Le papillon monarque est parmi les plus reconnaissables avec son motif orange et noir saisissant.

Vous voulez apprendre à capturer un papillon monarque à la plume et à l'encre? Ne laissez pas les ailes complexes vous dissuader. Dans ce didacticiel, nous décrirons comment dessiner un papillon en cinq étapes faciles. Alors prenez du papier et vos fournitures d'art préférées et commençons!

Apprenez à dessiner un papillon en 5 étapes faciles

Étape 1: trouver une photographie de référence

Photographies de papillons monarques

Banque de Photos de Butterfly Hunter / Shutterstock

C'est une bonne pratique de faire un peu de recherche avant de commencer un dessin. Dans le cas des papillons, il est particulièrement important d'avoir quelques bonnes photos des espèces spécifiques que vous souhaitez dessiner, car le motif des ailes peut être difficile à reproduire avec précision. Parcourez différentes sources d'images, comme Pinterest, jusqu'à ce que vous trouviez des images qui correspondent à votre objectif. De plus, si vous n'êtes pas familier avec le dessin d'insectes ou si vous cherchez à faire un dessin réaliste de l'anatomie du papillon, pensez à référencer une illustration de diagramme.

Ce tutoriel se penchera sur comment dessiner un papillon monarque. Plus précisément, nous allons illustrer une vue latérale de l'insecte avec ses ailes en l'air.

Photographies de papillons monarques

Banque de Photos de Butterfly Hunter / Shutterstock

Étape 2: dessinez le corps

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

À l'aide de votre crayon de choix, commencer à esquisser le corps du papillon. Commencez par un petit cercle pour la tête et connectez-le à un thorax ovale qui devrait être deux fois plus long que la tête. Ensuite, dessinez un abdomen long et mince qui dépasse légèrement à la fin en une forme bulbeuse.

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Avec le corps en place, vous pouvez ajouter les pattes au thorax du papillon. Déplacez-vous à mi-chemin et dessinez les membres antérieurs en trois parties. Ensuite, esquissez la patte arrière vers l'extrémité du thorax, toujours en trois parties. Une fois que vous êtes satisfait des jambes, allez-y et dessiner un grand œil sur la tête du papillon. Cela devrait occuper la majeure partie de la place dans le cercle.

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Prochain, ajouter deux antennes au sommet de la tête, un peu au-dessus de l'œil du papillon. Sous la tête, vous pouvez dessiner le bouclé, semblable à de la paille trompe—C'est ainsi qu'un papillon se nourrit de fleurs.

Étape 3: Ajoutez les ailes

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Avec le corps du papillon dessiné, il est temps de ajouter les ailes. En commençant au thorax, esquissez une aile légèrement rectangulaire, qui devrait mesurer un peu plus longtemps que le corps du papillon. Ensuite, attachez une aile postérieure plus ovale qui se termine dans l'abdomen. Ensuite, esquissez une indication de l'autre aile antérieure, commençant à la tête et se terminant à mi-chemin dans l'aile la plus proéminente.

Étape 4: dessinez le motif des ailes

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Maintenant que vous avez dessiné votre papillon, il est temps d'étoffer les détails. Les papillons monarques ont un motif d'aile noir et orange qui ressemble à du vitrail. Pour émuler cela dans une illustration de stylo, commencez à délimiter les parties orange et noire des ailes du papillon.

Selon la photographie de référence, les papillons monarques ont une «bordure» noire autour des ailes, et à l'intérieur de celles-ci se trouvent des sections rectangulaires de différentes tailles qui seraient les zones oranges.

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Ensuite, remplissez les bords supérieurs des ailes du papillon avec deux rangées de formes rectangulaires plus petites—Ce seront les taches blanches le long de la bordure noire.

Étape 5: Passez en revue l'illustration à l'encre

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Une fois que vous avez terminé votre dessin au crayon d'un papillon monarque, vous pouvez trouver vos stylos préférés et commencer en passant par les lignes de graphite avec de l'encre.

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Après avoir parcouru le contour au stylo, commencez lentement remplir le motif avec de l'encre noire. N'oubliez pas de vérifier régulièrement votre photo de référence à ce stade pour vous assurer que vous capturez correctement le dessin.

Pointe: Si vous souhaitez ajouter de la profondeur à une zone «blanche» d'une illustration en noir et blanc, envisagez d'utiliser des pointillés ou des hachures. C’est aussi un moyen utile d’indiquer la délicatesse des ailes du papillon.

Illustration de papillon monarque

Photo et art: Margherita Cole | My Modern Met

Vous voulez embellir votre papillon monarque? Un moyen facile de le faire est de ajout d'une simple bordure noire et en plaçant quelques étincelles ou bulles autour du corps et des ailes, comme de la poussière de fée. Ou, si vous cherchez un moyen de compléter votre illustration, vous pouvez apprendre comment dessiner une rose et d'autres types de fleurs que votre papillon aimerait visiter.

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Drapeaux de page fixés par Girl of All WorkCombien de fois avez-vous feuilleté un livre et plusieurs pages à oreilles de chien? Au lieu de marquer votre texte, essayez d'essayer des indicateurs de page adhésifs. Ces petits signets sont l'outil de papeterie idéal pour vous aider à prendre des notes comme un pro. Heureusement, dans My Modern Met Store, vous trouverez une sélection unique d'ensembles d'indicateurs de page par Girl of All Work qui ne manqueront pas d'inspirer votre flux de travail.

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Le tatouage «Trou dans la tête» transforme la tête de l'homme en une illusion d'optique époustouflante

Tatouage Tête par Matt Pehrson

Le tatoueur Matt Pehrson a transformé la tête de son client en une illusion d'optique époustouflante. En utilisant une combinaison de perspective et d'ombrage, la caboche chauve semble avoir un trou ou un vortex qui tire tout vers son centre profond. L'effet est aussi étonnant qu'impressionnant, surtout parce que sous certains angles, l'illusion semble engloutir toute la tête dans son design vertigineux.

Croyez-le ou non, ce n'est que le début du tatouage de la tête de Pehrson, qui est sur son ami Ryan. Pehrson écrit sur Instagram: "Il nous reste beaucoup à finir sur son dôme." Étant donné qu'il a déjà atteint l'aspect illusoire du tatouage, nous attendons avec impatience de voir comment il a l'intention de le terminer. Si cela ressemble à son autre travail fini, il pourrait inclure un tableau de motifs visuels qui ajoutent une complexité éblouissante aux éléments tridimensionnels.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de tatouages ​​géométriques de Pehrson.

Le tatoueur Matt Pehrson a créé un tatouage «trou dans la tête» qui engloutit toute la caboche dans une illusion d'optique époustouflante.

Tatouage Tête par Matt Pehrson

Le tatoueur est également connu pour ses designs géométriques saisissants qui mélangent des éléments tridimensionnels avec des motifs graphiques audacieux.

Tatouage Géométrique sur la Jambe par Matt PehrsonTatouage Illusion d'optique par Matt PehrsonTatouage Géométrique sur le Bras par Matt PehrsonTatouage Géométrique sur le Bras par Matt PehrsonTatouage Illusion d'optique par Matt PehrsonTatouage Illusion d'optique par Matt PehrsonTatouage Géométrique sur le Bras par Matt PehrsonMatt Pehrson: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Matt Pehrson.

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Les tatouages ​​ingénieusement articulés nécessitent une flexion pour voir l'image complète

Un bijoutier utilise 7 500 sous pour décorer son sol avec un design en mosaïque éblouissant

DIY Penny Floor par Kelly Graham

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Vous avez peut-être entendu parler d'un revêtement de sol en «tuile à sou», mais Kelly Graham a propulsé l'idée de ce type de sol à un tout autre niveau. Le bijoutier, qui a sa propre entreprise appelée Camias Jewelry Designs, a créé une magnifique mosaïque dans sa maison en utilisant environ 7 500 pièces dans un espace mesurant 6 pieds par 6 pieds – et le design a tenu le coup! Graham a terminé la pose du dernier centime en 2015, mais elle a été inspirée de partager à nouveau son travail après avoir vu la célébrité Kat Von D montrer récemment son propre plancher de centime.

Graham a cultivé des compétences spéciales qui lui ont permis de créer son intérieur impressionnant. «Avant les bijoux», dit-elle à My Modern Met, «j'étais machiniste et je pense que cela a vraiment développé mon œil pour le raisonnement spatial. Je me suis assis à ce projet de plancher de sou, inspiré pour en faire un, mais ce ne devait être rien de ce que quelqu'un avait vu auparavant. »

Graham a commencé le projet en séparant les pièces de monnaie anciennes et nouvelles en piles avec des pièces de monnaie d'âge moyen désignées comme le remplissage entre les lignes de mosaïque. En ce qui concerne la planification du design, elle a opté pour la spontanéité. «Je l'ai fait au fur et à mesure et c'est pourquoi vous remarquerez quelques changements de modèle au cours du processus», explique Graham. "Il m'a fallu trois semaines pour terminer, donc beaucoup de temps pour moi de changer d'avis (et je l'ai souvent fait)." Mais cela ne signifie pas que c'était un fardeau – c'était le contraire. «Une fois que je me suis assis pour le faire, je me suis plutôt beaucoup amusé. C'était une expérience cathartique dont j'avais besoin dans ma vie et c'est peut-être pour cela que le design a fonctionné comme il le faisait. "

Au-delà de l'utilisation de pièces de monnaie, Graham n'avait besoin que de quelques fournitures de base supplémentaires pour s'assurer que sa conception durerait. Le calfeutrage était l'un d'entre eux, et elle a calfeutré le dos de chaque pièce pour l'adhésion sur son carrelage. «Après avoir déposé le dernier sou, j'ai attendu quelques jours que le calfeutrage se solidifie, puis j'ai jointoyé. J'ai attendu une semaine complète pour que le coulis durcisse et durcisse et j'ai finalement versé un revêtement de résine sur le dessus. Il n'y a pas d'odeur de sou, le sol n'est pas glissant, et c'est cinq ans plus tard et ça a toujours l'air bien! "

Le joaillier Kelly Graham a créé un plancher de penny bricolage en utilisant environ 7500 pièces de monnaie dans différentes nuances.

DIY Penny Floor par Kelly GrahamDIY Penny Floor par Kelly GrahamCuivre Penny Floor DIYCuivre Penny Floor DIYCuivre Penny Floor DIYCuivre Penny Floor DIYPlancher fait de sousConceptions de bijoux Camias: Etsy | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Kelly Graham.

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Des «feuilles de triche» modulaires vous aident à cuisiner avec une meilleure organisation et un meilleur contrôle

Cheat Sheets Sheet Pan Cooking par Prepd

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La cuisson à la poêle n'est pas toujours aussi simple que de mettre tous vos ingrédients dans le four et de régler une minuterie. Des légumes à la viande, chaque composant de votre repas nécessite un temps de cuisson différent. Cuire tout sur le même plateau signifie également que vous avez probablement du mal à espacer suffisamment vos ingrédients, afin qu'ils ne se mélangent pas. C’est pourquoi une équipe de chefs, de gourmets, de designers et d’ingénieurs – appelés ensemble Prepd – a créé des feuilles de triche, des séparateurs en silicone antiadhésifs allant au four.

Récemment lancée sur Kickstarter, la campagne Cheat Sheets a déjà recueilli plus de 1 500 000 $, allant bien au-delà de son objectif initial d'un peu moins de 10 000 $. Il est facile de comprendre pourquoi tant de personnes peuvent se rallier à cette idée: les fiches de triche vous permettent de séparer facilement les ingrédients et de cuisiner avec une meilleure organisation et un meilleur contrôle. Pour éviter de trop cuire un ingrédient, retirez simplement le compartiment modulaire de la plaque de cuisson et laissez les autres ingrédients cuire plus longtemps. Les fiches de triche sont également utiles pour les familles, car elles vous permettent de répondre à ceux qui ont des besoins ou des goûts alimentaires spécifiques.

La meilleure partie? Le nettoyage est un jeu d'enfant! Contrairement aux casseroles en feuille ordinaires, les feuilles de triche sont antiadhésives et vont au lave-vaisselle. Cela signifie que vous n'aurez jamais à passer du temps à nettoyer les taches huileuses, et vous pouvez éviter d'utiliser du papier d'aluminium et du papier parchemin non recyclables.

