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Plus de 25 fournitures de retour à l'école mignonnes et créatives pour faire briller votre style personnel

Retour mignon aux fournitures scolaires

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Prêt pour la rentrée des magasins? Alors que l'été touche à sa fin et que l'année scolaire commence, il y a une quantité infinie de fournitures à approvisionner. Si vous (ou votre enfant) voulez vous démarquer de la foule et montrer votre personnalité, il y a plein de jolies fournitures scolaires pour tous les âges.

Certaines tendances de la rentrée scolaire incluent des articles avec une touche écologique, tels que des cahiers fabriqués à partir de vieux papiers recyclés ou des sacs à lunch réutilisables qui mettent moins de déchets dans l'environnement. D'autres articles vous aident à donner à une bonne cause tout en ramassant un sac à dos de retour à l'école. Par exemple, STATE Bags a de multiples initiatives pour aider les familles américaines et les enfants dans le besoin, notamment en faisant don de sacs à dos bien approvisionnés aux écoliers et en alimentant des conversations empathiques avec les enfants grâce à une initiative appelée #WhatDoWeTellTheKids.

Si vous ou votre enfant êtes un amoureux des animaux, MUNI crée d'adorables sacs à dos pour animaux qui sont également imperméables. Le renard est notre préféré, mais vous pouvez choisir parmi des animaux comme les girafes, les ours, les blaireaux et les lapins. Mais les objets sur le thème des créatures ne doivent pas s'arrêter là. Les motifs d'animaux sont populaires sur la papeterie et même l'électronique comme cette batterie portable de Sethruki et les protège-câbles de Tuparka.

Faites défiler vers le bas pour une sélection de nos fournitures scolaires mignonnes préférées.

Pour vous aider à exprimer votre style tout en étant assis dans la salle de classe, consultez notre liste de courses pour la rentrée des classes.

Sac à dos renard

Sacs à dos de retour à l'école

MUNI | 55 $

Chargeur de téléphone portable

Retour à l'école Shopping

Sethruki | 26,99 $

Protecteur de câble «Animal Bites»

Protecteurs de câbles mignons

Tuparka | 14,99 $

Crayons arc-en-ciel

Retour mignon aux fournitures scolaires

Duncan Shotton | 15 $

Pochette à crayons Space Scene

Pochette Space Pencil

Plus que de la magie | 6,99 $

Housse pour tablette bourdonnée

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Produits Zana | 34 $

Drapeaux de page de femmes pionnières

Drapeaux de page de femmes pionnières

Fille de tous les travaux | 7,50 $

Cahier à spirale en papier recyclé

Cahier en papier recyclé

Greenroom | 7,99 $

Marque-pages magnétiques Vincent van Gogh

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Monolike | 6,99 $

Calendrier perpétuel

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Lisa Rupp | 21 $

Orgueil et préjugés Pochette de livre

Mignon retour à la mode scolaire

Studio Bagatelle | 78 $

Cahiers imprimés en aluminium

Retour mignon aux fournitures scolaires

Katharine Watson | 12,95 $ (2 pièces)

Surligneurs en forme de bonbon

Surligneurs en forme de bonbon

Plus que de la magie | 3,99 $

Sac à dos Kane en rose / menthe

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Sacs d'État | 70 $

Set de notes autocollantes flèches et plumes

Retour mignon aux fournitures scolaires

Galison | 6,97 $

Porte-clés Triostar

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Hemleva | 18 $

Carnet de notes à un sujet de poche ligné crème glacée

Carnet de poche crème glacée

Yoobi | 8,99 $

Pavé de bureau figue de barbarie

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Idlewild Co. | 12 $

Crayons de couleur fleur

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Trinus | 22 $ ​​(ensemble de 5)

Sac à lunch isotherme réutilisable

Sacs à lunch réutilisables

HOMESPON | 10,99 $

Housse d'ordinateur portable géométrique

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Bodhi Rays | 34,31 $

Marqueurs à double cran de mélange de couleurs

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Stylos caméléon | 60 $ (ensemble de 22 stylos)

Cahier de décomposition des Everglades gouvernés

Retour mignon aux fournitures scolaires

Michael Rogers Inc. | 24,74 $

Signet méchante sorcière

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MyBookmark | 27 $

Parfois, vous devez améliorer votre espace d'étude avec un peu de motivation …

Soit brave Bannière

Bannière d'affirmation

Secret Holiday Co | 45 $

… Et une couverture douillette pour une petite sieste.

Couverture Good At Naps

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Calhoun et Cie | 118 $

Cet article a été édité et mis à jour.

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Les jumeaux filment pour la première fois leur réaction inestimable à la musique de Phil Collins

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=0l3-iufiywU (/ incorporer)

Les YouTubers Tim et Fred Williams sont des jumeaux de 22 ans qui ont consacré leur chaîne à filmer leurs réactions à des chansons emblématiques. Si vous êtes familier avec les airs – principalement des morceaux plus anciens qui ne sont pas sur le radar de la génération Z – alors vous trouverez que regarder leurs réponses est un plaisir total. Récemment, les frères ont enregistré leur première écoute du classique de Phil Collins de 1981 «In the Air Tonight», et leur réaction est devenue virale.

La chanson de Collins commence lentement mais prend de l’intensité à mesure qu’elle est jouée; le point culminant vient quelques minutes quand un solo de batterie éclate apparemment de nulle part. Cela a pris Tim et Fred par surprise, et leurs réponses étaient inestimables. Dans la vidéo, ils se regardent alors qu'ils se penchent tous les deux sur leur chaise, émerveillés. Prenant un peu plus loin, ils ont frappé une pause pour penser qu'ils n'ont jamais entendu quelqu'un garder le «drame» si loin dans la chanson. Regarder les frères découvrir ce moment est la raison pour laquelle tant de personnes ont regardé et apprécié la vidéo en premier lieu. YouTuber Cg1221 résume le mieux la situation avec le commentaire: "Combien de personnes attendaient leur réaction au solo de batterie?!"

La vidéo de réaction des Willams a été visionnée plus de quatre millions de fois et ce n'est pas fini. Il a gagné tellement de popularité qu'il a en fait propulsé le classement de la chanson de Collins au deuxième rang des charts iTunes.

Les YouTubers Tim et Fred Williams sont des jumeaux de 22 ans dont la chaîne se consacre à filmer leurs réactions à des chansons emblématiques.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=_pEPFYiJOXU (/ incorporer)

Leur réponse vidéo à «In the Air Tonight» de Phil Collins est la plus populaire, mais ce n'est pas tout ce que les frères ont écouté. Regardez certaines de leurs autres vidéos de réaction:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=ybp6qmBKH_g (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=O_2ru1H-bps (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=1OCi-AKCPlg (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=X54RJzayi78 (/ incorporer)

TwinsthenewTrend: YouTube | Instagram
h / t: (LADbible)

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Photo de Trail Cam par Jeff Wirth

Vous ne savez jamais ce que vous trouverez dans le désert quand il n’y a personne; sauf si, bien sûr, vous configurez un piège à caméra pour capturer l'action lorsque vous êtes absent. C'est exactement ce que le photographe Jeff Wirth a fait pour voir la faune près de chez lui, dans le sud-ouest de l'État de Washington. Mais quand il a revu certaines de ses dernières images, il a constaté qu'il avait obtenu beaucoup plus que prévu. Un passant avait remarqué l'installation et avait posé pour une photo sur une bûche moussue! L'homme est vu à la caméra dans une position rappelant un modèle de pin-up alors qu'il se couche sur le ventre, les jambes relevées et croisées derrière lui, et son menton doucement appuyé sur ses mains.

L'intention de Wirth avec la caméra de piste était de photographier la faune insaisissable. «Il y a quelques mois, j'explorais une zone humide créée par des castors près de chez moi», raconte-t-il à My Modern Met, «et j'ai remarqué un grand arbre abattu sur lequel se trouvaient plusieurs tas d'excréments de lynx roux. Il est revenu le lendemain avec un piège DSLR dans l'espoir d'apercevoir la créature. «Je suis retourné à l'appareil photo une fois par semaine pour vérifier les images et mettre des piles neuves», explique-t-il. «J'ai eu quelques images de bestioles, y compris des ratons laveurs, des belettes, quelques photos de lynx roux et un certain nombre d'oiseaux, mais rien dont j'étais super content alors j'ai laissé l'appareil photo là-bas.

Wirth est revenu plus tard pour vérifier l'appareil et c'est là qu'il a remarqué l'homme mystérieux. «La première séquence d'images que j'ai vue était celle d'un visiteur surprise qui m'a fait sourire jusqu'aux oreilles et rire de moi-même seul dans la forêt», se souvient-il. «Je ne vois jamais d'humains devant la caméra, donc c'était intéressant. Comme vous le remarquerez peut-être, il n'était pas timide, c'est le moins qu'on puisse dire. Il a plutôt bien réussi et m'a laissé une séquence d'images dans une variété de poses.

L'homme n'a laissé aucune information de contact, donc Wirth n'a pas pu le contacter pour partager les photos. Mais grâce à Internet, le modèle n’est pas resté longtemps anonyme. «J'ai posté les images sur Internet et elles ont décollé!» Dit Wirth. «Depuis, l'homme mystérieux a trouvé le message sur Twitter et Instagram et nous avons envoyé des textos la semaine dernière. Il s'avère qu'il faisait de la gestion des plantes envahissantes le long du ruisseau sur lequel j'étais installé. Plutôt cool!"

Lorsque le photographe Jeff Wirth a installé une caméra de surveillance pour capturer des aperçus de la faune, il ne s'est jamais attendu à ce qu'un humain pose pour la caméra. Voici un bobcat cassé en utilisant la même configuration:

Photo de Trail Cam par Jeff Wirth

Internet a pris la liberté de combiner les deux images à la Animorphs.

Jeff Wirth: Site Web | Instagram | Facebook | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jeff Wirth.

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Bindi Irwin révèle une œuvre réconfortante de son défunt père lors de sa fête de mariage

La conservationniste et personnalité de la télévision australienne Bindi Irwin mène une carrière réussie depuis son enfance. Elle est l’enfant aîné du regretté grand personnage de la télévision, gardien de zoo et défenseur de la faune, Steve Irwin. Bien que Bindi ait perdu son père alors qu'elle n'avait que 8 ans, elle a continué sur ses traces tout en prospérant et en promouvant des messages d'espoir. Plus tôt cette année, cependant, sa cérémonie de mariage a été confrontée à des circonstances décevantes. Une bonne partie des invités d’Irwin n’a pas pu assister à l’affaire en raison des restrictions relatives au COVID-19.

Irwin raconte sur son Instagram: «Nous souhaitons que tous nos amis et notre famille aient pu être là avec nous, cependant, c'est bien que nous puissions partager des photos et des vidéos. En ce moment, nous encourageons le monde à conserver l'espoir et l'amour, qui nous feront avancer pendant cette période profonde de l'histoire. Il y avait aussi une absence particulière fortement ressentie par Irwin – celle de son père Steve. Ainsi, l'artiste numérique et fan de la famille Irwin, Debb Oliver, a peint un cadeau unique pour offrir à Bindi Irwin un moment réconfortant et un souvenir commémorant la journée.

Le travail d’Oliver représente une Bindi rayonnante dans une robe de mariée, à côté de son mari Chandler Powell. De l'autre côté de Bindi se trouve son père avec son sourire caractéristique. La mère de Bindi, Terri et son frère Robert, sont également présents, réalisant un portrait de famille complet. «Je travaille lentement là-dessus depuis que @bindisueirwin et @chandlerpowell se sont mariés», partage Oliver sur Instagram, «Je ne pouvais pas arrêter de penser à la façon dont Steve serait si fier d’eux. J'ai donc voulu rassembler tous les Irwin, y compris Sui. Le meilleur ami de Steve (chien et). J'ADORE tellement cette famille. Et j’aimerais qu’ils voient ça. Je promets que je ne le demanderai pas à chaque fois, mais j'apprécierais VRAIMENT si vous pouviez m'aider à leur faire parvenir cela. " Et les abonnés Instagram d'Oliver n'ont pas déçu. Ils ont attiré suffisamment d'attention pour attirer la famille Irwin.

Après avoir vu le travail, les Irwin ont envoyé une carte de remerciement manuscrite à l'artiste et fan extatique. «Tout cela est très surréaliste. Avoir «un morceau» des Irwin avec moi, c’est vraiment spécial. Ils sont si généreux et je ne m'attendais vraiment à rien de tout cela », a fait remarquer Oliver. «Je vais vraiment les chérir pour toujours. Merci encore à tous ceux qui ont aidé mon portrait à les atteindre. Je n'aurais pas pu le faire sans votre aide! »

Dans un transfert socialement éloigné, Oliver a pu mettre son travail entre les mains de la famille qui lui était chère, en particulier à Bindi. La jeune mariée a créé un article sur son Instagram citant le poète écossais Thomas Campbell: «Vivre dans les cœurs que nous laissons derrière nous, ce n'est pas mourir.» Elle a remercié Oliver d'avoir créé une pièce si belle et spectaculaire qui lui a donné des larmes de bonheur. Et maintenant, quelques jours seulement après ses sincères remerciements, Bindi a révélé qu'elle attendait son premier enfant, ce qui rend la présence de son père encore plus significative.

L'artiste Debb Oliver rend hommage au regretté Steve Irwin en cadeau de mariage à sa fille Bindi Irwin.

Voici une vidéo réconfortante montrant Bindi et son défunt père dans son enfance.

Et pour ajouter à cette joyeuse nostalgie, Bindi vient également de révéler qu'elle est maintenant enceinte de son premier enfant.

Debb Oliver: Site Web | Instagram
Bindi Irwin: Facebook | Instagram
h / t: (LADBible)

Toutes les images via Bindi Irwin.

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Un adorable chien «Butterfly King» se lie d'amitié avec tous les insectes ailés de son jardin

Milo le chien aime les papillons

Rencontrez Milo: un Retriever de la Nouvelle-Écosse âgé de 2 ans qui n'aime rien de plus que de traîner dans le jardin avec ses copains papillons. L'adorable chiot n'avait pas besoin de formation sur la manière d'être doux avec les jolis insectes – au lieu de cela, sa propriétaire, Jennifer Bennett, le décrit comme «un roi papillon né».

"Milo est un gars très curieux et heureux", a déclaré Bennett à My Modern Met. «Il veut toujours être au milieu de tout ce qui se passe.» Il y a environ deux ans, il y avait une énorme migration de vanessa cardui (aka dame peinte) papillons en Californie, où vit Milo. «Il y en avait des milliers», se souvient Bennett. «Il n'y avait aucun moyen de ne pas le remarquer. Il s'asseyait simplement dans le jardin et les regardait voler. Peu de temps après, la famille Bennett a décidé de commencer à élever des papillons monarques dans leur jardin – pour le plus grand plaisir de Milo. Le chiot populaire aura même bientôt son propre calendrier de papillons, avec des conseils sur la façon dont vous pouvez élever vous-même les insectes ailés.

Il n’est pas surprenant que Milo compte plus de 30 000 abonnés sur Instagram, mais il a également sa propre chaîne YouTube, dédiée à son autre passion: la cuisine! Sa série vidéo, appelée Baver pour des friandises, met en vedette le beau chiot qui prépare des collations savoureuses adaptées aux chiens. Sa recette la plus récente est les «biscuits papillons à la citrouille», inspirés de ses copains de jardin.

Faites défiler vers le bas pour voir des photos de Milo et son kaléidoscope de papillons. Si vous ne pouvez pas en avoir assez de ces copains improbables, vous pouvez suivre Milo sur Instagram pour une dose quotidienne de gentillesse.

Cet adorable chiot nommé Milo est le meilleur ami de tous les papillons de son jardin.

Duck Tolling Retriever Milo aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillons

Son humain l'appelle le «roi papillon».

Duck Tolling Retriever Milo aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillonsMilo le chien aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillonsMilo le chien aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillonsMilo le chien aime les papillonsMilo le chien aime les papillonsMilo le chien aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillonsDuck Tolling Retriever Milo aime les papillons

Le chiot populaire a également une chaîne vidéo, dédiée à son autre passion: la cuisine!

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=lt9sTLz3JV8 (/ embarqué)

Milo Bennett: Site Web | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Milo Bennett.

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Ce filtre Snapchat transformera instantanément votre chien en personnage Disney

Si vous pensez que les animaux des films Disney sont adorables, Snapchat a un nouveau filtre que vous allez adorer. Appelé «visage de dessin animé», il transforme votre chien en une version «Disneyfied» d'eux-mêmes, les rendant encore plus mignons qu'ils ne le sont déjà. Ce n'est pas un filtre de Disney, mais le style d'illustration rappelle l'esthétique de leurs films classiques comme 101 Dalmatiens et la belle et le Clochard. Lorsque vous dirigez votre téléphone vers votre chiot, l'application ajoute de grands yeux doux et des sourcils expressifs à son visage. Le résultat leur donne l'impression qu'ils pourraient faire partie du casting du film d'animation intitulé Boulon.

Snapchat ajoute régulièrement de nouveaux filtres à leur application, mais ils peuvent passer sous le radar jusqu'à ce que les utilisateurs commencent à les remarquer et à partager les transformations sur d'autres plates-formes. «Cartoon face» en est un excellent exemple. Il est devenu viral après qu'un utilisateur nommé Danielle Sugden l'ait souligné dans le groupe Facebook Dogspotting Society, qui compte près d'un million de membres. Le message, qui encourageait les gens à essayer le filtre par eux-mêmes, a donné des résultats super mignons qui changent en fonction de l'expression du chien. Si Snapchat perçoit que le chiot plisse les yeux, cela peut générer des yeux qui ressemblent à «Vous vous moquez de moi?» Mais avec d'autres chiens aux yeux écarquillés, ils auront de grandes expressions curieuses qui vous feront dire «Aww!» Avec toutes ces possibilités, vous utiliserez ce filtre encore et encore.

Faites défiler vers le bas pour voir certaines de nos itérations préférées de doggos Disneyfied.

Le filtre Snapchat «visage de dessin animé» transformera votre chiot en personnage Disney.

h / t: (Panda ennuyé)

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Les célébrités utilisent des photos d'elles-mêmes pour représenter chaque mois de 2020 dans Funny Meme

Regardons les choses en face: 2020 a été une année et nous n’en sommes même pas aux trois quarts. Les mèmes aident à résumer notre angoisse collective, et peu le font mieux que celui récemment présenté par Reese Witherspoon. Dans un mème qu'elle appelle le # 2020challenge (aka le Calendrier COVID), le format comprend neuf cases dans lesquelles chaque carré correspond à un mois différent (janvier-septembre). En utilisant des photos d'elle-même de ses différents rôles au cinéma, elle attribue une «humeur» à chacun des mois. Comme vous vous en doutez, les choses commencent en janvier avec l'optimisme d'une nouvelle décennie – Witherspoon le compare à une vision brillante et optimiste d'Elle Woods de La revanche d'une blonde– et les mois suivants sombrent dans la confusion, la peur et l'épuisement, dont le dernier est parfaitement illustré par son interprétation de Cheryl Strayed dans le film Sauvage.

Bien que le mème # 2020challenge puisse sembler complètement déprimant, sa reconnaissance via les plus grands rôles de Witherspoon est à la fois drôle et cathartique. Il a également séduit d'autres acteurs et célébrités, et ils ont copié le format et l'ont remplacé par leurs propres projets. Mindy Kaling a rapidement suivi l'exemple de Witherspoon, en commençant par son glamour de remise de prix pour janvier et en se terminant par septembre en tant que Kelly Kapoor Le bureau) quand elle a enduré un horrible nettoyage de régime. À chaque itération du mème, vous dites: "Ouais, pareil."

Faites défiler vers le bas pour plus de célébrités – de Kerry Washington à Mark Ruffalo – participant au mème # 2020challenge.

Les acteurs et les célébrités expriment leur angoisse pour 2020 dans le mème # 2020challenge lancé par Reese Witherspoon.

Beaucoup choisissent de le faire avec leurs rôles d'acteur, tandis que d'autres utilisent des photos d'eux-mêmes (y compris des selfies).

Celui-ci n'est pas créé par Toni Colette elle-même, mais il est parfait!

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Stray Dog rend visite au concessionnaire Hyundai tous les jours et est «embauché» comme mascotte

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire Hyundai

Au Brésil, un chien charmant prouve que si vous travaillez dur, vous pouvez réaliser vos rêves. Tuscon Prime était un chien errant qui passait ses journées à visiter un concessionnaire automobile Hyundai. Le personnel local s'est vite rendu compte que le chiot adorable n'avait nulle part où aller et a pris l'initiative de donner à Tuscon un nom, une maison et un emploi chez le concessionnaire automobile. Désormais, Tuscon est la mascotte de Hyundai Prime et porte même son propre badge avec photo.

Le directeur de la salle d'exposition, Emerson Mariano, a décidé d'accueillir le chien lors d'une soirée orageuse et a immédiatement été séduit par la nature douce et aimante de Tuscon. Par la suite, Tuscon a été adopté et emmené chez le vétérinaire pour recevoir les vaccinations nécessaires. Avec un bilan de santé propre, le chien heureux fournit maintenant des sourires et une queue qui remue à tous ceux qui s'arrêtent chez le concessionnaire.

«Après tout, l'entreprise a toujours été favorable aux animaux de compagnie, alors maintenant nous avons décidé d'adopter cette idée dans la pratique également, d'avoir notre propre animal de compagnie précisément à un moment plus compliqué comme celui-ci avec tant d'animaux abandonnés», explique Mariano. Depuis que Tuscon a été adopté dans la concession, les clients ont fait des visites de retour juste pour dire bonjour au chien charismatique. Et l'aventure éclair de Tuscon n'est pas encore terminée. Hyundai a demandé au chien chanceux de faire une apparition dans une campagne de publicité nationale afin de gagner encore plus de cœurs.

Vous pouvez vous tenir au courant des aventures de Tuscon Prime en le suivant sur Instagram.

Ce chien errant a rendu visite à un concessionnaire Hyundai tous les jours.

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire Hyundai

Le personnel du concessionnaire a nommé le sympathique chien Tuscon Prime.

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire Hyundai

Maintenant, il a été «embauché» par le concessionnaire et on lui a donné une maison aimante ainsi qu'un emploi dans l'entreprise.

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire HyundaiStray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire HyundaiStray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire HyundaiStray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire Hyundai

Les clients reviennent juste pour saluer l'adorable mascotte.

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire HyundaiStray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire Hyundai

Si ce n'est pas le visage de l'employé de l'année, nous ne savons pas ce que c'est…

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire Hyundai

Continuez votre excellent travail, Tuscon Prime!

Stray Dog obtient un emploi chez un concessionnaire HyundaiTuscon Prime: Instagram
Prime Hyundai: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via Tuscon Prime et Prime Hyundai.

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La Nouvelle-Zélande atteint 100 jours sans transmission de coronavirus

Masque de coronavirus jeté sur le drapeau de la Nouvelle-Zélande

Photo: Photos de LINCOLN BEDDOE / Shutterstock

Le dimanche 9 août a marqué 100 jours depuis la dernière transmission communautaire connue du coronavirus en Nouvelle-Zélande. À l'heure actuelle, le pays de cinq millions d'habitants ne signale que 23 cas actifs de COVID-19, tous détenus dans des centres d'isolement gérés. Alors que la Nouvelle-Zélande est connue internationalement pour ses paysages époustouflants (présentés dans le le Seigneur des Anneaux série de films), la nation insulaire et le Premier ministre Jacinda Ardern sont devenus un exemple éclatant des efforts mondiaux visant à maîtriser la pandémie. Avec 1219 infections confirmées et 22 décès, la Nouvelle-Zélande a maintenu le nombre de cas de coronavirus à un faible niveau.

Leur succès dans la gestion du virus peut être en partie attribué à la fermeture des frontières du pays le 19 mars. Alors que les cas augmentent en Australie voisine, les Néo-Zélandais peuvent profiter de nombreuses activités en toute sécurité, telles que le shopping, les événements bondés et les sports. La réponse forte et efficace du PM au virus lui a valu une renommée nationale et internationale. Cependant, la nation n'a pas assoupli toutes les restrictions. Le gouvernement continue de restreindre les voyages en Nouvelle-Zélande et tous ceux qui entrent dans le pays doivent être mis en quarantaine. Le Directeur général de la Santé, le Dr Ashley Bloomfield, a rappelé aux Néo-Zélandais: «Nous avons vu à l'étranger à quelle vitesse le virus peut réapparaître et se propager dans des endroits où il était auparavant sous contrôle, et nous devons être prêts à éradiquer rapidement tout cas futur. en Nouvelle-Zélande. »

Le Dr Bloomfield a mis l'accent sur d'autres facteurs contribuant au succès de la Nouvelle-Zélande – les tests et le travail d'équipe. Malgré les preuves de l'absence de propagation dans la communauté, les laboratoires continuent de traiter des milliers de prélèvements. Le Directeur général a félicité les citoyens pour avoir continué à se soumettre à des tests afin de détecter toute infection qui pourrait encore se propager ou rebondir silencieusement parmi la population. «Chaque membre de l'équipe de cinq millions de personnes a un rôle à jouer dans ce… Ne laissez pas l'équipe tomber – aucun de nous ne peut se permettre de le faire», a-t-elle déclaré dans un communiqué de presse annonçant les 100 jours de non-transmission communautaire. Le peuple néo-zélandais a certainement lieu de se réjouir de ses efforts communautaires.

La Première ministre Jacinda Ardern a été félicitée pour sa forte réponse au coronavirus en Nouvelle-Zélande.

Jacinda Ardern à Bruxelles 2019

Premier ministre Jacinda Ardern (Photo: Stock Photos from ALEXANDROS MICHAILIDIS / Shutterstock)

La nation insulaire, qui est peut-être mieux connue pour être l'emplacement des trois le Seigneur des Anneaux films, est maintenant connu pour son leadership remarquable au milieu de la pandémie mondiale.

Paysage de Nouvelle-Zélande Aoraki

Aoraki, Nouvelle-Zélande (Photo: kewl)

Avec une population d'environ cinq millions d'habitants et n'a enregistré que 1219 cas de coronavirus.

Auckland Cityscape Nouvelle Zélande

Auckland, Nouvelle-Zélande (Photo: darcoil)

h / t: (LADbible, Science Alert)

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Des scientifiques créent des carreaux de terre cuite imprimés en 3D pour favoriser la croissance des récifs coralliens

Scientifique de HKU avec un carreau de terre cuite

Les récifs coralliens qui souffrent depuis longtemps peuvent commencer à repousser avec une nouvelle technologie prometteuse. La population de corail a fortement diminué en raison des marées rouges, de la pollution et de l'augmentation du trafic maritime dans la région de Double Island de Sai Kung. Pour un projet de restauration commandé par le Département de l'agriculture, des pêches et de la conservation (AFCD), des scientifiques marins et des architectes de l'Université de Hong Kong (HKU) ont co-développé de grandes tuiles en terre cuite pour fournir des habitats attrayants pour la nouvelle croissance de corail et pour les nombreux espèces qui dépendent du corail pour une maison.

Environ deux pieds de diamètre, les 128 tuiles hexagonales forment une grille imbriquée couvrant 430 pieds carrés de fond océanique sur trois sites distincts. Chaque tuile a une structure ridée qui ressemble à un cerveau humain et fournit de nombreux cols pour que le corail s'enracine. Les scientifiques pensent que le matériau argileux aidera les coraux fragiles à saisir la surface.

Les carreaux sont fabriqués par impression 3D avec de l'argile en terre cuite et en cuisant les carreaux à une chaleur extrêmement élevée. (La terre cuite est une forme ancienne de poterie poreuse en argile cuite.) Cette fusion de matériaux anciens et de méthodes modernes permet la conception unique «ondulée» et la surface poreuse et texturée du carreau. Les scientifiques pensent que ces deux facteurs feront des carreaux un habitat idéal pour la repousse des coraux.

En plaçant les carreaux cet été, les experts marins du Swire Institute of Marine Science (SWIMS) de HKU observeront la croissance des coraux au cours des deux prochaines années. En collaboration avec le laboratoire de fabrication robotique de la Faculté d'architecture, les scientifiques ont l'intention d'étendre leur expérimentation en créant une variété de designs de carreaux grâce à l'impression 3D. De cette manière, les carreaux peuvent être conçus pour s'adapter aux besoins d'un environnement marin spécifique. Les carreaux de terre cuite sont une méthode écologique prometteuse pour aider à faire revivre et à remplacer les récifs coralliens qui sont essentiels aux écologies océaniques.

Les scientifiques marins et les architectes du Swire Institute of Marine Science ont conçu des carreaux de terre cuite pour encourager la croissance des récifs coralliens.

Carrelage Terra CottaTuile de récif en terre cuite

Gros plan de carreaux de récif en terre cuite

Photo: Christian J. Lange / HKU

Les carreaux de récif de corail en terre cuite sont imprimés en 3D pour créer de nombreuses crevasses pour le corail.

Tuile de récif Terra-Cotta avec imprimante 3D

Photo: Christian J. Lange / HKU

Tuiles de récif en terre cuite

Photo: Christian J. Lange / HKU

Tuiles de récif en terre cuite

Photo: Christian J. Lange / HKU

Les tuiles couvrent 430 pieds carrés de plancher océanique.

Les plongeurs placent une tuile de toit en terre cuite

Les scientifiques espèrent que les tuiles aideront à inverser une perte importante de récif corallien à Double Island.

Corail sur une tuile de récif en terre cuiteHKU: Site Web | Facebook
AFCD: Site Web | Facebook
SWIMS: Site Web | Facebook
h / t: (Fast Company)

Toutes les images via HKU, AFCD et SWIMS.

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L'artiste publie un modèle de crochet bricolage pour son adorable jouet tortue avec coque amovible

Tortue en crochet avec coque amovible par Toysneed

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Si vous avez toujours voulu apprendre à crocheter, nous avons le projet de démarrage parfait. Kate Kobets (de Toysneed) a créé cet adorable bébé tortue avec une coquille amovible, et elle vend le modèle de bricolage et les instructions sur Etsy. La poupée terminée est un excellent cadeau pour un bébé ou un jeune enfant, et tout le monde peut créer ce personnage super mignon à la maison.

«J'aime vraiment la forêt et la mer, la nature est ma source d'énergie», a déclaré Kobets à My Modern Met. «J'aime aussi les livres pour enfants, les illustrations et les contes de fées.» De plus, l'artisan talentueux est influencé par le matériau qu'elle utilise. «Je prends simplement le fil dans mes mains et j'imagine qui j'aimerais y crocheter», explique-t-elle. «Souvent, lorsqu'une image apparaît dans ma tête, je ne peux pas me calmer tant que je ne la vois pas en réalité. J'ai même commencé un cahier séparé pour mes idées, où j'écris tout ce qui me vient à l'esprit. Ensuite, je reviens aux notes et je puise l'inspiration.

Kobets fait du crochet depuis son plus jeune âge et elle a même conçu ses propres vêtements au crochet dans le passé. En 2014, elle est tombée sur l'art de amigurumi, un terme qui mélange deux mots japonais: suis-je, qui signifie crocheté ou tricoté; et nuigurumi, une poupée en peluche. Ce n'est qu'après avoir donné naissance à son fils en 2017 qu'elle a décidé de tourner sa curiosité pour amigurumi en quelque chose de plus. Elle a commencé à créer des jouets au crochet, et n'a pas regretté depuis. Aujourd'hui, elle vend à la fois des jouets terminés et des modèles pour toutes sortes de créatures au crochet.