«Chez Prepd, nous croyons fermement que cuisiner pour vous-même ou votre famille est le meilleur moyen et le plus simple de rester en bonne santé, en particulier en ces temps difficiles», ont déclaré les concepteurs. "Il ne doit pas toujours être un aliment santé, tant que vous le faites cuire et connaissez les ingrédients, ça suffit."

En savoir plus sur Cheat Sheets sur Kickstarter, où vous pouvez également soutenir la campagne et commander votre propre ensemble.

Présentation Feuilles de triche, les séparateurs en silicone antiadhésifs allant au four qui vous aident à cuisiner avec une meilleure organisation et un meilleur contrôle.

Cheat Sheets Sheet Pan Cooking par Prepd

Conçus par Prepd et lancés sur Kickstarter, les composants modulaires vous permettent d'éviter de trop cuire certains ingrédients.

Cheat Sheets Sheet Pan Cooking par PrepdCheat Sheets Sheet Pan Cooking par PrepdCheat Sheets Sheet Pan Cooking par PrepdCheat Sheets Sheet Pan Cooking par Prepd

Les tricheurs sont également antiadhésifs et vont au lave-vaisselle, donc le nettoyage est facile!

Cheat Sheets Sheet Pan Cooking par PrepdCheat Sheets Sheet Pan Cooking par PrepdCheat Sheets Sheet Pan Cooking par PrepdPrepd: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Pinterest | Kickstarter
h / t: (Conception Yanko)

Toutes les images via Prepd.

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Vous pouvez maintenant faire une visite virtuelle du musée Van Gogh

Musée Vincent van Gogh d'Amsterdam

Photo: YouTube

Le musée Van Gogh présente la plus grande collection d’œuvres d’art de Vincent van Gogh et il a maintenant augmenté son empreinte virtuelle déjà considérable avec une série de vidéos en sept parties emmenant le spectateur en visite privée de certaines parties de la collection du musée. Cette opportunité unique vous permet de vous connecter aux œuvres de Van Gogh dans un cadre respectueux accompagné d'une riche partition musicale. Incroyablement, vous n’avez même pas à vous battre contre les foules de visiteurs de musées pour avoir la chance de passer un moment intime avec ses œuvres les plus populaires.

Cette série de vidéos fait suite à une récente augmentation du contenu numérique axé sur la vie et le travail de Van Gogh. L'entreprise massive qui était le film de 2017, Aimer Vincent, qui était animée avec 65 000 peintures, et l'animation 3D et la modélisation de ses peintures par un artiste italien témoignent de la fascination continue du monde pour la figure emblématique.

Bien que le musée Van Gogh d'Amsterdam soit actuellement fermé en raison de la réglementation sur les coronavirus, vous pouvez utiliser cette visite privée pour vous guider jusqu'à la réouverture du musée.

Faites une visite personnelle des œuvres de Vincent van Gogh avec la série virtuelle en sept parties du Musée Van Gogh d'Amsterdam.

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=SRDEmb5Eo_Y (/ embarqué)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=j3kfiH_dacw (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=wmq2yQAEHZY (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=ASXYtcI54Pk (/ intégré)

Vous pouvez voir de près des tableaux comme celui de Van Gogh La chambre à coucher (1888) et bien d'autres au cours de cette longue tournée.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=wwIRO1nzJIw (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=yKba_4M0kp8 (/ intégré)

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=9F_qqWd_RZs (/ incorporé)

Musée Van Gogh: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Culture ouverte)

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Coca-Cola et Carlsberg passeront à des bouteilles d'origine végétale qui se décomposeront en un an

Verres à boisson recyclables prototypes du Paper Bottle Project

Photo: Paboco

Selon la National Oceanic and Atmospheric Administration, les scientifiques estiment que huit millions de tonnes de plastique – environ le poids de 90 porte-avions – se retrouvent chaque année dans les océans. La Paper Bottle Company (Paboco) veut aider les fabricants et les distributeurs à réduire leurs déchets plastiques à usage unique en créant des bouteilles à base de sucres végétaux dégradables plutôt que de combustibles fossiles. BillerudKorsnäs, développeur d'emballages en papier, a lancé cette initiative pour la première fois en 2013, et a été rejoint par des sociétés de recherche et des leaders de l'industrie comme Avantium et ALPLA. Le projet a fièrement annoncé en octobre 2019 que Coca-Cola, L’Oreal et Absolut avaient joint leurs efforts.

La brasserie historique, Carlsberg, est un partenaire de longue date du Paper Bottle Project et a expliqué dans un communiqué de presse: «Nous travaillons sur le développement de la première bouteille de bière« en papier »au monde fabriquée à partir de fibres de bois d'origine durable qui est à la fois 100 % biosourcé et entièrement recyclable. » Peu de temps après, la brasserie a dévoilé sa première bouteille en papier pour leur bière Pilsner comme preuve de concept sur leurs sites de médias sociaux. Ces bouteilles en papier, fabriquées à partir d'un polymère d'origine végétale appelé «PEF», devraient être entièrement recyclables et se dégrader naturellement en un an, contrairement à leurs homologues en plastique. L'entreprise de développement durable qui crée ces bouteilles espère qu'elles seront prêtes à l'usage des consommateurs d'ici 2023.

Christina Carlsen, directrice technique de Paboco, déclare: «Faire partie de ce voyage depuis le début, inventer la technologie et construire la première machine pour la bouteille en papier à mains nues est ma chance de faire la différence. Une différence vers un monde durable pour les générations futures. Ce que nous faisons n'est pas seulement une nouvelle bouteille, nous faisons une différence. »

Cette poussée vers l’élimination des plastiques à usage unique sort de l’élan de l’année dernière pour commencer à réduire l’utilisation de la paille en plastique dans de nombreux pays et sociétés à travers le monde. De même, des pays entiers font de leur mieux pour contribuer positivement à des initiatives de durabilité comme le plan chinois d'interdire les sacs en plastique dans toutes ses grandes villes d'ici la fin de 2020. Grâce à ces projets, nous pouvons voir que la communauté mondiale prend la responsabilité de la croissance problème des déchets environnementaux et utilise l'innovation et l'ingéniosité humaine pour nous assurer d'avoir une Terre propre et saine pendant de nombreux siècles.

Des entreprises comme Coca-Cola, Carlsberg et Absolut soutiennent les efforts de The Paper Bottle Company pour créer des bouteilles durables et recyclables.

Schémas de conception du premier prototype du projet de bouteilles en papier

Photo: Paboco

La preuve de concept du Paper Bottle Project pour les verres recyclables

Photo: Paboco

Le prototype recyclable du Paper Bottle Project

Photo: Paboco

Ces bouteilles en papier pourraient aider à atténuer le grave problème de pollution plastique auquel sont confrontés les habitats océaniques et marquer une transition vers la durabilité industrielle mondiale.

Graphique expliquant le problème de la pollution plastique dans les océans

Photo: NOAA

Photo: Carlsberg

The Paper Bottle Company: Site Web
h / t: (LADbible)

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La Nouvelle-Guinée a des créatures rares et magnifiquement obsédantes appelées «perroquets Dracula»

Perroquet Dracula perché sur une branche

Photo: Photos de Danny Ye / Shutterstock

Il y a de beaux oiseaux dans le monde mais peut-être aucun avec un nom aussi effrayant qu'une espèce trouvée en Nouvelle-Guinée – le Perroquet Dracula. C’est le surnom du perroquet de Pesquet (Psittrichas fulgidus), qui est endémique de la colline de l'île et de la forêt tropicale montagnarde. Avec de riches plumes noires et un ventre rouge écarlate, il a toute la coloration de la cape du comte Dracula, mais son apparence peut être trompeuse.

Le perroquet Dracula est un perroquet relativement grand, mesurant une longueur totale d'environ 18 pouces et pesant entre 1,5 et 1,75 livres. Son long bec crochu et son visage nu, couplé à sa grosse tête, lui donnent un air de vautour. Pour cette raison, il est parfois aussi appelé un perroquet vulturine. Mais ne vous laissez pas tromper par ces noms familiers – cet oiseau n'est pas un mangeur de chair.

En fait, le perroquet Dracula est un frugivore, ce qui signifie que le fruit est son aliment préféré. Et pour ce perroquet, nous ne parlons pas seulement de fruits. Ces perroquets ne se nourrissent que de quelques espèces de figues. Cela permet d'expliquer pourquoi ils ne migrent pas et s'en tiennent généralement à un seul domaine. C’est aussi la raison pour laquelle ils ne sont qu’une des trois espèces de perroquets sans visage nu, car la pulpe de fruit qu’ils mangent provoquerait la formation de plumes sur le visage.

Lorsqu'ils sont laissés seuls dans des zones où ils ne sont pas chassés, il n'est pas rare de voir des groupes de 10 à 14 percher dans les arbres. Ils peuvent presque toujours être trouvés au moins par paires. Les perroquets Dracula auraient une durée de vie de 20 à 40 ans et nichent dans de grands arbres creux. Fait intéressant, seuls un ou deux œufs sont pondus à la fois.

Ces oiseaux rares sont les seuls membres de leur genre, et ce genre est le seul membre de la sous-famille Psittrichadinae, ce qui montre à quel point ces perroquets sont uniques. Malheureusement, le perroquet Dracula a été classé comme vulnérable sur la Liste rouge de l’UICN. Cela est principalement dû au braconnage, ainsi qu'à la perte d'habitat. Les braconniers s'en prennent au perroquet Dracula pour leurs plumes, très prisées des collectionneurs. On pense qu’entre 20 000 et 50 000 perroquets Dracula existent dans la nature et leur population continue de diminuer.

Le perroquet Dracula est un oiseau rare endémique de la forêt tropicale de Nouvelle-Guinée.

Perroquet Vulturine sur une branche

Photo: Photographies d'Alexandr Junek Imaging / Shutterstock

Sa face nue lui donne un peu l'air d'un vautour, mais en réalité, ce perroquet ne se nourrit que de quelques types de figues.

Gros plan d'un perroquet Dracula

Photo: Stock Photos de Dicky Asmoro / Shutterstock

Ses plumes noires et son ventre rouge écarlate lui donnent l'apparence de la cape du comte Dracula.

Perroquet de Pesquet suspendu à l'envers

Photo: Photos de Milan Rybar / Shutterstock

Malheureusement, les perroquets Dracula diminuent en nombre à cause des braconniers qui recherchent leurs plumes, qui sont très prisées.

Psittrichas fulgidus sur une branche

Photo: Photos de Milan Rybar / Shutterstock

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Amina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et d

Lorsque la photographe tchétchène Amina Arsakova a aperçu une photo d'Amina Ependieva, 11 ans, dans un centre commercial, elle a immédiatement été intriguée par la beauté unique de la jeune fille. En effet, Ependieva a deux conditions génétiques rares: l'albinisme et l'hétérochromie. Le premier est une condition qui réduit la quantité de pigment de mélanine dans la peau, les yeux et les cheveux, tandis que le second est une différence de coloration de l'iris. Dans le cas d'Ependieva, elle a les cheveux blonds blancs et la peau pâle avec un œil bleu et un œil brun.

Arsakova voulait faire une séance photo avec Ependieva, mais cela s'est avéré difficile. Elle n'a pas pu contacter directement Ependieva, mais grâce à des recherches, elle a finalement obtenu le numéro de téléphone de sa mère. Ils ont programmé une séance de portrait après cela. "Amina s'est avérée être une fille très agréable et calme", ​​a déclaré Arsakova à My Modern Met. Cela se reflète dans son portrait. Arsakova a réalisé Ependieva dans des scènes intérieures tranquilles avec la fille assise dans un espace neutre ainsi que des plans rapprochés de son visage qui capturent ses traits séduisants et sa personnalité timide.

Alors qu'Arsakova a fait la connaissance d'Ependieva grâce à la création d'images, il y a encore plus qu'elle aimerait découvrir à son sujet. «Malheureusement, il n'était pas du tout possible de connaître les détails des caractéristiques de son apparence», dit-elle. "J'espère que dans un avenir proche, il sera possible d'organiser une nouvelle séance photo avec Amina et de discuter dans une atmosphère détendue."

La photographe Amina Arsakova a capturé de superbes portraits d'Amina Ependieva, 11 ans, une fille atteinte à la fois d'albinisme et d'hétérochromie.