«Il est important pour moi que les enfants jouent avec mes jouets», déclare Kobets. "Le nom Toysneed lui-même peut être déchiffré comme des jouets dont on a besoin. J'essaie de rendre le jouet non seulement beau et de haute qualité, mais aussi intéressant et utile. » Presque tous les jouets qu'elle fabrique ont des éléments mobiles ou amovibles, tels que des jambes, des bras ou des vêtements. Dans le cas de son adorable jouet tortue, la coquille entière peut être enlevée, comme si elle avait son propre petit sac à dos.

Découvrez l'adorable tortue au crochet ci-dessous et si vous vous sentez inspiré pour créer le vôtre, vous pouvez acheter le motif sur Etsy.

Kate Kobets (de Toysneed) a créé cet adorable bébé tortue avec une coquille amovible.

Tortue en crochet avec coque amovible par Toysneed

Vous pouvez le fabriquer vous-même à la maison, grâce à son modèle de bricolage et ses instructions.

Tortue en crochet avec coque amovible par ToysneedTortue en crochet avec coque amovible par ToysneedCrochet jouet tortueCrochet jouet tortueCrochet jouet tortue

La gentillesse ne s'arrête pas là – voici d'autres adorables personnages au crochet de Kobet.

Amigurumi par ToysneedAmigurumi par ToysneedAmigurumi par ToysneedAmigurumi par ToysneedAmigurumi par ToysneedAmigurumi par ToysneedKate Kobets / Toysneed: Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Kate Kobets / Toysneed.

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Eclipse le chien qui attend au passage pour piétons

Chaque matin, un chien très indépendant nommé Eclipse quitte sa maison seul. Elle a une mission: se rendre au parc pour chiens situé au cœur du centre-ville de Seattle. Au fil des ans, Eclipse est devenue un favori parmi les navetteurs de Seattle et est maintenant considérée comme une source d'inspiration, étant appelée une «femme indépendante». Chaque jour, comme une très gentille fille, elle attend patiemment à l'arrêt de bus près de chez elle. Quand son bus arrive, elle monte à bord et est accueillie par des fans adorés. Le chien Mastador (moitié Mastiff et moitié Labrador) a amassé un fort suivi des médias sociaux en raison de ce comportement remarquable.

Selon un observateur basé à Seattle qui a laissé un commentaire sur la page Facebook du chien bien-aimé, Eclipse «prend le bus du centre-ville au parc pour chiens où elle passe quelques heures à faire de l'exercice et à se faire des amis, puis elle prend le bus pour rentrer chez elle. . Elle a même son propre laissez-passer de bus attaché au col. Mais votre chien moyen ne peut pas «se promener» efficacement. Alors, comment fait Eclipse apprend à prendre le bus? Tout a commencé en 2015, lorsqu'un jour, le compagnon humain d'Eclipse, Jeff Young, a mis trop de temps à finir une cigarette. Le chien impatient le quitta et monta dans le prochain bus pour rentrer chez lui, une routine qu'elle reprit lors de leurs sorties habituelles. Young – comprenant ses sentiments – prit le bus suivant et la retrouva chez eux. Depuis, Eclipse se consacre à ses voyages en solo.

Young a déclaré à une station de nouvelles locale de Seattle: «Probablement une fois par semaine, je reçois un appel téléphonique. 'Salut. J'ai votre chien Eclipse ici le 3 et Bell… Je dois leur dire: «Non. Elle va bien.' Elle sait ce qu'elle fait. Eclipse continue d'apporter lumière et bonheur à tous les navetteurs avec lesquels elle roule. Elle a également prouvé au cours des cinq dernières années qu'elle est une excellente navigatrice qu'il ne faut jamais laisser attendre.

Chaque jour, Eclipse le chien attrape un bus et se rend dans un parc pour chiens du centre-ville.

Eclipse dog prend le bus toute seuleChien éclipse à la fenêtre de busEclipse le chien assis sur le bus

Elle est une favorite de Seattle et une fidèle pilote de métro depuis 2015.

Eclipse le chien prend le bus seulEclipse le chien qui marche dans le busEclipse le chien roulant sur le sol

Eclipse Seattle's Bus Riding Dog: Site Web | Instagram
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via Eclipse Seattle's Bus Riding Dog.

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Fleur Mantis Margaret Neville

Photo: Margaret Neville

Un jour de septembre en Afrique du Sud, Margaret Neville a fait une découverte fascinante dans son jardin arrière. Se reposer parmi ses buissons de lavande était un mante fleur, un type de mante religieuse qui a évolué pour apparaître incroyablement «floral» comme méthode de camouflage. La mante fleur particulière trouvée par Neville est une femelle avec un grand motif de tourbillon sur le dos et des saillies qui ressemblent à des boutons de lavande le long de ses jambes. Étonné par la beauté de l'insecte, Neville a nommé la mante «Miss Frilly Pants» en référence à ses «pantalons» violets.

«La nature est là pour que nous puissions tous la partager», déclare Neville à My Modern Met. Depuis qu'elle a partagé sa découverte, Miss Frilly Pants compte désormais de nombreux fans à travers le monde. Des images et des vidéos de Miss Filly Pants peuvent également être vues sur la page Facebook de Waterfall Retreat & Environmental Center. Fin septembre, la page a annoncé que la mante inhabituelle avait trouvé un compagnon – une mante fleur mâle.

Fleur Mantis Margaret Neville

Photo: Margaret Neville

Il existe de nombreuses espèces de mantes à travers le monde. le mante religieuse orchidée est un autre type de mante fleur. Les femelles sont plus grandes et de couleur brillante, avec des pattes qui ressemblent étonnamment à des pétales d'orchidées. Ils attendent que les insectes les approchent, trompés par leur aspect floral. Cependant, les mâles n'ont pas évolué avec le camouflage floral. Ils sont plus petits avec des couleurs ternes. Alors que l'apparence des femelles est un piège coloré, les mâles doivent chasser plutôt que rester à l'affût. Les chercheurs évolutionnistes croient que cette divergence dans les stratégies de chasse sexuées et son effet sur l'évolution est singulier parmi les arthropodes (araignées et insectes).

Le nom lyrique "Miss Filly Pants" convient à une mante fleur. D'autres espèces de mantes ont des noms inventifs, notamment «Wandering Violin Mantis», «Arizona Unicorn Mantis» et «Devils Flower Mantis». Il est tout simplement indéniable que Miss Frilly Pants et ses autres espèces de mantes ont l'air aussi fantaisistes que leurs noms le suggèrent.

Margaret Neville a découvert un sud-africain mante fleur se fondant dans un buisson de lavande dans son jardin et nommé le magnifique insecte Miss Frilly Pants.

Fleur Mantis Margaret Neville

Photo: Margaret Neville

Voici des images de Miss Frilly Pants en action:

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Margaret Neville.

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Comment déchiffrer le symbolisme du célèbre «portrait d’Arnolfini» de Jan van Eyck

Portrait d'Arnolfini par Jan Van Eyck

Jan Van Eyck, «Le portrait d'Arnolfini», 1434. (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

Près de 100 ans avant que Léonard de Vinci (vers 1452-1519) ne crée le Mona Lisa, un autre peintre établissait la norme du portrait réaliste à l'huile. Né dans ce qui est aujourd'hui la Belgique, l'artiste Jan van Eyck (vers 1390-1441) était un des premiers maîtres du médium à l'huile et l'a utilisé pour créer des compositions méticuleusement détaillées.

Son œuvre la plus importante, Le portrait d'Arnolfini, demeure une icône de la Renaissance du Nord – encapsulant de nombreux idéaux esthétiques et innovations techniques de l'époque. Cependant, le chef-d'œuvre ne se résume pas à sa riche palette de couleurs. Cachées dans la conception se trouvent des couches d'iconographie qui aident à raconter l'histoire du couple représenté.

Ici, nous explorerons comment la réalisation magistrale de Van Eyck en matière de peinture est née et nous examinerons une partie de son symbolisme bien placé.

La Renaissance du Nord et Jan van Eyck

Autoportrait par Jan Van Eyck

Jan Van Eyck, «Autoportrait», 1433. (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

Dans le même temps, la Renaissance italienne a ravivé l'esthétique classique dans l'Italie du 15ème siècle, le Renaissance nordique balayé par des artistes au nord des Alpes, en particulier aux Pays-Bas, en Belgique, en Allemagne, en France et en Angleterre. Comme son homologue méridional, cette période met également l'accent sur le réalisme, mais avec un accent sur la peinture et la gravure.

Artiste flamand Jan van Eyck est considéré comme l'un des peintres les plus remarquables de la Renaissance nordique et a produit un certain nombre d'œuvres hautement religieuses. Bien que la peinture à l'huile existe depuis un certain temps, Van Eyck est crédité d'être le premier à utiliser son potentiel pour couleur et réalisme.

Retable de Gand par Jan van Eyck et Hubert van Eyck

Jan van Eyck et Hubert van Eyck, «Retable de Gand», 1432. (Photo: domaine public)

le Retable de Gand est considéré comme son premier chef-d'œuvre dans le milieu, que lui et son frère Hubert (qui était également artiste) ont peint sur une période de dix ans. Il affiche un rejet du style médiéval idéalisé au profit d'un art plus réaliste qui était enraciné dans presque une observation scientifique de la nature.

La peinture le Portrait d'Arnolfini

Portrait d'Arnolfini par Jan Van Eyck

Jan Van Eyck, «Le portrait d'Arnolfini», 1434. (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

En 1434, environ un an après l'achèvement du retable, Van Eyck a commencé à travailler sur Le portrait d'Arnolfini, aussi appelé Le mariage Arnolfini. Il représente un riche marchand – présumé être Giovanni di Nicolau di Arnolfini – et sa femme dans une salle richement décorée qui met en valeur leur opulente richesse.

À première vue, Le portrait d'Arnolfini se distingue par l'intensité de sa palette de couleurs. Sur le côté gauche de la pièce, l'homme enfile un lourd manteau bleu-noir avec une bordure en fourrure, et sur la droite, sa femme porte une sur-robe émeraude à manches texturées. Chaque vêtement et bijou semble briller sur la toile.

Van Eyck a atteint cette profondeur de couleur en utilisant le technique humide sur humide, dans lequel il a ajouté des couches de peinture humide avant que les couches précédentes n'aient séché. Cela lui a permis de mélanger les couleurs de manière experte et de créer une impression de tridimensionnalité sur la toile. De plus, l'artiste a appliqué couches d'émaux translucides à la peinture pour accentuer non seulement le réalisme des personnages mais aussi le luxe de la maison.

Iconographie dans la peinture

Portrait d'Arnolfini par Jan Van Eyck

Détail montrant les mains jointes du couple (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

Bien que l'identité des sujets ne soit pas certaine, la coiffure de la femme suggère qu'il s'agit bien d'un couple marié, car seules les femmes célibataires portaient leurs cheveux dans la Flandre du XVe siècle. Cependant, contrairement à ce que pensent de nombreux téléspectateurs, la femme n'est pas enceinte mais tient seulement sa sur-robe volumineuse contre sa poitrine, ce qui était coutumier à l'époque.

La signification exacte de l'affichage du couple joignant les mains est toujours débattue parmi les historiens de l'art. Alors que certains suggèrent qu'il est symbolique d'un contrat de mariage, d'autres croient que c'est un geste de consentement pour que l'épouse agisse au nom des relations commerciales du mari.

Portrait d'Arnolfini par Jan Van Eyck

Détail du miroir convexe (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

La plupart des objets exposés dans la pièce – comme le lustre, les tissus teints et les aliments importés – sont là pour subtilement signifier l'immense richesse du couple. Sur le mur du fond de la pièce se trouve un miroir convexe qui montre le reflet de deux personnes, dont l'une est très probablement Van Eyck. On pense que le miroir lui-même suggère l'œil de Dieu observant la scène.

Au-dessus du miroir se trouve une inscription latine fantaisiste qui dit «Jan van Eyck était ici en 1434». Cela réaffirme la présence de l'artiste dans son propre travail.

Portrait d'Arnolfini par Jan Van Eyck

Inscription de Jan van Eyck: «Jan van Eyck était ici 1434» (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

On pense que de nombreux choix de couleurs de Van Eyck sont révélateurs de significations cachées. La robe verte de la femme, par exemple, pourrait symboliser l'espoir, probablement l'espoir d'avoir un enfant. De même, les rideaux rouges et les draps en arrière-plan pourraient impliquer une intimité entre le couple marié. Entre eux est un Petit Chien qui est couramment inclus dans les peintures comme un symbole de fidélité.

Détail du chien Détail montrant les mains jointes du couple (Photo: National Gallery via Wikimedia Commons (domaine public))

Au total, l'iconographie de Le portrait d'Arnolfini tisse l'image d'un couple de marchands aisés se prélassant dans la richesse de leur succès. En même temps, il affiche également une maîtrise de la couleur, de l'espace et de la narration par Van Eyck qui était révolutionnaire pour l'époque.

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Voie lactée sur les montagnes Adirondack

Le photographe Dan Zafra de Capture the Atlas a l'habitude de voyager dans des endroits exotiques pour capturer ses images. Mais sa dernière aventure de week-end l'a emmené dans un nouvel endroit un peu plus près de chez lui: les Adirondacks. Situé dans la partie nord-est de l'État de New York, ce magnifique paysage est connu comme l'une des parties les plus sombres de la côte Est. Cela en a fait le week-end parfait pour Zafra, connu pour son astrophotographie.

Pour avoir la meilleure vue sur le ciel nocturne, Zafra et ses compagnons de voyage ont passé plusieurs nuits à Cascade Mountain. En tant que l'un des hauts sommets des Adirondacks, la montagne leur offrait une vue cristalline du ciel. Zafra a profité du moment et a photographié la Voie lactée dans un environnement pittoresque. En utilisant son star tracker, il a pu exécuter ce qu'il appelle «la meilleure photo de la Voie lactée que j'ai jamais prise».

L'occasion pour l'astrophotographie s'est poursuivie alors que Zafra était également dans la zone pour l'observation de la comète Neowise. Cette comète de longue période est connue pour être exceptionnellement brillante, mais elle n'apparaît que tous les 6800 ans. Heureusement, le voyage de Zafra a coïncidé avec la semaine où Neowise était visible dans l'hémisphère nord et il a pleinement profité de l'occasion.

Son image de la comète au-dessus de Lake Placid montre l'incroyable luminosité de Neowise. La photo, qui résulte de cinq images prises à 50 mm, 10 secondes et 6400 ISO, est un beau panorama qui montre à quel point les lumières du village ne nuisent pas à la comète.

Pour terminer le week-end, Zafra a partagé deux autres images qui prouvent que les Adirondacks sont spectaculaires à tout moment de la journée. L'un montre la lumière dorée de l'aube filtrée à travers les nuages ​​atmosphériques qui dansent à travers la cime des arbres. La seconde présente un coucher de soleil sur le lac Avalanche, l'un des endroits les plus reculés des montagnes. Ici, Zafra est capable d'encadrer habilement le ciel dans la vallée et de refléter ses couleurs chaudes dans les eaux calmes du lac.

Tout compte fait, son travail prouve que les lieux d'exception ne manquent pas, même si vous êtes près de chez vous.

Dan Zafra a passé du temps dans les Adirondacks, où il a pu photographier la Voie lactée et la comète de Neowise.

Voie lactée sur les montagnes AdirondackComète Neowise sur Placid Lake

Ses autres photos prouvent que cette chaîne de montagnes du nord de l'État de New York est tout aussi inspirante de jour.

Belle lumière dans les montagnes AdirondackCoucher du soleil depuis le lac Avalanche dans le nord de l'État de New York

Capturez l'Atlas: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Dan Zafra.

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Les manteaux de pompier japonais du XIXe siècle présentent de superbes scènes à l'intérieur

Manteau de pompiers japonais

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Pendant la période Edo au Japon (1603-1868), les pompiers étaient chargés d'arrêter les incendies avant que les flammes ne se propagent à travers les bâtiments en bois d'une ville. De nombreux exemples étonnants de manteaux de pompiers (appelés hikeshi banten) ont survécu à partir du XIXe siècle. À l'extérieur, ces longs manteaux fonctionnent de manière similaire aux uniformes de pompier modernes en identifiant le porteur avec leur brigade de pompiers. Cependant, l'intérieur du manteau était décoré dans des scènes élaborées de force et d'héroïsme tirées de légendes japonaises.

Les manteaux ont servi à plusieurs fins. La courtepointe épaisse serait trempée dans l'eau pour protéger les pompiers des flammes alors qu'ils détruisaient les maisons en feu. Cette stratégie dangereuse de lutte contre les incendies était nécessaire avant les tuyaux modernes. En détruisant un bâtiment en feu, les pompiers ont contenu les dégâts plutôt que de laisser le feu se propager sur les toits en bois. Une fois éteints avec succès, les pompiers inversaient leurs manteaux pour afficher le symbolisme complexe qui les avait protégés tout en combattant l'incendie. Essentiels à la survie de toute ville, les pompiers étaient vénérés pour leur force et leur bravoure.

Trouvés dans de nombreux musées aujourd'hui, les manteaux des pompiers japonais sont généralement exposés avec leurs intérieurs fabuleux tournés vers l'extérieur afin que les visiteurs puissent voir le savoir-faire artisanal et en savoir plus sur les personnages représentés. Un manteau peut prendre des semaines à créer. le sashiko technique (qui signifie «petits coups») fait référence à la méthode de matelassage détaillée utilisée pour lier les couches du manteau. Le manteau serait ensuite teint en utilisant le tsutsugaki méthode. Cette méthode utilise de la pâte de riz, qui est appliquée sur le tissu et empêche le colorant d'adhérer. Par une utilisation répétée, la méthode permet la création de conceptions complexes.

Dans un manteau, le héros historique japonais Kato Kiyomasa s'amuse avec un tigre qui a le casque du guerrier dans la bouche. Dans un autre, le héros Musashibo Benkei est attaqué par une grosse carpe. Dans un exemple particulièrement étonnant, une araignée géante du conte du héros Minamoto no Yorimitsu est représentée planant au-dessus d'un plateau Go. Le héros a blessé l'araignée et l'a envoyé voler. En tant que guerriers contre le feu, les pompiers japonais de la période Edo ont clairement admiré la force et la bravoure de ces personnages légendaires.

Faites défiler vers le bas pour voir quelques exemples étonnants de ces manteaux de pompiers.

Ces motifs complexes trouvés sur les manteaux de pompiers japonais du XIXe siècle ont été créés par un processus mourant appelé tsutsugaki.

Manteau de pompiers japonais

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Le côté décoratif d'un manteau serait porté vers l'intérieur tout en combattant les incendies.

Manteau de pompiers japonais

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

De nombreux manteaux représentent des héros légendaires de l'histoire japonaise.

Manteau de pompier japonais du XIXe siècle

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Manteau de pompier japonais du XIXe siècle

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Manteau de pompier japonais du XIXe siècle

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Manteau de pompier japonais du XIXe siècle

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Manteau de pompier japonais du XIXe siècle

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Manteau de pompier japonais

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Manteau de pompiers japonais

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

h / t: (Open Culture, Antiquaire)

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Les planches à roulettes jetées reçoivent une nouvelle vie en tant que produits créatifs colorés

Décor à la maison fait de planches à roulettes

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Les frères Adrian et Martinus Pool sont les artistes derrière le studio de design canadien Adrian Martinus. Ensemble, ils donnent aux skateboards mis au rebut une seconde chance de vivre en les réutilisant en tant que décorations durables pour la maison. Certains des ponts deviennent des boucles d'oreilles en forme d'hexagone tandis que d'autres sont utilisés dans des meubles de déclaration, comme la table basse à dalle. Quel que soit leur objectif, chacun de leurs produits comprend une garniture colorée qui provient des ponts vibrants dont ils proviennent.

Les frères et sœurs ont grandi autour d'outils de travail du bois et de skateboards, il était donc naturel qu'ils combinent les deux et expérimentent les possibilités de conception. Ce qu'ils ont mis au point, c'est un processus laborieux qui amène les produits finis à ne rien ressembler à une planche à roulettes – leur objectif ultime. "Nous ne voulons pas que vous le voyiez immédiatement et que vous pensiez:" C'est un vieux skateboard ", explique Martinus. «Quand vous entendez qu'il s'agit d'un skateboard recyclé, nous voulons que ce soit une surprise.»

Martinus, Adrian et Anne Tranholm, partenaire d'Adrian, commencent le processus de construction en exposant une collection de planches au soleil. Après plusieurs heures à l'extérieur, l'équipe gratte le ruban adhésif chauffé des planches à roulettes et procède au ponçage de la peinture, du graphique et de la couche transparente. Ensuite, il s'agit de meuler et polir le bois jusqu'à ce qu'il soit propre et prêt à l'emploi.

Vous pouvez acheter les produits en bois d'Adrian Martinus via leur boutique Etsy. Suivez-les sur Instagram pour rester au courant de leurs derniers travaux.

Le studio de design Adrian Martinus crée un décor moderne durable à partir du recyclage de vieux skateboards.

Décor en bois par AdrianMartinus

Tout d'abord, l'équipe collectionne des centaines de planches à roulettes en bois d'érable de haute qualité à utiliser dans leurs conceptions.

Décor en bois par Adrian MartinusDécor à la maison fait de planches à roulettesDécor en bois par Adrian Martinus

Les planches sont ensuite réutilisées dans la décoration intérieure, les meubles, les bijoux, etc.

Décor en bois par AdrianMartinusDécor en bois par AdrianMartinusDécor en bois par Adrian MartinusDécor en bois par Adrian MartinusDécor à la maison fait de planches à roulettesDécor à la maison fait de planches à roulettesDécor en bois par Adrian MartinusDécor en bois par Adrian MartinusBoucles d'oreilles en bois faites avec des planches à roulettesBoucles d'oreilles en bois faites avec des planches à roulettesDécor à la maison fait de planches à roulettesDécor à la maison fait de planches à roulettesAdrian Martinus: Site Web | Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Adrian Martinus.

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L'architecte Kengo Kuma a enveloppé un «nid» en bois géant autour d'un bâtiment à Sydney

L'échange par Kengo Kuma

Photo: Martin Mischkulnig

L'architecte japonais Kengo Kuma, connu pour son utilisation innovante du bois, a fait sensation avec son premier bâtiment en Australie. Situé sur Darling Square à Sydney, L'échange est un bâtiment municipal à usage mixte dont tout l'extérieur est enveloppé de bois pour créer un nid visuellement magnifique autour de ses fenêtres. En utilisant des formes et des matériaux organiques, l'architecte japonais place The Exchange en harmonie avec la nature qui l'entoure, en contraste frappant avec les structures géométriques dures des bâtiments environnants.

«Notre objectif est de parvenir à une architecture aussi ouverte et tangible que possible pour la communauté, et cela se reflète dans la géométrie circulaire qui crée un bâtiment accessible et reconnaissable dans de multiples directions», a déclaré Kuma. «L'écran en bois enveloppe l'extérieur du bâtiment d'une manière dynamique et passionnante, une référence historique à Darling Harbour étant à l'origine une ruche d'activité commerciale et un point central en tant qu'échange de marché.

L'échange est le cœur de Darling Square, qui était autrefois le site d'un parking et d'un centre de divertissement. Le bâtiment de sept étages aide à animer la zone piétonne et comprend à la fois des espaces commerciaux et civiques. Trois étages sont utilisés pour les magasins de détail et les restaurants, dont un marché, tandis que deux autres abritent la bibliothèque de Sydney. Les deux derniers niveaux, qui sont loués par la Commonwealth Bank of Australia, sont utilisés pour la garde d'enfants.

En prolongeant le bois dans la place, Kuma donne une continuité à l'espace global et crée une pergola ombragée pour que les visiteurs puissent se détendre. Le bâtiment n'est qu'une partie d'un projet plus vaste qui vise à revitaliser Darling Harbour. Et en tant que point focal pour la communauté, The Exchange est sûr d'attirer les résidents et les visiteurs.

La Bourse de Darling Square à Sydney est la première pièce d'architecture de Kengo Kuma en Australie.

L'échange à Darling Square à Sydney

Photo: Martin Mischkulnig

L'échange à Darling Square à Sydney

Photo: Martin Mischkulnig

L'échange à Darling Square à Sydney

Photo: Martin Mischkulnig

L'échange par Kengo Kuma

Photo: Martin Mischkulnig

L'architecte japonais est connu pour son utilisation créative du bois et a enveloppé le bâtiment dans un «nid» en bois.

L'échange par Kengo Kuma

Photo: Martin Mischkulnig

Architecture Kengo Kuma en Australie

Photo: Martin Mischkulnig

L'échange par Kengo Kuma

Photo: Martin Mischkulnig

Architecture contemporaine à Sydney en Australie

Photo: Martin Mischkulnig

Le bâtiment à usage mixte comprend des espaces commerciaux, des restaurants, une bibliothèque et une garderie.

Darling Square à Sydney

Photo: Brett Boardman

L'échange à Darling Square à Sydney

Photo: Martin Mischkulnig

L'échange à Darling Square à Sydney

Photo: Brett Boardman

Kengo Kuma: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (dezeen)

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5 peintures allégoriques célèbres qui ont des significations cachées en attente d'être découvertes

Peintures célèbres d'allégorie

«Une allégorie» de Sandro Botticelli, 1488 – 1552. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Tout au long de l'histoire humaine, les gens ont adoré raconter des histoires. De la poésie et de la littérature à la musique et à l'art, nous racontons des histoires à travers une variété de médias. L'un des outils les plus efficaces pour révéler un récit ou un concept est un allégorie. Le terme vient du mot latin allégorie, qui signifie «langage voilé».

En peinture, les artistes ont utilisé des allégories pour véhiculer des idées complexes – telles que l'amour, la vie, la mort, la vertu et la justice – à travers des symboles visuels et des métaphores. Une allégorie est comme une signification cachée, attendant d'être découverte par le spectateur. Une peinture allégorique peut inclure des personnages qui personnifient différentes émotions, telles que l'envie ou l'amour. Les symboles religieux sont souvent représentés comme une colombe, une fleur ou un rayon de lumière.

Dans l'art figuratif, les sujets allégoriques étaient fréquemment peints de la Renaissance jusqu'au milieu des années 1800. Beaucoup restent insaisissables aujourd'hui; Les figures allégoriques dépendent de la capacité du spectateur à les identifier, mais tout le monde ne peut pas déchiffrer leur signification. Et parce qu'ils peuvent être subjectifs, leurs significations évoquent souvent des interprétations infinies.

Poursuivez votre lecture pour découvrir des exemples d'allégorie fascinants dans des peintures célèbres.

Ces célèbres exemples d'allégories dans l'art montrent qu'il y a plus dans ces peintures qu'il n'y paraît.

Primavera par Sandro Botticelli

Peintures célèbres d'allégorie

«Primavera» de Sandro Botticelli, 1482. (Photo: Wikimedia Commons (CC BY 4.0))

Installé dans la Galerie des Offices de Florence, Primavera by Sandro Botticelli continue d'attirer les téléspectateurs qui sont fascinés par son symbolisme classique et sa composition élaborée. La scène printanière se déroule dans une forêt mythique, avec environ 500 espèces végétales peintes, dont près de 200 types de fleurs. Les fleurs d'oranger sur les arbres sont un symbole du mariage, mais la peinture présente également un certain nombre de sujets figuratifs allégoriques que de nombreux érudits croient également représenter le mariage.

Au milieu de la composition, Vénus (symbole de l'amour), se dresse vêtue d'une tenue typique de Florence du XVe siècle. Au-dessus de Vénus, son fils Cupidon pointe son arc et sa flèche vers le Trois grâces (représentant le plaisir, la chasteté et la beauté).

À gauche des Trois Grâces, Mercure—Le dieu romain de mai — utilise son bâton pour repousser un amas de nuages. Sur le côté droit du tableau, Zéphyr, le dieu grec du vent d'ouest, saisit Chloris, une nymphe associée aux fleurs. Dans la mythologie, elle se transforme en Flora, la déesse du printemps, qui est représentée à gauche de la paire comme la femme dans une robe à motifs floraux. Pour cette raison, certains chercheurs pensent que Primavera représente printemps éternel.

Leda et le cygne par Jean-Léon Gérôme

Allégorie dans l'art

«Léda et le cygne» de Jean-Léon Gérôme, 1895. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

L'artiste Jean-Léon Gérôme dépeint le conte mythologique de Leda et le cygne dans cette œuvre magistralement composée. Au fil de l'histoire, Leda est ravi par le Dieu grec Zeus, qui a pris le déguisement d'un cygne. Si le conte chargé est souvent interprété comme violent, Gérôme le dépeint comme un moment intime et bienvenu entre amoureux. Leda se tient nue à bras ouverts, tandis que le cygne nage élégamment vers elle, guidé par un groupe de cupidons (représentant l'amour). On pense que les deux personnages représentent la sensualité et le désir.

L'alchimiste de Pieter Brueghel le Jeune

Allégorie dans l'art

«L'Alchimiste» de Pieter Brueghel le Jeune, 1558. (Photo: Wikimedia Commons (CC BY 4.0))

Dans son chef-d'œuvre L'alchimiste, Pieter Brueghel le Jeune met en garde les téléspectateurs contre les dangers de folie et avidité. La peinture représente un alchimiste au travail, tentant frénétiquement de conjurer l'or. Sa femme est à côté de lui, montrée désespérément à la recherche de plus de pièces dans son sac à main. De plus, un imbécile est à proximité et attise un feu – alimentant l'ensemble de l'effort.

Dans le coin supérieur droit du tableau, la famille de l'alchimiste est représentée en train de mendier des pièces. Cela révèle la conséquence ultime de leurs tentatives insensées de fabriquer de l'or sans le gagner. Au moment où cette scène a été peinte au 17ème siècle, la pratique de alchimie (pour transformer un métal en un autre) avait été complètement discrédité. Ce travail aurait été un message clair aux téléspectateurs à l'époque pour se méfier de la tentation de la tricherie et de la cupidité.

Vénus, Cupidon et Envie par Angelo Bronzino

Allégorie dans l'art

«Vénus, Cupidon et Envie» par Angelo Bronzino, 1548 – 1550. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Vénus, Cupidon et Envie est une variation des travaux antérieurs de Bronzino, Vénus, Cupidon, Folie et Temps. Les deux tableaux présentent Vénus, la déesse de l'amour, ainsi que Cupidon. Dans cette peinture, Vénus est représentée en train de désarmer le cupidon en prenant l'un de ses arcs. Les masques de la comédie et la tragédie peut être vu aux pieds de Vénus.

Envie est représenté comme une créature à cornes ou un démon situé derrière Cupidon. En y regardant de plus près, un serpent semble sortir de la bouche de la créature, ce qui représente également la jalousie.

Les roses roses en haut à droite de la scène représentent beauté, la passion, et l'amour.

L'éducation d'Achille par Auguste-Clément Chrétien

Allégorie dans l'art

«L'éducation d'Achille» par Auguste-Clément Chrétien, 1861. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Un chef-d'œuvre de la peinture néoclassique française, L'éducation d'Achille par Auguste-Clément Chrétien représente un conte de la vie de Achille de la mythologie grecque. La composition de Chrétien capture le guerrier en tant que jeune garçon avec le Chiron le Centaure, le tuteur légendaire des dieux. Chiron est représenté corrigeant la prise par son jeune élève de son arc et de ses flèches. La peinture incarne le concept de enseignement comme un processus commandant mais stimulant.

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Un photographe capture la vue magique de lucioles dansant dans une forêt japonaise la nuit

Alors que la saison des cerisiers en fleur marque le début du printemps au Japon, un phénomène naturel tout aussi beau se produit en été. À partir de juin, Hime-hotaru les lucioles illuminent les forêts dans un affichage à couper le souffle qui ressemble à un ciel nocturne étoilé. Le photographe japonais et artiste CG Yutaka Kagaya (alias KAGAYA) a récemment capturé cette occasion d'un autre monde avec une superbe photo de lucioles dansant autour d'un champ d'hortensias la nuit.

Pour nous, il semble que les punaises fulgurantes présentent un affichage éblouissant, mais leurs lumières scintillantes ont une signification biologique. L'illumination agit comme des signaux d'accouplement; chaque espèce a son propre modèle qui leur permet d'identifier les partenaires appropriés de la même espèce. En raison de la pollution, la population Hime-hotaru diminue malheureusement, il est donc chanceux que Kagaya ait pu capturer le rare moment magique où des centaines d'entre eux ont survolé la forêt.

Lorsqu'il ne prend pas de photos de la nature, Kagaya capture la beauté du cosmos avec sa caméra télescopique. Faites défiler vers le bas pour voir quelques images de son portfolio et trouvez plus de ses photos sur Twitter et Instagram. Si vous aimez le travail de Kagaya, vous pouvez acheter son livre photo récemment sorti sur Amazon.

Le photographe japonais Yutaka Kagaya a capturé le moment magique où les lucioles dansaient la nuit autour d'un champ forestier d'hortensias.

Lorsqu'il ne prend pas de photos de la nature, Kagaya capture la beauté du cosmos avec sa caméra télescopique.

Le talentueux photographe a récemment publié un livre photo présentant ses meilleures images.

Yutaka Kagaya: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter
h / t: (raisin)

Toutes les images via Yutaka Kagaya.

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Un photographe trouve des photos de chats de 120 ans après avoir développé un film trouvé dans une capsule temporelle

Photo de chat cyanotype

Les capsules temporelles font partie d'une tradition bien-aimée qui remonte à des milliers d'années. Conçus pour relier le passé aux civilisations actuelles, ils se présentent sous de nombreuses formes et formes. Ils peuvent aller d'objets physiques planifiés remplis d'éléments ou de données historiquement importants de la période de sa création (comme le Golden Record I et II sur le vaisseau spatial Voyager) à des préservations involontaires du passé (comme la ville de Pompéi). . Ce sont des messages fragmentés ou des échos du passé qui interpellent le cœur des générations futures. Entouré de mystère et séduisant pour les plus fervents des aventuriers, il y a un attrait indéniable à dénicher l'un de ces trésors perdus ou chaînons manquants.

La tradition intrigante des capsules temporelles secrètes a inspiré le photographe, cinéaste et YouTuber français Mathieu Stern à découvrir une capsule temporelle, cachée dans le sous-sol de son ancienne maison familiale. La boîte antique au design complexe, qui remontait à l'année 1900, contenait des objets particulièrement charmants – y compris une poupée en papier, des pièces de monnaie, une boussole, un coquillage et une lettre – qui étaient tous des restes précieux appartenant à une jeune fille du Années 1900. La boîte comprenait également quelque chose de particulièrement fascinant et fascinant pour Stern: deux négatifs sur plaque de verre. Sur la piste de percer ce mystère, Stern a décidé de les développer en utilisant une ancienne méthode d'impression photographique connue sous le nom de cyanotype.

Stern exécute avec soin ce projet de photographie vintage avec une manipulation douce des tirages et un peu de patience. Et que révèlent les images? Les animaux de compagnie bien-aimés de la petite fille, y compris un félin particulièrement fidèle. Ne voulant évidemment pas que ses compagnons soient oubliés, ils ont été inclus avec les souvenirs les plus précieux de la fille. Et grâce à la patience de Stern, le message d'amour et de tendresse laissé par la petite fille, dans une petite boîte en métal, ne sera pas oublié de sitôt.

Faites défiler vers le bas pour regarder le processus minutieux de Stern pour dénicher ces photos de chats d'il y a 120 ans.

Le photographe français Mathieu Stern a trouvé un film de 120 ans dans une capsule temporelle dans le grenier de sa maison familiale. Il l'a développé pour découvrir… des photos de chats!

Photo de chat cyanotype de Time Capsule

Regardez le processus doux mais fastidieux de Stern pour développer ces anciennes images en utilisant cyanotype:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=IoDj4mXdqmc (/ embarqué)

Mathieu Stern: Site Web | Instagram | Twitter
h / t: (PetaPixel)

Toutes les images via Mathieu Stern.

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Le nouvel appareil photo compact de Kodak imprime vos photos instantanément

Appareil photo instantané Kodak Step

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De nos jours, à l'ère numérique, nous sommes habitués à partager nos photos sur les réseaux sociaux, mais nous n'avons pas souvent l'occasion de tenir ces moments capturés entre nos mains sous forme de photo imprimée. Même s'il existe des tonnes d'appareils photo numériques flashy avec des fonctionnalités de haute technologie impressionnantes, tous n'ont pas la qualité tactile d'un appareil photo instantané classique auquel nous aspirons toujours. C’est pourquoi Kodak a conçu le nouveau Kodak STEP, un appareil photo numérique compact qui vous permet de prendre une photo et de l’imprimer instantanément en un seul clic.

Le Kodak STEP combine les qualités d'un appareil photo numérique facile à utiliser avec la spontanéité amusante d'un appareil photo instantané. Soulevez simplement le viseur pour l'allumer et choisissez un mode photo. Ensuite, pointez, prenez la photo et attendez que vos photos s'impriment. Vous pouvez choisir d'imprimer en couleur, en noir et blanc ou même avec un look vintage sépia. Vous n’avez pas non plus à vous soucier du remplacement des cartouches d’encre: le Kodak STEP est livré avec du papier d’impression 2 par 3 pouces incrusté de cristaux de couleur qui donnent vie à votre image. Chaque impression comporte une couche adhésive au dos, vous pouvez donc facilement coller vos photos où vous le souhaitez.

En plus du modèle de base Kodak STEP, la marque de photographie a également lancé le Kodak STEP Touch. Il dispose d'un écran tactile LCD intégré qui vous permet d'éditer vos photos avant de les imprimer. Vous pouvez même enregistrer des vidéos HD avec du son et les partager directement sur les réseaux sociaux à partir de l'appareil lui-même.

Vous pouvez acheter à la fois le Kodak STEP et le Kodak STEP Touch sur Amazon maintenant ou sur le site Web de Kodak. Faites défiler vers le bas pour les vérifier tous les deux.

Présentation du nouveau Kodak STEP: un appareil photo numérique compact qui vous permet de prendre une photo et de l'imprimer instantanément sur le même appareil.

Appareil photo instantané Kodak StepAppareil photo instantané Kodak StepAppareil photo instantané Kodak Step

Chaque appareil photo est livré avec du papier d'impression 2 par 3 pouces incrusté de cristaux de couleur qui donnent vie à votre image.

Appareil photo instantané Kodak Step

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Rc3vu-pIrvk (/ incorporer)

Kodak: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Pinterest | Youtube
h / t: (soie dentaire)

Toutes les images via Kodak.

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L'illustratrice documente ce qu'elle découvre au cours de ses aventures en plein air

Carnets Nature par Jo Brown

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De nombreux artistes trouvent leur inspiration dans la diversité de la beauté de l'environnement. L'illustratrice britannique Jo Brown documente les découvertes qu'elle fait lors d'excursions en plein air dans son Journaux de la nature. Chaque carnet de notes contient des dessins et des notes exquis de plantes et d'animaux qu'elle voit dans la campagne du Devon. Ce qui la fait Journaux de la nature La façon dont Brown utilise la page entière pour ses illustrations à fond perdu est particulièrement accrocheuse. Ce faisant, ses compositions vibrantes semblent sortir de la page.

Selon son site Web, Brown «a commencé le journal parce qu'elle voulait enregistrer les choses qu'elle découvrait au fur et à mesure qu'elle les trouvait, car la nature est l'une des choses les plus importantes de sa vie». Son portfolio présente des rendus soignés de plantes carnivores, de minuscules insectes et d'oiseaux indigènes. Et elle n'avait pas à les chercher loin non plus; Brown dit que la plupart de la nature qu'elle représente sont des choses que tout le monde peut trouver avec «un peu de patience et une observation silencieuse».

Brown utilise une combinaison de stylos à pointe fine et de crayons de couleur pour capturer ses sujets avec des détails splendides. Tout comme les illustrations scientifiques, elle comprend souvent des gros plans de composants spécifiques, tels que de minuscules œufs d'insectes. En bordure des dessins, Brown ajoute des notes éducatives sur la flore et la faune, y compris le nom latin de chaque espèce.

Vous pouvez acheter des tirages et d'autres interprétations créatives de l'art de Brown via Society6, et vous tenir au courant de ses dernières créations en la suivant sur Instagram et Twitter.

L'artiste britannique Jo Brown crée des Journaux de la nature avec des illustrations de différentes plantes et animaux qu'elle trouve.

Dessin NatureCarnets Nature par Jo BrownCarnets Nature par Jo Brown

Regardez cette vidéo pour voir plus de pages de Brown's Journal de la nature:

Jo Brown: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Société6

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jo Brown.

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Une étude montre que les bébés donnent de la nourriture aux autres même lorsqu'ils ont faim

Bébés dans l'herbe partageant

Photo: Photos de Anna Kraynova / Shutterstock

Le partage est vraiment attentionné, même parmi les bébés. Selon une étude de février 2020, les chercheurs ont découvert que les bébés abandonneraient non seulement leurs collations à un étranger affamé, mais le feraient même lorsqu'ils étaient eux-mêmes confrontés à la faim. L’étude – qui comprenait 100 enfants de 19 mois – a été réalisée par l’Institut pour l’apprentissage et les sciences du cerveau de l’Université de Washington, également connu sous le nom de (I-LABS). Les chercheurs ont découvert que les nourrissons participants adoptaient un comportement altruiste, qui était lié à leurs premières expériences sociales et aidait à façonner l'altruisme.

L'auteur principal de l'étude et chercheur postdoctoral à l'I-LABS, Rodolfo Cortes Barragan, déclare: «Nous pensons que l'altruisme est important à étudier car c'est l'un des aspects les plus distinctifs de l'être humain. C'est une partie importante du tissu moral de la société. Nous, les adultes, nous aidons les uns les autres quand nous voyons un autre dans le besoin et nous le faisons même s'il y a un coût pour nous-mêmes. Nous en avons donc testé les racines chez les nourrissons.

Les chercheurs de l'UW ont surveillé le comportement des bébés lorsque différents fruits – tels que des fraises, des myrtilles, des bananes et des raisins – étaient présentés devant eux. Ils ont également divisé les bébés en deux groupes: le groupe «non mendiant» et le groupe «mendiant». L'expérimentateur a laissé tomber un morceau de fruit et a fait semblant de ne pas réussir en essayant de le récupérer, démontrant qu'ils «mendiaient» la nourriture perdue. Plus de la moitié des bébés ont récupéré la nourriture et l'ont donnée au chercheur! Ensuite, les chercheurs ont décidé d'augmenter les enjeux et ont amené des bébés juste avant l'heure prévue des repas.

Deux enfants partageant de la nourriture

Photo: Photos de Anna Kraynova / Shutterstock

«Les nourrissons de cette deuxième étude ont regardé le fruit avec envie, puis ils l'ont donné!» s'exclame Andrew Meltzoff, codirecteur d'I-LABS. «Nous pensons que cela capture une sorte de version bébé de l'aide altruiste.» Les chercheurs ont également constaté que les bébés issus de familles avec des frères et sœurs ou des antécédents culturels spécifiques étaient également plus susceptibles d'être d'humeur généreuse. «Nous pensons que certaines expériences familiales et sociales font une différence, et une recherche continue serait souhaitable pour mieux comprendre ce qui maximise l'expression de l'altruisme chez les jeunes enfants. Si nous pouvons découvrir comment promouvoir l'altruisme (chez) nos enfants, cela pourrait nous amener vers une société plus attentionnée.

Selon les chercheurs de cette étude, l’altruisme des bébés était un comportement naturel. Les bébés n’avaient pas besoin de pratiquer le partage au préalable, ce qui est devenu évident dans le premier et les derniers essais. Grâce à de telles études, les chercheurs sont maintenant un peu plus près de la compréhension des facteurs socio-cognitifs dans la promotion de l'altruisme, et donc plus de positivité et de renforcement de la communauté à l'avenir.

Des chercheurs de l'Université de Washington ont découvert que les bébés partagent généralement leur nourriture même s'ils ont faim.

Expérience d'altruisme I-LABS

Photo: UW I-LABS

Voici une vidéo montrant un essai avec les tout-petits:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=EOr0oanMUn4 (/ incorporer)

I-LABS: Site Web | Facebook
h / t: (Unifier)

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L'artiste fabrique un masque facial effrayant inspiré des extraterrestres pour le protéger du COVID-19

Masque facial Alien Facehugger en cuir par Pirate’s Leatherworks

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À l'heure actuelle, la plupart d'entre nous comprennent l'importance de porter un masque facial en public. Et si de nombreuses personnes tirent le meilleur parti de la «nouvelle normalité» en choisissant des masques artistiques qui mettent en valeur leur style, il y a une personne qui fait passer les revêtements créatifs à un tout autre niveau. Le maroquinier artisanal James (de Pirate’s Leatherworks) a conçu un étonnant Extraterrestre-masque de facehugger inspiré qui célèbre son amour de la science-fiction.

«Je ne fais généralement pas de choses pour moi-même», dit James. "Mais comme nous avons tous besoin de porter des masques pour le visage maintenant, j'ai pensé que j'en ferais moi-même un." L'artisan talentueux a trouvé le modèle de l'impressionnant masque sur Etsy et a passé environ deux à trois jours à le monter. Il comprend 59 pièces séparées, qui ont toutes été cousues à la main pour créer un facehugger très réaliste. Il comporte huit longues pattes en forme de doigts et une queue effrayante en forme de colonne vertébrale. Ne vous inquiétez pas, ce parasitoïde particulier ne cherche pas d’hôte. Cela aide simplement à vous protéger, vous et les autres, du COVID-19.

Si vous voulez votre propre masque de protection du visage, vous avez de la chance – James prend actuellement les commandes. «Mon intention était d'en faire un pour moi-même pour rire un peu et en tant que maroquinier, je l'ai publié sur ma page Facebook sans y penser», a déclaré James à My Modern Met. «Ce n'est que plus tard dans la journée que quelqu'un m'a envoyé un message disant qu'il en voulait un, puis à partir de là, c'est devenu fou, je travaille maintenant aussi vite que possible pour effacer mon carnet de commandes et prendre plus de commandes pour eux. Préparez-vous à faire peur aux clients de votre supermarché local!

Découvrez le masque facial de James facehugger ci-dessous et en savoir plus sur son portefeuille de créations en cuir sur Etsy et Instagram.

James (de Pirate’s Leatherworks) a conçu cet incroyable Extraterrestre-masque de facehugger inspiré qui célèbre son amour de la science-fiction.

Masque facial Alien Facehugger en cuir par Pirate’s Leatherworks

Il comprend 59 parties distinctes, toutes cousues à la main pour créer un parasitoïde d'un autre monde très réaliste.

Masque facial Alien Facehugger en cuir par Pirate’s LeatherworksMasque Visage FacehuggerMasque Visage FacehuggerMasque Visage FacehuggerLa maroquinerie des pirates: Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met a autorisé à présenter des photos de James / Pirate’s Leatherworks.

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Le chargeur sans fil ingénieux se double également d'un désinfectant pour téléphone

Désinfectant pour téléphone portable et chargeur sans fil

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Garder les choses propres et désinfectées est dans l'esprit de tout le monde en ce moment. Bien sûr, on parle beaucoup des masques faciaux, qui sont essentiels, mais qu'en est-il de toutes les autres façons de transmettre des germes? De nos jours, le seul élément que tout le monde touche constamment avec ses mains et tient près de son visage est son téléphone portable. Et maintenant, une organisation a pensé à un moyen efficace de s'assurer que votre appareil portable est exempt et exempt de germes.

Ampère a créé Cellule, une technologie ingénieuse qui désinfecte et recharge votre téléphone. Cell a été conçu pour aider à combattre les germes qui envahissent nos téléphones. Pensez à tout ce que vous touchez et à tout l'endroit où vous posez votre téléphone. Cela rend la surface couverte de plus de germes et de bactéries que vous ne voudriez probablement penser. Mais, grâce à Cellule, vous pouvez utiliser votre téléphone sans souci.

Cellule est équipé de 4 LED UVC qui éliminent 99,9% des germes en seulement 60 secondes. Pour l'utiliser, élargissez simplement le capot et placez votre téléphone à l'intérieur de l'appareil. En une minute seulement, votre téléphone est prêt à fonctionner. Mais au-delà de ça, Cellule est très polyvalent grâce à sa plaque de chargement sans fil et à son deuxième port de sortie USB-C pour charger un deuxième appareil par câble. Il sert même de support pour téléphone portable qui peut s'ajuster à différentes positions.

Désinfectant pour téléphone portable et chargeur sans fil

Grâce à CelluleCapot extensible, vous n'êtes pas limité à la désinfection des téléphones portables. Les pods pneumatiques, les montres intelligentes et même les clés de la maison ne sont que quelques-uns des éléments qui peuvent tenir à l'intérieur. Et comme Cell a un revêtement extérieur microbien, vous n'avez pas à vous soucier de salir vos articles nouvellement désinfectés lorsque vous prenez la hotte.

Mieux encore, Cell peut même être utilisé comme désinfectant portable lorsqu'il est compressé. Passez-le simplement sur n'importe quelle surface, comme un clavier d'ordinateur portable ou une table de cuisine, et il s'occupera du reste. Comme Cell n'a pas besoin de chaleur, de liquide ou de produit chimique pour fonctionner, vous n'avez pas à vous soucier de ruiner vos articles.

La livraison est prévue pour septembre 2020, Cell est actuellement disponible en pré-commande sur Kickstarter. Les commandes lève-tôt commencent actuellement à 69 $, alors dépêchez-vous avant qu'elles ne soient épuisées!

Cellule est un chargeur et un désinfectant sans fil innovants qui garantissent que votre téléphone sera exempt de germes.

Désinfectant pour téléphone portable et chargeur sans filDésinfectant pour téléphone portable et chargeur sans fil

Il peut en fait désinfecter un certain nombre de petits appareils, y compris les AirPod et les clés de la maison.

Désinfectant pour téléphone portable et chargeur sans filDésinfectant pour téléphone portable et chargeur sans fil

Il fonctionne avec la plupart des téléphones portables et est extrêmement polyvalent.

Désinfectant pour téléphone portable et chargeur sans filCellule: Kickstarter
Ampère: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Cell.

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Florence sert les gens en toute sécurité grâce à des «vitrines à vin» du XVIIe siècle utilisées pendant la peste

Buchette del Vino a Firenze

Photo: Vivoli

Alors que la pandémie de coronavirus a changé la façon dont les entreprises fonctionnent, beaucoup font preuve de créativité pour pouvoir continuer à servir leurs clients. Et à Florence, plusieurs profitent de l'ancienne technologie pour protéger tout le monde. L'Italie, qui a été frappée tôt par la pandémie, a rapidement fermé le pays début mars. Cela signifiait que seule la livraison ou, dans certaines régions, la vente à emporter était disponible. Heureusement, une astuce du jour de la peste a aidé certains propriétaires d'entreprise à s'en sortir.

Vitrines à vin, ou buchette del vino, remontent aux années 1630 et ont été utilisés lorsque les fléaux sévissaient dans toute l'Europe. Même à cette époque, les commerçants comprenaient que la maladie pouvait se propager par contact et ces petites ouvertures leur permettaient de vendre du vin sans crainte d'infection. Pour collecter de l'argent, ils ont passé une petite palette métallique à travers le trou, qui a ensuite été désinfectée avec du vinaigre après la transaction.

Unique en Toscane, il y a encore plus de 150 vitrines éparpillées et certains commerçants les utilisent pour poursuivre leurs activités tout en se distanciant socialement. L'association culturelle Buchette del Vino, qui œuvre pour la préservation des vitrines restantes, documente ce phénomène sur son site Internet. À Florence, le glacier Vivoli utilise sa vitrine pour tout servir, de la glace à l'espresso à ses clients reconnaissants. Et, de l'autre côté de la ville, Babae s'en tient à la tradition en utilisant sa vitrine à vin pendant l'happy hour, ce qu'ils ont commencé à faire en 2019. À partir de cette petite ouverture, ils distribuent des verres de vin et des cocktails spritz aux masses.

L'utilisation de ces vitraux témoigne de la résilience et de l'adaptabilité du peuple italien. Alors que le pays était dévasté par les premières vagues du coronavirus, ils se sont réunis pour faire ce qui était nécessaire pour aplatir la courbe. Qu'ils chantent depuis leur balcon ou conçoivent des masques innovants, ils ont fait ce qu'il fallait pour remettre les choses sur les rails.

Vitrines à vin, ou buchette del vino, ont été utilisés pour la première fois à Florence dans les années 1630 pour les marchands afin de se protéger pendant la peste.

Fenêtre du vin à Florence

Photo: Photos de Simona Sirio / Shutterstock

Maintenant, ils sont utilisés pendant le coronavirus pour tout servir, du vin au café en passant par la crème glacée.

Wine Windows en cours d'utilisation pendant le coronavirus

Photos: Buchette del Vino

La crème glacée servie à travers une fenêtre de vin

Photo: Vivoli

Les clients ont également partagé leurs photos de leur service aux vitrines.

h / t: (initié)

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Le directeur de l'école fait une parodie COVID-19 drôle et informative

Je ne peux pas toucher cette parodie COVID-19 de Quentin Lee

Alors que la pandémie de COVID-19 continue de se profiler, de nombreuses personnes se demandent si les écoles aux États-Unis devraient rouvrir en septembre. Les parents sont naturellement préoccupés par la sécurité de leurs enfants qui fréquentent les cours en personne, mais il y a un directeur en Alabama qui aide à mettre leur esprit (et celui de leurs enfants) à l'aise. Le Dr Quentin Lee du Childersburg High School comprend les préoccupations entourant la nouvelle année scolaire, mais il sait également que la comédie peut aider les gens à faire face au stress. C’est pourquoi il a fait une parodie COVID-19 hilarante (et informative) de MC Hammer. Vous ne pouvez pas y toucher cela rappelle à ses élèves comment rester en sécurité.

Le Dr Lee met une torsion sur les paroles entraînantes de MC Hammer en rappant sur les nombreuses mesures de sécurité COVID-19 qui doivent avoir lieu dans les écoles. Portant un masque facial et tenant dans ses mains une bouteille de désinfectant pour les mains et un thermomètre frontal sans contact, il applique de manière comique les règles de sécurité avec les élèves et les enseignants. De l'importance du lavage des mains et du port de gants au maintien de six pieds de distance physique et au nettoyage des surfaces avec Lysol, la parodie légère couvre tout ce que les gens devraient respecter pendant que nous continuons à vivre dans la «nouvelle normalité».

Avec maintenant plus de cinq millions de vues sur YouTube, Dr. Lee's Je ne peux pas toucher cette parodie de Covid est un grand succès. Une partie de son succès pourrait être due aux mouvements de danse épiques du principal excentrique. Il a été vu faire «l'homme qui court», la danse MC Hammer et d'autres mouvements chorégraphiés hilarants avec ses élèves.

Regardez la vidéo en entier ci-dessous et n'oubliez pas de: «STOP! Désinfecter."

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=oeAN8Xxz0q4 (/ embarqué)

Dr Quentin Lee: YouTube
h / t: (mashable)

Toutes les images via le Dr Quentin Lee.

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"Mon chien a mangé mes devoirs" est une excuse classique (mais pas très crédible) si vous avez déjà échoué à remettre un devoir scolaire à temps. Cependant, il est injuste de laisser nos amis moelleux prendre le blâme. Et si ça Conversation sur Twitter est quelque chose à faire, les chiens sont ceux qui essaient réellement de nous aider à faire notre travail à temps. Juriste et historien à la Wake Forest Law School Marie-Amélie George a récemment demandé à ses élèves de lui envoyer des photos de leurs chiens en train de faire des travaux en classe, et les résultats sont brillants.

George a posté une photo d'un adorable chiot assis attentivement, «lisant» un livre, avec la légende: «Je demande à mes élèves de m'envoyer des photos de leurs chiens faisant des travaux en classe. C'est un genre de photographie sous-estimé. " Bientôt, le fil Twitter a commencé à se remplir de photos de toutes sortes de chiots studieux. Certains ont la tête dans des livres, d'autres portent des lunettes (cela les rend intelligents) et d'autres sont capturés en train de faire une courte sieste d'étude. Même les chats sont photographiés en train de bourrer – mais admettons-le, les félins généralement distants ne se présenteront probablement pas à l'examen.

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des chiens les plus studieux sur Twitter. Vous voulez voir plus d'assistants pawsonal? Il existe un compte Instagram «Dogs Working From Home», dédié à nos collègues à fourrure.

La juriste et historienne Marie-Amélie George a demandé à ses élèves d'envoyer des photos de leurs chiens en train de faire des travaux en classe, ce qui a déclenché un flot de réponses photographiques.

Qui aurait cru que les chiens pouvaient être aussi studieux !?

Peut-être que l'excuse «le chien a mangé mes devoirs» est vraie dans ce cas.

Même les chats sont représentés avec leur tête dans des livres.

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L'artiste utilise l'art japonais du Kintsugi pour combler les fissures du terrain de basket avec de l'or

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

L'artiste Victor Solomon considère le basket-ball comme un vaisseau pour sa créativité. Grâce à son projet en cours intitulé Littéralement Balling, il explore les «icônes et totems» du sport et leur ajoute de l'opulence de manière inattendue. Son dernier effort appelé Cour de Kintsugi est la quintessence de cette idée. Inspiré par la technique japonaise du kintsugi, Solomon a réparé un terrain de basket en ruine en plaçant de l'or dans ses fissures.

Kintsugi a une longue histoire dans la culture japonaise. Datant du XVe siècle, il est couramment utilisé pour rejoindre la poterie cassée. Mais plutôt que de masquer les fissures d'une pièce, il s'agit de célébrer l'histoire unique de l'objet en mettant en valeur ses imperfections. Et en ajoutant de l'or, l'article réparé est revitalisé et plus beau que sa forme d'origine.

Cour de Kintsugi utilise l'approche kintsugi à grande échelle. Fidèle à l'esprit de la technique, Solomon voit ses ajouts comme une réparation de la cour – au sens propre comme au figuré. «Pour célébrer le basket-ball en tant que plate-forme universellement accessible, indépendante de la classe, indifférente à la race, et sa capacité à rassembler les gens pour guérir en ce moment important», explique-t-il dans un communiqué, «mon équipe et moi avons rénové un court dans le sud de Los Angeles, remplissant ses fissures de résine saupoudrée d'or inspirée du processus historique.

Le projet a été déclenché par le retour de la National Basketball Association (NBA), qui a été interrompue le 11 mars en raison de la pandémie de coronavirus. La saison a repris le 30 juillet et Cour de Kintsugi a été achevée peu de temps après, Salomon notant l'importance qu'elle a dans nos vies. «Avec le retour officiel du sport ce week-end après un début déchirant jusqu'en 2020», dit-il, «le Cour de KintsugiLe médium et le message de ce dernier célèbrent la solidarité que le basket-ball fournit pour unifier dans le contexte d’un zeitgeist polarisé et divisé. »

L'artiste Victor Solomon s'est inspiré de la technique japonaise kintsugi pour réparer un terrain de basket délabré.

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Mais au lieu de refaire surface sur toute la cour, il a comblé les fissures avec de la résine saupoudrée d'or.

Réparer un terrain de basket avec de l'or

Photo: Shafik Kadi

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Le projet est bien intitulé Cour de Kintsugi, et il a été créé pour commémorer le retour de la saison NBA (après avoir été interrompu en raison du COVID-19).

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Illustration de terrain de basket à l'aide de Kintsugi

Photo: Shafik Kadi

Regardez comment Cour de Kintsugi se sont réunis dans la vidéo ci-dessous:

Victor Solomon: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Victor Solomon.

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Sauvetage et réhabilitation des chauves-souris dans le Queensland

Bats Queensland, une organisation à but non lucratif gérée par des bénévoles, est une organisation incroyable dédiée au sauvetage et à la réhabilitation des chauves-souris le long de la Gold Coast en Australie. Non seulement ils sauvent les chauves-souris blessées, mais ils les soignent et les aident à retourner dans la nature. En se concentrant sur les deux principaux groupes de chauves-souris, les renards volants et les microbats, ils contribuent également à sensibiliser le public à l'importance de ces mammifères volants.

Ce groupe de bénévoles dévoués est souvent appelé à aider les chauves-souris qui ont été retrouvées coincées dans des barbelés ou des filets à fruits inappropriés, ce qui peut entraîner des blessures graves. Heureusement, grâce aux dons qu'ils reçoivent, ils sont en mesure de remettre les animaux en pleine forme. Pour aider à sensibiliser sur les chauves-souris et briser certaines des idées préconçues du public, le groupe est également très actif sur les réseaux sociaux.

Ils partagent beaucoup de photos de leurs adorables patients. Certains sont assez forts pour «traîner» dans leur volière, tandis que d'autres sont vus enveloppés dans des couvertures, recevant les soins affectueux dont ils ont besoin. En regardant de près leurs jolis visages, il est impossible de ne pas tomber amoureux. À côté de chaque photo, Bats Queensland raconte un peu comment ces créatures se sont retrouvées sous leur garde et nous rappelle ce que nous pouvons faire pour les aider.

Le groupe ne tarde pas non plus à nous rappeler qu'en tant que seul mammifère volant au monde, les chauves-souris sont une partie essentielle de notre écosystème. Par exemple, le renard volant est capable de polliniser les grands arbres côtiers et est essentiel à la pollinisation des fleurs des feuillus. Comme ces fleurs ne reçoivent la pollinisation que la nuit, c'est aux chauves-souris nocturnes de faire le travail. En volant beaucoup plus loin que les abeilles et les oiseaux, un seul renard volant est capable de disperser jusqu'à 3000 graines en une nuit.

Les microbats, qui se nourrissent d'insectes, jouent également un rôle important grâce à leur appétit vorace. Ils mangent jusqu'à un tiers de leur poids corporel en insectes en une nuit! En fait, ils sont si bons pour éloigner les insectes que certains agriculteurs biologiques installent des boîtes à chauves-souris comme une forme naturelle de lutte antiparasitaire. Pour mettre les choses en perspective, un microbat peut attraper jusqu'à 500 insectes en une heure.

En aidant ces adorables mammifères, Bats Queensland fait sa part pour récompenser les chauves-souris pour leur travail. Si vous souhaitez vous impliquer, vous pouvez adopter une chauve-souris ou faire un don. Toute aide est appréciée!

Bats Queensland est une organisation à but non lucratif gérée par des bénévoles qui sauve et réhabilite les chauves-souris le long de la Gold Coast en Australie.