Amina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et dAmina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et dAmina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et dAmina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et dAmina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et dAmina Ependieva, fille atteinte d'hétérochromie albinisme et dPersonne atteinte d'hétérochromiePersonne atteinte d'hétérochromieAmina Arsakova: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Amina Arsakova.

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Le restaurant d'Amsterdam Mediamatic ETEN est à la pointe de la création de conceptions innovantes pour aider les gourmets à s'adapter aux réglementations en matière de distanciation sociale, comme en témoignent leurs serres récemment installées au bord de l'eau. Cinq de ces serres pittoresques bordent la rivière Oosterdok qui traverse Amsterdam. Ils constituent une solution expérimentale au problème de l'éloignement social et des repas assis. Le site Web du restaurant explique qu'il a choisi de nommer leur interprétation artistique des sièges d'extérieur «Serres Séparées» – français pour «serres séparées». Les photographies prises lors du premier test du restaurant le 5 mai montrent comment ces espaces vous permettent de profiter de l'ouverture du paysage sans crainte.

"Nous voulons que les gens se sentent toujours en sécurité pour manger ensemble et partager un repas", a déclaré la chef de Mediamatic ETEN, Giulia Soldati, à la BBC. «Tous les espaces sont séparés mais les gens peuvent toujours partager l'espace et partager la nourriture ensemble. Nous serons à l'extérieur donc ça va être sûr. Nous allons porter des gants et un masque de protection. »

L'industrie hôtelière est l'un des secteurs d'activité les plus durement touchés par les effets du coronavirus et de l'éloignement social. Il y a toujours un débat sur la façon dont les salles à manger peuvent être converties pour respecter les mandats de distanciation sociale; et pourtant, les dirigeants de ces entreprises locales ne perdent pas espoir. «C'est en fait un défi de repenser l'hospitalité», explique Soldati, et des restaurants comme le sien franchissent les obstacles qui se dressent sur leur chemin en utilisant des méthodes ingénieuses. Par exemple, ce siège de serre permet aux convives de manger en toute sécurité à l'extérieur sans les craintes habituelles de la pluie ruinant votre nourriture ou les oiseaux qui se précipitent pour voler votre dernière bouchée.

Depuis que les restaurants hollandais vont être autorisés à rouvrir à partir du 1er juin, le bien-aimé Mediamatic ETEN se prépare à apporter sa cuisine végétalienne aux clients de la ville. Comme il n'y a que cinq serres disponibles à la réservation, la liste d'attente pour découvrir les repas à quatre plats qui complètent votre séjour au bord de la rivière est déjà réservée bien en juin. Si vous souhaitez organiser une soirée des mois à l'avance, vous pouvez réserver l'une de ces serres sur le site Web du restaurant.

Les sièges de serre de Medimatic ETEN vous offrent une vue unique sur la rivière Oosterdok tout en se distançant des autres convives.

Serres Séparées Greenhouse DiningSerres Séparées Greenhouse DiningSerres Séparées Greenhouse Dining

Afin de protéger les clients et les serveurs, le restaurant néerlandais a commencé à servir des plats sur des planches en bois, une compétence que leurs serveurs ont rapidement maîtrisée.

Serres Séparées Serre à manger bloc de service en boisServeur servant Serres Séparées Salle à manger sous serreUn serveur sert un dîner dans les serres de Serres SéparéesMediamatic ETEN: Site Web | Instagram
h / t: (designboom)

Toutes les images via Mediamatic ETEN.

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Cet artiste peint de belles fleurs sur tous ses murs alors qu'il est coincé en quarantaine

Peintures murales de la maison par Nathalie Lete

L'artiste française Nathalie Lété s'est occupée pendant le verrouillage en transformant sa maison de campagne en un pays des merveilles bucolique. Chaque pas à l'intérieur montre des fleurs de couleur bonbon de rêve qui fleurissent sur les portes, les murs, les escaliers et les meubles – comme si c'était un chalet d'un conte de fées.

«J'ai acheté cette maison il y a trois ans», explique l'artiste à My Modern Met. "Mon rêve depuis mon adolescence était d'avoir ma propre maison remplie de mon art." Quand elle a commencé à décorer son chalet, Lété avait l'intention de contenir ses peintures fantastiques dans son espace de studio. Cependant, une fois que la France est entrée en lock-out, son mari l'a encouragée à apporter son pinceau au reste de la maison. Maintenant, Lété passe chaque jour à ajouter des motifs spéciaux – une fleur, un oiseau ou un imprimé jazzy – à chaque coin et recoin.

En plus de ses splendides peintures murales, l'artiste française recycle également des meubles trouvés avec une nouvelle vie botanique. «Ce que j'ai particulièrement aimé, c'est l'idée de (créer) votre propre monde, une sorte de nid, juste rempli de votre propre art», poursuit Lété. «Des peintures murales aux tapis, des tissus aux lampes et aux plats de tous les jours. L'idée est que vous pouvez transformer un simple endroit et des meubles trouvés dans la rue en quelque chose de spécial et de personnel. » Selon les images que l'artiste a publiées sur son Instagram, aucune partie de sa maison ne sera négligée. Des tiges ondulées et tourbillonnantes parsemées de fleurs poussent à chaque coin. Lété a même peint une tête de lit rose poussiéreuse, accompagnée de coeurs et d'oiseaux chanteurs, pour encadrer son lit.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'images de la belle maison de campagne de Lété et visitez Instagram de l'artiste pour vous tenir au courant de ses derniers projets de peinture.

L'artiste française Nathalie Lété passe la quarantaine à peindre sa maison de campagne en dehors de Paris.

Peintures murales de la maison par Nathalie Lete

Elle a décoré les murs, les portes et les fenêtres d'illustrations botaniques fantaisistes.

Peintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LetePeintures murales de la maison par Nathalie LeteNathalie Lété: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Nathalie Lété.

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Une vague géante s'écrasant contre un aquarium en verre à Séoul est en fait une illusion anamorphique

Installation d'art numérique Wave en Corée du Sud

GIF: colossal

Au centre de la version de Séoul de Times Square, une vague géante apparaît comme si elle pouvait s'écraser sur les masses à tout moment. Mais ce qui se passe en réalité, c'est une illusion anamorphique incroyable de la société sud-coréenne de design numérique strict. En fusionnant art et technologie, ils créent savamment une expérience immersive et divertissante.

Par le passé, d’strict a travaillé avec des hologrammes, des cartes de projection et bien plus encore pour donner vie à un parc à thème K-pop et à d’autres spectacles. Maintenant, ils ont abordé le plus grand écran publicitaire numérique de Corée du Sud avec leur installation Vague. Un écran massif de 80,9 mètres de large par 20,1 mètres de haut (265 ′ x 65 ′) est la toile pour leur travail et ils profitent pleinement de l'espace.

En projetant des vagues massives sur l'écran, ils ont créé l'illusion que l'eau pourrait éclater le verre à tout moment et se répandre sur le trottoir. L'effet est à la fois passionnant et fascinant. Alors que les vagues s’écrasent hypnotiquement dans le verre encore et encore, il est impossible de détourner le regard.

Le grand panneau d'affichage numérique a été installé en 2018 pour développer le Coex K-pop Square dans le quartier Gangnam de Séoul. En règle générale, les vidéos K-pop sont projetées sur l'écran enveloppant du Coex Atrium, mais cette métamorphose à couper le souffle attirera certainement autant d'attention.

Sur le Times Square de Corée du Sud, on dirait qu'une vague géante est sur le point de sortir d'un aquarium géant.

Installation d'art numérique Wave en Corée du Sud

En réalité, Vague est une illusion anamorphique géante créée par la firme de design d’strict.

d’strict: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube
h / t: (Colossal)

Toutes les images via d’strict.

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L'un des plus anciens jardins publics du Japon, Parc de Nara abrite plus de 1 200 cerfs sika sauvages qui errent librement sur un terrain de 502 hectares (1 240 acres). Les douces créatures partagent généralement le parc avec des foules de touristes, mais depuis le verrouillage du COVID-19, les cerfs ont profité du temps calme. Les habitants sont toujours autorisés à visiter (tant qu'ils respectent la distance sociale), alors le photographe japonais Kazuki Ikeda s'y est récemment rendu pour une séance photo avant le mariage. Et tandis que le couple était au centre des clichés, il a également eu le temps de capturer un groupe de cerfs sur vidéo, et cela ressemble à quelque chose d'un conte de fées.

Visiter le parc de Nara est une expérience inoubliable toute l'année, mais c'est particulièrement magique pendant la saison des cerisiers en fleur. La vidéo désormais virale d'Ikeda montre le cerf se reposant paisiblement sous les arbres de fleurs roses et broutant sur le sol rempli de pétales. La scène enchanteresse met en valeur la beauté du parc de Nara et de ses habitants animaux, et Ikeda espère que sa vidéo encouragera les gens à s'y rendre une fois les restrictions de voyage levées. "La pandémie épuise le cœur des gens du monde entier", dit-il, "j'espère que cette vidéo mettra les gens du monde entier à l'aise".

Regardez la vidéo de Kazuki ci-dessous et suivez-le sur Instagram pour plus de ses superbes photographies.

Le photographe japonais Kazuki Ikeda a récemment capturé un groupe de cerfs profitant du parc de Nara pendant la saison des cerisiers en fleurs.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=QXnDG6K4m40 (/ intégré)

Kazuki Ikeda: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (UNILAD)

Toutes les images via Kazuki Ikeda.

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Les pingouins du zoo de Kansas City visitent la galerie impressionniste

Le zoo de Kansas City a fait une promenade sur le côté sauvage plus tôt ce mois-ci au musée d'art Nelson-Atkins à proximité avec un trio de pingouins Humboldt en remorque. Ces adorables oiseaux incapables de voler – Bubbles (5), Maggie (7) et Berkley (8) – ont pris d'assaut les collections impressionnistes et baroques. «Nous cherchons toujours des moyens d'enrichir leur vie», explique Randy Wisthoff, directeur exécutif du zoo, «et de stimuler leurs journées et pendant cette période de fermeture, nos animaux manquent vraiment de visiteurs qui viennent les voir.»

Les deux institutions ont coordonné cette rencontre culturelle et ont su capturer la visite des pingouins sur film. Selon le directeur du musée, Julian Zugazagoitia, les oiseaux «semblaient définitivement réagir beaucoup mieux au Caravage qu'à Monet» malgré son anticipation selon laquelle ils préféreraient les nénuphars aux tons frais de Monet. Peut-être que les riches couleurs terreuses des peintures baroques ont piqué l'intérêt des pingouins pour leur profondeur et leur ombre inhabituelles.

Il semble que les oiseaux en noir et blanc connaissent encore un peu leur maison lorsqu'ils l'entendent, car le trio de pingouins péruviens semblait «vraiment l'apprécier» lorsque Zugazagoitia leur a parlé en espagnol. Bien que cette sortie spéciale ne soit pas normalement dans l'itinéraire du zoo, ils ont dû être expérimentés pendant la quarantaine pour garder leurs animaux engagés sans l'excitation des visiteurs pour les garder occupés.

«Les pingouins de Humboldt dans les soins humains peuvent vivre bien dans la trentaine. Dans la nature, les manchots de Humboldt sont confrontés à la perte d'habitat et à la surpêche qui épuise leurs sources de nourriture. Malheureusement, nos pingouins ne peuvent pas parler d'eux-mêmes, mais nous pensons qu'ils ont trouvé l'expérience au musée très enrichissante! » Dit Wisthoff.

Vous pouvez maintenant visiter Bubbles, Maggie et Berkley au zoo de Kansas City depuis qu'il a ouvert ses portes avec de nouvelles réglementations. Bien que le musée d'art Nelson-Atkins soit actuellement fermé, vous pouvez faire un don pour soutenir les efforts des conservateurs.

Vous pouvez voir ci-dessous le trio de pingouins du zoo de Kansas City au Nelson-Atkins Museum of Art.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=C6buz-qJsNQ (/ intégré)

Bubbles, Maggie et Berkley ont été particulièrement séduits par les collections baroques et impressionnistes du musée.