Renard volant mignon en rééducationCentre de rééducation des chauves-sourisBébé chauve-souris soigné à la santéRenard volant mignon avec la langueRenard volant mignon mangeant des fruits

Ils publient d'adorables photos des renards volants et des microbats dont ils ont la garde.

Bébé chauve-souris sucer une sucetteRenard volant mignon collant sa langueMignon, bâillement, chauve-sourisMignon, chauve-souris endormieAdorable chauve-souris sourianteFlying Fox avec visage couvert de fruitsAdorable bébé chauve-souris sucer dans une sucetteChauve-souris blessée endormie

Ils utilisent leurs canaux de médias sociaux pour briser les idées fausses sur ces mignons mammifères volants.

Flying Fox Rescue en AustralieMicrobat en rééducationChauve-souris mignonne dans un centre de sauvetageFlying Fox en rééducationCentre de sauvetage des chauves-souris Bat QueenslandFlying Fox en réadaptationSauvetage et réhabilitation des chauves-souris dans le QueenslandCentre de sauvetage des chauves-souris Bat QueenslandSauvetage et réhabilitation des chauves-souris dans le QueenslandBats Queensland: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Bats Queensland.

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Les gagnants du concours de photographie professionnelle d’Australie mettent en valeur les meilleurs du pays

Corde à sauter pour enfants par Karen Waller

Karen Waller, gagnante, vie

Chaque année, l'Institut australien de la photographie professionnelle (AIPP) organise plusieurs concours de photographie imprimée pour engager ses membres. Malheureusement, 2020 s'est avérée être une année compliquée en raison du COVID-19, le groupe devait donc innover d'une nouvelle manière pour unir la communauté photographique australienne. Dans cet esprit, les AIPP Silver Lining Awards ont été conçus.

Se déroulant entièrement en ligne, les prix ont mis en œuvre plusieurs initiatives pour en faire une expérience éducative, motivante et inspirante pour toutes les personnes impliquées. Les photographes ont d'abord été invités à soumettre des images de pré-inscription qui ont été évaluées par un jury d'experts. Ces précieux commentaires ont ensuite été utilisés pour affiner leurs entrées. L'AIPP a également organisé le concours en deux grandes catégories: créative et classique. Cela a permis aux photographes de se concentrer sur les 10 sous-catégories qui tombaient sous ces parapluies. Enfin, ils ont créé une catégorie étudiants et nouveaux arrivants pour promouvoir les candidatures de tous les niveaux d'expertise.

«L’idée était, littéralement, de créer une« lueur d'espoir »dans la situation actuelle», explique Tony Hewitt, président du comité des prix de l'AIPP. «Nous voulions non seulement donner aux membres un débouché créatif à un moment où beaucoup n’auraient pas beaucoup de travail, mais aussi rendre l’expérience beaucoup plus bénéfique sur le plan professionnel pour tous les participants. En même temps, nous voulions que tout le monde s'amuse un peu. Et cela a fonctionné à merveille; la réponse a été massive avec 3 000 candidatures, parmi lesquelles nous avons sélectionné 300 demi-finalistes puis 120 finalistes, 10 dans chacune des six catégories. »

Les incroyables gagnants de chaque catégorie témoignent du succès du concours. En mettant en valeur les talents photographiques diversifiés de l'Australie, l'AIPP a créé un point lumineux pendant ce qui a été une période difficile pour beaucoup. Ces photographes ont également été récompensés à partir d'une cagnotte de 45 000 $ et ont reçu des prix novateurs comme des ateliers et des séances de mentorat. Certes, ces prix seront encore plus valorisés à une époque où de nombreux photographes se retrouvent sans travail. Grâce à l'AIPP, ils ont encore plus de raisons de rester impliqués et créatifs.

Jetez un œil aux incroyables lauréats des AIPP Silver Lining Awards, qui célèbrent le meilleur de la photographie australienne.

Photographie de portrait gagnante

Forough Yavari, gagnant, Portrait

Famille immédiatement après l'accouchement

Kate Randall, 3e place, Vie

Bâtiment abandonné à Cuba

Diana Fernie, 2e place, voyages

Femme plus âgée en riant en tenant une bière

Leon O'Neil, Gagnant, Célébration

Panorama noir et blanc de la femme faisant différentes expressions faciales

Forough Yavari, gagnant, illustration photo

Photographie de baleine sous-marine

Scott Portelli, gagnant, Wild

Portrait animalier primé

Joshua Holko, 2e place, Wild

Vague dramatique figée dans le temps

Victoria McNeill, 3e place, nouveau venu

Photo aérienne abstraite

David Dahlenburg, 3e place, résumé

Mosaïque de photos de pieds positionnés à différents endroits

Ruth Woodrow, gagnante, nouvelle venue

Prix ​​AIPP Silver Lining

Steve Scalone, 2e place, biens et services

Photographie d'architecture par Kris Anderson

Kris Anderson, gagnant, Lieux

Cabane couverte de neige dans un paysage hivernal

Anna Luscombe, gagnante, étudiante

Rolling Hills avec un groupe d'arbres de Chypre

Fedrico Rekowski, 3e place, Places

Brouillard brumeux roulant sur une forêt

Ben Kopilow, 2e place, isolé

Moines bouddhistes à l'intérieur d'un temple

Eunie Kim, 3e place, étudiante

Homme debout sur un porche

Karen Waller, 2e place, Portrait

Photographie de voyage par Brian Hodges

Brian Hodges, gagnant, Journey

Prix ​​AIPP Silver Lining

William Carroll, 2e place, illustration photo

Photo primée par Karen Waller

Karen Waller, gagnante, isolée

Photo abstraite des prix AIPP Silver Lining

Jackie Ranken, gagnante, résumé

Homme debout sous la voie lactée

Ari Rex, 2e place, célébration

AIPP: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de l'AIPP.

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Vans lance une collection inspirée des Simpsons pour célébrer la «famille préférée de l'Amérique»

La collection Simpsons x Vans

Fans de Les Simpsons peuvent désormais rendre hommage à leurs membres préférés de la famille des dessins animés emblématiques, grâce à Les Simpsons x Vans collection. Doit être lancée le 7 août, cette collaboration colorée comprend plusieurs styles de chaussures, ainsi que des vêtements et des accessoires, ornés de Les Simpsons personnages et autres motifs qui font référence à des scènes du spectacle.

Homer, Marge, Bart, Lisa, Maggie et d'autres personnages célèbres embellissent Vans chaussures préférées, y compris le Slip-On, Old Skool et Chukka Pro. Les styles qui se démarquent de la série comprennent un Sk8-Hi inspiré de Lisa Simpson, un Chukka Pro sur le thème de «El Barto» et un Démangeaisons et rugueux-vêtu Old Skool. Il y a même une paire de baskets avec Marge et ses deux sœurs (Patty et Selma), avec des cheveux 3D en peluche.

En plus des chaussures, Les Simpsons x Vans La collection comprend des T-shirts graphiques, des sweats à capuche, des casquettes, des sacs à dos et des sacs latéraux. Il y a un t-shirt sur le thème de Krusty Burger, un sac banane «Lisa Simpson pour le président» et un sac de skate «El Barto» pour ceux qui veulent canaliser leur enfant patineur intérieur.

Jetez un œil à Les Simpsons x Vans collection ci-dessous. La gamme complète devrait sortir sur la boutique en ligne Vans le 7 août 2020.

Les Simpsons x Vans La collection permet aux porteurs de célébrer le dessin animé emblématique avec style.

La collection Simpsons x Vans

Les personnages célèbres de l'émission embellissent une gamme de chaussures Vans préférées.

La collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x Vans

La série comprend également des vêtements et des accessoires.

La collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansLa collection Simpsons x VansSimpsons VansSimpsons VansSimpsons VansSimpsons VansSimpsons VansVans: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Hypebeast)

Toutes les images via Vans.

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Une grand-mère Navajo de 96 ans devient virale sur TikTok pour son travail de perles

Le perlage est une forme d'art esthétiquement belle, mais il représente aussi bien plus que ce qui se trouve en surface. La pratique du perlage est liée à une riche histoire et culture au sein des communautés autochtones. Unique à chaque tribu, la forme d'art est transmise de génération en génération. De nombreuses générations plus âgées continuent de créer des motifs de perles, mais Annette Bilagody, perleuse navajo âgée de 96 ans, a accumulé un travail particulièrement étonnant. Ses pièces vibrantes et complexes continuent de garder cette tradition de longue date pertinente et une expression estimée de la culture. Cette forme d’art a également permis aux membres de la famille de Bilagody de rester proches d’elle. Cela est particulièrement vrai de sa petite-fille Attiya Bennet, qui est elle-même une autre perlière.

Récemment, Attiya a réalisé que le beau savoir-faire du travail de sa grand-mère devait être partagé avec le monde. «Chaque fois que je rendais visite à ma grand-mère, je voyais qu'elle avait des liasses de colliers qui s'entassaient», raconte Attiya. Elle a ensuite demandé à sa grand-mère si elle pouvait prendre quelques photos de son travail et les mettre sur les réseaux sociaux pour les vendre. Le premier message annonçant les créations de sa grand-mère s’est épuisé en à peine 30 minutes. Pour la deuxième affectation, 1 000 $ ont été gagnés. Bilagody, étonnée, a remarqué à quel point c'était le maximum qu'elle avait jamais fait de sa vie avec ses perles. «Habituellement, je reçois un peu d'argent d'une vente ici et d'une autre là-bas», admet-elle. "Merci à celui qui a acheté mes bijoux, et que cela vous rende fort."

La famille de Bilagody a révélé qu'elle avait acheté un seau de poulet KFC et mis le reste des 1 000 dollars de gains en économies. Attiya, enthousiasmée par la nouvelle activité en ligne et le lien avec sa culture et sa grand-mère, ne faisait que commencer. «Je vois beaucoup de commentaires sur mes messages parce que les mamies sont importantes pour nous tous», dit-elle. «Les gens aiment aussi que je parle Navajo avec ma grand-mère sur mes vidéos. C'est elle qui m'a appris à parler.

Attiya a aidé sa grand-mère à gagner une base de fans impressionnante sur les plateformes de médias sociaux, en particulier sur Instagram et TikTok. Les deux pensent que c'est une récompense de pouvoir partager la culture Navajo avec d'autres dans le monde. Les deux artistes ont une approche distinctive du métier, mais Bilagody ajoute toujours un petit quelque chose de décalé à ses pièces. «Grand-mère Annette adore dessiner ce petit cochon parce que son défunt mari lui a appris à le faire, explique Attiya. «Alors elle se souvient de lui de cette façon et pour garder sa mémoire vivante. Nous t'aimons Cheii. »

Cette entreprise familiale, qui porte le nom de Teebeebeads, ajoute constamment de nouvelles œuvres que les gens peuvent posséder et apprécier. Pour acheter l'une des créations en perles de Bilagody, rendez-vous sur sa boutique en ligne.

Annette Bilagody, une perlière navajo de 96 ans, fabrique de magnifiques bijoux faits à la main.

Grâce à sa petite-fille, elle vend maintenant fièrement son travail en ligne.

Chaque achat est accompagné d'un dessin spécial d'un cochon qu'elle a appris de son défunt mari.

Voici une vidéo réconfortante de Bilagody recevant ses tout premiers revenus de ses ventes en ligne.

Et si tout cela ne suffisait pas, elle est également devenue un succès sur TikTok.

@ teebeezAnnettebilagody.com lien dans ma bio ## fyp ♬ son original – teebeez

Teebeebeads: Facebook | Instagram | TIC Tac
Annette Bilagody: Site Web | Boutique
Attiya Bennet: Facebook | Instagram
h / t: (UpWorthy)

Toutes les images via Teebeebeads.

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Les gens transforment les téléviseurs vintage en lits confortables pour leurs amis félins

Les chats aiment dormir dans des espaces clos, c'est pourquoi ils aiment se blottir dans une bonne boîte. Mais bien que confortables, les contenants en carton manquent de style. Si vous recherchez quelque chose de plus décalé que le colis d'expédition conventionnel, écoutez cette tendance décalée de la literie féline. Les gens recyclent les téléviseurs rétro – pensez aux années 1960 – et retirent leurs composants pour les remplacer par tout le confort moelleux d'un lit de chat. Le résultat est un endroit confortable pour faire la sieste d'un félin, qui sert également de décor ludique à la maison.

Il s'agit d'une création de chat facile à bricoler, et vous pouvez trouver des instructions en ligne via le site Web Instructables. Là, l'utilisateur davee930 explique comment il a fabriqué un lit pour chat TV. La première étape consiste à trouver le téléviseur que vous voudrez utiliser. Parcourez vos endroits préférés pour trouver des meubles vintage (comme Craigslist ou Facebook Marketplace), ou visitez un magasin d'antiquités local. Une fois que vous avez un téléviseur, vous pouvez le démonter, en veillant à décharger d'abord son électricité. (Un outil simple vous aidera à le faire.) Une fois le téléviseur creux, vous pouvez le décorer avec de la peinture, du papier peint ou un tissu à motifs pour l'adapter à votre style.

Faites défiler vers le bas pour des idées sur la façon de concevoir votre propre lit pour chat rétro. Si vous préférez acheter plutôt que bricoler, découvrez ce condo TV pour chat disponible en ligne chez Daal's.

Cette tendance de lit pour chat vous invite à transformer un téléviseur rétro en un endroit décalé pour votre minou préféré pour faire la sieste.

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7 médiums d'aquarelle qui transformeront la façon dont vous utilisez la peinture

Guide des médiums aquarelle

Photo: Photos de Olesya Kuznetsova / Shutterstock
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Il y a une raison pour laquelle l’aquarelle est si populaire. Non seulement les peintures sont plus abordables que leurs homologues acryliques et à l'huile, mais leur portabilité les rend idéales pour les artistes. en plein air. Cependant, la peinture à l’aquarelle ne se limite pas aux casseroles et aux tubes. Les médiums aquarelle sont un excellent moyen d'améliorer vos œuvres d'art de manière unique et créative. Ils sont utilisés en complément du pigment et ont des caractéristiques spécifiques qui modifient une ou plusieurs caractéristiques de votre peinture.

La plupart des aquarellistes sont familiers avec le médium aquarelle standard – qui améliore la transparence et le dynamisme – mais il existe de nombreux autres types disponibles. Le médium irisé, par exemple, ajoute un effet nacré scintillant lorsqu'il est mélangé avec de la peinture humide ou appliqué sur des couches sèches. Vous pouvez également obtenir un effet marbré en diluant les couleurs avec un médium de granulation.

Découvrez notre sélection des meilleurs médiums aquarelle ci-dessous.

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Médium aquarelle

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Le médium de bœuf de Holbein est un agent mouillant de qualité artiste qui améliore les techniques humide sur humide et rend le papier plus réceptif au pigment.

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La solution de gomme arabique est un médium idéal pour les artistes qui souhaitent plus de contrôle lors de la peinture humide sur humide ou qui souhaitent ralentir le temps de séchage de leurs peintures. Ce produit de Daler-Rowney se présente dans un flacon de 75 ml qui vous mènera à travers de nombreux projets créatifs.

Médium irisé

Médium irisé

Da Vinci | 5,41 $

Ce médium irisé de Da Vinci ajoutera des effets scintillants à l'eau, aux fleurs, au ciel et à tout ce que vous voulez. Vous pouvez mélanger le médium avec de la peinture humide ou l'appliquer sur votre œuvre d'art finie.

Milieu de granulation

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Si vous souhaitez donner à vos lavages à l'aquarelle un aspect marbré, essayez d'utiliser le médium de granulation de Winsor & Newton. Tout ce que vous avez à faire est de diluer la peinture avec le médium avant de l'appliquer à votre art.

Texture moyenne

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Le médium de texture de Winsor & Newton contient de fines particules qui ajoutent de la profondeur et de la structure lorsqu'il est mélangé avec de la peinture aquarelle ou appliqué directement sur le papier.

Gel Aquapasto et Impasto

Aqua Pasto moyen

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Pasto est un gel épaississant utilisé pour créer de la texture et ajouter une brillance supplémentaire. Idéal pour les aquarelles en tube, vous pouvez le mélanger avec la peinture ou l'appliquer directement sur la surface de la peinture avec un couteau à palette.

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Un couple s'engage sous une comète qui n'apparaît que tous les 6800 ans

Proposition de la comète Neowise

Photo: Tim Leach

Beaucoup de gens cherchent à rendre leur proposition de mariage spéciale, mais pour John Nicotera et Erica Pendrak, cela s'est transformé en un événement unique dans une vie. En profitant d'un événement astrologique qui ne se produit qu'une fois tous les 6 800 ans, Nicotera a pu rendre son engagement inoubliable; et, heureusement, le photographe Tim Leach était sur place pour tout capturer.

Nicotera, qui est professeur d'éducation physique, avait déjà prévu de proposer à sa petite amie de deux ans, l'enseignante de première année Erica Pendrak, depuis un certain temps. Mais lorsque COVID-19 a déjoué ses plans originaux, ce qui impliquait de le proposer lors d'un voyage au Crater Lake de l'Oregon, il a commencé à chercher quelque chose de spécial près de chez lui. Nicotera est un grand fan d'astronomie et suit régulièrement les ressources spatiales pour voir les événements à venir.

Lorsqu'il a entendu parler de la comète Neowise, qui était visible dans l'hémisphère nord pendant une semaine en juillet, il savait que ce serait un grand moment. Comme Erica l’accompagnait souvent pour regarder les lancements de SpaceX et observer les étoiles, elle ne se doutait de rien quand il suggéra un week-end dans une maison familiale des Adirondacks pour assister au spectacle.

«Cette comète ne sera pas de retour avant 6 800 ans, c'est donc certainement plus qu'une expérience unique dans une vie – c'est plus comme une vie sur 6 000», dit-il à My Modern Met. «Une fois que j'ai décidé et me suis donné mon discours d'encouragement -" Ok John, tu fais ça, tu ne peux pas traîner, ça va être fini la semaine prochaine "- je savais que je devais faire mes devoirs."

C'est alors qu'il a impliqué son ami, le photographe Tim Leach. Leach avait déjà réussi à capturer la comète spectaculaire et avait aidé à repérer l'emplacement. À l'origine, il n'était pas prévu qu'il soit présent à la proposition, mais après quelques mésaventures, Leach a invité le couple à venir regarder la comète avec lui. Attention, à ce stade, il n'avait aucune idée qu'une proposition était sur le point d'arriver, comme Nicotera ne l'avait dit à personne.

«À ce stade, j'ai envoyé un texto à Tim en disant oui, puis j'ai renversé les haricots sur mes plans de proposition. C'était en fait son idée de mettre en scène l'événement, il pouvait prendre des photos de «couple» de nous dans le ciel nocturne, avec l'espoir de capturer aussi NEOWISE. Je savais qu'Erica adorerait les photos de nous, donc elle ne se méfierait de rien, comme une proposition.

John Nicotera et Erica Pendrak

Photo gracieuseté de John Nicotera

Après avoir regardé la comète pendant quelques heures et pris des photos pour Leach, Nicotera a murmuré que le grand événement était sur le point d'avoir lieu. Leach leur a simplement demandé d'essayer de rester immobiles pendant sept secondes afin qu'il puisse obtenir la photo parfaite d'eux et de la comète. Et avec cela, Nicotera s'est mis à genoux, Erica n'étant pas plus sage sur ce qui se passait.

«Elle anticipait une autre photo ensemble, elle ne savait pas que j'allais proposer. J'ai demandé à Erica si elle était prête, laissant entendre que j'étais sur le point de souffler dans son esprit, et elle a innocemment dit oui. Je lui ai demandé à nouveau, et quand elle a dit oui, je me suis agenouillée, je lui ai demandé de m'épouser… après qu'elle ait été complètement émerveillée, et j'ai dit OUI – je l'ai ensuite taquinée en disant qu'elle ne pouvait pas bouger pendant sept secondes. Sept secondes, c'est très long, au fait.

Post-proposition, Nicotera tweeté les photographies de certains de ses héros spatiaux préférés, dont un astronaute à la retraite Garret Reisman. Après que Reisman a retweeté le message, il a été repris par plusieurs météorologues et a été transformé en quelque chose de plus grand que ce que le couple aurait pu imaginer. «Nous ne pouvons vraiment pas croire que notre histoire a maintenant été partagée dans le monde entier. C'est fou; c’est difficile à mettre en mots. Nous sommes tous les deux extrêmement reconnaissants à tous de nous avoir contactés et nous sommes tellement humbles que nous pouvons partager notre histoire.

Et bien que l'attention ait été gentille, à la fin, Nicotera est simplement heureux d'avoir pu offrir à sa fiancée une soirée spéciale dont ils se souviendront pour toujours.

«Je voulais juste un moment ensemble qui serait spécial, je savais que le ciel nocturne pouvait être magnifique, si le temps le permettait, et qu’avec nous ensemble et une comète qui ne vient que tous les 6800 ans, ce serait assez rare. Mais vraiment je voulais juste quelque chose, n'importe quoi, que je pourrais partager avec Erica pour le reste de ma vie. Je voulais avoir un moment où elle et moi pourrions nous figer et nous souvenir du reste de nos vies.

John Nicotera cherchait une manière spéciale de proposer à sa petite amie Erica Pendrak.

Un couple s'engage sous la comète de Neowise

Photo: Tim Leach

Alors tout en profitant d'une soirée en regardant la comète de Neowise, il a saisi le moment.

Proposition de la comète Neowise

Photo: Tim Leach

Et a fait la proposition parfaite sous la comète qui n'apparaît qu'une fois tous les 6800 ans.

Un couple s'engage sous la comète de Neowise

Photo: Tim Leach

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de John Nicotera et Tim Leach.

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Un artisan japonais conçoit un sac élégant spécialement pour transporter une pastèque

Sac pastèque Tsuchiya Kaban

En ce qui concerne les fruits, la pastèque est sans doute l'une des meilleures. Mais il a un défaut: il est lourd et difficile à transporter. C’est pourquoi l’artisan japonais Yusuke Kadoi (pour Tsuchiya Kaban) a créé un sac en cuir de luxe spécialement conçu pour en transporter un.

Tenant exactement une pastèque ronde, l'élégant support a été conçu par Kadoi dans le cadre d'un projet intitulé Le plaisir de porter. L'initiative a encouragé les designers de Tsuchiya Kaban à créer leurs propres articles ludiques en tant que projets parallèles. Adepte des fruits d'été, Kadoi a décidé de créer la fabrication artisanale Sac de pastèque comme solution pour transporter le fruit encombrant, semblable à une boule de bowling.

Kadoi a obtenu la forme parfaitement arrondie du sac en cousant ensemble des panneaux de cuir individuels. Il se dilate même en haut, permettant à l'utilisateur de placer la pastèque à l'intérieur du sac avant de clipser ensemble les boutons-pression et de fixer la pastèque bien ajustée en place. En plus du compartiment principal robuste, une poignée solide avec des boucles en métal permet aux utilisateurs de transporter leur pastèque avec facilité. Vous ferez l'envie de vos pique-niques d'été avec cet accessoire stylé (et pratique)!

Faites défiler vers le bas pour voir les photos du Sac de pastèque, plus une vidéo montrant Kadoi en train de le fabriquer à la main. En savoir plus sur ce beau design sur le site Web de Tsuchiya Kaban.

L'artisan japonais Yusuke Kadoi (pour Tsuchiya Kaban) a créé un sac en cuir de luxe spécialement pour transporter une pastèque.

Sac pastèque Tsuchiya KabanSac pastèque Tsuchiya KabanSac pastèque Tsuchiya KabanSac pour transporter la pastèque Tsuchiya KabanSac pour transporter la pastèque Tsuchiya KabanSac pastèque Tsuchiya Kaban

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=xXTGrVAv8tE (/ incorporer)

Tsuchiya Kaban: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (Cuillère & Tamago)

Toutes les images via Tsuchiya Kaban.

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Portrait présidentiel de Thomas Jefferson recréé avec son sixième arrière-petit-fils

Thomas Jefferson et son sixième arrière-petit-fils Shannon Lanier

Thomas Jefferson

Au cours des 15 dernières années, le photographe Drew Gardner fait le lien entre le passé et le présent à travers son projet en cours intitulé Les déscendants. Pour cette série de photos innovante, Gardner a retrouvé les parents vivants des plus grandes figures de l’histoire et les a photographiés alors qu’ils prennent l’apparence de leurs ancêtres. Plus récemment, le projet a attiré une nouvelle vague d'attention après que le photographe dévoué a travaillé avec Smithsonian Magazine pour photographier les descendants de Thomas Jefferson, Frederick Douglass et Elizabeth Cady Stanton.

En particulier, c’est le portrait du sixième arrière-petit-fils de Thomas Jefferson, Shannon Lanier, qui a retenu l’attention de nombreuses personnes. Ce n'est un secret pour personne qu'il a engendré de nombreux enfants avec Sally Hemings – une femme métisse asservie par Jefferson – mais il est indéniablement puissant de voir ce que cela signifiait pour sa lignée. Lanier, qui travaille comme journaliste de télévision à Houston, a écrit un livre sur son expérience de grandir en tant qu'homme noir lié à Jefferson. Il était sur le radar de Gardner pendant cinq ans avant leur séance photo, mais leur rencontre n’était pas acquise.

Après un premier appel téléphonique, Lanier avait encore besoin de réfléchir à la décision d'être décrit d'une manière que certains pourraient percevoir comme glorifiant Jefferson et ses actions. «Si nous faisons cela, beaucoup plus de gens sauront à propos de Sally Hemings que si nous ne l’avions pas fait», se souvient Gardner à Lanier. «Plus de gens en prendront conscience. Et l'une des choses intéressantes est que cela s'est produit. Les gens ont dit: «  Wow, je ne savais pas que Jefferson avait une famille noire. ''

En sensibilisant à une partie de l'histoire américaine qui est souvent cachée, Gardner aide plus de gens à se familiariser avec son passé parfois laid. En fait, sa motivation à déplacer le projet en Amérique du Nord après avoir photographié des descendants en Europe pendant de nombreuses années était précisément de montrer une plus grande diversité dans l'histoire.

Gardner a déjà photographié les parents éloignés de Napoléon, Oliver Cromwell et Horatio Nelson, entre autres, lorsqu'il a pris du recul pour jeter un regard critique sur son travail. «Je regardais juste la galerie de tous mes descendants et je pense que, à part Geronimo, j'ai pensé, wow c'est assez blanc», dit-il à My Modern Met. «Et je me sentais vraiment mal à l'aise à ce sujet. J'ai donc commencé à regarder autour de moi et j'ai décidé de me concentrer sur la richesse de l'histoire des Noirs aux États-Unis et en Amérique du Nord.

Maintenant que sa dernière série de photographies a suscité tant de discussions, il espère continuer sur cette voie. Et, en fait, il a déjà été contacté par plusieurs descendants de haut niveau aux États-Unis qui aimeraient participer. Mais pour lui, tout dépend de ce que le public retire des photos et de la manière dont il apprend à accepter tous les aspects de l’histoire.

«J'espère que cela ne fera qu'intéresser quelques personnes de plus et regarder la situation de l'esclavage dans son ensemble – aider à obtenir quelques personnes à bord», dit-il. «Regardez-le et s’ils ne sont pas d’accord avec lui, même s’ils restent racistes pour l’accepter. Espérons que les choses commenceront à changer. Et certainement, plus il y a de morceaux de conversation qui peuvent être lancés par un projet comme celui-ci ou par des protestations ou tout ce que n'importe qui peut faire pour contribuer, mieux c'est.

Le photographe Drew Gardner a récemment photographié les parents vivants de personnages historiques américains bien connus sous les traits de leurs ancêtres.

Frederick Douglass Descendant par Drew Gardner

Frédéric Douglass

Les descendants de Drew Gardner

Elizabeth Cady Stanton

Cela fait partie de Les déscendants, une série de photos sur laquelle il travaille en Europe depuis 15 ans.

Portrait de Berthe Morisot à côté de sa descendance

Napoléon

Horatio Nelson et son descendant par Drew Gardner

Horatio Nelson

Mona Lisa photographiée à côté de son descendant vivant

Mona Lisa

Portrait de Berthe Morisot à côté de sa descendance

Berthe Morisot

Portrait de Berthe Morisot à côté de sa descendance

Oliver Cromwell

Drew Gardner: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Drew Gardner.

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Un cinéaste capture une création incroyable d'un énorme tapis de fleurs à Bruxelles

Tapis de fleurs de Bruxelles Joerg Daiber

Tous les deux étés à Bruxelles, une petite armée de volontaires place soigneusement des milliers de bégonias colorés sur la Grand-Place pour former un magnifique tapis de fleurs. La place centrale de la ville (un site du patrimoine mondial de l'UNESCO) accueille l'événement depuis 1971. Chaque année, des designers et des paysagistes se réunissent pour choisir un thème et créer un énorme gabarit à placer sur les pavés. Ces lignes directrices sont ensuite remplies d'herbe, d'écorce et de milliers de bégonias. La Belgique produit 35 millions de bulbes de bégonia chaque année dans une gamme de couleurs et de nuances. L'utilisation de la fleur de bégonia comme support pour le tapis de fleurs donne à l'œuvre une touche typiquement belge.

Bien que les fleurs de chaque tapis ne durent que quatre jours, le cinéaste Joerg Daiber a créé un superbe film time-lapse du tapis de fleurs 2018 du modèle au chef-d'œuvre fini. Daiber, fondateur de la société de production Spoonfilm à Berlin, a enregistré les festivités du haut de plusieurs bâtiments entourant la Grand-Place. Avec des couleurs vives, une haute définition et un effet d'inclinaison-décalage, la tapisserie fleurie occupe le devant de la scène. Les volontaires se précipitent comme des fourmis miniatures et les bâtiments historiques environnants ressemblent à des maisons de poupées. L'effet «miniaturisant» enchanteur de Daiber peut être vu dans ses autres vidéos documentant de beaux sites à travers le monde, publiées sur sa chaîne Little Big World.

Alors que le tapis de fleurs prévu pour cet été doit être reporté, le travail de Daiber préserve la tapisserie de 2018 jusqu'à ce qu'un nouveau tapis puisse être créé à nouveau. Le thème de 2018, «Guanajuato, fierté culturelle du Mexique», rend hommage à la ville mexicaine de Guanajuato qui crée de la même manière des tapisseries éphémères de sciure de bois dans les rues de la ville.

Faites défiler vers le bas pour voir la construction du tapis de fleurs et regardez de plus près cette incroyable œuvre d'art floral à travers la vidéo de Daiber.

Des bénévoles se sont réunis pour assembler des milliers de fleurs de bégonia dans des motifs complexes pour une tradition annuelle à Bruxelles.

Joerg-Daiber-Brussels-Flower-Carpet "width =" 750 "height =" 422 "srcset =" https://mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020/08/Joerg-Daiber-Brussels-Flower -Carpet-8.jpg 750w, https://mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020/08/Joerg-Daiber-Brussels-Flower-Carpet-8-300x169.jpg 300w "tailles =" (max -largeur: 750px) 100vw, 750px "/><img class=Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Joerg Daiber.

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Ces puzzles de 1000 pièces vous permettent de recréer les plus grandes œuvres de l'histoire de l'art

Puzzles Fine Art par Eurographics

Compléter un puzzle et faire de l'art sont deux des meilleures activités pour soulager le stress, alors pourquoi ne pas trouver un moyen de les combiner? Le fabricant de casse-tête montréalais Eurographics réinvente des chefs-d'œuvre emblématiques de l'histoire de l'art sous forme de défis de 1000 pièces qui vous permettent de créer votre propre galerie d'art dans le confort de votre maison.