Les pingouins du zoo de Kansas City visitent la galerie impressionnisteLes pingouins du zoo de Kansas City visitent la galerie baroqueLes pingouins de Kansas City visitent le musée d'art Nelson-AtkinsLes pingouins Humbolt du zoo de Kansas City visitent le musée d'art Nelson-AtkinsDeux des pingouins du zoo de Kansas City explorent le musée d'artZoo de Kansas City: Site Web | Facebook | Instagram
Musée d'art Nelson-Atkins: site Web | Facebook | Instagram
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Toutes les images via le Nelson-Atkins Museum of Art.

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Mignon mouton noir du Valais

Photo: Photos d'Umomos / Shutterstock

Avec leur fourrure blanche moelleuse, les moutons sont déjà des animaux mignons, mais une race de Suisse prend le facteur mignon d'un cran. le Nez valaisan est un mouton domestique originaire de l'état montagneux du Valais. Bien qu'ils aient été documentés depuis le XVe siècle, ce n'est qu'en 1962 qu'ils sont devenus une race standardisée. De nos jours, ils ne sont pas seulement connus pour leur apparence adorable mais aussi pour leur personnalité gagnante.

En fait, les moutons à nez noir du Valais sont devenus très à la mode et sont très demandés. Ils font de merveilleux animaux de compagnie en raison de leur disposition amicale et de leur nature calme. Mais, bien sûr, c'est leur apparence qui les distingue vraiment. Leurs visages noirs distinctifs sont mis en valeur par les boucles blanches de leur laine. Mis à part leur visage, ils ont également des oreilles, des genoux, des jarrets et des pieds noirs. Pour couronner le tout, les mâles et les femelles ont des cornes en spirale.

Élevés pour la viande et la laine, ils font près de 9 livres de laine par tête chaque année. Comme leur laine est extrêmement grossière, elle est généralement utilisée pour les tapis et le feutre. Bien que pendant des siècles, le nez noir du Valais ne se trouve qu'en Suisse, ces dernières années, il a été importé dans d'autres pays.

En 2014, ils ont été importés au Royaume-Uni et peuvent maintenant être trouvés à travers le pays. Des programmes d'élevage sont également en cours aux États-Unis, en Nouvelle-Zélande et en Australie dans l'espoir d'importer la race dans ces pays. Aux États-Unis, cependant, cela signifie un croisement pour finalement obtenir une race aussi pure que possible, car les règles de l'USDA ne permettent pas l'importation de moutons vivants ou d'embryons de moutons européens.

Si vous ne vous rendrez pas en Suisse de si tôt, prenez des photos des adorables agneaux et faites défiler vers le bas pour voir comment une femme au Royaume-Uni est tombée amoureuse de son animal de compagnie Valais.

Les moutons à nez noir du Valais sont une adorable race originaire de Suisse.

Troupeau d'adorables moutons à nez noir du Valais

Photo: Stock Photos de Josepouwels / Shutterstock

Ils sont connus pour leurs visages noirs et leurs marques…

Mignon mouton noir du Valais

Photo: Photos d'Umomos / Shutterstock

Mouton à nez noir du Valais avec les Alpes suisses en arrière-plan

Photo: Stock Photos de S-F / Shutterstock

Ainsi que les cornes en spirale que possèdent les hommes et les femmes.

Mouton valaisan à cornes frisées

Photo: Stock Photos de sur SET / Shutterstock

Jusqu'à il y a quelques années, ils étaient exclusivement trouvés en Suisse, bien qu'ils soient maintenant introduits au Royaume-Uni.

Mouton Nez Noir Valais

Photo: Photos de Pascale Gueret / Shutterstock

Deux moutons à nez noir en Suisse

Photo: Stock Photos de Sasin Paraksa / Shutterstock

Leur tempérament doux en fait de grands animaux de compagnie.

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=sKlc6T0th4M (/ embarqué)

h / t: (Disclose.tv)

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L'artiste tricote une couverture géante célébrant l'architecture colorée de Copenhague

Architecture Knits par Jake Henzler

L'artiste Jake Henzler (également connu sous le nom de Boy Knits World) crée un art tricoté lunatique inspiré de l'architecture traditionnelle colorée de Copenhague. Il a commencé le projet alors qu'il vivait à l'étranger dans la capitale danoise, en utilisant la mosaïque arc-en-ciel du paysage urbain comme source d'inspiration pour une couverture unique en forme de couette appelée Blocs de construction de Copenhague.

L'artiste australien a basé chaque «bloc» de la grande couverture sur un quartier différent de la ville qui comprend Nørrebro, Frederiksberg et Østerbro. Pour les rendre adaptés au tricot, Henzler simplifie les styles architecturaux traditionnels en formes géométriques qui captent l'essence du charme danois. Une fois les blocs tricotés terminés, il les organise en une grille et les coud ensemble. Des fenêtres carrées, de hautes portes et des toits en bois ornés unissent la mosaïque tricotée, tandis que la subtile variation chromatique parle de l'individualité de chaque bâtiment. Bien que certains blocs semblent plus minimalistes dans les détails et la palette de couleurs, d'autres présentent des motifs floraux fantaisistes sur la façade et des toits complexes.

Depuis qu'il a composé la couverture à carreaux, Henzler a depuis utilisé les conceptions graphiques dans d'autres objets tricotés tels que les oreillers et les couvertures pour bébés. À elles seules, les créations de Henzler ressemblent à des portails de contes de fées, mais lorsqu'elles sont réunies en ligne, ces petites maisons se transforment en une rue danoise pittoresque.

Faites défiler vers le bas pour voir des tricots plus colorés de Henzler. Si vous souhaitez essayer de tricoter ses blocs pour vous, il vend le patron sur Ravelry.

L'artiste basé à Sydney, Jake Henzler, capture l'architecture colorée de Copenhague dans des tricots incroyables.

Architecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake Henzler

Il a commencé le projet alors qu'il vivait à l'étranger à Copenhague…

Architecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake Henzler

… Et créé une grande couverture tricotée à la main appelée Blocs de construction de Copenhague.

Architecture Knits par Jake HenzlerArt du tricot

Ces blocs sont inspirés de l'architecture traditionnelle des quartiers uniques de Copenhague, et ils sont également visibles sur des oreillers.

Architecture Knits par Jake HenzlerArchitecture Knits par Jake HenzlerJake Henzler: Ravelry | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jake Henzler.

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Le Rijksmuseum publie une image extrêmement détaillée de 44,8 gigapixels de la «montre de nuit» de Rembrandt

Photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum (domaine public)

Peut-être le tableau le plus célèbre de Rembrandt van Rijn, The Night Watch (1642), peut maintenant être vu plus en détail que jamais auparavant. Vous n'avez plus à vous soucier d'obéir aux panneaux d'avertissement qui bordent les allées des musées et de vous tenir à une distance respectable de cette pièce massive de l'âge d'or hollandais de l'art; le Rijksmuseum a téléchargé une image numérique entièrement zoomable de 44,8 gigapixels (44 804 687 500 pixels) de la peinture dans toute sa splendeur. La toile de 11'11 "x 14'4" a été photographiée 528 fois par des conservateurs, puis 24 rangées de 22 de ces images ont été assemblées pour créer ce chef-d'œuvre de l'histoire numérique.

Le Rijksmuseum se joint à une foule d'autres institutions culturelles pour combler le fossé entre l'expérience du musée physique et numérique. La visite virtuelle de la Tate Modern de l'exposition d'Andy Warhol a été créée le mois dernier, emmenant les visiteurs dans une visite personnelle dans les différentes salles de la collection. Le British Museum vient également de rendre public près de deux millions d'images d'articles de sa collection en ligne. Nous commençons à voir des indices sur ce à quoi ressemblera le changement de paradigme dans le domaine de l’histoire publique dans les années à venir. La technologie donne à ces musées un accès et une occasion uniques de créer des interactions significatives avec les clients au-delà de leurs bâtiments en brique et mortier.

Avec la copie du Rijksmuseum de The Night Watch, vous pouvez voir la peinture d'une manière que seuls quelques restaurateurs qualifiés peuvent expérimenter. L'œuvre d'art, commandée par le capitaine Frans Banning Cocq et dix-sept membres de son Kloveniers– une unité spécifique de gardes de milice civiques – vers 1639, est réputée pour son utilisation du mouvement et du ténébrisme. Même les coups de pinceau individuels de Rembrandt sont visibles lorsque vous effectuez un zoom avant sur la mise au point la plus élevée de la photographie. Fait intéressant, cette image ne représente qu'une section de la toile; d'autres zones le long de la frontière ont été perdues lorsque la pièce a déménagé en 1715.

Photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum (domaine public)

Plus tôt cette année, le musée a lancé une série d'efforts de restauration lors d'un événement en direct populaire, mais les travaux sur le projet ont ralenti en raison de la mise en quarantaine. Ils estiment que «Operation Night Watch» sera terminée d'ici 2021. Vous pouvez voir la photo détaillée ici et visiter le site Web du Rijksmuseum pour plus d'informations sur la peinture et son plan de restauration.

Voici une série de gros plans de la mascotte féminine aux teintes dorées à l'avant-garde de Rembrandt The Night Watch.

Gros plan sur la photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum (domaine public)

Gros plan sur la photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum (domaine public)

Gros plan sur la photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum (domaine public)

Plus vous zoomez sur la photo du Rijksmuseum, plus vous pouvez voir clairement les coups de pinceau de Rembrandt.

Gros plan sur la photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum, domaine public

Gros plan sur la photographie du Rijksmuseum de la montre de nuit de Rembrandt van Rijn

Photo: le Rijksmuseum, domaine public

Le Rijksmuseum: site Web | Facebook | Instagram
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Toutes les images via le Rijksmuseum

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Voici comment réaliser 6 différents types de couvertures à la maison avec des meubles IKEA

IKEA Furniture Forts

Souviens-toi quand tu construisais forts de couverture comme un gosse? Eh bien, il est temps de revivre vos rêves d'enfance. L'entreprise suédoise de meubles IKEA a récemment publié 6 idées de structures différentes qui vous aideront à revivre vos aventures d'enfance à la maison. Et si vous êtes toujours en lock-out, faire de l'un de ces forts vous occupera et vous fournira un nouvel espace pour vous détendre!

Créée par l'agence Instinct, la campagne intelligente s'adresse à ceux qui peinent à divertir leurs enfants pendant la pandémie. Cependant, cela ne signifie pas que les adultes ne peuvent pas non plus participer au plaisir. Dans la mode typique d'IKEA, chaque conception de fort a reçu un nom suédois et comporte des instructions simples et illustrées. Du classique Tente de camping à un élaboré Château, chaque fort peut être construit à partir de produits IKEA, ainsi que d'objets trouvés autour de la maison typique.

Peut-être le fort le plus traditionnel de la collection, La grotte comprend une chaise, un drap, quelques oreillers, des livres et des guirlandes pour une dose de magie. Il y a aussi Maison, qui nécessite une table, deux couvertures, 8 livres, 10 épingles à linge et un ours en peluche pour la société. Envie d'en créer un vous-même? IKEA a demandé aux gens de partager des photos de leurs forts faits maison sur les médias sociaux, en utilisant les hashtags #Rester à la maison et #IKEAHome.

Découvrez les 6 différents modèles de fort d'IKEA ci-dessous, et si vous avez besoin de plus d'inspiration, faites défiler vers le bas pour voir ce que d'autres ont créé à partir des instructions.

IKEA a partagé 6 façons de fabriquer des couvertures fortes à partir de meubles et d'autres objets domestiques.

IKEA Furniture Forts

La campagne s'adresse à ceux qui luttent pour divertir les enfants pendant le verrouillage…

IKEA Furniture Forts

… Mais cela ne signifie pas que les adultes ne peuvent pas avoir leur propre fort!

IKEA Furniture FortsIKEA Furniture FortsIKEA Furniture Forts

Voici ce que certaines personnes ont créé à la maison en utilisant les instructions IKEA.

IKEA: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Pinterest | Youtube
h / t: (Calmar riant)

Toutes les images via IKEA.

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Un café allemand applique des règles de distanciation sociale en demandant aux clients de porter des chapeaux de nouilles de piscine

Après avoir réussi à ralentir la propagation de COVID-19, l'Allemagne est l'un des nombreux pays qui tentent de rouvrir ses cafés et restaurants. Cependant, la vie est loin de revenir à la normale – de nombreux établissements doivent respecter des règles spécifiques d'hygiène et de distanciation sociale. Le Cafe & Konditorei Rothe dans la ville de Schwerin est l'un de ces endroits, et ils ont trouvé un moyen amusant de s'assurer que leurs clients restent à une distance sûre l'un de l'autre – 1,5 m (4,9 pieds).