Les passionnés de puzzle peuvent découvrir l'imagerie imaginative du surréalisme dans les puzzles inspirés de Frida Kahlo et Salvador Dali. le Autoportrait avec collier d'épine et puzzle colibri explore la vie personnelle de l’artiste mexicain à travers un symbolisme unique. En complétant le design vibrant, vous vous familiariserez avec les différents éléments, y compris le feuillage, les papillons, les libellules, le singe, le chat, le collier d'épines et un colibri. De même, le puzzle Dalí, Soft Watch au moment de sa première explosion, présente l’un des motifs les plus célèbres du peintre: une horloge fondante. Au moment où vous aurez terminé le puzzle, vous serez un expert du style artistique distinct de Dalí.

De même, les fans du mouvement postimpressionniste peuvent ramener à la maison l'un des tableaux les plus appréciés de Vincent van Gogh, Nuit étoilée. Ce puzzle coloré présente une copie du travail de l’artiste hollandais divisé en plusieurs morceaux et vous mettra au défi de faire correspondre les tourbillons avec les orbes brillants dans le ciel.

Faites défiler vers le bas pour voir ces puzzles beaux-arts et rendez-vous sur My Modern Met Store pour acheter plus de puzzles d'Eurographics.

Explorez l'histoire de l'art avec ces magnifiques puzzles de 1000 pièces.

Autoportrait avec collier d'épine et colibri Puzzle 1000 pièces

Puzzles Fine Art par EurographicsPuzzles Fine Art par Eurographics

Nuit étoilée Puzzle 1000 pièces

Puzzles Fine Art par Eurographics

Soft Watch au moment de sa première explosion Puzzle 1000 pièces

Puzzles Fine Art par EurographicsPuzzles Fine Art par Eurographics

Eurographics: Site Web | Facebook | Instagram

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Jane Goodall raconte un beau poème animé sur la sauvegarde de la Terre

Fille sur le dos des hiboux

Cela a commencé comme un poème, rempli de lignes invitant les lecteurs à écouter «le murmure» et à agir. Puis il est devenu un livre pour enfants avec des hiboux majestueux et d’autres illustrations aériennes. Maintenant, Tom Rivett-CarnacLivre pour enfants Que s'est-il passé lorsque nous nous sommes tous arrêtés est devenu un poème animé mélancolique raconté par l'anthropologue et messagère de la paix de l'ONU Jane Goodall. Dans le livre de Rivett-Carnac réside un vif sentiment d’espoir et une invitation à se lancer dans un projet significatif nécessitant la participation de tous les citoyens du monde. Le livre a été illustré par la soeur de Rivett-Carnac, Bee Rivett-Carnac, et a été spécialement conçu pour susciter l’inspiration pendant les verrouillages du COVID-19 et contraindre l’action environnementale par la suite.

Rivett-Carnac travaille sur des problématiques comme le changement climatique depuis 20 ans. Il est connu pour son travail de stratège politique sur l'Accord de Paris (changement climatique). Il pensait qu'un livre traitant de certaines des périodes les plus difficiles de l'histoire de l'humanité serait utile pour les enfants et les parents. «En tant que père de deux jeunes enfants, je sais combien il peut être difficile d'aborder ces sujets, qui semblent si abstraits et alarmants, mais le message fondamental de ce poème est celui de l'espoir», dit Rivett-Carnac. "Le futur n'est pas écrit. Ce qui se passe ensuite dépend de nous. Nous, qui sommes ici, pouvons maintenant choisir comment se déroulera le prochain chapitre de l'histoire humaine – et nous devons bien choisir. (Le livre est actuellement téléchargeable gratuitement en ligne.)

Le Dr Jane Goodall, qui a été inspiré par le poème original, était impatient de fournir la narration. «Cette merveilleuse histoire aide les parents et leurs enfants à surmonter la déconnexion entre nos cerveaux intelligents et nos cœurs aimants et compatissants», explique Goodall. «Nous devons trouver un moyen de vivre en harmonie avec la nature pour que les deux puissent prospérer. J'espère que ce livre d'histoires inspirera des personnes de tous âges à jouer leur rôle dans la guérison des torts que nous avons infligés afin qu'ensemble nous puissions créer un nouvel avenir.

La vidéo d’animation a été créée par l’équipe d’animation de TED-Ed et insuffle une nouvelle expression et une nouvelle urgence au travail de Rivett-Carnac. Il dure un peu plus de trois minutes, mais l'animation emmène le public dans un vaste voyage de «et si» et une exploration de Que s'est-il passé lorsque nous nous sommes tous arrêtés. Faites défiler vers le bas pour regarder la délicieuse animation.

Le Dr Jane Goodall raconte un conte pour enfants intitulé Que s'est-il passé lorsque nous nous sommes tous arrêtés.

Lecture de Jane GoodallFille et hibou sur une brancheChouette et petite fille

Le poème de Tom Rivett-Carnac prend vie dans ce long métrage d’animation de TED-Ed.

Petit enfant et jeune arbre

Regardez le poème animé ici:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=gX0HOy8Pi54 (/ incorporer)

Tom Rivett-Carnac: Twitter
Bee Rivett-Carna: Site Web | Instagram
h / t: (Boum créatif)

Toutes les images via What Happened When We All Stopped.

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Les sculptures en bois et en résine capturent la beauté élégante des animaux sauvages et libres

Sculptures d'animaux en bois et résine par Yurii Myketka

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Lorsqu'il s'agit de fusionner des matériaux, le bois et la résine forment la paire parfaite pour créer des œuvres d'art accrocheuses. L'artiste ukrainien Yurii Myketka présente les belles possibilités de combiner du bois chaud opaque et de la résine époxy translucide pour créer ses sculptures animalières minimalistes.

L’une des œuvres les plus marquantes de Myketka est sa sculpture de baleine en bois d’acacia et en résine époxy bleue. «À mon avis, les baleines sont les créatures les plus majestueuses de notre planète», explique Myketka à My Modern Met. «Voir une vraie baleine pourrait être une grande expérience de vie. Même une photo de celui-ci peut vous faire réfléchir et rêver plus grand. Je le savais avant même de commencer à vendre mes œuvres, il n'y avait donc pas d'autre option que d'essayer de partager leur beauté avec d'autres personnes. Parfaitement fabriquée à la main, la superbe sculpture de Myketka capture l'élégance de la gracieuse créature marine, ainsi que la beauté de son habitat. On dirait qu'il contient en fait un morceau de l'océan bleu tourbillonnant sous sa forme.

Outre les baleines, Myketka fabrique également des sculptures en bois et en résine d'animaux tels que des oiseaux et des renards. Quel que soit son sujet, ils semblent tous avoir une caractéristique commune. «Ils sont tous sauvages et libres dans un certain sens», explique Myketka. «Les oiseaux représentent la légèreté et la liberté, il en existe des milliers d’espèces différentes, et elles sont toutes belles. Mettez deux oiseaux sur une branche et c’est un symbole d’amour, mettez trois ou quatre et c’est de la famille. Je fais des sculptures en bois de choses qui m'inspirent.

Le processus de fabrication de Myketka varie avec chaque pièce, mais l'artisan talentueux s'assure toujours de maintenir la beauté naturelle de ses matériaux. «Le processus de fabrication de mes sculptures change à chaque nouvelle expérience», dit-il. «Il existe bien sûr une routine standard de sculpture sur bois, mais lorsque vous combinez un beau morceau de bois avec une résine époxy colorée, vous devez utiliser beaucoup de compétences et d'imagination pour ne pas ruiner la beauté naturelle du bois.

Faites défiler vers le bas pour découvrir certaines des sculptures d'animaux en bois et en résine de Myketka. Lorsqu'il ne fabrique pas de créatures, Myketka fabrique également des tentures murales personnalisées, des bijoux, etc. Découvrez sa boutique Etsy ici.

L'artiste ukrainien Yurii Myketka crée de superbes sculptures d'animaux en bois et en résine. Ses sculptures de baleines sont particulièrement étonnantes.

Sculpture Animalière en Bois et Résine par Yurii MyketkaSculpture de baleine en bois et résine par Yurii MyketkaSculpture de baleine en bois et résine par Yurii MyketkaSculpture Animalière en Bois et Résine par Yurii MyketkaSculpture Animalière en Bois et Résine par Yurii MyketkaSculpture de baleine en bois et résine par Yurii Myketka

Chaque pièce inspirée de la nature capture l'élégance de son sujet.

Sculpture Animalière en Bois et Résine par Yurii MyketkaSculptures d'animaux en bois et résine par Yurii MyketkaSculptures d'animaux par Yurii MyketkaSculptures d'animaux en bois et résine par Yurii MyketkaYurii Myketka: Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Yurii Myketka.

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Le célèbre orgue de Notre-Dame subira une restauration de quatre ans

L'orgue de Notre-Dame subit une restauration

Photo: Photos stockées par Alisa24 / Shutterstock

Un peu plus d'un an après un incendie qui a ravagé la cathédrale Notre-Dame, son célèbre orgue fait peau neuve. Si le plus grand instrument de musique de France n’a pas été endommagé par l’incendie, il a certainement besoin d’un bon nettoyage. Les travaux ne font que commencer et devraient durer quatre ans. Cela préparera ce majestueux instrument à jouer lors de la réouverture de Notre-Dame après sa reconstruction en 2024.

Avec plus de 8 000 tuyaux, l'orgue fait la fierté de Notre-Dame. Datant de 1733, il était recouvert de poussières de plomb toxiques qui se déposaient sur les tuiles et la flèche lors de l'incendie. De plus, il a également été battu après l'incendie. Alors que Notre-Dame a perdu son toit, l'instrument bien-aimé est ouvert aux intempéries depuis un an. Maintenant, les experts ont lentement commencé à démonter l'organe pour le préparer au nettoyage.

Ils ont déjà commencé par retirer les claviers, puis passeront aux tuyaux. On estime que ce processus à lui seul prendra jusqu'à la fin de 2020. Une fois l'orgue nettoyé et remonté, il faudra encore six mois pour le régler et l'harmoniser. Bien que le processus soit lent, les organistes de Notre-Dame ont hâte de voir leur orgue adoré retrouver son ancienne gloire.

«C’est un orgue très puissant, mais avec aussi beaucoup de poésie», raconte l’organiste Johann Vexo, qui jouait d’orgue pendant la messe lorsque les alarmes d’incendie ont sonné en avril 2019. «C’est probablement le plus bel orgue du monde. Comme tous mes collègues, nous sommes très tristes et nous savons que nous devons être très patients au cours des prochaines années.

Bien que le président français Emmanuel Macron ait fixé une date limite pour ouvrir Notre-Dame au printemps 2024, juste à temps pour les Jeux olympiques de Paris 2024, il semble que ce sera difficile. Il a fallu plus d’un an pour simplement nettoyer les débris et les échafaudages qui étaient en place avant l’incendie. En fait, une équipe travaille toujours pour extraire l'échafaudage qui entourait la flèche centrale qui est tombée, car le matériau a fusionné. Ce projet se poursuivra jusqu'en septembre.

Tous les yeux seront certainement tournés vers Paris alors qu'ils se déplacent pour reconstruire Notre-Dame exactement comme elle l'était autrefois après avoir décidé de renoncer à la modernisation.

Regardez l'organiste de renom Olivier Latry jouer l'orgue de la cathédrale Notre-Dame, qui subit actuellement une restauration de quatre ans.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Ye4r_csWJDw (/ incorporer)

h / t: (PBS, The Guardian)

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Un condor andin géant peut voler sans battre ses ailes pendant plus de 5 heures

Condor andin volant

Photo: Facundo Vital

En regardant un condor andin, on pourrait se demander comment un oiseau aussi énorme vole, et encore moins atteint une altitude de plus de 5 000 mètres. Cette espèce géante de vautour peut avoir une envergure de 10 pieds et un poids corporel comparable à un enfant en bas âge humain, entre 20 et 30 livres. Récemment, des chercheurs de l'Université de Swansea ont collaboré avec des scientifiques argentins pour étudier le vol des condors andins dans leur habitat. Ils ont cherché à répondre à quelle fréquence et dans quelles conditions météorologiques les grands oiseaux battent des ailes en vol, utilisant ainsi une énergie précieuse pour rester ou changer d'altitude.

En attachant des dispositifs de surveillance spéciaux aux jeunes condors andins, les chercheurs ont pu compter chaque volet des ailes géantes des oiseaux. Il s'avère que les condors andins passent peu de temps et d'énergie à battre des ailes. Pendant le temps des oiseaux dans les airs, moins de 1% ont été passés à battre. La plupart des battements se sont produits pendant le décollage ou lors d'un vol près du sol. Ces statistiques surprenantes – publiées dans les Actes de la National Academy of Sciences – ont de grandes implications.

Les chercheurs notent avec intérêt que les jeunes oiseaux qu'ils ont étudiés pourraient être très efficaces pour voler dans le ciel. Un condor en vol n'a pas battu ses ailes pendant plus de cinq heures, glissant sur plus de 100 milles. L'article suggère que le vol des condors andins dans l'actuelle Amérique du Sud pourrait aider les scientifiques à comprendre comment des oiseaux préhistoriques encore plus grands sont restés à flot dans les courants aériens il y a plusieurs millénaires.

Pour en savoir plus sur les condors andins et leur statut d'espèce quasi menacée, consultez la page Web de la Volière nationale.

Le condor andin a une envergure de 10 pieds et peut voler de nombreux kilomètres sans battre des ailes.

Condor andin volant

Photo: Àlvaro Moya Riffo

Le vol du condor andin peut éclairer la façon dont les oiseaux préhistoriques géants sont restés en l'air.

Condor des Andes Flyingt

Photo: Ignazi Gonzalo

Condor andin volant

Photo: jmarti20

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de l'Université de Swansea.

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Un photographe invite 16 artistes à réinventer ses portraits dans leur propre style

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par naomoonz

Le photographe Mathieu Stern crée des portraits saisissants, souvent surréalistes, en utilisant une variété d'objectifs vintage et de techniques numériques. Dans un esprit d'expérimentation, il a été inspiré pour collaborer avec des artistes après avoir parcouru des images sur Instagram publiées sous le hashtag #DrawThisInYourStyle. Le défi de l'art populaire encourage les illustrateurs à recréer l'art à leur manière, et Stern a pensé qu'il serait intéressant de voir comment les artistes traduiraient sa photographie en art numérique.

«J'ai décidé de contacter d'abord un illustrateur pour lui demander s'il voulait redessiner un de mes portraits dans son propre style», explique Stern. «Je lui ai dit que je créerais une vidéo YouTube sur le processus et créerais le premier épisode avec une équipe de mes artistes préférés. Elle a dit oui et le résultat qu'elle m'a envoyé était tellement incroyable que j'ai commencé à contacter tous les illustrateurs que j'aimais sur Instagram. Un mois plus tard, j'avais 16 participants et j'avais une superbe vidéo de leurs processus.

Chaque artiste a reçu un portrait différent, créé par Stern, qu'il a pu refaire dans son propre style. En conséquence, le projet montre une grande variété d'esthétiques, d'interprétations et d'approches créatives. Alors que certains artistes ont produit des illustrations très proches de la photographie originale, d'autres ont laissé libre cours à leur imagination et ont ajouté des influences de dessins animés et d'animés au modèle. La vidéo YouTube qui l'accompagne rend ce projet encore plus convaincant, qui nous donne un aperçu du processus que ces illustrateurs ont suivi pour dessiner les portraits à leur manière.

Vous pouvez vous tenir au courant des photographies de Stern en le suivant sur Instagram et en vous abonnant à sa chaîne YouTube.

Le photographe Mathieu Stern a demandé à 16 artistes de recréer ses portraits Instagram dans leur propre style.

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Halil Şimşek

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Minipraw

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Lore

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Ali

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Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Loane

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Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Yilok dessine

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art de Sang Wook Kim

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art de Fahmi Fauzi

Projet Portrait de Mathieu Stern

Gauche: Portrait de Mathieu Stern | À droite: Art par Aly Tain

Regardez cette vidéo pour en savoir plus sur le projet de Stern:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=yjRbYT-5XRI (/ embarqué)

Mathieu Stern: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Mathieu Stern.

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Ma tentative au Getty Museum Challenge – «Christina’s World» par Andrew Wyeth de r / pics

Les mises en quarantaine des coronavirus ont empêché bon nombre d'entre nous de participer à certaines de nos activités récréatives les plus appréciées – y compris la visite de musées d'art – mais ces verrouillages n'ont pas étouffé la créativité et l'ingéniosité des gens du monde entier. Alors que beaucoup de gens étaient coincés chez eux (et continuent, pour la plupart, de rester à la maison), ils ont trouvé des moyens de se divertir tout en rendant hommage à certaines des œuvres les plus emblématiques de l'histoire de l'art. Le projet global, connu sous le nom de Getty Museum Challenge, a un principe simple: utilisez des objets du quotidien autour de votre maison pour recréer une œuvre d'art.

Qu'il s'agisse de porter des robes fantaisie ou d'assembler des paniers de fruits, les gens ont prouvé qu'ils étaient prêts pour le Getty Museum Challenge. Les soumissions, qui peuvent être faites à tout moment en partageant simplement une photo en ligne, soulignent comment l'art peut vraiment être créé avec n'importe quoi. Il vous suffit d'être à l'affût. La redditor Isabella Beatrix et sa recréation du tableau de Bartolomeo Vento de 1515 intitulé Lucrezia Borgia. L'œuvre d'art originale présente une figure avec, entre autres caractéristiques, des verrous très ondulés et en forme de ficelle. Beatrix recrée les cheveux à l'aide de nouilles de pâtes séchées qui, étonnamment, ont le même aspect que la peinture du 16ème siècle.

Faites défiler vers le bas pour admirer plus de créativité montrée dans le Getty Museum Challenge. Envie d'en voir encore plus? Consultez nos autres articles mettant en avant des créations plus étonnantes.

Le Getty Museum Challenge a été lancé au début de la quarantaine COVID-19 et se poursuit comme une manière créative de célébrer l'art.

«Lucrezia Borgia» – Bartolomeo Veneto (1515 – adaptation de l’original) «Isabella Macaroni» – Isabella Beatrix (2020): Hasta la pasta 🍝 de r / GettyMuseumChallenge

J'ai essayé ma main au #GettyMuseumChallenge de r / pics

Mon mari et mon fils ont recréé le défi du musée Getty d'Ilya Repin «Ivan le Terrible et son fils Ivan» à partir de r / pics

«Bildnis Ana (Portrait of Ana)» – Kees Van Dongen (1906-11) «Bildnis Quarantine (Portrait of Quarantine) – Isabella Beatrix (2020) from r / GettyMuseumChallenge

«Dans la plénitude de l’été» – Delapoer Downing (1885-1902) «Dans la plénitude d’une pandémie» – Isabella Beatrix (2020) de r / GettyMuseumChallenge

«Proserpine», par Dante Gabriel Rossetti de r / GettyMuseumChallenge

La dame avec une hermine et la dame avec son ratcha de r / GettyMuseumChallenge

(Lady) «Emma Hamilton» – George Romney (vers 1785) (Ladette) «Issie Looroll» – Isabella Beatrix (2020) de r / GettyMuseumChallenge

Recréation de «Dr Samuel Johnson» par Sir Joshua Reynolds (1772/1775) à partir de r / pics

«Portrait d’homme inconnu avec la médaille de Cosme l’Ancien» – Sandro Botticelli (vers 1474). . «Portrait de femme connue (?) Avec une médaille pour le personnel du NHS» – Isabella Beatrix (2020) de r / GettyMuseumChallenge

St.Véronique, 1633-1634 Jacques Blanchard de r / GettyMuseumChallenge

Garçon avec un panier de fruits – Caravaggio (OC) de r / GettyMuseumChallenge

«Medea» – Frederick Sandys (1868) «Maskea» – Isabella Beatrix (2020) de r / GettyMuseumChallenge

Défi du musée Getty: Safie de William Clarke Wontner de r / pics

«Buste de Juliette Récamier» – Joseph Chinard (1777 – 1849) «Buste d’Isabelle» – Isabella Beatrix (2020) P.S. Je sais que la forme de mon visage n’a malheureusement pas fonctionné aussi bien que je l’espérais! de r / GettyMuseumChallenge

Fille à la perle, style Covid. Soumission d'infirmière pour le Getty Museum Challenge. de r / pics

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LIS:

Voir sur My Modern Met

Musée en spirale en Suisse conçu pour imiter la mécanique tourbillonnante d'une montre

Jessica Stewart est rédactrice et spécialiste des médias numériques pour My Modern Met, ainsi que conservatrice et historienne de l'art. Elle a obtenu sa maîtrise en études de la Renaissance à l'University College London et vit maintenant à Rome, en Italie. Elle a cultivé une expertise dans le street art qui a conduit à l'achat de ses archives photographiques par l'Encyclopédie italienne Treccani en 2014. Lorsqu'elle ne passe pas de temps avec ses trois chiens, elle gère également le studio d'un artiste de rue à succès. En 2013, elle est l'auteur du livre «Street Art Stories Roma» et a récemment contribué à «Crossroads: A Glimpse Into the Life of Alice Pasquini». Vous pouvez suivre ses aventures en ligne sur @romephotoblog.

De superbes papillons Glasswing ont des ailes qui ressemblent à des fenêtres transparentes

Papillon Glasswing avec ailes transparentes sur une feuille

Photo: Photos de Bahadir Yeniceri / Shutterstock

le papillon aile de verre (scientifiquement connu comme Greta oto) pourrait être le plus beau bug dont vous n'avez jamais entendu parler! Leurs ailes délicates ont un cadre de couleurs orange et blanc semblable au papillon monarque. Cependant, le reste de leurs ailes fantaisie sont faites de vitres transparentes impeccables qui ressemblent à des fenêtres. Une vidéo récente de KQED fournit un «regard profond» sur ces créatures spéciales. Vous découvrirez que leurs magnifiques ailes ont deux fonctions: la bande blanche avertit les prédateurs de la toxicité et les vitres transparentes permettent au papillon de disparaître dans son environnement (le rendant presque invisible).

Qu'est-ce qui rend ces volets clairs si spéciaux? Dès leur stade précoce de chenille, les papillons à ailes de verre manquent de pigment dans leur chitine, un matériau dans les exosquelettes d'insectes et les ailes de papillon. Sans pigment, les ailes sont incolores et – en raison de leur minceur – transparentes. Pour mieux se protéger des prédateurs, les ailes sont équipées de nombreux petits nanopiliers (tours de cire qui forment une texture rugueuse lors de l’inspection microscopique de la surface d’une aile). Une texture rugueuse empêche la surface d'être réfléchissante, donnant l'illusion de vitres presque «vides».

Ces insectes spéciaux sont originaires d'Amérique centrale et d'Amérique du Sud; mais comme les autres espèces de papillons, ils migrent de façon saisonnière, apparaissant parfois même en Floride. Ils peuvent voyager à des vitesses allant jusqu'à huit miles par heure et sont plus forts que les papillons typiques. Les scientifiques ont reconnu à quel point cette espèce est spéciale. Selon Phys Org, les nanopillaires des papillons à ailes de verre ont inspiré les scientifiques de Caltech à améliorer la fonctionnalité des implants oculaires.

Avez-vous déjà vu un papillon aile de verre?

Papillon Glasswing avec ailes transparentes sur une feuille

Photo: Photos de Pavel1964 / Shutterstock

Ces petites merveilles sont des exploits à la fois de beauté et d'ingénierie magistrale de la nature!

Deux papillons Glasswing sur une feuille

Photo: Photos stockées par Albert Beukhof / Shutterstock

Leurs ailes ressemblent à des fenêtres transparentes, ce qui les rend presque invisibles.

Papillon Glasswing avec ailes transparentes sur une feuille

Photo: Stock Photos from Darkdiamond67 / Shutterstock

Glasswing Butterfly avec des ailes transparentes ouvertes

Photo: Photos de Jearu / Shutterstock

Regardez de plus près le papillon Glasswing en action:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=LYxTyMF9k_4 (/ embarqué)

h / t: (Calmar riant)

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De puissants portraits d'hommes et de femmes noirs sont dessinés à l'aide de stylos à bille uniquement

Dessins au stylo à bille par Patrick Onyekwere

L'artiste nigérian Patrick Onyekwere prouve que vous n'avez pas besoin de matériaux coûteux pour créer des œuvres d'art exquises. Il utilise le stylo à bille omniprésent pour dessiner des portraits avec des détails hyperréalistes. Leur étonnante tridimensionnalité est immédiatement accrocheuse; des plis des lèvres aux pores de la peau en passant par la lueur dans les yeux, aucune attention aux détails n'a été épargnée.

Onyekwere a créé une série appelée Cercles d'espoir qui se concentre sur la représentation de la vie des hommes et des femmes noirs comme «un labyrinthe sans fin» plein de «rebondissements». Les rendus incroyablement réalistes représentent plus que la compétence de l’artiste. «Je m'inspire de l'identité et de la façon dont l'identité joue un rôle dans l'expression», explique Onyekwere à My Modern Met.

L'artiste doué passe d'innombrables heures à affiner la texture de la peau de son sujet avec de nombreuses lignes légères comme une plume afin d'atteindre lentement une qualité photoréaliste. «(Mon) aspect préféré de mon dessin, ce sont les yeux», admet-il. «Ils reflètent certains de nos désirs, peurs, inhibitions, perceptions, pensées (et) les plus profonds dont nous sommes inconsciemment conscients.» Onyekwere veut attirer le spectateur dans son art hyperréaliste pour comprendre le sous-texte émotionnel caché dans ses portraits.

Faites défiler vers le bas pour voir des stylos à bille plus brillants par Onyekwere et suivez-le sur Instagram et Twitter pour se tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste nigérian Patrick Onyekwere utilise un stylo à bille pour créer des portraits hyperréalistes exquis.

Dessins au stylo à bille par Patrick Onyekwere

Sa série Cercles d'espoir dépeint la vie des hommes et des femmes noirs comme «un labyrinthe sans fin» plein de «rebondissements».

Dessins au stylo à bille par Patrick OnyekwereDessins au stylo à bille par Patrick OnyekwereDessins au stylo à bille par Patrick OnyekwereDessins au stylo à bille par Patrick OnyekwereDessins au stylo à bille par Patrick Onyekwere

Regardez cette vidéo pour en savoir plus sur le processus d'Onyekwere:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=VcAe67mZI_E (/ embarqué)

Patrick Onyekwere: Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Patrick Onyekwere.

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Les gâteaux colorés décorés à la main semblent être entièrement recouverts de minuscules perles

Idées de décoration de gâteau perlé

Certains gâteaux ont l'air trop bons pour être mangés (même si nous serons toujours ravis). Siân-Amy Pettit, alias @thepetitepudding, fait manger ou ne pas manger toute une énigme avec ses gâteaux colorés qui sont des œuvres d'art comestibles. Pettit utilise un outil de passepoil pour créer des motifs de glaçage en pointillés qui ressemblent à de minuscules perles cousues dans la friandise. Des motifs géométriques aux animaux en passant par les cactus, chaque grand gâteau est impressionnant par la méticulosité de sa fabrication.

Pettit a trouvé son approche après avoir tenté de recréer une autre tendance de décoration populaire. «J'ai commencé avec une technique de passepoil de tapis à poils longs», raconte-t-elle à My Modern Met, «mais j'ai rapidement trouvé que je préférais un look plus fin, plus complexe et plus détaillé à mes créations. Quelque chose qui semblait unique aussi. C’est donc là que la technique a commencé, mais elle continue d’évoluer. »

Inspirés des motifs, les éléments répétés sont un élément essentiel du travail de pointage de Pettit. Certaines de ses créations les plus frappantes impliquent des oiseaux, comme des flamants roses ou des toucans, qui sont tous réalisés avec la méthode du passepoil fin en plusieurs couleurs. Arriver à ce point, cependant, commence par une planification minutieuse. «Mon processus commence généralement par quelque chose qui, je pense, ferait un motif amusant (comme des fruits, des fleurs ou un arc-en-ciel)», explique Pettit. «J'esquisse généralement ensuite des dessins rapides. La palette de couleurs est vraiment importante pour moi et peut complètement façonner l'apparence de mon gâteau … donc beaucoup de réflexion y est consacrée.

En fin de compte, ce type d'art du gâteau est un travail d'amour avec un gros gain à la fin. «C’est définitivement une technique qui prend du temps», admet Pettit, «mais c’est toujours amusant de la voir se mettre en place lentement!»

Siân-Amy Pettit crée un art du gâteau qui donne l'impression que toute la surface du dessert est décorée de perles complexes.

Le gâteau comme artIdées de décoration de gâteau perléIdées de décoration de gâteau perléLe gâteau comme artLe gâteau comme artLe gâteau comme artIdées de décoration de gâteau perléLe gâteau comme artArt de gâteau perléArt de gâteau perléArt de gâteau perléLe gâteau comme artArt de gâteau perléLe gâteau comme artIdées de décoration de gâteau perléIdées de décoration de gâteau perléIdées de décoration de gâteau perléGâteau et artIdées de décoration de gâteau perléLe gâteau comme artGâteau et artArt de gâteau perléSiân-Amy Pettit: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Siân-Amy Pettit.

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Un illustrateur réinvente ses films préférés en livres de poche classiques

Ladybird en Livre broché par Matt Stevens

Le designer et illustrateur Matt Stevens a conçu pour des magazines et des entreprises médiatiques, mais son récent projet intitulé Bons films comme de vieux livres est plus personnel. Stevens a transformé une centaine de ses films préférés en couvertures de livres colorées et usées – certaines avec des étiquettes de prix, comme si vous pouviez les récupérer sur les étagères d'une librairie d'occasion. Le titre et l’auteur de chaque livre de poche réinventé sont représentés par le titre et le réalisateur respectifs du film. Stevens note que sa sélection d'œuvres n'est "pas une meilleure liste, juste des films que j'aime." Cependant, la plupart des cinéphiles conviendraient que la liste comprend de nombreux titres et réalisateurs incontestablement légendaires, aimés par beaucoup sinon la plupart.

Parmi les films, il y a des récipiendaires d'Oscar modernes et des classiques vétustes. Couverture du livre de Steven du film récent Parasite, réalisé par Bong Joon-ho, apporte le glamour déchiqueté d'un livre de poche vieux de plusieurs décennies à l'image primée aux Oscars 2020. Couvertures pour Fargo, La matrice, et de Spike Lee Faire la bonne chose rejoignez les nouveaux films Marvel et les classiques de Tom Hank pour devenir une «bibliothèque» enviable et époustouflante. Chaque «livre» semble attrayant et invite le lecteur avide à tourner ses pages.

Beaucoup de dessins de couverture de Stevens représentent des films qui n’ont jamais été des livres. Grâce à une récente campagne Kickstarter réussie, Stevens a publié un livre d'art de haute qualité de la série comprenant une centaine de magnifiques couvertures. Les couvertures individuelles, ainsi que le livre lui-même, sont également disponibles en différentes tailles d’impressions giclées sur le site Web de Stevens.

Pour les amateurs de livres et les cinéphiles, ces couvertures fantaisistes sont à la fois des objets d’art et de collection. Vous pouvez tous les trouver sur le site Web de Stevens.