La propriétaire du café, Jacqueline Rothe, a eu l'idée d'utiliser des nouilles de piscine pour séparer les clients. Chaque client est prié de porter un chapeau de paille avec les objets cylindriques colorés en mousse de polyéthylène attachés en haut. L'idée inhabituelle permet non seulement de séparer les gens, mais il est difficile de ne pas rire à quel point elle est ridicule. Rothe dit: "En ces temps difficiles, c'est un plaisir de faire sourire les autres."

Ce n'est pas la première fois que les gens adoptent des couvre-chefs pour lutter contre le virus. Dans une école primaire de Hangzhou, en Chine, les enfants ont confectionné des chapeaux élaborés avec des «ailes» d'un mètre de long. Tout comme les clients de Cafe & Konditorei Rothe, chaque casque farfelu crée une zone de sécurité autour d'eux. Cependant, Rothe a admis que ses chapeaux n'étaient qu'une exigence unique pour la réouverture du café et l'invité n'aura pas à les porter régulièrement.

Cafe & Konditorei Rothe en Allemagne a utilisé des chapeaux amusants avec des nouilles de piscine pour appliquer les règles de distanciation sociale.

Cafe & Konditorei Rothe: Site Web | Facebook
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Toutes les images via Cafe & Konditorei Rothe.

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Les architectes conçoivent leur propre bureau avec un toit incurvé pour servir de troisième étage extérieur

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Bureau avec toit incurvé habitable

Lorsqu'ils travaillent dans une zone densément peuplée, les architectes doivent faire preuve de créativité. Et en pensant à leurs propres bureaux, ils peuvent laisser libre cours à leur imagination. Ainsi, lorsque Studio Velocity a eu l'occasion de créer leur bureau dans la préfecture d'Aichi au Japon, les concepteurs ont regardé vers le haut afin de donner à leurs collègues l'espace qu'ils souhaitaient. En montant un toit légèrement incurvé au-dessus d'un bureau en bois, ils ont ajouté un nouvel espace habitable pour le travail et la détente.

Le bureau de Sannouno, situé dans la ville d'Okazaki, est une structure à deux étages qui a été transformée en trois niveaux de travail grâce à l'utilisation intelligente du toit. Le rez-de-chaussée est un espace de travail décloisonné, baigné de lumière grâce au mur de fenêtres qui bordent les deux côtés du bâtiment. Le niveau supérieur contient une petite cuisine et un espace repas.

C'est sur le toit innovant où le bureau prend vie. Perforé d'arbres qui poussent au rez-de-chaussée, le toit incurvé comprend un petit coin salon vitré pour que les employés puissent travailler, déjeuner ou tenir des réunions. Avec sa verdure et sa légère pente, le toit permet à chacun de profiter confortablement du plein air et d'échapper à l'ambiance bondée du quartier serré.

Incroyablement, la superbe ligne de toit a été réalisée en utilisant uniquement la gravité et la tension. Les architectes voulaient s'éloigner de l'utilisation de stratifié courbé ou d'un cadre en acier et ont donc expérimenté comment créer l'apparence souhaitée tout en renonçant à ces matériaux. Ils ont atteint leur objectif en utilisant une structure où la charge maximale a été tirée à l'avance et fixée. De cette façon, lorsque les gens montent sur le toit, la tension dans les piliers verticaux inférieurs diminue lentement. La compression n'est appliquée que lorsque le toit atteint sa charge maximale de 150 personnes.

Studio Velocity a trouvé une solution unique pour tailler de l'espace là où il y en a peu. Et en ouvrant la voie avec leur propre bureau, ils montrent aux autres de nouvelles possibilités créatives.

Studio Velocity utilise son toit incurvé comme espace de travail et de loisirs supplémentaire.

Personnes travaillant sur le toit de leur bureauPersonnes travaillant sur le toit de leur bureau

L'intérieur est un environnement ouvert et aéré qui assure l'intimité tout en mettant les employés en contact avec l'extérieur.

Intérieur du bureau à ossature boisIntérieur du bureau à ossature boisIntérieur du bureau à ossature boisBureau Sannouno par Studio Velocity

Le toit utilise la tension et la gravité pour sa stabilité et est le résultat d'une énorme quantité de tests.

Bureau Sannouno par Studio Velocity Under ConstructionConstruction en bois en cours

Studio Velocity: Site Web

h / t: [designboom]

Toutes les images via Studio Velocity.

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Boîte de céréales pliante Hack

Saviez-vous qu'il existe une bonne façon de fermer une boîte de céréales? Becky Holden McGhee a récemment découvert qu'elle avait scellé ses boîtes Crunchy Nut et Cheerios. Plutôt que d'insérer la languette dans le rabat sur le dessus de la boîte, elle a réalisé qu'en repliant les côtés vers l'intérieur, elle pourrait sauver sa famille des emballages déchirés et des céréales périmées. Et surtout, la méthode est facile à reproduire, ce qui en fait l'un de ces petits hacks de la vie que vous êtes heureux de connaître.

Une fois que McGhee a compris cette astuce de boîte de céréales, elle savait qu'elle ne pouvait pas la garder pour elle. Alors, elle a fait ce que n'importe qui ferait. Elle l'a partagé sur Facebook. "Cela ne m'a pris que 40 ans", a écrit McGhee, "mais maintenant je connais la bonne façon de fermer une boîte de céréales. Génie. Il ne me faut que quelques secondes, plus de céréales séchées et de vilaines boîtes déchirées pour me saluer chaque matin. » Les photos et la vidéo étape par étape sont devenues virales et ont accumulé plus de quatre millions de vues alors que les gens essayaient par eux-mêmes.

Les boîtes pliées sont nées du désir d'une cuisine plus organisée. "Je me suis levé tard un samedi soir en regardant les unités de cuisine (les miennes me rendent fou, mais pas assez d'espace)", a déclaré McGhee à My Modern Met, "et j'ai vu une photo d'une boîte de céréales pliée de cette façon." Le lendemain matin, elle a essayé par elle-même. "Je ne pouvais pas croire à quel point c'était facile et des boîtes plus hautes tiennent maintenant dans le placard!"

Vous voulez essayer ce hack par vous-même? Faites défiler vers le bas pour regarder la vidéo étape par étape de McGhee.

Becky Holden McGhee a partagé un ingénieux hack de pliage de boîte de céréales.

Comment sceller une boîte de céréales

En repliant les côtés vers l'intérieur, la boîte reste propre et les céréales restent fraîches.

Life Hack pour les boîtes de céréales pliantesLife Hack pour les boîtes de céréales pliantes

McGhee montre comment faire ce hack étape par étape:

Becky Holden McGhee: site Web | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Becky Holden McGhee.

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Ces oiseaux mignons d'une taille de pinte effectuent des divisions expertes pour se maintenir en équilibre

Mésange Barbue Mâle

Photos de Szczepan Klejbuk / Shutterstock

Quelqu'un pour un peu de gymnastique? Ces petits oiseaux le sont. Mesurant seulement 6,5 pouces de long, le roseau barbu, ou mésange barbu, est un gros oiseau trouvé à travers l'Europe. Vivant dans les zones humides, ils sont experts en équilibre sur les roseaux minces qui jaillissent des marais et effectuent des divisions incroyables pour se maintenir en équilibre. Cet oiseau chanteur, bien que trouvé en abondance, est en fait assez unique et il n'y a aucune espèce vivante qui lui semble étroitement liée.

Outre ses talents d'équilibre exceptionnels, le roseau barbu – en particulier les mâles – a une apparence distinctive. Bien que leur nom vous fasse penser qu'ils ont une barbe, ils sont plus proches des moustaches grâce à leurs marques faciales noires. Cela contraste avec la femelle qui, tout en étant de couleur orange-brun, manque les marques noires et la tête grise des mâles. Les femelles ont également tendance à être plus pâles que les mâles et ont un bec plus foncé.

Ces différences font du roseau barbu un oiseau sexuellement dimorphe, ce qui signifie que les sexes présentent des caractéristiques distinctes en dehors de leurs organes sexuels. Ces oiseaux de poche, mâles et femelles, peuvent souvent être vus assis calmement entre les roseaux des marais et d'autres zones humides. En tant qu'oiseaux résidents, ils ont tendance à ne pas migrer à moins que le froid excessif ne les pousse hors de leur habitat normal.

Les roseaux barbus, encore plus mignons lorsqu'ils sont gonflés et ronds, sont également très occupés en matière de reproduction. Ils peuvent avoir jusqu'à quatre couvées par an, avec quatre à huit poussins par couvée, ce qui contribue à maintenir leur nombre. Ils sont également très adaptés à leur environnement, mangeant des insectes pendant les mois chauds et des graines pendant la saison froide. Pour aider à changer le régime alimentaire, ils mangent en fait des particules de sable pour aider à briser les fibres des graines, ce qui les rend plus faciles à digérer.

Bien que l’effectif de la population soit en bonne santé, l’UNUNC recommande de maintenir les roselières ou d’introduire des roselières comme moyens d’assurer la survie du roseau barbu. Ils suggèrent également des nichoirs que ces oiseaux utiliseront si les nids naturels sont rares ou s'il y a des risques d'inondation.

Les roseaux barbus sont des oiseaux mignons et robustes qui vivent parmi les roselières à travers l'Europe.

Reedling barbu en équilibre sur les roseaux

Photos de CameraLex / Shutterstock

Ils sont connus pour leurs divisions acrobatiques qui les aident à passer du temps entre les roseaux.

Mésange barbu en équilibre dans les roseaux

Photos stockées par Ihor Hvozdetskyi / Shutterstock

Reedling barbu mâle faisant une fente

Photos stockées par Ihor Hvozdetskyi / Shutterstock

Les oiseaux mâles ont des marques distinctes comme une moustache – pas une barbe.

Reedling barbu mâle

Photos de Jésus Cobaleda / Shutterstock

Cela contraste avec les femelles, qui sont plus pâles et sans marques.

Reedling barbu femelle

Photos de Allexxandar / Shutterstock

Ces oiseaux mignons sont encore plus adorables lorsqu'ils sont gonflés et ronds.

Observez ces roseaux barbus dans leur habitat naturel.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=oez09IQtDbY (/ intégré)

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Atlas des céphalopodes par Carl Chun

Polypus levis Hoyle
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En 1898, le biologiste marin Carl Chun a dirigé une expédition allemande sur le SS Valdivia pour explorer la mer profonde. À une époque où l'on pensait que la vie n'existait pas à moins de 300 brasses (1800 pieds), ce voyage incroyable a été une percée dans l'océanographie. Chun et son équipe de scientifiques ont exploré la mer à 500 brasses de profondeur (3000 pieds) et, dans le même temps, ont introduit des espèces inconnues dans le monde. Beaucoup de ces animaux marins ont ensuite été publiés dans Chun’s 1910 Atlas des céphalopodes.

Magnifiquement illustré par Friedrich Wilhelm Winter, chaque plaque de l'atlas montre un spécimen découvert au cours des huit mois d'exploration de Chun. Grâce à ces illustrations, il est clair à quel point la variété vit dans les eaux profondes. Différentes espèces de calmars et de poulpes sont quelques-uns des céphalopodes désormais familiers qui auraient semblé incroyablement étrangers à l'époque.

Le travail de Winter montre également clairement ce qui rend chaque animal unique et met en évidence la façon dont ces créatures des grands fonds se sont adaptées à la vie bien en dessous de la surface. Particulièrement intéressant est le Vampyroteuthis infernalis, ou calmar vampire, qui reste l'une des découvertes les plus connues de Chun. Avec ses yeux rouges et sa chair noire, le nom de ce petit céphalopode se traduit littéralement par «calmar vampire de l'enfer», vous pouvez donc imaginer l'impression qu'il a laissée à l'équipage.

Les découvertes de Chun, ainsi que les illustrations de Winter, ont retenu l'attention grâce au travail de Cueillette de cerveaux fondatrice Maria Popova. Popova a restauré quelques-unes des superbes illustrations de Winter d'une édition du Atlas des céphalopodes qui a été numérisé par la Biodiversity Heritage Library. Des tirages des 23 illustrations restaurées sont disponibles à la vente sur Society6, ce qui profite à Greenpeace et à leur travail pour protéger nos océans.

En 1898, le biologiste marin Carl Chun a dirigé une expédition pour explorer la vie océanique à moins de 500 brasses (3 000 pieds).

Illustration de la vie marine au début du XXe siècle

Vampyroteuthis infernalis

Illustration de la vie marine

Velodona togata

Illustrations de l'atlas des céphalopodes par Friedrich Wilhelm Winter

Abraliopsis Morisii Ver.

Atlas des céphalopodes par Carl Chun

Eledonella pygmaea Verrill

Chun’s 1910 Atlas des céphalopodes met en évidence une grande partie de la vie marine découverte au cours de l'expédition.

Bibliothèque du patrimoine de la biodiversité Atlas des céphalopodes

Rossia

Atlas des céphalopodes par Carl Chun

Crystalloteuthis glacialis Chun / Desmoteuthis pellucida

Illustrations de l'atlas des céphalopodes par Friedrich Wilhelm Winter

Opisthoteuthis extensa Thiele

Atlas des céphalopodes par Carl Chun

Cephalopoda

Ces illustrations dessinées à la main par Friedrich Wilhelm Winter capturent l'anatomie de ces calmars et poulpes.

Atlas des céphalopodes par Carl Chun

Polypus juv.

Atlas des céphalopodes par Carl Chun

Mastigoteuthis flammea / Mastigoteuthis glaukopis

Illustrations de l'atlas des céphalopodes par Friedrich Wilhelm Winter

Histioteuthis ruppellii

h / t: (prélèvements cérébraux)

Toutes les images via la bibliothèque du patrimoine de la biodiversité.

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Motifs de broderie magnifiquement colorés basés sur des peintures impressionnistes

Broderie impressionnisme par Ludmila Perevalova

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L'artiste textile ukrainienne Ludmila Perevalova confectionne des motifs de broderie colorés qui ressemblent à des peintures de paysages inspirées de maîtres impressionnistes comme Claude Monet. Chaque design coloré capture la beauté des œuvres sur lesquelles il est basé, ainsi que l'énergie vibrante de la nature.

Perevalova a d'abord appris à broder avec sa mère lorsqu'elle était enfant. Maintenant qu'elle est à la retraite, elle passe du temps à perfectionner son art tous les jours – et son travail acharné le montre certainement. Chaque motif de broderie offre une combinaison de points longs et courts dans une variété de couleurs pour produire les mêmes qualités que les coups de pinceau expressifs.

Tout comme les impressionnistes qui influencent son travail, Perevalova s'inspire de sa nature environnante. Elle dit: «Je vis près de la mer chez moi avec un petit jardin fleuri, qui me donne chaque jour l'inspiration pour créer des biens.» Bien qu'elle crée souvent ses propres créations, nombre de ses œuvres sont basées sur des peintures célèbres. Pour une conception, Perevalova réinvente la Le sous-bois dans la forêt de Saint-Germain (1882) dans le fil. Présentant un mélange de teintes colorées, ses points ressemblent à de la peinture à l'huile pointillée sur une toile. Une autre pièce est inspirée par L'île d'Ouessant par Henry Moret. Perevalova rend le joli paysage marin en d'innombrables points qui se chevauchent pour obtenir l'effet de la lumière du soleil tachetée.

Faites défiler vers le bas pour découvrir les motifs de broderie inspirés de l'impressionnisme de Perevalova, et si vous aimez son travail, vous pouvez acheter votre propre œuvre d'art textile à partir de son portefeuille sur Etsy.

L'artiste textile ukrainienne Ludmila Perevalova coud des motifs de broderie colorés basés sur des peintures impressionnistes.

Broderie impressionnisme par Ludmila Perevalova

Chaque motif possède une combinaison de points longs et courts dans une variété de couleurs pour produire les mêmes qualités que les coups de pinceau expressifs.

Broderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila Perevalova

Elle est particulièrement influencée par les peintures de paysages colorés de Claude Monet.

Broderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaBroderie impressionnisme par Ludmila PerevalovaLudmila Perevalova: Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Ludmila Perevalova.

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Ce documentaire suisse explore l'histoire unique du design des chaises

Chair Times Documentary

Trouver le meuble parfait qui correspond à vos goûts de conception personnelle peut être une tâche lourde, surtout lorsque vous considérez le nombre de variétés. Qu'il s'agisse d'un fauteuil inclinable en polyester bien usé avec des touffes de rembourrage tombant des bras ou d'une chaise en tulipe immaculée avec un revêtement rouge vif, tout le monde a une chaise préférée qui peut apporter du confort même aux pires jours. La société suisse de design et musée Vitra explore la vaste histoire du design des chaises dans son documentaire intitulé Temps de chaise: une histoire de places assises – de 1800 à aujourd'hui. Réalisé par Heinz Bütler, le film présente une équipe d'experts en design qui utilise 125 objets de sièges différents pour explorer la façon dont les sièges ont changé du 19e au 21e siècle. Heureusement, le documentaire est désormais disponible gratuitement sur son site Internet.

«Les présidents sont des témoins importants de leur époque», déclare Rolf Fehlbeaum, président émérite de Vitra. «Ce sont des portraits de leurs utilisateurs et des réflexions sur les modes de production dont ils émergent. Nous pouvons ainsi percevoir et comprendre une époque – son organisation sociale, ses matériaux et sa technologie, ses goûts esthétiques – en observant sa chaise. Je dirais même que les chaises ont plus de facettes que tout autre objet du quotidien. »

Photo extraite du documentaire Chair Times de Vitra: une histoire de sièges - De 1800 à nos jours

Bien que le film soit en allemand, la société de conception a fourni des sous-titres en anglais et le fond clair et spartiate du film contribue à mettre en évidence le caractère unique de ces 125 éléments. S'étendant des chaises imprimées en 3D des années 2000 aux chaises longues du milieu du siècle aux pièces en bois courbé du début du XIXe siècle de Michael Thonet, le documentaire crée une chronologie visuellement époustouflante de ce mobilier fonctionnel. Les amateurs de design seront chez eux avec les témoignages des experts, mais la mer de chaises du film ne manquera pas de piquer l’intérêt de tout spectateur. Après tout, nous devons tous nous asseoir à un moment donné.

Fauteuil poire du documentaire Chair Times de Vitra: une histoire de sièges - de 1800 à aujourd'huiDeux chaises du documentaire Chair Times de Vitra: une histoire de sièges - de 1800 à aujourd'hui

Tu peux regarder Temps de chaise: une histoire de places assises – de 1800 à aujourd'hui sur le site Web de Vitra.

vitra .: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (designboom)

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Peintures Plein Air par Fidan Zaman

Peu importe la météo, l'artiste azerbaïdjanais Fidan Zaman se rend sur les rives de la mer Caspienne pour peindre l'eau de mer et le ciel. Des eaux sombres et troubles aux nuages ​​gris en passant par les vagues turquoises et les horizons ensoleillés, Zaman capture la beauté de la plage pendant les quatre saisons. Chaque paysage marin vit à l'intérieur de son carnet de croquis, mais il devient partie intégrante du paysage lorsqu'elle le montre au rivage pour le photographier.

Le paysage en constante évolution de la mer Caspienne est rendu dans des bandes de peinture acrylique sur des pages doubles. Les vagues mousseuses sont représentées avec des taches texturées de pigment blanc, tandis que les scènes de coucher de soleil sont magnifiquement décrites dans des gradients doux. Les résultats sont des œuvres finies qui ressemblent à un instantané du paysage plutôt qu'à une peinture artisanale.

Située entre l'Europe et l'Asie, la mer Caspienne est le plus grand plan d'eau sans littoral au monde avec une superficie totale de 371 000 kilomètres carrés (143 243 milles carrés). En raison de sa taille énorme, les pays qui l'entourent – l'Azerbaïdjan, l'Iran, le Kazakhstan, la Russie et le Turkménistan – ne sont pas d'accord sur l'opportunité d'appeler la masse d'eau salée un lac ou une mer. Mais quelle que soit la façon dont il est classé, le plein air l'œuvre d'art est un hommage à ses vagues tranquilles.

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des paysages marins de Zaman et découvrez plus de son portfolio sur Instagram.

L'artiste Fidan Zaman se rend sur les rives de la mer Caspienne pour peindre des scènes tranquilles en plein air.

Art marin par Fidan ZamanArt marin par Fidan Zaman

Chaque paysage marin fait partie du paysage réel quand elle le montre à l'horizon pour le photographier.

Art marin par Fidan ZamanPeintures Plein Air par Fidan ZamanPeintures Plein Air par Fidan ZamanArt marin par Fidan ZamanFidan Zaman: Instagram

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En savoir plus sur Masaccio, le peintre italien de la Renaissance avec une courte vie mais un long héritage

Masaccio, «Triptyque de San Giovenale», v. 1422 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

La Renaissance italienne – qui a produit des artistes tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Titien – a été l'une des périodes les plus marquantes de l'histoire de l'art. Ce mouvement culturel a eu lieu entre les 14e et 17e siècles et est généralement divisé en trois périodes: début, haute et fin de la Renaissance.

le Début de la Renaissance, également connu sous le nom de quattrocento, a eu lieu au 14ème siècle. Ce fut une période largement transitoire, au cours de laquelle des artistes comme Brunelleschi (1377-1446) et Giotto (c.1267-1337) redécouvraient l'esthétique classique de la proportion, de la perspective et de l'anatomie humaine. Parmi ces pionniers de la création figurait l'artiste connu sous le nom de Masaccio (1401-1428) qui, avec ses contemporains, a ouvert la voie à l'art de la Renaissance ultérieure. Son utilisation de la perspective linéaire et du point de fuite, ainsi que son attention aiguë au réalisme, ont fait de lui le premier grand peintre de la Renaissance italienne.

Qui était Masaccio?

Masolino et Masaccio, «Vierge à l'enfant avec sainte Anne», v. 1424 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Masaccio est né Tommaso di Ser Giovanni di Simone Cassai vers 1401 dans une petite ville de Toscane, en Italie. Il a été doué artistiquement dès son plus jeune âge, et lui et son frère Giovanni ont tous deux poursuivi la peinture. Le surnom «Masaccio» signifie «Tom maladroit» en italien, et c'était probablement une référence à l'apparence personnelle de l'artiste ainsi qu'un moyen de le distinguer d'un autre peintre nommé Tommaso, appelé Masolino (c.1383-1447).

Il n'y a aucune trace de déménagement de Masaccio à Florence jusqu'au 7 janvier 1422, date à laquelle il a officiellement rejoint la guilde des peintres, Arte de ’Medici e Speziali en tant qu'artiste indépendant. Selon les historiens, Masaccio et son plus célèbre contemporain Masolino se sont rendus à Rome en 1423, où les deux ont étudié l'art classique. Par la suite, Masaccio a collaboré avec Masolino sur un grand retable intitulé Vierge à l'enfant avec sainte Anne, et déjà une forte suggestion de tridimensionnalité dans les figures et les objets peut être vue par les deux peintres.

A cette époque, Florence était un centre de innovation créative. Masaccio a pu étudier les peintures de Giotto, ainsi que le travail ingénieux de Brunelleschi et Donatello. De plus, son exposition à l'art grec et romain antique a continué d'influencer sa peinture.

Peinture de la chapelle Brancacci

Peinture Fresco Tribute Money par Masaccio

Masacio, «The Tribute Money», Chapelle Brancacci, 1425 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En 1424, Masaccio entreprit son plus grand projet à ce jour. Lui et Masolino ont été commandés par la riche famille Brancacci pour produire un cycle de fresques le long des murs de la Chapelle de Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence. À l'exception de L'expulsion du jardin d'Eden, la série de fresques se concentre principalement sur la vie de saint Pierre.

Expulsion d'Adam et Eve par Masaccio

Masaccio, «Expulsion d'Adam et Eve», avant et après restauration, Chapelle Brancacci, v. 1426-8 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

L'art de Masaccio présente une similitude avec Giotto dans le style, en particulier dans l'émotion des visages de ses personnages. Contrairement à Giotto, Masaccio emploie à la fois perspective linéaire et atmosphérique dans ses compositions et utilisations clair-obscur au lieu de contours pour définir ses sujets. En conséquence, les peintures de Masaccio semblent beaucoup plus réalistes que ses prédécesseurs.