Le designer et illustrateur Matt Stevens recrée ses films préférés sous forme de couvertures de livres.

Parasite en tant que vieux livre de Matt StevensIron Giant en tant que vieux livre de Matt Stevens

La collection de Stevens comprend tout, des superproductions grand public aux classiques cultes.

Thor Ragnarok comme vieux livres de Matt StevensBons films en tant que vieux livres par Matt StevensFargo comme Old Book par Matt StevensBons films en tant que vieux livres par Matt StevensThe Matrix Movies en tant que vieux livres de Matt StevensKarate Kid en Livre broché par Matt StevensInglorious Basterds en tant que vieux livre de Matt StevensBons films en tant que vieux livres par Matt StevensRobocop en tant que livre broché par Matt StevensBons films en tant que vieux livres par Matt StevensAvengers Endgame en tant que vieux livres de Matt StevensRetour vers le futur en tant que vieux livres de Matt StevensMad Max en vieux livres de Matt StevensShawshank Redemption en tant que vieux livres de Matt StevensMatt Stevens: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des images de Matt Stevens.

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20 masques faciaux réutilisables uniques conçus par des artistes indépendants

Masques en tissu conçus par un artiste sur Fine Art America

Cet article est sponsorisé par Fine Art America. Nos partenaires sont triés sur le volet par l’équipe de My Modern Met car ils représentent le meilleur en matière de design et d’innovation.

Alors que les masques faciaux deviennent une réalité de la vie, il n'y a aucune raison de croire que vous ne pouvez pas rester à la fois en sécurité et élégant. Masques faciaux réutilisables vous protègent de la propagation et de l’exposition aux germes, et ils se sont même avérés efficaces contre des virus comme COVID-19. Et bien que certains puissent craindre qu'un couvre-visage puisse bloquer leur personnalité, il existe d'autres moyens pour améliorer votre caractère.

Heureusement, Fine Art America vend des masques en tissu conçus par des artistes qui peuvent vous aider à vous exprimer même lorsque votre sourire est couvert. Conçus par certains des meilleurs artistes indépendants de la plate-forme, ces masques réutilisables sont uniques, abordables et accrocheurs. Des motifs abstraits colorés et des fleurs luxuriantes aux personnages de la culture pop et aux adorables slogans, il y en a pour tous les goûts.

En choisissant un masque facial artistique, vous ferez de son port un plaisir plutôt qu’un tracas. Considérez-les comme un nouvel accessoire et vous serez prêt à vous approvisionner pour chaque occasion et tenue. Les masques faciaux de Fine Art America sont fabriqués à 100% en polyester; et même s'ils ne sont pas de qualité chirurgicale, ils fourniront sûrement le type de protection quotidienne dont vous aurez besoin lorsque vous vous aventurez à l'épicerie, que vous vous coupez les cheveux ou que vous faites des courses avec vos enfants.

Nous avons examiné les sélections de Fine Art America et dressé une liste spéciale de nos masques faciaux préférés. Mais si vous ne trouvez pas ce que vous cherchez, ne vous inquiétez pas, vous pouvez créer votre propre masque facial personnalisé. À partir de 12 $, il vous suffit de télécharger votre image préférée et, voilà, elle est prête à l'emploi.

Voici 20 masques faciaux réutilisables qui sont aussi élégants qu'efficaces.

Masque de visage marin abstrait

Masque artistique en tissu

Designs Spacefrog | 13,75 $

Masque de visage de paysage de cactus

Masque artistique

Designs Spacefrog | 13,75 $

Masque de visage abstrait

Masque de visage abstrait

Linda Woods | 14 $

Masque de visage géométrique

Masque facial conçu par l'artiste

Laurence Lavallee | 15 $

Masque facial contemporain

Masque élégant

Theo von Doesburg | 15 $

Masque Floral

Masque facial en tissu floral

Linda Woods | 14 $

Masque Yoda

Masque facial en tissu Yoda

Olga Shvartsur | 14 $

Masque Darth Vader

Masque Darth Vader

Olga Shvartsur | 14 $

Masque de fleur

Masque Floral

Linda Woods | 14 $

Masque Visage Tropical Palms

Masque Visage Palmier Tropical

Andrew Paranavitana | 24,95 $

Masque à la feuille de bananier

Masque à la feuille de palmier

Lauren Amelia Hughes | 14 $

Masque d'astronaute

Masque en tissu d'astronaute

Scott Listfield | 17 $

Masque facial de grue volante

Masque facial de grue volante

Designs Spacefrog | 13,75 $

Masque facial à imprimé japonais

Masque japonais en tissu à imprimé gravé sur bois

École japonaise | 15 $

Masque pour le visage Champs de lavande

Masque facial en tissu à imprimé lavande

Collections de variance | 18 $

Masque de chat qui rit

Masque de chat qui rit

Sergey Taran | 14 $

Masque de chien qui rit

Masque de chien qui rit

Sergey Taran | 14 $

Masque Papillon

Masque Papillon

Amy Kirkpatrick | 14 $

Masque facial «Être normal est ennuyeux»

Masque de bouledogue français mignon

Balazs Solti | 13,99 $

«Mais d'abord. Lavez-vous les mains." Masque

Masque en tissu drôle

Linda Woods | 14 $

Fine Art America: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Fine Art America.

Des flotteurs nets de 242 pieds au-dessus d'un parc de Floride en souvenir du passé

Arc de flexion de Janet Echelman au Pier Park à Saint-Pétersbourg

Photo: Brian Adams

L'artiste Janet Echelman est connue pour ses installations extraordinaires, et son dernier travail à Saint-Pétersbourg, en Floride, ne fait pas exception. Arc de flexion est une sculpture aérienne ondulante composée de 1 662 528 nœuds et 180 milles de ficelle. Couvrant 242 pieds et mesurant 72 de hauteur à son point le plus élevé, l’installation permanente est un point central du nouveau Pier Park de la ville.

Alors que la sculpture danse dans le vent, elle jette des formes et des ombres à travers le parc, embrassant ses visiteurs. Et la nuit, il est éclairé par une lumière magenta et violette, ce qui le transforme en quelque chose d'encore plus magique. Echelman, qui a grandi à proximité sur les rives de Tampa Bay, a d'abord été inspirée par les parasols de plage bleus et blancs qu'elle voyait sur des cartes postales historiques. Les formes géométriques des balanes qui poussent sous la jetée ont également façonné ses idées.

Mais en approfondissant ses recherches, Echelman a trouvé une nouvelle signification à son travail. Elle a découvert que l'emplacement du projet était un site important dans le mouvement des droits civiques. C’est là que les citoyens se sont rassemblés pacifiquement pour protester contre la politique de la ville de garder les piscines municipales séparées, même après l’affaire historique de 1954. Brown c.Conseil de Éducation, dans laquelle la Cour suprême a jugé que la ségrégation était inconstitutionnelle. En 1955, après s'être vu refuser l'accès à la piscine publique, le Dr Fred Alsup et cinq autres membres de la communauté noire ont poursuivi la ville. Ils ont gagné leur cause, même si la lutte a continué jusqu'en 1957, date à laquelle la Cour suprême a refusé d'entendre l'appel de la ville.

Vue aérienne de l'arc de flexion de Janet Echelman à Saint-Pétersbourg

Photo: Brian Adams

En apprenant cette signification historique, Echelman a décidé de nommer l'œuvre Arc de flexion. La phrase vient d'une citation de 1968 du Dr Martin Luther King Jr: «L'arc de l'univers moral est long, mais il se penche vers la justice.» Alors que la marche vers l'égalité raciale se poursuit encore aujourd'hui, Echelman peut se réjouir du fait que les familles de toutes races pourront profiter librement de son travail.

L'énorme entreprise d'apporter Arc de flexion à la vie a été rendu possible grâce à une collaboration entre les secteurs privé et public. La sculpture a été entièrement financée par des donateurs privés, tandis que l’infrastructure de la sculpture faisait partie du nouveau projet Pier District. Grâce au partenariat, le public pourra profiter de la pièce pour les années à venir.

La sculpture légère d’Echelman est conçue pour durer. La corde est fabriquée à partir de fibres utilisées par la NASA pour attacher le Mars Rover, il n'y a donc aucun risque de casse; il est capable de résister à des vents allant jusqu'à 150 miles par heure. (En fait, la corde est 15 fois plus résistante que l'acier.) Et maintenant, elle flotte doucement au-dessus du nouveau parc, créant un point focal pour que les citoyens se rassemblent et se souviennent de l'histoire de leur ville. Ce faisant, ils peuvent regarder en arrière et apprendre afin de faire mieux à l'avenir.

Pliant Arc est une nouvelle installation permanente à Saint-Pétersbourg de l'artiste renommée Janet Echelman.

Famille bénéficiant de Pier Park à Saint-Pétersbourg

Photo: Visitez St.Pete-Clearwater

Le filet flottant de 242 pieds de long est composé de 1 662 528 nœuds et de 180 miles de ficelle.

Vue aérienne de l'arc de flexion de Janet Echelman à Saint-Pétersbourg

Photo: Brian Adams

Echelman a nommé la pièce d'après une citation du Dr Martin Luther King Jr.après avoir découvert que le site abritait des manifestations pacifiques des droits civiques dans les années 1950.

Vue aérienne de l'arc de flexion de Janet Echelman à Saint-Pétersbourg

Photo: Brian Adams

Pour sublimer le drame, la nuit, l'installation est éclairée en magenta et violet.

L'arc de flexion de Pier Park allumé la nuit

Photo: Amy Martz

L'installation de l'arc de flexion de Janet Echelman illuminée la nuit

Photo: Ville de Saint-Pétersbourg

Arc de flexion à Saint-Pétersbourg éclairé la nuit

Photo: Brian Adams

Janet Echelman: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Janet Echelman.

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Comment Sœur Plautilla Nelli est devenue la première femme artiste à peindre «The Last Supper»

La Cène de Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, Détail de «La Cène», v. Années 1560 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Ce n’est un secret pour personne que la Renaissance italienne est l’un des mouvements les plus influents de l’histoire de l’art occidental. Nous pensons que cette époque est dominée par des artistes principalement masculins comme Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, mais il y avait quelques femmes peintres célèbres qui ont laissé leur marque. Parmi eux se trouvait Sœur Plautilla Nelli (vers 1524-1588), la première femme à rendre Le dernier souper.

Près d'un tiers des femmes artistes enregistrées dans l'Italie de la Renaissance étaient des religieuses dominicaines. Le couvent de Sœur Plautilla, Santa Caterina, est l’endroit où elle apprend à peindre à la manière d’autres artistes religieux comme Fra Bartolomeo. Son talent et sa passion pour la création d'images l'ont amenée à devenir responsable d'un atelier artistique au sein de son couvent. En fait, Sœur Plautilla a eu un tel succès à son époque qu’elle était l’une des rares artistes féminines incluses dans le texte historique de Giorgio Vasari, le La vie des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes.

Ici, nous explorons l'héritage artistique de Sœur Plautilla Nelli et comment elle est devenue la principale peintre de son couvent.

Découvrez l'art accompli de la nonne et peintre de la Renaissance, sœur Plautilla Nelli.

La jeunesse de sœur Plautilla

Madonna par Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, «Madonna Addolorata», v. Années 1500 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Sœur Plautilla Nelli est née Pulisena Margherita Nelli vers 1524 dans une famille riche de Florence, en Italie. Quand elle avait 14 ans, elle a été placée au couvent de Santa Caterina di Cafaggio et a adopté le nouveau nom de Plautilla. Ce n'était pas rare au XVIe siècle, car de nombreuses familles éminentes placaient leurs filles dans des couvents pour éviter de payer une dot coûteuse.

Santa Caterina était dirigée par les frères dominicains et dirigée par le chef spirituel Girolamo Savonarola (1452-1498). Il a encouragé les religieuses à créer un art religieux pour exprimer leur dévotion à Dieu. Sœur Plautilla a appris elle-même à peindre en étudiant le Style Renaissance élevé peintures de Fra Bartolomeo (vers 1472-1517), un moine dominicain qui a également travaillé pour Savonarole, ainsi que le Maniériste peintures de Agnolo Bronzino (1503-1572). En tant que femme, sœur Plautilla n'était pas autorisée à étudier la figure masculine, alors elle a appris à rendre les hommes en étudiant l'art et la sculpture.

Création d'un atelier d'art entièrement féminin

Annonciation de Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, «Annonciation», v. Années 1500 (Photo: Galeries des Offices Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0))

Le talent de Sœur Plautilla en tant que peintre a rapidement attiré l’attention des cercles riches de Florence et de nombreuses familles a commandé son œuvre religieuse à accrocher dans leur maison. Elle a fondé un atelier d'art entièrement féminin dans son couvent et a appris à d'autres religieuses à peindre. Ensemble, ils ont pu entreprendre des travaux de commission à grande échelle et devenir financièrement indépendants.

Le dernier souper La peinture

La Cène de Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, «Le dernier souper», v. Années 1560 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Dans les années 1560, sœur Plautilla a créé son tableau le plus ambitieux à ce jour: une représentation de sept mètres de long (ou 22 pieds) de Le dernier souper. Elle est le première femme artiste enregistrée pour rendre le sujet religieux bien connu. Il marque un énorme départ par rapport aux autres activités artistiques de Nelli (qui étaient en grande partie des miniatures pour la maison) et illustre ses talents de peintre.

La Cène de Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, Détail de «La Cène», v. Années 1560 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En particulier, les historiens notent la nonne une grande attention aux détails. La nappe blanche en amidon, par exemple, a des plis soigneusement repassés et est sertie de bols en céramique turquoise, de fines assiettes en porcelaine et de verres ornés. De plus, la nourriture représentée est typique de la cuisine toscane.

La Cène de Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, Détail de «La Cène», v. Années 1560 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Sœur Plautilla a embelli les personnages avec expressions chargées d'émotion et langage corporel emphatique. Au centre de la table, un Jésus serein prend Jean dans une main. Sur le côté gauche, deux apôtres (peut-être Thomas et Pierre) semblent être dans une discussion rigoureuse, comme en témoignent leurs fronts plissés et leurs mains levées. De même, sur le côté gauche, un apôtre détourne le regard alors qu'il serre les mains dans une prière respectueuse.

La Cène de Plautilla Nelli

Plautilla Nelli, Détail de «La Cène», v. Années 1560 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Restauration de Le dernier souper

En 2017, l'organisation basée aux États-Unis Fondation pour l'avancement des femmes artistes (AWA) a lancé une campagne de financement participatif pour restaurer le tableau de sœur Plautilla Le dernier souper. Les œuvres d'art détériorées se cachaient depuis 450 ans et suspendu dans le réfectoire du monastère de Santa Maria Novella pour les 200 derniers d'entre eux.

AWA a réussi à collecter 67 000 dollars pour la conservation du seul tableau de Sœur Plautilla. Pour atteindre leur objectif, ils ont offert aux donateurs la possibilité «d'adopter» l'un des 12 apôtres représentés dans le tableau pour 10 000 $ chacun.

La restauratrice en chef Rossella Lari a dû retirer des couches de surpeinture des restaurations précédentes pour atteindre l'œuvre originale. Malgré le manque d’éducation artistique de Sœur Plautilla, Lari soutient que la peinture montre «des coups de pinceau puissants» et «un grand sens de l’énergie et de la détermination».

L'un des détails les plus remarquables est l'inscription que Sœur Plautilla a faite sous sa signature. Il dit «Orate pro pictora» ou «priez pour la peintre». En l'incluant sous son nom, la religieuse confirme son identité de femme artiste.

Après quatre ans de restauration, Le dernier souper est à la vue du public dans le Musée Santa Maria Novella à Florence où les visiteurs peuvent enfin voir sa taille et sa composition remarquables.

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Baker Handpicks Fleurs comestibles pour créer de beaux bouquets sur des biscuits sablés

Biscuits sablés aux fleurs pressées

Pourquoi envoyer des fleurs alors que vous pouvez donner un bouquet pressé à la main en délicieux biscuits sablés? Loria Stern, boulangère basée à Montecito, crée de jolies friandises ornées de fleurs et d'herbes comestibles triées sur le volet qu'elle sélectionne dans son propre jardin biologique ou trouve sur les marchés fermiers locaux.

Stern a eu l’idée d’incorporer des plantes médicinales dans ses pâtisseries quand on lui a demandé de préparer des desserts pour la fête d’un ami. La soirée avait pour thème «Flower Power» dans le style de l’artiste Georgia O’Keeffe. «L'idée de presser des fleurs comestibles dans des biscuits issus de cette fête», révèle Stern. «Depuis, j'ai planté un jardin bio dans mon jardin et j'utilise maintenant des fleurs dans toutes sortes de plats.»

En plus de ses biscuits sablés à la vanille pressée aux fleurs, Stern propose également des versions sans gluten qui sont chacune naturellement colorées en fonction de leur saveur. Les biscuits verts au matcha, les sablés au géranium rose à la framboise et les biscuits jaune vif au citron et au curcuma sont quelques-unes de ses savoureuses offres. Mais Stern ne s’arrête pas là; elle fait aussi des gâteaux, des tartes et même des focaccia. Chaque délice délicieux est joliment décoré avec les fleurs pressées du boulanger artistique qui non seulement sont jolies mais ajoutent encore plus de saveur.

Faites défiler vers le bas pour découvrir les biscuits aux fleurs de Stern et achetez les vôtres dans sa boutique en ligne.

Loria Stern prépare des biscuits ornés de fleurs et d'herbes comestibles qu'elle cueille dans son propre jardin biologique.

Biscuits aux fleurs par Loria SternBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits aux fleurs par Loria SternBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits aux fleurs par Loria SternBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits aux fleurs par Loria SternBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits sablés aux fleurs presséesBiscuits sablés aux fleurs pressées

Stern ne fait pas que des cookies. Elle crée également des gâteaux floraux, des tartes et plus encore!

Desserts de fleurs presséesDesserts de fleurs presséesDesserts de fleurs presséesDesserts de fleurs presséesPain aux fleurs presséLoria Stern: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Loria Stern.

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Apprenez l’histoire intrigante (et parfois controversée) du «Jugement dernier» de Michel-Ange

Le jugement dernier par Michel-Ange

Le jugement dernier »de Michel-Ange, 1536-1541. (Photo: domaine public via Wikipedia)

En tant que l'un des plus grands artistes de tous les temps, Michel-Ange a une longue liste de chefs-d'œuvre. Ce génie de la Renaissance italienne était un sculpteur, peintre et poète dont l'œuvre a laissé une marque indélébile dans l'histoire de l'art. Certaines de ses pièces les plus célèbres se trouvent dans la chapelle Sixtine, située à l’intérieur de la résidence du pape au Vatican en Italie.

Quand nous pensons à la chapelle Sixtine, la première chose qui nous vient à l’esprit est peut-être l’incroyable fresque au plafond de Michel-Ange qui montre des scènes du livre biblique de la Genèse. Cependant, il y a un autre exploit artistique tout aussi impressionnant de Michel-Ange dans la même pièce. Le jugement dernier, qui a été peinte plusieurs décennies plus tard, est une fresque puissante qui couvre tout le mur de l'autel.

Peinte alors que Michel-Ange était pleinement dans son style mature, l'œuvre d'art a immédiatement eu un impact et a suscité la controverse. Si ce jugement final de l'humanité n'était pas un sujet inhabituel pour un artiste de la Renaissance, Michel-Ange l'a fait sien en utilisant un style à la fois apprécié et décrié.

Examinons de plus près l'histoire de cette fresque emblématique et apprenons comment Le jugement dernier a eu un impact durable.

La vie de Michel-Ange après le plafond de la chapelle Sixtine

Pape Paul III par Titien

«Portrait du pape Paul III» par Titien, 1545. (Photo: domaine public via Wikipedia)

Il faudrait 25 ans pour ramener Michel-Ange à Rome et à la chapelle Sixtine. L'artiste est entré dans le projet après une longue et fructueuse période de travail pour la famille Medici à Florence. Après une période tumultueuse où les Médicis ont d'abord été renversés puis repris le pouvoir, Michel-Ange a saisi la chance de retourner à Rome.

Là, il a été accueilli par le pape Clément VII, qui a chargé l'artiste de peindre une nouvelle fresque sur le mur de l'autel de la chapelle Sixtine. Malheureusement, le pape mourrait peu de temps après avoir donné la commission, mais son successeur Pape Paul III s'est assuré que les travaux ont été effectués.

Les travaux ont commencé en 1534 et se sont terminés en 1541 lorsque Michel-Ange avait 67 ans.

Iconographie en Le jugement dernier

Le Christ et la Vierge Marie dans le jugement dernier de Michel-Ange

Le Christ et la Vierge Marie dans «Le jugement dernier» (Photo: domaine public via Wikipedia)

Ce nouveau mur de la chapelle Sixtine aurait un thème spécifique: le Jugement dernier. La représentation de la seconde venue de Jésus-Christ et du jugement final de l’humanité par Dieu a été un sujet populaire tout au long de la Renaissance. Par exemple, Giotto – considéré comme le père de la Renaissance – est bien connu pour son jugement dernier dans la chapelle Scrovegni à Padoue.

La vision de Michel-Ange sur le sujet est devenue, au fil du temps, emblématique. Dans la fresque, nous voyons plus de 300 personnages peints de manière experte pour réaliser cette histoire. Le Christ est assis au milieu, la main levée pour juger les damnés qui s'enfoncent dans les profondeurs de l'enfer. Avec ses muscles ondulés, ce Christ est une figure imposante.

À sa gauche se trouve la Vierge Marie. Elle prend une pose modeste en contrapposto et regarde vers ceux qui ont été sauvés. Immédiatement autour de ce couple central se trouve un groupe de saints importants. Saint Pierre, qui détient les clés du ciel, et saint Jean-Baptiste sont tous deux représentés sur une échelle égale au Christ.

Charon et les damnés dans Le Jugement dernier de Michel-Ange

Charon et âmes des damnés (Photo: domaine public via Wikipedia)

La composition générale tourne dans un mouvement fluide, avec les sauvés à gauche du Christ en train de sortir de leurs tombes tandis que les damnés sont poussés en enfer. Au bas de la fresque, on voit Charon, une figure mythologique. Dans la mythologie grecque et romaine, il transportait les âmes aux enfers. Ici, il les transporte directement en enfer, qui est rempli de personnages macabres.

Symboles cachés dans la peinture

Dans le schéma général de la peinture, Michel-Ange a inséré plusieurs symboles cachés qui sont venus ravir le public au fil du temps – bien qu'ils n'aient pas toujours été appréciés à son époque.

Le premier est un autoportrait plutôt horrible peint dans le saint assis juste en dessous du pied gauche du Christ. Il est assis sur un nuage avec la peau à la main. C'est Saint Barthélemy, qui a été martyrisé après avoir été écorché vif. Par conséquent, il ne tient pas seulement le couteau utilisé pour l'écorcher, mais aussi sa propre chair. Il est largement admis que le visage sur la peau est en fait un autoportrait de Michel-Ange.

Saint-Barthélemy dans le jugement dernier de Michel-Ange

Saint-Barthélemy. (Photo: domaine public via Wikipedia)

Michel-Ange a également ajouté son propre flair d'une manière qui a immédiatement suscité la controverse. Dans le coin inférieur droit de la fresque, un groupe de peuplements damnés regroupés. Un personnage particulièrement horrible est un homme qui non seulement a des oreilles d'âne – faisant référence à sa folie – mais qui a malheureusement un serpent enroulé autour de son corps avec le serpent mordant ses parties intimes.

Lors d'un aperçu de la fresque avec le Pape Paul III, son maître de cérémonie Biagio da Cesena a immédiatement remarqué un problème. D'une manière ou d'une autre, il s'était retrouvé placé dans la fresque comme ce personnage peu flatteur. Le personnage lui-même est en fait Minos, le juge mythologique de la pègre, et en quelque sorte Da Cesena avait déclenché la colère de l’artiste et s’est retrouvé en enfer. Quand il s'est plaint au Pape de la façon dont il a été montré dans la fresque, il a été dit que le Pape avait simplement plaisanté en disant que son pouvoir ne s'étendait pas jusqu'en enfer, donc le portrait devrait rester.

Controverse entourant Le jugement dernier

Biagio da Cesena comme Minos dans le jugement dernier

Biagio da Cesena comme Minos dans «Le jugement dernier» (Photo: domaine public via Wikipedia)

Ce n’était pas seulement Da Cesena qui n’était pas ravi de la façon dont Michel-Ange jouait avec la tradition en Le jugement dernier. Beaucoup dans l'église étaient encore sous le choc de la Réforme protestante et essayer de mettre en œuvre des réformes spirituelles. Ils n’ont pas apprécié la façon dont Michel-Ange a mélangé la mythologie avec les figures religieuses, et ils n’ont certainement pas apprécié les quantités abondantes de nudité.

Leur colère a été contrebalancée par ceux qui ont apprécié le talent artistique de Michel-Ange et ont estimé que l'œuvre devait être admirée pour son génie et son style de peinture.

D'autres critiques ont estimé que Michel-Ange aurait dû adhérer plus étroitement à l'événement tel que décrit dans la Bible. Ils ont souligné que le Christ devrait être assis sur un trône et que certaines des draperies qui semblent souffler dans le vent ne seraient pas possibles, car le temps était censé s'arrêter le jour du jugement.

La controverse a continué de croître dans les années qui ont suivi l’achèvement de la fresque. Cela n'a été souligné que par les nouvelles réformes de l'art religieux que le Concile de Trente institué en 1563. Dans le décret officiel, tout ce qui est «superstitieux» ou «lascif» doit être évité. Et, malheureusement pour Michel-Ange, «les images de la chapelle apostolique devraient être recouvertes, et celles des autres églises devraient être détruites, si elles affichent quelque chose d'obscène ou de clairement faux».

Sainte Catherine dans le jugement dernier de Michel-Ange

Sainte Catherine et Saint Blaise après avoir été repeint avec des vêtements. (Photo: Wikipédia)

Cela signifiait que très probablement après la mort de Michel-Ange, un peintre est entré et a couvert les organes génitaux visibles avec des draperies. Les travaux se sont déroulés par étapes, car la chapelle devait être utilisée pour des affaires officielles à différents endroits. Chaque intervention était, malheureusement, plus agressive que la précédente. Au total, une quarantaine de figurines ont fait l'objet de draperies et deux figurines ont été entièrement refaites. Heureusement, puisque les modifications ont été faites en fresque sèche, elles étaient plus faciles à enlever.

En fait, lors de la restauration de la chapelle Sixtine dans les années 1990, 15 revêtements ajoutés après 1600 ont été enlevés. Il a été décidé que la modification du XVIe siècle devrait rester en place pour aider à raconter l'histoire de l'œuvre d'art.

Aujourd'hui, les critiques d'art ont été plus gentils avec Le jugement dernier. Alors que certains rechignent encore à la représentation volumineuse de l'anatomie et au regroupement des figures, dans l'ensemble, l'œuvre est toujours considérée comme un chef-d'œuvre.

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L'artiste crée des dessins au trait détaillés sans jamais soulever son stylo du papier

Dessin au trait par Tyler Fourst

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Si vous avez déjà essayé de gribouiller sans soulever votre stylo du papier, vous savez à quel point il peut être amusant de créer des illustrations abstraites composées de lignes et de gribouillis. Spécialisé dans ce domaine, l'artiste américain Tyler Foust crée de l'abstrait, dessins au trait continu plein de motifs fascinants.

Des lignes ondulées qui semblent vibrer sur la page aux illustrations abstraites d'animaux, Foust restitue toute une gamme de motifs en un seul trait. Ses œuvres les plus intéressantes sont peut-être celles dessinées sur du papier foncé à l'encre blanche. Foust joue intelligemment avec l'espace négatif pour créer des dessins au trait complexes de sujets silhouettés tels que des oiseaux, des ours, etc.

Peu importe ce qu’il choisit de dessiner, c’est le processus que l’artiste talentueux aime le plus. «J'apprécie le stress de devoir m'assurer que chaque virage est intentionnel», a déclaré Foust à My Modern Met. «Le défi de garder la ligne aussi compacte que possible sans jamais la laisser toucher. Garder les écarts aussi cohérents que possible. Tout cela en créant une image avec des images cachées à l'intérieur. "

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des dessins au trait continu de Foust. Si vous aimez son travail, vous pouvez acheter son art sous forme de tirages et plus encore via Etsy et Redbubble.

L'artiste Tyler Foust crée dessins au trait continu plein de motifs fascinants.

Dessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler FourstDessin au trait continu par Tyler Fourst

Chaque motif abstrait est créé sans lever son stylo du papier.

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Regardez l'artiste au travail:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=xtUj-TsEXBE (/ incorporer)

Tyler Foust: Instagram | YouTube | Etsy | Redbubble

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Tyler Foust.

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L'histoire de la raison pour laquelle les Beatles ont refusé de jouer devant un public séparé

La couverture de l'album des Beatles

Photo: Photos de Lenscap Photography / Shutterstock

En 1964, une foule persistante de Jacksonville, en Floride, frappée par un ouragan, s'est rassemblée avec enthousiasme pour regarder les Beatles monter sur scène. Ils ne savaient pas à quel point le concert était proche d'être annulé. Les États-Unis étaient en pleine ségrégation et en mouvement pour les droits civiques. C'était une époque où, comme l'historienne Kitty Oliver se souvient,
«Les locaux publics étaient séparés, les inégalités étaient endémiques et les opportunités étaient étouffées.» Elle poursuit en racontant: «Alors que les tensions s'accéléraient, nos églises nous ont avertis de ne pas nous impliquer dans des activités de défense des droits civiques par crainte de représailles contre nos parents.» C'était aussi le sommet de la Beatlemania et un Oliver de 16 ans ne pouvait s'empêcher d'être attiré par un monde et une perspective plus larges.

«Pourtant, certains d'entre nous ont risqué la rébellion», admet Oliver. «Le soir, pour le plaisir, j’écoutais la‘ station de radio blanche ’. C’est là que j’ai découvert les Beatles. C'étaient des rebelles, affichant leur différence dans leur apparence et leur sonorité, et j'étais fan depuis le début. C'est également là qu'elle a entendu dire que les Beatles venaient en ville et seraient au Gator Bowl Stadium de Jacksonville, en Floride. Alimenté par la détermination et la marée croissante du mouvement des droits civiques, Oliver a économisé de l'argent, a pris un taxi et s'est rendu à l'événement.

Photo de l'école secondaire Kitty Oliver

Kitty Oliver (portrait du lycée)

Pendant ce temps, des tensions montaient entre le groupe, la direction du stade et les promoteurs. Malgré la marée du changement, la direction du bol Gator a tenu bon pour maintenir ses pratiques de longue date de toilettes séparées, de fontaines à eau et de sièges. Cette nouvelle a immédiatement poussé les Beatles à rejeter la configuration potentielle. Lors d'une conférence de presse, le groupe a ouvertement exprimé son refus de se produire dans ces conditions. John Lennon a fait remarquer: «Nous ne jouons jamais devant un public séparé et nous n’allons pas commencer maintenant. Je perdrais plus tôt notre argent d'apparence. "

Bien que les directeurs et les promoteurs de Gator Bowl aient initialement résisté aux demandes du groupe, ils ont finalement cédé à la pression financière d'un auditorium de 32 000 places à guichets fermés.