Après 1425, Masolino quitte le projet pour travailler en Hongrie, laissant Masaccio pour achever les fresques restantes. Bien que beaucoup aient été détruits lors d'incendies ultérieurs, la restauration a permis aux historiens de retrouver l'aspect d'origine des œuvres perdues.

Le chef-d’œuvre de Masaccio, le Sainte Trinité

Peinture Masaccio de la Sainte Trinité

Masaccio, «Sainte Trinité», v. 1427 (Photo: Galerie Web d'art via Wikimedia Commons (domaine public))

Plus tard, en 1427, Masaccio a obtenu la commission qui mènera finalement à son chef-d'œuvre, le Sainte Trinité. Peinte dans l'église dominicaine de Santa Maria Novella, Florence, cette fresque est la première peinture survivante à utiliser perspective linéaire systématique. Selon les dossiers, Masaccio a placé un clou au point de fuite et attaché des cordes pour déterminer comment les lignes ont convergé.

Il est très probable que Masaccio a demandé l’aide de Brunelleschi en créant cette technique, qui était un architecte accompli et ingénieur responsable de la conception du dôme de la cathédrale de Florence.

L'héritage de Masaccio

Masaccio, «Vierge Marie», 1426 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Bien que la carrière de Masaccio ait été interrompue par sa mort soudaine à l'âge de 26 ans, il a laissé un héritage profond sur la direction de l'art de la Renaissance italienne. Son départ clair du style gothique médiéval et l'adoption d'idées classiques comme le réalisme anatomique, la perspective et la proportion ont influencé directement ses contemporains ainsi que ses successeurs à la Haute et à la Basse Renaissance.

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Illustrations fantastiques

L'artiste Nikolaos Kafasis, également connu sous le nom de Nikolas Tower, combine l'aquarelle et la gouache pour créer des mondes fantastiques riches et inspirés par les personnages. Ses peintures présentent des femmes mystiques inhabituelles entourées d'arrière-plans abstraits de couleurs fluides et souvent superposées de détails dans une feuille d'or éblouissante.

L'artiste puise dans plusieurs domaines de son inspiration. Ses influences incluent des motifs des mythologies grecques antiques et asiatiques, ainsi que la nature, l'anime, les jeux vidéo et les romans fantastiques. Kafasis place ses personnages dans des décors mystérieux et décoratifs et entend évoquer «des sentiments humains silencieux qui ne peuvent pas être facilement exprimés par des mots». Le langage visuel est son propre univers tourbillonnant, ou comme Kafasis l'appelle, «un Cosmos en silence».

Kafasis documente le processus étape par étape impliqué dans chaque peinture sur Instagram. D'abord, l'artiste esquisse la composition brute et, une fois satisfait, colle ensuite le papier sur une planche à dessin. Ensuite, il construit lentement la couleur en couches d'aquarelle et de gouache. Une fois la peinture terminée, Kafasis ajoute une feuille d'or à certaines zones du dessin, améliorant le sens de la magie.

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'exemples d'illustrations dorées de Kafasis et, pour acheter des tirages de son art, vous pouvez visiter son site Web.

L'artiste grec Nikolaos Kafasis ajoute une feuille d'or à ses incroyables illustrations fantastiques.

Illustrations dorées de la tour Nikolas

L'artiste s'inspire de motifs issus des anciennes mythologies grecques et asiatiques.

Illustrations dorées de la tour Nikolas

Il incorpore des éléments abstraits et des lignes fluides dans ses compositions de femmes autrement verbales.

Illustrations dorées de la tour NikolasArt d'or de la tour NikolasIllustrations fantastiquesIllustrations fantastiquesArt d'or de la tour NikolasArt d'or de la tour NikolasNikolas Tower Golden Portraits de femmesIllustrations de Nikolas Tower Golden FantasyIllustrations fantastiques

Voici un aperçu du processus de la feuille d'or de Kafasis:

Nikolaos Kafasis: Site Web | Facebook | Instagram

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Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Keanu Reeves

Connaissez-vous assez bien le visage d'une célébrité pour le dessiner? L'artiste Dino Tomic met ses compétences d'observation à l'épreuve dans une série d'illustrations fantaisistes qui présentent des portraits de célébrités célèbres dans neuf styles de dessins animés emblématiques. Keanu Reeves, Billie Eilish et Dwayne «The Rock» Johnson ne sont que quelques-uns des audacieux qui seront capturés par son stylo numérique.

Tomic utilise un large répertoire de styles de dessins animés reconnaissables qu'il fait tourner pour chaque rendu de célébrité. Parmi eux, la poupée aux yeux écarquillés de Les Powerpuff Girls, les expressions énervées de Jojo’s Bizarre Adventureet les visages mignons et minimalistes de Temps de l'aventure. L'artiste croate trouve les traits caractéristiques de chaque célébrité – comme les cheveux permanentés de Bob Ross ou le bouc de Robert Downey Jr. – et s'en sert comme base pour construire une version de dessin animé reconnaissable. Tomic rend si bien les nuances des styles de télévision que chaque caricature ludique semble avoir été prise directement du spectacle lui-même.

Bien que l'artiste utilise certains des mêmes styles lorsqu'il aborde une nouvelle célébrité, aucun d'entre eux ne se sent formule. Tomic apporte un regard nouveau sur chacun Simpsons et Parc du Sud– dessin inspiré. De plus, il inclut souvent une version inattendue dans l'assemblage, comme les visages géométriques des minifigs LEGO et un visage emoji.

Faites défiler vers le bas pour voir certains des meilleurs dessins de célébrités de la série de Tomic et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste Dino Tomic dessine des portraits de célébrités célèbres dans différents styles de dessins animés.

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Bob Ross

Cette brillante série d'illustrations présente Keanu Reeves, Bob Ross, Billie Eilish et d'autres dans le style reconnaissable de Les Simpsons, Parc du Sud, Temps de l'aventure, et plus.

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Billie Eilish

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Johnny Depp

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Robert Downey Jr.

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Scottie Pippen

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Steve Aoki

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Pewdiepie

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Michael Jordan

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Mike Tyson

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Stan Lee

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Elon Musk

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Dwayne The Rock Johnson

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Post Malone

Dessins animés de célébrités par Dino Tomic

Jour vert

Dino Tomic: Site Web | Facebook | Instagram

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11 fournitures de broderie indispensables à acheter si vous souhaitez commencer à coudre

Fournitures de broderie

Photo: Stock Photos de Mr_Mrs_Marcha / Shutterstock
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L'une des meilleures choses à propos de la broderie est qu'elle ne prend pas beaucoup de temps pour commencer. Avec seulement quelques fournitures de base et peu coûteuses, vous pouvez commencer à assembler une variété de projets. Et selon votre niveau de ruse, vous pourriez déjà avoir une aiguille et du fil sous la main!

Plus vous broderez longtemps, plus vous vous rendrez compte qu'il existe de nombreuses fournitures qui, bien que non nécessaires pour la couture, rendent le métier plus facile et plus agréable. Ces outils ne sont pas sophistiqués – et certains doublent même comme fournitures de bureau – mais ils vous aident à rester organisé et vous permettent de vous mettre au défi avec des conceptions de plus en plus complexes.

Besoin d'aide avec votre liste de courses de broderie? Faites défiler ci-dessous pour certaines de nos fournitures préférées, d'une bonne paire de ciseaux à un gardien d'aiguille pratique.

Fournitures de base de broderie à la main

Cerceaux de broderie

Cerceau de broderie

Photos de Jen Bray Photogaphy / Shutterstock

Si vous allez coudre du tissu, vous voudrez investir dans au moins quelques cerceaux de broderie de différentes tailles. Ils varient de quelques pouces à plus d'un pied de diamètre. La plupart sont en bois ou en plastique; tous nécessitent de serrer une vis en haut du cadre pour garder votre tissu tendu pendant que vous travaillez.

Essayez ceci: Darice Wooden Embroidery Hoop

Aiguilles

Aiguilles à broder

Photo: Dick Blick

Vous aurez besoin d'une aiguille pour broder, bien sûr, mais cela vaut la peine de savoir un peu comment fonctionne le dimensionnement. Les aiguilles à broder sont numérotées de 1 à 12 – plus le nombre est petit, plus la taille est grande (par exemple 1 serait plus grand que 12). Toutes les aiguilles ne sont pas identiques. Recherchez les aiguilles destinées à la broderie, par opposition à celles utilisées pour la tapisserie.

Essayez ceci: Aiguilles à broder Dritz, taille 3 – 9

Les ciseaux

Ciseaux à broder

Photo: Dick Blick

Vous pouvez utiliser n'importe quel ciseau pour couper le fil, mais vous trouverez plus facile de couper le fil avec une paire pointue à la main. Cela garantira que votre fil ne s'effiloche pas. (Il est beaucoup plus difficile d'enfiler une aiguille avec du fil effiloché!)

Essayez ceci: Ciseaux de fabrication de micro-pointes antiadhésives Lisk Griffith de Fiskars

Fil à broder

Fil de broderie

Photo: Stock Photos d'Oksana Shufrych / Shutterstock

DMC est la norme de l'industrie pour le fil à broder, également appelé fil dentaire. Ils ont des centaines de couleurs différentes avec chaque écheveau comprenant six brins de fil.

Essayez ceci: DMC Popular Floss Colors, Pack of 36

Au-delà des fournitures de broderie de base

Papier stabilisateur de bâton et de point

Stabilisateur de bâton et de point

Photo: Sulky

Le stabilisateur de bâton et de point est un paquet de papier spécial qui va dans votre imprimante. Utilisé pour les motifs, vous pouvez imprimer un motif sur ses fibres spéciales que vous peler et coller ensuite sur votre tissu. Lorsque vous avez terminé la couture, lavez-la simplement à l'eau tiède.

Essayez ceci: Stabilisateur Sulky Stick ‘n Stitch

Stylo soluble dans l'eau

Stylo à encre disparaissant

Dick Blick

Un stylo soluble dans l'eau est une autre option lorsque vous souhaitez transférer un motif sur le tissu. Ce stylo spécial restera sur votre tissu jusqu'à ce que, comme le stabilisateur de bâton et de point, vous le retiriez en passant votre projet sous le robinet ou en le tamponnant avec un chiffon humide.

Essayez ceci: Dritz Disappearing Ink Marking Pen

Bobines de soie

Bobine de fil à broder

Photo: Dick Blick

Chacun a sa propre façon d'organiser son fil, mais l'une des méthodes les plus populaires consiste à enrouler une pelote DMC sur une bobine de fil. Assurez-vous également de marquer le numéro de couleur sur la canette!

Essayez ceci: Bobines de soie dentaire Darice, ensemble de 50

Étui organisateur de soie

Fournitures de broderie

Photo: Stock Photos de Marta Maziar / Shutterstock

Si vous constatez que vous brodez beaucoup, il est impératif de rester organisé. Essayez d'organiser votre fil par couleur et son numéro DMC; vous économiserez beaucoup de temps en recherchant la couleur dont vous avez besoin pour compléter ce motif.

Essayez ceci: Darice Floss Organizer

Anneaux en métal

3 anneaux en métal

Photo: KTOJOY

Avec autant de bobines de fil, il peut être difficile de garder une trace des couleurs de fil que vous utilisez pour un projet particulier. Les anneaux en métal gardent vos bobines de soie propres et ensemble pendant que vous travaillez. Et lorsque vous avez terminé, ils peuvent être facilement rangés dans votre sac de rangement pour fil dentaire.

Essayez ceci: Anneaux de reliure à feuilles mobiles, paquet de 15

Aiguille Minder

Aiguille à licorne

Photo: Kiriki Press

Vous avez peur de perdre vos aiguilles? Gardez vos peurs à distance en utilisant une aiguille. C'est essentiellement une broche en émail avec un aimant super puissant. Lorsque vous avez fini de coudre ou de changer de fil, placez votre aiguille contre celle-ci afin qu'elle reste en place.

Essayez ceci: Unicorn Needle Minder par Kiriki Press

Livre d'aiguille

Livre d'aiguille

Photo: Stitchcrafty Designs

Vous utiliserez probablement plus d'une aiguille dans votre broderie, alors stockez-les toutes dans un livre d'aiguilles pratique. Le livre en tissu comprend des pages en molleton fin qui maintiennent les aiguilles (et d'autres notions) en sécurité jusqu'à ce que vous repreniez ce projet.

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L'artiste utilise des dessins de carnet de croquis pour transformer de vrais monuments en personnages ludiques

Lorsque nous vous avons présenté pour la première fois le travail de l'artiste italien Pietro Cataudella en 2018, il créait des dessins 3D de paysages célèbres qui semblent sortir de son carnet de croquis. Aujourd'hui, il continue de faire passer le dessin urbain au niveau supérieur avec son projet en cours, CityLiveSketch. Ses dernières pièces présentent des personnages de dessins animés qui semblent se fondre dans les paysages lorsqu'ils fusionnent avec des bâtiments emblématiques, des ponts, etc.

L'artiste évoque un sens du jeu dans son travail de multiples façons. En une seule pièce, Cataudella brandit son croquis de Histoire de jouetBuzz Lightyear à la tour penchée de Pise, faisant apparaître l'architecture comme si elle faisait partie de son pack de fusées. Une autre œuvre présente une double diffusion de personnages de Keith Haring accrochés à un côté du bâtiment comme s'il s'agissait de graffitis peints sur le mur. Quel que soit le lieu ou le sujet, chaque pièce laisse transparaître l'imagination vive de Cataudella, ainsi que son talent impressionnant pour le dessin en perspective.

Découvrez quelques-uns des derniers travaux de Cataudella ci-dessous et suivez-le sur Instagram pour en savoir plus sur son portfolio.

L'artiste italien Pietro Cataudella fusionne de manière ludique des scènes de la vie réelle avec ses croquis de dessins animés.

Dessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par CityLiveSketchDessins 3D par Pietro Cataudella

Chaque pièce met en valeur l'imagination vive de l'artiste, ainsi que son talent impressionnant pour le dessin en perspective.

Dessins 3D par CityLiveSketchDessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par Pietro CataudellaDessins 3D par CityLiveSketchPietro Cataudella: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Pietro Cataudella.

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Embarquez pour un voyage à travers 9 des peintures marines les plus importantes de l'histoire de l'art

L'histoire du paysage marin

L'art existe depuis des dizaines de milliers d'années. Compte tenu de son histoire longue et durable, il est tout à fait naturel qu'il voit des tendances ondulantes. Maintes et maintes fois, les artistes du monde entier sont revenus à des modèles séculaires, avec paysage marin faire des vagues dans nombre des mouvements les plus importants de l'histoire de l'art.

À l'instar d'autres pratiques courantes, notamment la peinture et le portrait de natures mortes, l'art maritime remonte aux temps anciens. Approche nautique du genre paysager tout aussi durable, ce type d'art se définit par une focalisation sur la mer. Qu'ils mettent l'accent sur la beauté naturelle de l'océan, explorent les coutumes maritimes ou un mélange des deux, les paysages marins peuvent plonger les spectateurs dans un autre monde, ce qui en fait l'un des trésors les plus recherchés de l'art.

Embarquez pour un voyage à travers l'histoire de l'art maritime avec ces 9 paysages marins importants.

Les pétroglyphes de Gobustan

Peintures rupestres de la réserve d'État de Gobustan, Azerbaïdjan

Peintures rupestres de la réserve d'État de Gobustan, Azerbaïdjan (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

La plus ancienne œuvre d'art maritime connue se trouve dans le Parc national de Gobustan. Autrefois située sur les rives de la mer Caspienne depuis son expansion, cette réserve abrite une myriade de monuments archéologiques, y compris une collection de plus de 6000 sculptures rupestres de renommée mondiale.

Créés par d'anciens chasseurs-cueilleurs entre 5 000 et 20 000 avant notre ère, ces dessins inscrits présentent une gamme de sujets, y compris des guerriers armés, des corps célestes et d'anciens bateaux de roseau, qui étaient des vaisseaux fabriqués à partir de plantes herbacées qui poussent dans les zones humides.

Le vase de la sirène

Le vase de la sirène

«The Siren Vase», ca. 480 BCE-470 BCE (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Dans la Grèce antique, les artisans se concentraient moins sur la vie quotidienne et davantage sur la mythologie. Pourtant, les références à la mer sont présentes dans l'art axé sur le folklore, comme Le vase de la sirène, un stamnos à figures rouges (un récipient de stockage de liquide) du 5ème siècle avant notre ère.

Cette pièce de poterie représente l'une des scènes les plus célèbres de la mythologie grecque: quand Ulysse, le protagoniste «couronné et barbu» de Homère L'Odyssée, a son équipage le lier au mât de son navire afin qu'il puisse résister aux chants enchanteurs des sirènes séduisantes.

Mosaïque du Nil de Palestrina

Mosaïque du Nil de Palestrina

«Mosaïque du Nil de Palestrina», ca. 100 avant notre ère (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

L'océan n'est pas le seul plan d'eau présent dans l'art maritime classique. En 100 avant notre ère, les artisans romains antiques ont conçu le Palestrina Mosaic, une représentation reconstituée du Nil égyptien. Cette représentation éblouissante fait partie des mosaïques les mieux conservées et les plus grandes de l'Ancien Empire romain.

Doté d'une silhouette arquée, il a probablement orné à l'origine une grotte – une niche rocheuse qui contient naturellement ou artificiellement de l'eau – ce qui rend son accent aquatique particulièrement pertinent.

La tapisserie de Bayeux

Gens de mer Détail de la tapisserie de Bayeux

«Gens de mer» Détail de la tapisserie de Bayeux, XIe siècle (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Achevée au 11ème siècle et célébrée pour son savoir-faire, la tapisserie de Bayeux de 230 pieds de long caractérise l'art du Moyen Âge à grande échelle. Cette œuvre colossale de broderie de laine sur lin détaille de façon colorée les événements entourant la conquête des Normands en Angleterre en 1066.

Dans ses nombreuses scènes surpeuplées et chaotiques, des flottes de navires flottant sur des points de suture serpentins peuvent être trouvées, illustrant l'importance stratégique de la mer pendant la bataille de Hastings.

La tempête sur la mer de Galilée par Rembrandt

La tempête sur la mer de Galilée

Rembrandt, «La tempête sur la mer de Galilée», 1633 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Peintre, graveur et dessinateur, Rembrandt est réputé pour sa prolifique collection d'autoportraits. Cependant, sa propre ressemblance n'est pas le seul sujet que le Vieux Maître a exploré. Son portfolio comprend également des portraits de groupe et des scènes bibliques, tous deux dans un paysage marin très spécial: La tempête sur la mer de Galilée (1633).

Représentant une histoire de l'Évangile qui décrit un miracle accompli par Jésus, cette peinture puissante prend vie grâce au traitement audacieux de la lumière et à la théâtralité dramatique qui symbolisent le travail de l'artiste.

Malheureusement, ce tableau a été volé au musée Isabella Stewart Gardner en 1990 et est toujours porté disparu aujourd'hui.

La grande vague au large de Kanagawa par Hokusai

La grande vague au large de Kanagawa

Hokusai, «La grande vague au large de Kanagawa», ca. 1830-1832 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Des représentations stylisées de la mer figurent régulièrement dans ukiyo-e («Images du monde flottant») gravures sur bois. En vrai ukiyo-e la mode, beaucoup de ces scènes nautiques imaginent l'océan comme un corps de tourbillons bleu vif – une esthétique qui atteint son apogée avec Hokusai La grande vague au large de Kanagawa.

UNE yoko-e impression (orientée paysage), La grande vague est la première pièce Trente-six vues du mont Fuji, Une série montrant le plus haut sommet du Japon sous différents angles. Alors que cette collection prétend se concentrer sur la montagne, la houle La grande vague domine la toile, éclipsant tout sur son passage et prouvant la puissance de la mer.

Le navire négrier par J. M. W. Turner

Navire esclave par Turner

J. M. W. Turner «Navire négrier (esclavagistes jetant par-dessus bord les morts et les mourants, le typhon à venir)», 1840 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

Joseph Mallord William Turner était un peintre à l'huile, aquarelliste et graveur célèbre pour ses vues sublimes sur le monde naturel et ses études sur les machines modernes. Au début de sa carrière, Turner a fait une tournée en Europe continentale afin de perfectionner sa pratique artistique. C'est au cours de ce voyage que Turner a acquis une appréciation permanente pour la peinture de paysage et a commencé à expérimenter la couleur chromatique et le pinceau lâche.

Cette approche moderne de la peinture est particulièrement évidente dans Navire négrier (1840), un paysage marin au coucher du soleil inspiré d'un sinistre événement réel: le meurtre de masse de 133 esclaves sur le navire négrier Zong en 1781.

Impression, Sunrise par Claude Monet

Impression, Sunrise

Claude Monet, «Impression, Sunrise», 1872 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

En 1872, l'artiste français Claude Monet visite le Havre, la station balnéaire où il passe son enfance. Pendant ces vacances, il a réalisé une série de six tableaux représentant le port du Havre de jour comme de nuit, ainsi qu'à l'aube et au crépuscule. Cette série comprend Impression, Sunrise, une peinture qui explore les effets éphémères du soleil sur l'eau.

Alors que ce paysage marin présente les silhouettes brumeuses des chaloupes, des navires et des cheminées, Monet a choisi de mettre l'accent sur le soleil brisant et son impression sur les vagues ondulantes – une focalisation qui a inspiré non seulement le titre de la pièce mais le nom du mouvement impressionniste lui-même.

Seestück (Paysage marin) par Gerhard Richter

Seestuck (Seascape), par Gerhard Richter

Gerhard Richter, «Seestück (Seascape)», 1998

"Puisqu'il n'y a pas de vérité absolue et de vérité, nous poursuivons toujours la vérité humaine artificielle et dominante", a déclaré un jour l'artiste contemporain allemand Gerard Richter. «Nous jugeons et faisons une vérité qui exclut d'autres vérités. L'art joue un rôle formateur dans cette fabrication de la vérité. » Cette croyance est au cœur du travail de Richter – en particulier sa signature photo-peintures, comme le Seascape (Seestück) séries.

Bien que peintes entièrement à la main, ces œuvres évoquent l'aspect et la sensation d'une photographie, plaçant l'art séculaire du paysage marin dans un contexte contemporain.

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Adorable chiot Chow surnommé "Oreo Cloud" ressemble à un biscuit et un dessert à la crème

Photos De Chiot Mignon

Jetez un oeil à ce chien Chow-Chow nommé Chef et vous comprendrez pourquoi il est un chiot si spécial. Également connue sous le nom d'Oreo Cloud, la canine moelleuse a gagné le surnom parce que son humaine, Sara Hamilton, pensait que son manteau moucheté gris foncé ressemblait à un dessert Oreo McFlurry. Mais à part sa beauté, il est aussi un vrai traiter être autour et a rendu la vie de ses pawrents plus brillante depuis qu'ils l'ont adopté.

Alors que Oreo Cloud est certainement un surnom mémorable pour le chiot, Chief est un nom approprié pour sa taille et son comportement. En raison de ses caractéristiques de race Chow-Chow, Chief atteindra environ 85 livres et a déjà la personnalité d'un leader qui apprend rapidement. Il a été formé au pot à huit semaines et est un protecteur naturel qui dort près de la porte principale de leur maison tous les soirs.

Le chef est encore jeune et, pour l'instant, il ravit des dizaines de milliers de personnes via son compte Instagram @theoreocloud. Une fois qu'il sera prêt, cependant, ses adorables peluches apporteront de la joie à ceux qui en ont le plus besoin comme chien de thérapie pour les enfants malades.

Rencontrez le chef, alias Oreo Cloud, un chiot moelleux Chow-Chow qui ressemble à des biscuits et de la crème glacée.

Chow Chiot surnommé Oreo CloudPhotos De Chiot MignonChow Chiot surnommé Oreo Cloud

En plus de ressembler à un dessert, le chef est un vrai régal.

Chow Chiot surnommé Oreo CloudPhotos De Chiot MignonChow Chiot surnommé Oreo Cloud

Le chiot est un leader né naturellement et un apprenant rapide…

Chow Chiot surnommé Oreo CloudChow Chiot surnommé Oreo CloudPhotos de Chow PuppyPhotos de Chow PuppyChow Chiot surnommé Oreo CloudPhotos de Chow Puppy

… Et va apporter de la joie aux enfants malades en tant que chien de thérapie.

Photos de Chow PuppyChef le chien Chow: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sara Hamilton.

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