Avec des rafales de vent et Oliver entouré d'une mer de visages blancs, elle se souvient: «Alors que le groupe entrait et que la foule se levait, un grand homme blanc élancé à ma gauche, qui semblait être dans la vingtaine, se rapprochait de façon inattendue alors que la foule se levait, tonitruant, à l'unisson, lorsque les Beatles sont montés sur scène. Ensuite, la vision tunnel s'est installée: les yeux rivés sur le devant, j'ai chanté "Elle m'aime, ouais, ouais, ouais …" à voix haute, aussi fort que tout le monde, nous sommes tous perdus dans le son. "

La décision des Beatles de s’en tenir à la moralité et leur utilisation de l’influence des célébrités étaient en avance sur leur temps; et ils ont offert à Oliver le moment de l'élargissement de la perspective et de l'élargissement du monde qu'elle avait recherché avec rébellion dans sa jeunesse.

The Beatles Walking (Statue)

Statue des Beatles à pied (Photo: Stock Photos from Liam.Jones / Shutterstock)

Dr Kitty Oliver: Site Web | Instagram | Facebook
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My Modern Met a accordé la permission de présenter une photo de Kitty Oliver.

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L'application en ligne gratuite vous permet de créer votre propre tapisserie de Bayeux

Tapisserie de Bayeux avec citation de Tolkien

Les artistes et les auteurs se tournent souvent vers le Moyen Âge pour s'inspirer. L'histoire et la légende offrent des chevaliers courageux, des batailles épiques et des châteaux pleins de royauté. Désormais, tout le monde peut créer ses propres storyboards, cartes de vœux ou mèmes de style médiéval à l'aide d'une application en ligne appelée Historic Tale Construction Kit. Créé par une équipe de programmeurs (Leonard Allain-Launay, Mathieu Thoretton, Maria Cosmina Etegan), le site permet aux utilisateurs de recombiner numériquement le lettrage et les images dramatiques vus dans les tapisseries médiévales pour créer leur propre nouvelle image. (La fonctionnalité est similaire à celle des générateurs de mèmes des années 2000, qui permettaient aux utilisateurs de parcourir des images et d'appliquer leur propre texte pour créer leurs propres mèmes.)

La nouvelle version du kit de construction de l'histoire historique tire ses éléments – bêtes, bâtiments et gens – de la broderie de la célèbre tapisserie de Bayeux, qui réside au musée de Bayeux en Normandie, en France. La tapisserie physique mesure 224 pieds de long et 20 pouces de large. Les historiens pensent qu'Odo, évêque de Bayeux, a commandé les travaux sur la consécration en 1077 de sa nouvelle cathédrale. Il dépeint la victoire sur l'Angleterre de son demi-frère Guillaume le Conquérant, le premier roi normand d'Angleterre.

Les fonctions du Kit permettent une créativité maximale. Le code est public pour ceux qui souhaitent élaborer sur le programme, ce que nous nous sommes permis de faire. En fait, le J.R.R. Les «tapisseries» inspirées de Tolkien vues dans cet article sont toutes générées par l'utilisateur. Le texte et les images correspondent à merveille car Tolkien lui-même s'est inspiré de l'histoire médiévale pour créer les personnages et les intrigues de Le Seigneur des Anneaux. Même dans ce cas, il convient de noter que les polices médiévales peuvent se prêter à des thèmes plus modernes ou peut-être visualiser les mots de votre poète moderne préféré.

Heureusement, la tapisserie physique a survécu à la fois à la Révolution française et à l'occupation nazie de la France. Maintenant, ce nouveau kit de construction de conte historique en ligne permet à une autre génération de découvrir la tapisserie, d'apprendre un peu d'histoire et de suivre sa propre muse médiévale.

Vous pouvez désormais créer votre propre tapisserie numérique à l'aide du kit de construction Historic Tale.

Tapisserie de Bayeux avec citation de Tolkien

Le site Web interactif permet aux utilisateurs de personnaliser les éléments trouvés dans la tapisserie de Bayeux, y compris les bêtes, les bâtiments et les gens.

Tapisserie de Bayeux avec citation de Tolkien

Vous pourriez perdre des heures à jouer avec cette fonctionnalité amusante et gratuite.

Tapisserie de Bayeux avec citation de TolkienKit de construction de conte historique: site Web
h / t: (Culture ouverte)

Toutes les images créées à l'aide du kit de construction Historic Tale.

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Des peintures immersives sur l'océan capturent la beauté chatoyante des vagues infinies

Peintures océaniques par Eva Volf

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Beaucoup de gens trouvent la sérénité dans l'immensité des eaux d'un bleu profond et des cieux sans fin. L'artiste Eva Volf exprime son amour de toute une vie pour l'océan dans de magnifiques peintures de paysages marins tranquilles, de vagues à la coiffe blanche et de plages orageuses. Chacune de ses œuvres commence par une visite à la plage, où elle prend amplement le temps de conceptualiser son art. Après avoir fait les croquis préparatoires nécessaires, elle retourne dans son atelier de Clevland, Ohio pour produire le tableau final, en utilisant des coups de pinceau si fluides que l'eau rendue à l'huile scintille sur la toile.

Volf varie le format de ses toiles en fonction de la partie de l'eau qu'elle représente. De plus petites pièces de forme circulaire, par exemple, sont utilisées pour mettre en évidence des plans d'eau immersifs. Mais pour les scènes atmosphériques de l'océan au coucher du soleil, elle choisit de longues toiles verticales. En sélectionnant ce format, elle est capable de montrer comment les couleurs transitoires du ciel sont réfractées dans les vagues douces et roulantes.

Les œuvres d'art primées de Volf ont été présentées Collectionneur d'art américain magazine et fait partie de nombreuses collections privées et publiques à travers le monde. Vous pouvez acheter ses peintures originales sur Etsy et voir plus d'œuvres d'art inspirées de l'océan en la suivant sur Instagram.

L'artiste Eva Volf exprime son amour de l'océan dans des peintures de paysages marins sereins.

Peintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeinture de l'eau par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeinture de l'eau par Eva VolfPeintures océaniques par Eva VolfPeinture de l'eau par Eva Volf

Eva Volf: Site Web | Etsy | Instagram

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Incroyable technique japonaise du XVe siècle pour la culture de cèdres ultra-droits

Non loin de Kyoto, il y a d'immenses forêts de cèdres plantées le long des collines. Ce Cèdre Kitayama est connue pour être exceptionnellement droite et sans nœuds et est très demandée depuis le 15ème siècle. Face à une telle demande et au manque d'espace, les forestiers ont trouvé une façon ingénieuse de cultiver plus de bois en utilisant moins de terres. Cela implique la taille lourde d'un cèdre mère, ce qui encourage les jeunes arbres hauts et minces à tirer vers le haut. Considérez-le comme un bonsaï à grande échelle.

Cette technique, qui s'appelle daisugi, permet aux forestiers de récolter du bois beaucoup plus rapidement. Les pousses peuvent être plantées (pour aider à peupler rapidement une forêt) ou récoltées. Des techniques similaires peuvent être trouvées datant de la Rome antique, qui s'appelait étêtage, et dans toute l'Europe – en particulier en Grande-Bretagne – où il s'appelle taillis. Le résultat est un cèdre élancé qui est à la fois flexible et dense, ce qui en fait le choix parfait pour les toits et les poutres en bois traditionnels. Le cèdre Daisugi peut être récolté tous les 20 ans et avec l’arbre de base qui dure des centaines d’années, il y a beaucoup de bois à récolter à partir d’un seul arbre.

Bien que 20 ans puissent sembler longs, cela est en fait accéléré par rapport au cèdre traditionnel de Kitayama. Afin de garder les arbres sans nœuds, les ouvriers grimpent sur les longs troncs tous les trois à quatre ans et taillent soigneusement les branches en développement. Après environ 30 ans, un seul arbre est finalement abattu. Ce type de cèdre, qui est légèrement plus épais que le cèdre daisugi, a plusieurs utilisations différentes.

Traditionnellement, les pièces de bois lisses et esthétiques étaient utilisées comme piliers principaux dans une alcôve appelée le tokonoma. Apparues également pour la première fois au 15ème siècle pendant la période Muromachi, ces alcôves étaient utilisées pour exposer des objets artistiques comme l'ikebana ou des rouleaux. Ils figurent également en bonne place dans les salons de thé de Kyoto et on dit que c'est le maître de thé par excellence de Kyoto, Sen-no-rikyu, qui a exigé la perfection du cèdre de Kitayama au XVIe siècle.

Bien que l'utilisation du cèdre de Kitayama dans ces alcôves traditionnelles diminue à mesure que l'architecture japonaise se développe, ce bois très prisé est toujours utilisé pour tout, des baguettes aux meubles.

Le cèdre de Kitayama au Japon est un arbre haut et droit qui est soigneusement cultivé pour ne pas avoir de nœuds.

Forêt de cèdres de Kitayama au Japon

Photo: Photos de H.Tanaka / Shutterstock

Les forestiers utilisent une technique mise au point au XVe siècle pour les aider à obtenir encore plus de bois.

Forêt de cèdres de Kitayama au Japon

Photo: Photos de H.Tanaka / Shutterstock

Appelé daisugi, il demande qu'un arbre soit taillé comme un bonsaï afin que plusieurs ramifications puissent être récoltées.

Daisugi au Japon pour la culture du cèdre

Photo: Open Kyoto

Le cèdre est particulièrement important dans l'architecture traditionnelle, où il est souvent utilisé comme poteau dans les alcôves appelées tokonoma.

Tokonoma au Japon

Photo: 663highland (CC BY-SA)

h / t: (Japan Times, Earth Buddies)

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Robot japonais géant par Gundam Factory Yokohama

Du futuriste Avatar X Lab aux serveurs de drones dans les restaurants, de nombreuses régions du Japon ont pleinement embrassé le domaine de la robotique. Cependant, la dernière prouesse technologique du pays est peut-être la meilleure à ce jour. Depuis janvier 2020, Gundam Factory Yokohama construit le robot le plus haut du monde. D'une hauteur de 18 mètres, la gigantesque machine est actuellement en construction au port de Yokohama, juste au sud de Tokyo.

Bien que COVID-19 ait stoppé la progression de divers projets de construction dans le monde, le robot Gundam a fait d'énormes progrès pour être terminé –au sens propre. Les ingénieurs ont récemment publié une vidéo montrant l'énorme droïde soulevant et abaissant ses jambes en vue de ses débuts en octobre 2020.

Pour ceux d'entre vous qui ne connaissent pas le robot Gundam, il s'agit d'un personnage fictif populaire d'une franchise de science-fiction japonaise créée par Yoshiyuki Tomino et Sunrise. Il a été présenté pour la première fois en 1979 sur Combinaison mobile Gundam, une émission télévisée mettant en scène des robots géants dans un décor de guerre. Depuis lors, Gundam est apparu dans plus de 50 séries télévisées, films, jeux vidéo et mangas.

La vidéo – mise en ligne par Michael Overstreet – montre les ingénieurs de Gundam Factory Yokohama sur une grue, peaufinant diverses parties du robot Gundam réel pendant qu'ils testent son mouvement. Bien qu'il ne soit pas encore tout à fait prêt à combattre les super-vilains, il semble en bonne voie de s'achever. Une fois terminée, la merveille mécanique comportera des doigts articulés, 24 degrés de liberté (ce qui signifie qu'elle sera capable de marcher) et la capacité de supporter son énorme poids de 25 tonnes.

Regardez la vidéo complète ci-dessous.

Gundam Factory Yokohama travaille à la construction de ce robot Gundam de 60 pieds de haut – et il apprend actuellement à marcher!

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=3oaVBTQkxy0 (/ incorporer)

Usine Gundam Yokohama: Site Web | Twitter
h / t: (IFL Science!)

Toutes les images via Gundam Factory Yokohama.

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Beatboxing Buddhist Monk crée de la musique de méditation hypnotique avec sa propre voix

Moine bouddhiste de Beatboxing

Alors que de nombreux moines bouddhistes font vœu de silence dans le cadre de leur pratique, un moine nommé Yogetsu Akasaka fait du bruit. Le moine bouddhiste de 37 ans, basé à Tokyo, crée de la musique pour la méditation, mais ses chansons ne ressemblent pas aux morceaux instrumentaux que vous avez peut-être entendus auparavant. Akasaka modernise le genre en utilisant une machine à boucler et ses propres compétences en beatbox.

Akasaka a commencé à faire de la musique à l'adolescence et a commencé le beatbox au début de la vingtaine. Il est devenu moine il y a cinq ans, suivant les traces de son père (abbé dans un temple de la préfecture rurale d'Iwate). Lorsqu'il ne s'acquitte pas de ses tâches quotidiennes, il fait de la musique expérimentale. Le talentueux musicien est récemment devenu viral après avoir publié sa vidéo Heart Sutra Live Looping Remix. À l'aide d'une machine appelée Loopstation RC-505, il superpose intelligemment les sons et les chants de la beatbox. La composition hypnotisante sonne comme s'il fallait plusieurs instruments pour créer, mais elle est en fait créée à l'aide d'un seul: sa voix.

En plus de son enregistrement à succès de Sutra du cœur, Akasaka publie également des spectacles quotidiens en direct. Au cours des deux derniers mois, il offre à ses 25 000 abonnés YouTube des rythmes relaxants dans une variété de thèmes. Il incorpore souvent différents instruments, ce qui lui permet d'expérimenter encore plus avec des sons en boucle. «Des fans m'ont dit qu'ils pouvaient bien dormir et se détendre grâce à mes vidéos de beatboxing, ce qui est absolument incroyable», dit-il. «Je suis honoré de pouvoir combiner ma passion avec mes croyances religieuses, et cela a eu un impact sur les gens du monde entier.»

Découvrez l’incroyable musique de méditation d’Akasaka ci-dessous.

Le moine bouddhiste japonais Yogetsu Akasaka crée de la musique pour la méditation, mais ses chansons ne sont pas des morceaux instrumentaux ordinaires.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=nvIGCMhjkvw (/ incorporer)

Il utilise une machine à boucle et ses propres compétences en beatbox pour créer des sons hypnotiques.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=tCebe3xhdq4 (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=75p1A9Ur120 (/ incorporer)

Akasaka n’est pas le seul moine musical. Ce musicien connu sous le nom de Kossan interprète des reprises d'hymnes rock.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=aGyhmZjeb0Q (/ incorporer)

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=QLELtdrRyhs (/ incorporer)

Yogetsu Akasaka: Facebook | Instagram | Twitter | YouTube | Soundcloud
h / t: (Culture ouverte)

Toutes les images via Yogetsu Akasaka.

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Les bijoux GPS transforment vos itinéraires préférés en dessins abstraits portables

Bijoux en or, or rose et argent par Rachel Binx

La technologue en design Rachel Binx a créé un moyen de transformer vos voyages les plus joviaux et vos errances merveilleuses en bibelots physiques. Qu'il s'agisse d'une randonnée ambitieuse en territoire inconnu ou d'une promenade de routine à la maison, vous pouvez transformer ces itinéraires en bijoux abstraits à travers Bijoux GPX.

Basé à Los Angeles, Binx utilise un logiciel de localisation qui documente puis génère des modèles de mouvement dans une carte virtuelle. Le fichier GPX est ensuite importé, imprimé en 3D et transformé en un pendentif en laiton brillant, en or rose ou en argent. Chaque pendentif – dans son design minimaliste – affiche un itinéraire particulièrement significatif. Les pendentifs ont un diamètre de 1,25 po (32 mm) et une chaîne de 18 po (457 mm) de longueur.

L’une des sources d’inspiration derrière le travail de Binx est sa fascination pour la manière dont les gens se connectent à leur histoire géographique. Tout en développant cette boutique de bijoux en ligne innovante, elle a envisagé des moyens de manifester cette connexion dans le monde physique.

Le processus de création de chaque pendentif peut prendre de trois à cinq semaines, mais les résultats consistent en une sentimentalité considérable. Pour commander vos propres bijoux GPS personnalisés, préparez votre fichier GPX à télécharger et dirigez-vous vers GPX Jewelry.

Designer Rachel Binx Bijoux GPX utilise la technologie de suivi de localisation pour créer des bijoux abstraits d'itinéraires cartographiques.

Bijoux GPX par Rachel BinxCarte et bijoux GPS par Rachel BinxBijoux GPS par Rachel BinxBijoux GPS par Rachel BinxBijoux GPX par Rachel BinxBijoux GPS en argent et or rose par Rachel BinxGPX Jewelry: Site Web
Rachel Binx: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Rachel Binx.

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Des paysages brodés colorés célèbrent la beauté de Mère Nature

Broderie de paysage par broderie Sew

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Des paysages marins cousus aux portraits textiles, de nombreux artistes du monde entier présentent les possibilités infinies de l'art de la broderie. L'artiste britannique Sew Beautiful est une experte qui fait passer le métier au niveau supérieur avec son incroyable broderie de paysage dessins. Chaque scène vibrante est rendue à l'aide d'une variété de points, ce qui donne des motifs hautement texturés qui ressemblent à des peintures de paysage colorées.

Le portefeuille sans cesse croissant de Sew Beautiful capture les nombreuses scènes à couper le souffle que Dame Nature a à offrir. Des auvents de forêt rendus en nœuds français aux couchers de soleil colorés représentés en longs points de suture, chaque pièce regorge de détails. L'artiste incorpore parfois des nuages ​​duveteux en trois dimensions avec l'ajout de boules de laine en forme de barbe à papa. Des brumes subtiles et vaporeuses aux nuages ​​gonflés, chaque magnifique paysage céleste déborde des limites du cerceau de broderie.

Découvrez quelques-uns des motifs de broderie de Sew Beautiful ci-dessous; et si vous aimez son travail, vous pouvez acheter ses pièces finies sur Etsy.

Artiste basé au Royaume-Uni Coudre de beaux motifs de broderie de paysages colorés.

Broderie de paysage par broderie SewBroderie de paysage par broderie Sew

Chaque scène vibrante est rendue à l'aide d'une variété de points pour obtenir une texture variable.

Broderie de paysage par broderie SewMotifs de broderie par Sew EmbroideryBroderie de paysage par broderie Sew

L'artiste incorpore parfois des nuages ​​duveteux en trois dimensions qui s'échappent du cercle de broderie.

Broderie de paysage par broderie SewMotifs de broderie par Sew EmbroideryBroderie de paysage par broderie SewBroderie de paysage par broderie SewMotifs de broderie par Sew EmbroideryMotifs de broderie par Sew EmbroideryMotifs de broderie par Sew EmbroideryBroderie de paysage par broderie SewMotifs de broderie par Sew EmbroideryMotifs de broderie par Sew Embroidery

Elle a même créé des motifs de broderie basés sur les peintures impressionnistes de Claude Monet.

Broderie de paysage par broderie SewBroderie de paysage par broderie SewBroderie de paysage par broderie SewSew Beautiful: Instagram | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sew Beautiful.

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Plus de 15 chaînes YouTube pour vous apprendre à peindre gratuitement

Apprenez à peindre en ligne

Photo: Joanna Kosinska

Vous avez toujours voulu apprendre à peindre, mais vous aviez peur de vous inscrire à un cours? Des tutoriels de peinture en ligne gratuits peuvent vous convenir, vous aidant à vous familiariser avec les techniques de base et avancées directement de chez vous. Que vous soyez intéressé par la peinture à l'acrylique ou à l'huile ou que vous appreniez à utiliser les aquarelles, les excellentes chaînes YouTube ne manquent pas pour vous aider à démarrer.

Certaines des chaînes YouTube que nous avons récemment couvertes et qui vous aident à apprendre à dessiner proposent également des cours de peinture, mais ici, nous avons organisé notre liste d'enseignants spécialisés pour vous aider à apprendre à peindre. Certains enseignants préfèrent de courtes leçons divisées en une longue liste de lecture, tandis que d'autres publient des didacticiels et des démonstrations de longue durée. Et ce qui est bien, c'est qu'avec autant d'options d'enseignement disponibles, vous pouvez parcourir jusqu'à ce que vous trouviez le style qui correspond à vos besoins.

Qu'est-ce que tu attends? Avec ces didacticiels de peinture en ligne gratuits à portée de main, il n'y a aucune excuse pour ne pas commencer à peindre.

Tutoriels de peinture acrylique

Une fois que vous avez trouvé les meilleures peintures acryliques pour commencer, vous voudrez savoir comment vous attaquer au mieux à votre nouveau métier. Il existe une grande variété de didacticiels de peinture acrylique, allant des bases du mélange de couleurs à la façon de peindre des éléments spécifiques comme un œil ou un arbre. La plupart des chaînes proposent différents niveaux de cours pour les artistes débutants et avancés.

École d'art Will Kemp

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Techniques de peinture acrylique

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L'Art Sherpa

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Peindre avec Jane

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Tutoriels de peinture à l'huile

La peinture à l’huile peut sembler intimidante, mais il n’ya rien de plus satisfaisant que de comprendre la technique de grands maîtres comme Rembrandt ou van Gogh. Avec un peu de pratique, vous pourrez peut-être même peindre le vôtre Nuit étoilée! Ces didacticiels en ligne gratuits vous guideront à travers le matériel nécessaire pour vous familiariser en toute sécurité avec la peinture à l'huile, ainsi que des leçons détaillées sur l'anatomie, les paysages ou même la peinture au couteau à palette.

Lena Danya

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Daria Callie

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Robin Clonts

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Sergey Gusev

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Tutoriels de peinture aquarelle

Certains de nos aquarellistes préférés, comme Mateusz Urbanowicz et Kelogsloops, ont des chaînes YouTube sur lesquelles ils partagent des conseils sur la façon de réaliser leurs styles de signature. Ou, si vous recherchez un cours plus approfondi, les aquarellistes ne manquent pas avec une gamme complète de vidéos pour vous aider à maîtriser l'aquarelle. Faites le plein d'un ensemble d'aquarelles, appuyez sur play, et vous êtes prêt à partir.

Kelogsloops

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=338aXj4Bqgs (/ incorporer)

Mateusz Urbanowicz

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=GhF3Q7f4ARc (/ incorporer)

Aquarelle Misfit

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=eqzXXW0RMqk (/ embarqué)

L'esprit de l'aquarelle

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=A3QgGH_XGxQ (/ embarqué)

M. Otter Art Studio

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=K-KYHJriivw (/ incorporer)

Tutoriels de peinture à la gouache

Beaucoup de gens n'ont jamais entendu parler de la peinture à la gouache, mais le médium puissant pourrait bien devenir votre pigment de choix. La gouache ressemble à la fois à l'aquarelle et à la peinture acrylique, car elle doit être mélangée à de l'eau pour se répandre sur votre toile ou votre papier. Il est composé d'un rapport élevé de pigment de couleur et d'un pigment blanc uni (comme la craie) et produit une texture riche et veloutée. Découvrez comment l'utiliser en consultant les vidéos d'artistes ci-dessous.

Esprit visuel

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=091sgo0bI7Q (/ embarqué)

Myriam Tillson

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arleebean

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Mary Sanche

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Saviez-vous que My Modern Met a une chaîne YouTube? Suivez-nous pour des vidéos créatives mettant en vedette les meilleurs artistes d'aujourd'hui.

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Baker invoque la force pour créer d'adorables macarons Star Wars

Biscuits au macaron Star Wars

Il existe des produits de boulangerie qui transcendent le goût et qui relèvent de l'art comestible. Katrina Moon, alias @sugardevotion, est une passionnée de macarons qui met sa créativité dans ces délicieuses confiseries. Le macaron est un régal notoirement délicat à cuire, car il est très sensible à l'humidité. Moon a non seulement maîtrisé l'art de réaliser l'extérieur croustillant mais moelleux, mais elle a également transformé le dessert en personnages adorables de la culture pop et au-delà.

L'un des ensembles de macarons les plus frappants de Moon comprend quatre caractères de biscuits du Guerres des étoiles univers: Baby Yoda, Chewbacca, Ewoks et Jawas. Chacun est orné des traits qui les rendent instantanément reconnaissables. Les Ewoks, par exemple, portent leurs cagoules emblématiques et portent des lances fabriquées à partir de Pocky Sticks au thé vert matcha. Cette attention aux détails, en plus des visages mignons, rend les créations culinaires de Moon encore plus impressionnantes.

Cela fait un peu plus d'un an que Moon a commencé à cuisiner; elle a commencé le passe-temps après avoir reçu un mixeur KitchenAid en cadeau. «Je n'avais aucune expérience préalable en pâtisserie ou en macarons», raconte-t-elle à My Modern Met. L'activité est un travail d'amour. «Chaque lot de macarons me prend généralement entre sept et 15 heures réparties sur deux à trois jours. Puisque je travaille à plein temps pendant la journée, la nuit est le seul moment où je peux cuisiner.

Pour l'instant, Moon concentre son attention sur les macarons de caractère car ils lui apportent de la joie à cuire et à regarder une fois cuits. "Ce sont juste un passe-temps qui me passionne", dit-elle, "parce que c'est thérapeutique pour moi quand je me concentre sur eux." Il est prudent de dire que lorsqu'elle a terminé la cuisson, son cœur est plein.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de macarons de Moon, puis suivez-la sur Instagram pour voir ce qu'elle fera ensuite.

Katrina Moon, passionnée de pâtisserie, crée d'adorables biscuits macaron qui ressemblent à des personnages de Star Wars.

Bébé Yoda Macaron

Macaron Star Wars

Macaron Star Wars

Macaron Star Wars

Mais ce n’est pas tout ce qu’elle fait; Moon crée également plus de personnages de la culture pop.

Idées mignonnes de macaronBiscuits Spirited AwayBiscuits Animal CrossingBiscuits PokémonIdées mignonnes de macaronBiscuits Hello Kitty MacaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaron

Certains macarons sont inspirés de la nourriture et d'autres d'animaux mignons.

Idées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronIdées mignonnes de macaronKatrina Moon: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Katrina Moon.

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Ce mémorial monumental à Crazy Horse est en construction depuis plus de 70 ans

Crazy Horse Memorial dans le Dakota du Sud

Photo: Photos de James Dalrymple / Shutterstock

Saviez-vous que dans les Black Hills du Dakota du Sud, non loin du mont Rushmore, la deuxième plus grande sculpture du monde est en construction? Dans la terre sacrée de la tribu Lakota, les travailleurs sont actifs depuis plus de 70 ans sur le Mémorial du Crazy Horse. Cet immense hommage au légendaire 19e chef de la tribu Oglala Lakota est encore loin d'être achevé mais a déjà une apparence frappante.

Crazy Horse est une figure importante pour les Lakota, alors qu'il s'est élevé contre le gouvernement américain pour empêcher les colons blancs d'empiéter sur le territoire amérindien et de menacer leur mode de vie. Bien qu’il ait mené plusieurs batailles, il est surtout connu pour sa victoire en 1876 à la bataille de Little Bighorn. C’est là que les forces combinées des tribus Lakota, Cheyenne du Nord et Arapaho ont vaincu l’armée américaine dans ce qui est souvent connu sous le nom de Custer’s Last Stand.

Le monument du Crazy Horse a sa propre riche histoire, qui a commencé dans les années 1930 à la demande d'un chef Lakota. Henry debout ours était un chef Olgata Lakota et un leader respecté dans la communauté lorsqu'il a pris sur lui de commémorer Crazy Horse. À l'époque, les travaux sur le mont Rushmore étaient en cours et Henry Standing Bear estimait qu'il était injuste que le grand chef amérindien ne fasse pas partie des présidents. Il a fait appel à plusieurs reprises au sculpteur du mont Rushmore Gutzon Borglum en vain, mais cela ne l'a pas arrêté.

En 1939, il écrit au sculpteur américano-polonais Korczak Ziolkowski. Ziolkowski avait travaillé sur le mont Rushmore sous Borglum pendant une brève période et était intrigué par le projet. Une fois que Henry Standing Bear a échangé toutes ses terres – 900 acres au total – au gouvernement en échange de l'utilisation de la montagne, le projet a progressé. Le sculpteur a commencé à travailler en 1948 et a refusé tout financement gouvernemental, car il était sceptique quant à l'implication extérieure. Il s'est donc mis à exécuter sa vision seul, travaillant sans électricité, sans eau ni routes. Pour atteindre le sommet, il a utilisé un escalier en bois de 741 marches. Mais encore, il n'a pas été découragé.

Mémorial du Crazy Horse par Korczak Ziolkowski

Photo: Jonathunder via Wikipedia

Ziolkowski pensait que le projet prendrait environ 30 ans, mais il avait tort. Le concept appelle Crazy Horse à monter sur son cheval tout en pointant au loin vers la terre où de nombreux Amérindiens sont enterrés. Et il a travaillé dur dans le granit pour faire de son rêve une réalité avant de mourir en 1982 à l'âge de 74 ans. À ce moment-là, sa veuve Ruth Ziolkowski a pris en charge le projet. Elle a apporté de légères modifications aux plans originaux, comme en se concentrant sur la sculpture du visage de Crazy Horse plutôt que sur le cheval, comme Ziolkowski l'a envisagé. Elle a supposé à juste titre que la finition du visage attirerait les touristes et que ces frais de billets pourraient aider à financer le projet. Étant donné qu'aucun financement gouvernemental n'est impliqué dans la sculpture, c'était une décision intelligente.

Sept des enfants de Ziolkowski ont également travaillé sur la sculpture pendant cette période et le visage de Crazy Horse a été révélé en 1998. Bien sûr, ce n'est pas une représentation exacte de Crazy Horse, qui était connu pour refuser de prendre des photos, mais plutôt une représentation du grand chef. Haut de 87 pieds, la tête de Crazy Horse est bien plus grande que les portraits de 60 pieds du mont Rushmore. Une fois terminé, il se tiendra derrière la Statue de l'Unité de l'Inde en tant que deuxième plus grande sculpture au monde.

Actuellement, la Fondation Crazy Horse Memorial à but non lucratif est dirigée par la fille de Ziolkowski, la sculpteur Monique Ziolkowski. Elle a pris la relève après la mort de Ruth en 2014. Trois des enfants de Ziolkowski, ainsi que trois de ses petits-fils, travaillent à ses côtés dans le cadre du personnel. Le projet s'est élargi pour inclure également un campus satellite de l'Université du Dakota du Sud, qui fonctionne comme un centre éducatif et culturel. Connus comme l’Université indienne d’Amérique du Nord et le Musée indien d’Amérique du Nord, ils complètent le centre des visiteurs.

Le Crazy Horse Memorial, cependant, n'est pas sans controverse. De nombreux membres de la famille de Crazy Horse se sont prononcés contre le projet, affirmant qu’Henry Standing Bear n’avait pas consulté les membres de la famille avant de lancer le projet. Certains membres de la communauté suggèrent également que, compte tenu de son humilité, Crazy Horse ne serait pas à l'aise avec l'énorme statue. D'autres estiment que le mémorial est devenu plus sur le sculpteur et sa famille que Crazy Horse et son héritage.

Quelle que soit votre position, cependant, on ne peut nier le pouvoir incroyable de l’histoire derrière la création de la statue.

Le Crazy Horse Memorial, creusé dans les Black Hills du Dakota du Sud, est en construction depuis plus de 70 ans.

Mémorial du Crazy Horse par Korczak Ziolkowski

Photo: Osservastro / CC BY-SA

Voici une maquette de la sculpture prévue:

Cheval fou

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Les tigres en voie de disparition font leur retour alors que l'Inde double triomphalement sa population

Tigre indien dans la forêt

Photo: Photos de kyslynskahal / Shutterstock

Le monde applaudit l'Inde car il a récemment été annoncé que le pays a pu doubler sa population de tigres en seulement 12 ans. Le dernier recensement national pour 2018-2019 a dénombré 2 967 tigres sauvages, contre 1 411 en 2006. Et ce n’est pas seulement l’Inde qui connaît une augmentation de sa population. Les populations de tigres sauvages ont également connu une croissance significative en Chine, au Népal, en Russie et au Bhoutan, ce qui est une réalisation incroyable.

Cette merveilleuse nouvelle survient après un siècle de déclin démographique et prouve que de solides efforts de conservation peuvent fonctionner. Aujourd'hui, le World Wildlife Fund (WWF) estime qu'il y a environ 3 900 tigres sauvages dans toute l'Asie, dont environ 70% vivent en Inde. En 1973, l'Inde a lancé le projet Tiger comme un moyen de sauvegarder les espèces menacées. À l'époque, il n'y avait que neuf aires protégées dans le pays. Aujourd'hui, il existe 50 réserves de tigres qui couvrent un peu plus de 28 000 miles carrés.

«Les tigres peuvent prospérer avec suffisamment d'espace, de nourriture ou d'eau. Les progrès sont donc le résultat d’une meilleure protection des tigres et de leur habitat », déclare Becci May, responsable régional du WWF au Royaume-Uni.

Famille de tigres du Bengale

Photo: Photos d'Anuradha Marwah / Shutterstock

L'augmentation des observations de tigres à travers l'Asie est certainement un signe bienvenu que les efforts internationaux fonctionnent. Les tigres se reproduisent assez fréquemment dans des conditions appropriées et en démontant les raquettes de braconnage organisées, l'Inde a favorisé un environnement sûr pour ces animaux majestueux.

L'Inde est devenue un leader mondial de la conservation du tigre, prêtant même son expertise à d'autres pays en organisant des ateliers pour les agents de terrain à travers l'Asie et en partageant des tactiques pour la réintroduction du tigre. Bien entendu, le boom démographique n’est pas sans conséquence. Actuellement, 17 réserves de tigres sont à pleine capacité, ce qui signifie que la population de tigres commence à se répandre hors des zones protégées. En fait, à l’heure actuelle, un tiers de la population de tigres de l’Inde vit en dehors des réserves de tigres. Cela peut être un danger pour les animaux et les humains.

Certains experts ont suggéré que le problème peut être résolu en déplaçant certains tigres dans des zones qui sont sous capacité. Compte tenu du succès de l’Inde dans la gestion de ses habitats jusqu’à présent, nous sommes convaincus qu’une solution est en préparation.

h / t: (Indian Express, Times of India)

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Ryan Reynolds aide une femme à retrouver un nounours volé contenant l'enregistrement vocal de sa défunte mère

Quand une femme de Vancouver nommée Mara Soriano déménageait plus tôt ce mois-ci, son sac rempli d'objets de valeur a malheureusement été volé. Son iPad et sa Nintendo Switch étaient à l'intérieur, mais l'article le plus important du sac n'avait pas de valeur monétaire. Le sac contenait également un Build-a-Bear très spécial contenant une boîte vocale avec un message enregistré de sa mère, Marilyn Soriano, décédée d'un cancer en juin 2019, à l'âge de 53 ans.

Le message de l’ours en peluche a été enregistré par Marilyn peu de temps avant son emménagement dans un hospice. «À l'hospice, sa voix était différente. Beaucoup plus doux. Pas la maman avec laquelle j'ai grandi », révèle Mara. «Cet ours est le dernier souvenir que j'ai d'elle parlant de sa voix normale. Mara est née aux Philippines et a déménagé à Toronto à l'âge de neuf ans. Le message de sa mère a donc été enregistré en philippin. Mara explique: «Cela dit:« Je t'aime », mais dans notre langue. C'est donc très spécifique et tout à fait unique. »

Naturellement, Mara était désespérée de récupérer l'ours irremplaçable et a commencé à fouiller toute la ville. Un hashtag #FindMarasBear a même été lancé sur les réseaux sociaux, et d'innombrables personnes se sont impliquées dans la recherche, y compris l'acteur Ryan Reynolds. Il a offert une récompense en espèces à quiconque a aidé à trouver l’ours en peluche de Mara. «Vancouver: 5 000 $ à quiconque rend cet ours à Mara. Aucune question posée », a écrit l'acteur sur Twitter. «Je pense que nous avons tous besoin de cet ours pour rentrer à la maison.»

Étonnamment, le pot-de-vin a fonctionné! Après l'avoir pris au voleur d'origine, deux hommes ont amené l'ours dans le hall de la CBC, où Maya et la journaliste Deborah Goble (qui aidait également à la recherche de l'ours) attendaient. De retour dans les bras de Maya, la femme ravie tweeté, "MAMABEAR EST À LA MAISON !!" Reynolds a également annoncé la bonne nouvelle sur Twitter: «Merci à tous ceux qui ont cherché haut et bas. À la personne qui a pris l'ours, merci de l'avoir gardé en sécurité. Vancouver est génial. #FoundMarasBear. »

Lorsque Mara Soriano déménageait, son ours en peluche irremplaçable avec un message enregistré de sa défunte mère a malheureusement été volé.

Lorsque l'acteur Ryan Reynolds a appris la nouvelle, il a décidé d'aider en offrant une récompense en espèces.

Ça a marché! Après l'avoir pris au voleur d'origine, deux hommes ont ramené l'ours en lieu sûr.

Ryan Reynolds: Instagram | Twitter
h / t: (LADbible)

Toutes les images via Mara Soriano.

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Un étudiant travaillant en tant que ramasseur de déchets est accepté à la Harvard Law School

Rehan Staton Harvard

Il fut un temps où Rehan Staton, 24 ans, pensait qu'il n'irait jamais à l'université. Il avait fait face à de nombreux refus dans le passé et était certain que son avenir résidait ailleurs. Donc, il était très réticent à ouvrir le courriel qu'il a reçu de la Harvard Law School. Il ne savait pas qu'une lettre d'acceptation l'attendait. «C'était probablement le moment le plus surréaliste de ma vie», admet-il. «Après avoir traversé tout ce que nous avons fait en famille, j'ai juste senti que nous étions arrivés à Harvard, et comme, je ne peux même pas l'expliquer. C'était «nous». »Bien qu'être accepté à Harvard Law offre à Rehan un avenir radieux, il n'y a pas si longtemps que les circonstances n'étaient pas aussi optimistes.

À 8 ans, le monde de Rehan a été bouleversé lorsque sa mère a abandonné sa famille et a quitté le pays. Ce fut le début d'une période incroyablement difficile pour lui et son frère aîné Reggie Staton. Le malheur a continué de s'accumuler alors que le père de Rehan a perdu son emploi et a dû en prendre trois autres pour maintenir la famille à flot. Mais, malgré tous les efforts de son père, le fardeau financier n’a cessé d’augmenter et la pauvreté s’est insinuée.

Rehan raconte dans une lettre publique Facebook adressée à son frère Reggie: «Je me souviens qu'en 7e année, il y avait d'innombrables fois où notre électricité était coupée et nous n'avions pas beaucoup à manger. Vous souvenez-vous que c'était l'année où mes professeurs ont essayé de me placer dans l'éducation spéciale à cause de mes mauvaises notes? Comment étais-je censé me concentrer dans nos circonstances? »

Un jeune Reggie a ensuite réfléchi et mis en œuvre des moyens de garder Rehan nourri, pour l'aider à améliorer ses notes. Les notes de Rehan se sont améliorées et il est devenu un étudiant honoré. Mais avec le temps, son objectif a commencé à se déplacer du monde universitaire vers le sport. Reggie a commencé immédiatement à s'entraîner avec son petit frère pour l'aider à atteindre ses objectifs sportifs, ce qu'il a accompli. Cependant, un malheur supplémentaire attendait Rehan quand il a commencé à faire face à des maux physiques. Ses rêves de bourses sportives ont lentement commencé à se détériorer à mesure que les lettres de rejet des collèges commençaient également à arriver.

Prix ​​Rehan Staton

Rehan Staton avec divers prix sportifs

Déçu, Rehan a pris un travail de ramassage des ordures et de nettoyage des bennes à ordures, pour aider son père à payer les factures. Les collègues de Rehsn – dont beaucoup étaient autrefois incarcérés – n’avaient que des paroles édifiantes pour le jeune homme et son avenir. «C'était la première fois de ma vie qu'un groupe de personnes m'a vraiment donné du pouvoir, m'a élevé, m'a dit que j'étais intelligent. J'ai cru au battage médiatique et j'étais prêt à aller à l'école. Mais les obligations financières de sa famille ne laissaient pas beaucoup de place à Rehan pour suivre des cours.

Puis Reggie, qui a vu la promesse de son frère, a fait le sacrifice ultime en abandonnant lui-même l'université, pour que Rehan puisse y assister à la place. Il veillerait consciencieusement aux besoins financiers de la famille pendant que son petit frère poursuivrait ses études. Rehan a reçu un 4.0 GPA et transféré à l'Université du Maryland.

Une fois de plus, le malheur a frappé lorsque le père de Rehan a été victime d’un accident vasculaire cérébral. Il a repris son rôle de travailleur sanitaire en plus de ses études. Il commençait ses journées de travail à 4 heures du matin, afin de travailler avant le début de ses cours.

Rehan Staton et père

Rehan Staton et son père à la remise des diplômes

«Regarder mon père travailler entre un et trois emplois, abandonner toute sa vie sociale juste pour donner à mon frère et moi les besoins de base – j'avais faim si cela a du sens», remarque Rehan. «J'avais vraiment faim, mais aussi en même temps, je voulais vraiment réussir.»

Grâce à sa persévérance, Rehan a reçu de nombreux prix et est devenu le conférencier lors de sa graduation. Après l'obtention du diplôme, tout en étudiant pour son examen LSAT. Il a marqué dans le 80e centile sur le test. Il a postulé à nouveau aux programmes des facultés de droit, mais cette fois a reçu une abondance de lettres d'acceptation.

L'histoire de Rehan est souvent interprétée comme une histoire inspirante d'un «self-made man» brûlant d'ambition, mais il estime que le véritable déclencheur de son succès était une communauté de soutien, et en particulier l'amour de son frère.

Rehan Staton est un jeune homme qui travaillait comme agent d’assainissement et qui n’avait jamais pensé entrer à l’université.

Rehan par camion à ordures

Rehan Staton et son frère Reggie Staton par un camion à ordures

Il ne savait pas qu'il serait accepté à la Harvard Law School à l'automne 2020.

Rehan Staton et Reggie Staton

Rehan Staton et Reggie Staton (frère) avec la lettre d’acceptation de Rehan à Harvard

Lisez la lettre de remerciement sincère du jeune homme diligent à son frère Reggie Staton.

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Rehan Staton.

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Installation florale Eclipse par Waterlily Pond

Le duo épouse et mari Natasha Lisitsa et Daniel Schultz (connus sous le nom de Waterlily Pond) repoussent les limites techniques et artistiques pour créer des installations florales extraordinaires. Les artistes ont récemment été invités par le De Young Museum de San Francisco à créer une pièce pour le Bouquets à l'art exposition. S'inspirant des formes géométriques de la peinture murale de Matt Mullican, Entre signe et sujet, Lisitsa et Schultz ont créé Éclipse, une sphère déconstruite rotative de 540 kg (1 200 livres) composée de 10 000 fleurs.

En parlant de la peinture murale qui a inspiré Éclipse, Lisitsa et Schultz disent à My Modern Met: «Les dessins utilisent la géométrie du cercle comme point de départ pour créer des mondes riches, et c'est également ce que nous avons fait dans notre travail.» L'impressionnante installation a été conçue à l'aide d'un logiciel de modélisation et de modèles physiques, afin d'explorer différentes façons de creuser la sphère pour révéler son intérieur. «Nous voulions que la pièce tourne physiquement, et la forme tridimensionnelle yin-yang était une expression parfaite du mouvement de rotation», expliquent-ils. «Une sphère déconstruite qui tourne et s’éclipse continuellement, fascinant le spectateur avec différentes perspectives qui se chevauchent sur deux moitiés d’un tout.»

Après deux mois de conception et de fabrication dans leur atelier, Lisitsa et Schultz n'avaient que 10 heures pour installer l'énorme sculpture sur place au musée. Leur équipe de 30 bénévoles talentueux les a aidés à tout rassembler. L'incroyable structure de 14 pieds de diamètre présente un extérieur fait de 60 livres de fibre de sisal duveteuse. Sous l'extérieur texturé se trouve une structure de support en aluminium de 500 pieds soudée en deux moitiés principales.

La «coquille» extérieure légère comporte une couche intérieure de fil qui soutient les fleurs fraîches. À l'intérieur, une moitié présente des fleurs roses et l'autre moitié est constituée de fleurs orange. Le centre est traversé par 1 200 pieds de corde colorée, qui se rencontrent à un point de tension et de concentration. La corde cache également trois câbles lourds, un élément structurel critique. Un trou au bas de la sphère offre une vue passionnante à travers la ficelle, vers les fleurs à l'intérieur. Un moteur personnalisé permet à cette pièce de 1 200 livres de tourner lentement, invitant le spectateur à suivre le mouvement sous tous les angles.

«Nous voulions arrêter les spectateurs dans leurs traces avec l'échelle et la texture dramatiques, et les inviter à suivre la pièce alors qu'elle tourne et révèle progressivement toutes ses dimensions», expliquent Lisitsa et Schultz. «Nous voulons qu'ils l'observent d'en haut, autour et d'en bas, et sentent le temps ralentir en l'observant d'en bas, où la composition des cordes en mouvement prend une qualité kaléidoscopique. Nous savons que nous y sommes parvenus pour au moins deux personnes sur les 80000 ayant consulté Éclipse au cours de l'exposition d'une semaine – un couple s'est fiancé sous la pièce!

Vérifiez Éclipse sculpture ci-dessous, plus une vidéo documentant l'expérience de Waterlily Pond lors de son installation.

Natasha Lisitsa et Daniel Schultz (appelés ensemble Waterlily Pond) ont créé Éclipse, une sphère déconstruite rotative de 1 200 livres composée de 10 000 fleurs.

Installation florale Eclipse par Waterlily Pond

L'incroyable installation florale était exposée au De Young Museum de San Francisco.

Art d'installation par Waterlily PondArt d'installation par Waterlily Pond

Un moteur personnalisé permet à cette pièce de 1 200 livres de tourner lentement, invitant les spectateurs à suivre le mouvement sous tous les angles.

Installation florale Eclipse par Waterlily PondArt d'installation par Waterlily Pond

Waterlily Pond: Site Web | Facebook | Instagram | Pinterest | Vimeo

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Waterlily Pond / Christina McNeill.

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Peinture murale hommage à John Lewis

L'artiste basé à Denver Thomas «Detour» Evans ne se limite pas à un seul médium. Travailler sur toile, créer des installations et réaliser des peintures murales à grande échelle ne font que partie de son répertoire. Ces derniers temps, il s’est fait un nom avec son art public coloré qui célèbre à la fois les gens ordinaires de la communauté et des personnalités célèbres.

Au cours des derniers mois, il a créé du street art dans le but d’aider à éduquer sa communauté et à commémorer quelqu'un qui a été perdu. Sa nouvelle peinture murale capture l'esprit du politicien et leader des droits civiques récemment décédé John Lewis, alors qu'Evans anime de manière experte la sagesse derrière ses yeux.

Pour Evans, il est important que les artistes jouent un rôle actif en racontant et en préservant l’histoire. En tant que conteur chevronné, il a pris sur lui de s’assurer que ce qui est sur les murs reflète ce qui se passe sur le terrain.

Nous avons eu l'occasion de parler avec le talentueux artiste de sa transition vers l'art public, ainsi que de l'impulsion pour lui de commencer à peindre des pièces sous le hashtag #spraytheirname. Continuez à lire pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Street Art par Thomas Detour EvansQu'est-ce qui a d'abord suscité votre amour de l'art?

Mon père était un officier militaire, donc il se déplaçait beaucoup. J'utilisais l'art pour me faire des amis partout où je devais déménager parce que nous déménagions tous les trois à cinq ans. Et parce que nous avons beaucoup déménagé, c'était une excellente façon de se lier d'amitié avec tout le monde. Alors je dessinais mes amis et mes professeurs et je ne me suis jamais vraiment arrêté.

Cela s'est en quelque sorte transformé en faisant de plus gros travaux, en aérographe et en faisant des t-shirts à l'aérographe pour les gens. J'aimais l'art parce que j'aimais tout simplement ce que les gens ressentaient. Alors j'ai continué à faire ça, et c'est pourquoi je fais plus de choses figuratives.

Quand avez-vous commencé à vous lancer dans l'art public?

J'ai vraiment commencé à faire beaucoup de peintures murales vers 2015. C'était un festival mural appelé CRUSH Murs à Denver. Et les gens qui l'ont organisé cette année-là m'ont invité à faire un mur parce que je faisais de gros travaux sur toile. Ils m'ont vu grandir avec la toile et ils m'ont invité à faire un mur.

J'avais beaucoup d'amis qui faisaient des graffitis et des peintures murales, alors je les ai contactés pour m'aider en termes de comment faire cette technique ou développer mon travail. Mon ami Tins (son nom d'artiste est Tins) m'a essentiellement montré comment faire une tonne de choses. Il m'a fallu environ une semaine pour faire une petite porte de garage et une allée. Et à partir de là, j'ai adoré la façon dont il est sorti et les gens ont adoré. Je travaillais juste à essayer de comprendre comment traduire ce travail coloré que je fais à plus grande échelle. Les gens ont vraiment vu ce qui était différent et cela m'a vraiment marqué et a suscité encore plus d'intérêt pour m'améliorer dans le street art.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=G4O_jxpOk-g (/ incorporer)

Votre art s'étend bien au-delà de vos pièces publiques. En 2016, vous avez travaillé sur un projet qui demandait aux membres de la communauté afro-américaine de Denver de passer un test ADN puis de poser avec des œuvres d'art africain correspondant à leur héritage. Qu'avez-vous appris ou qu'est-ce qui vous a le plus surpris à propos de ce projet particulier?

Ce projet s'appelait Ils vivent toujours. C'était juste après mon retour de Tanzanie à Denver. Et c'était essentiellement parce que quand j'étais en Tanzanie, je ressemblais à tout le monde. Les gens pensaient que j'étais tanzanien et cela m'a intéressé à mon héritage. J'ai donc fait un test ADN quand je suis revenu ici. Non seulement cela, je suis tombé sur cet individu, Paul Hamilton, qui avait une grande collection d'art africain qui était juste assis dans sa maison. Fondamentalement, j'ai dit, nous devons faire quelque chose avec cela.

J'ai donc créé un projet dans lequel je jumelais ces pièces avec des gens de la communauté, puis je les invitais à venir chercher ce qu'ils voulaient. Ensuite, nous avons fait une séance photo et les avons testés ADN pour déterminer d'où ils venaient et voir si les choses concordaient. Et, fait intéressant, pour tout le monde, cela correspondait à peu près parce que beaucoup d'entre eux venaient d'Afrique de l'Ouest, où se trouvait une grande partie de la traite des esclaves.

Ce fut une expérience formidable de voir à quel point les personnes d’ascendance africaine avaient en elles tant de morceaux d’Afrique et la grande diversité de ces régions. Pour moi, c'était l'occasion de voir plus profondément dans les origines des gens avec qui je traînais parce que souvent, vous ne les connaissez qu'en surface. Cela m'a donné l'occasion d'en apprendre davantage sur leur héritage et sur la façon dont ils se sont retrouvés au Colorado et sur ce qu'était leur famille et ce qu'ils savaient de leur propre famille. C'était une merveilleuse occasion de faire cela et d'ouvrir une sorte de dialogue au sein de leur propre famille et communauté.

Et beaucoup d’entre eux ont apprécié l’opportunité d’en savoir plus sur leurs origines. Ce n’est donc pas un projet qui s’est arrêté à la fin de l’exposition. Beaucoup d'entre eux ont été invités à creuser un peu plus et à faire plus de projets basés sur le projet qui était Ils vivent toujours. C'était passionnant d'avoir un projet qui suscite beaucoup de conversations parce que tout le monde a une histoire ou un passé, donc cela suscite toujours la conversation, quoi qu'il arrive, et chacun a une perspective différente.

Art communautaire par Thomas Detour EvansDernièrement, vous avez réalisé de nombreuses peintures murales pour susciter un changement positif dans la communauté. Pourquoi pensez-vous qu'il est important pour les artistes de s'impliquer dans des causes sociales?

Pour moi, je dis toujours aux artistes que nous sommes essentiellement des historiens. Vous pouvez vraiment dire ce qu'était la société il y a mille ans en fonction de l'art qui a été créé et des matériaux utilisés et du sujet. Nous devons le faire aujourd'hui. Lorsque vous faites un travail qui concerne la société, vous allez en quelque sorte le superposer à tous ces différents problèmes sociaux. Il est donc très important que les artistes s’impliquent, non seulement à cause de cela, mais aussi à cause du fait que nous sommes des conteurs.

Vous devez être responsable de raconter votre point de vue sur cette histoire car si vous n'êtes pas impliqué, ou si votre communauté n'est pas impliquée, dans la narration de cette histoire, vous allez demander à d'autres personnes de raconter cette histoire pour vous. Et ce n’est peut-être pas l’histoire qui vous correspond. Vous devez donc toujours vous impliquer pour vous assurer de raconter cette histoire telle qu’elle est, et cela aide les autres artistes, et les futurs artistes, à s’impliquer davantage en étant plus socialement conscients du travail qu’ils font.

Mais il est vraiment important, surtout de nos jours, de le faire plus que jamais, car le travail que nous faisons peut atteindre un si grand nombre de personnes, en particulier avec l’essor des plates-formes numériques. Vous êtes en mesure de faire avancer le travail et d’apporter un changement qui s’étend dans le monde entier beaucoup plus rapidement qu’il ne l’aurait été il y a des années et des années. Il est donc toujours important que les artistes s'impliquent autant que possible dans ce qui se passe autour d'eux.

George Floyd Peinture muraleComment pensez-vous que l'art peut être utilisé pour provoquer le changement?

L’art, pour moi, consiste à trouver un moyen de communiquer un message ou quelque chose que vous explorez, d’une manière différente de ce que vous avez vu auparavant. Comment puis-je vous faire digérer cette idée ou ce concept que j'ai d'une manière différente et intéressante, que vous n'avez pas vraiment rencontrée?

Et lorsque des artistes sont impliqués, vous allez avoir des artistes qui voudront peut-être transmettre un message similaire, mais le font de manière très différente. L'art peut donc être très utile pour diffuser un message, une cause, un concept ou une idée là où il est accroché et facilement digeste ou c'est quelque chose que les gens veulent porter sur leur chemise ou un message qu'ils ajoutent dans une chanson.

C’est pourquoi la musique est si importante et vitale. Vous pouvez intégrer autant d'idées et de concepts différents dans des sculptures et des peintures, des t-shirts et des installations. Toutes ces différentes choses peuvent être utilisées pour intégrer des idées et des concepts. Lorsque les artistes utilisent cela et comprennent cela, ils peuvent vraiment avoir un impact.

Ainsi, par exemple, avec Black Lives Matter, j’ai vu de nombreuses personnes utiliser les vitrines d’endroits temporairement fermés pour diffuser leur art ou diffuser des messages. Utiliser les rues pour mettre Black Lives Matter devant la Maison Blanche – c'est très puissant. Son ampleur est puissante. Les artistes sont donc extrêmement importants pour être les individus à créer de nouvelles façons de diffuser des messages et d'avoir un impact à travers leur art.

Peinture murale de Breonna TaylorQu'est-ce qui vous a poussé à créer vos pièces récentes sur George Floyd, Breonna Taylor et d'autres personnes décédées?

Depuis un mois et demi, presque deux mois, j'ai réalisé une tonne de peintures murales sous le hashtag #spraytheirname.

Cela a vraiment commencé avec la fresque de George Floyd que nous avons réalisée, puis nous sommes allés à Breonna Taylor, et une tonne d'autres. Ensuite, j'ai commencé à me faire des amis décédés à Denver, puis des mères sont venues me voir pour faire des peintures murales de leurs enfants qui sont décédés, certains il y a longtemps, certains récemment, à cause d'autres types de violence.

Je remarque vraiment à quel point ces œuvres de street art étaient importantes pour honorer les gens et s’assurer que les gens se souviennent de la mémoire de quelqu'un. Pour moi, c'était un outil de guérison et j'ai vu à quel point cela pouvait être thérapeutique pour une communauté. J'ai donc commencé à faire ces peintures murales et lorsque John Lewis est décédé, je pense que c'était l'occasion de faire la même chose: créer un espace où les gens pouvaient pleurer et où les gens pouvaient vraiment se souvenir de qui il était.

Une autre chose aussi, c'est que lorsque je faisais des individus que les gens ne connaissaient pas et que je les mettais dans des espaces de street art, les gens me demandaient "qui est-ce?" et ce serait l’occasion pour eux de savoir si c’était une personne locale décédée à cause de la violence domestique ou une personne aux yeux du public, mais peut-être que cette personne ne prêtait pas vraiment attention aux nouvelles. C'est devenu une occasion d'éduquer sur une personne que tout le monde ne connaît pas.

Peinture murale hommage à John LewisPlus précisément à propos de votre peinture murale John Lewis, qu'est-ce qui vous a incité à honorer sa mémoire et que signifie-t-il pour vous en tant que leader important?

Tout le monde n'a pas la même expérience en matière de connaissances ou d'éducation, de lecture ou d'absorption d'histoire. Ce fut aussi l'occasion d'enseigner et de partager cette opportunité de découverte. Les gens du quartier découvriraient qui était cette personne et, pour moi, John Lewis était un leader très important.

Vous parlez de Martin Luther King. Il y avait tellement de gens autour de lui qui ont également ouvert la voie. Eux aussi se mettent en danger et se battent pour l’égalité des droits et l’égalité. Le simple fait de voir à quel point il était jeune m'a donné l'inspiration pour m'assurer de faire tout ce que je peux pour poursuivre ce changement également.

Pour moi, ce sera à travers les arts. John Lewis, le voyant dans le documentaire, Bon problème et puis aussi le voir il y a une semaine à la télévision ou la dernière fois qu'il est allé sur le pont Selma, en voyant simplement ce contraste et quand il s'agit de combien de temps s'est écoulé et ensuite combien il a donné au monde et à notre société, c'est définitivement me fait apprécier tout ce que j'ai. Et cela me donne envie de m'assurer que le travail que je fais a un sens, qu'il a un impact, et que je laisse un héritage, un souvenir durable, quand il s'agit de l'impact de cette œuvre sur les gens.

Peinture murale de Thomas Detour EvansQu'espérez-vous que les gens retiennent de vos récentes peintures murales?

Je veux simplement que les gens remarquent qui sont ces personnes. Je remarque à quel point le street art est important parce que c’est quelque chose qui vous est constamment confronté. Lorsque vous vous levez et allez au travail, que vous rentrez à la maison, que vous déjeunez, que vous faites du jogging ou que vous marchez vers le parc local, vous voyez du street art. Vous voyez tout le temps de l’art public, et c’est une façon pour moi de toujours montrer ce qui est important dans la communauté et à quoi ressemble la communauté.

J'espère vraiment que les gens sont de plus en plus informés sur le sujet, sur qui était cette personne et sur ce qui compte vraiment, car à mesure que les choses commencent à s'ouvrir et que nous commençons à être un peu plus distraits, ce sera un rappel constant. pour les gens de ce qui est important, dans la vie et pour quoi nous nous battons. Le street art joue un rôle important lorsqu'il s'agit de partager un message ou de communiquer un message, une idée ou un concept et de partager à quoi ressemble la communauté.

Je veux juste que les gens enquêtent un peu plus sur les œuvres d'art public et commencent à savoir qui sont ces personnes.

Peinture murale de Thomas Detour Evans

Thomas «Detour» Evans: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Thomas «Detour» Evans.

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Une nouvelle étude révèle que les chiens peuvent vous aider à vivre plus longtemps

Femme de couleur tenant un chien

Photo: Photos de WAYHOME Studios / Shutterstock

Juste au cas où nous aurions besoin de preuves tangibles pour prouver que les chiens sont vraiment «le meilleur ami de l'homme», de nouvelles recherches ont confirmé ces croyances. Selon une étude de 2019, les relations des propriétaires avec les chiens leur donnent un regain de longévité très apprécié. L'étude – publiée par l'American Heart Association Circulation Journal – a duré 70 ans et confirme un lien entre la longévité et la compagnie de nos amis à fourrure.

Certaines des conclusions de la recherche incluent une baisse de 24% du «risque de décès», par rapport à ceux qui ne possèdent pas de chien. Mais six études ont montré une «réduction significative» du risque de décès pour les propriétaires de chiens. Alors, qu'en est-il exactement de posséder un chien qui nous permet de puiser dans la fontaine de jouvence? Eh bien, certaines études ont souligné l'augmentation de l'exercice physique associée à la possession d'un chien. L'encouragement de nos amis à quatre pattes à participer aux promenades matin et soir, ainsi qu'au jogging, nous aide à lutter contre des maladies telles que les maladies cardiaques.

Toutes les activités mentionnées sont en plein air, qui ont les bonus de santé de l'air frais et de la lumière du soleil. Mais c’est l’une de nos manifestations d’affection préférées envers les chiens qui a vraiment un impact: caresser. En donnant simplement à nos chiots des animaux de compagnie aimants, nous abaissons notre tension artérielle de manière équivalente à certains médicaments. La possession d'un chien offre également de nombreux avantages pour la santé mentale, comme une diminution de la solitude, une meilleure estime de soi et une baisse des taux de dépression.

Bien que les bonus pour la santé physique et mentale de la possession d'un chien offrent une charge de bien, le fait d'avoir nos amis au nez mouillé n'est pas un substitut à d'autres pratiques saines. Avec ces nouvelles découvertes, cependant, les chiens se révèlent être une étincelle enflammée dans nombre de nos efforts pour nous améliorer et nous motiver. Alors profitez d'une longue vie, grâce à nos compadres à fourrure!

Selon une nouvelle étude, posséder un chien peut en fait vous aider à vivre plus longtemps.

Donner un top cinq à un chien

Photo: Photos de Yolya Ilyasova / Shutterstock

Vos adorables chiens peuvent vous aider à vous protéger des maladies cardiaques tout en remplissant votre cœur d'amour.

Femme de couleur tenant un chien

Photo: Photos de WAYHOME Studios / Shutterstock

h / t (conceptionTAXI)

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Vous pouvez explorer la surface de Mars avec cette séquence vidéo 4K capturée par les rovers de la NASA

Vidéo 4K de Mars

Photo: YouTube

Alors que la NASA a publié des images incroyables prises à la surface de Mars, il n'y a pas beaucoup de séquences vidéo de la planète rouge. Autrement dit, jusqu'à aujourd'hui. L'équipe d'Elderfox Documentaries vient de monter ensemble des images incroyables pour créer une vidéo 4K de Mars, nous donnant une image cristalline de cette planète.

En enchaînant des photos haute résolution prises par les rovers Curiosity, Spirit et Opportunity, la vidéo donne un aperçu général de plusieurs zones de Mars. Il répond également à la question pourquoi les rovers n’envoient-ils pas des séquences vidéo en direct de la planète? Alors que les caméras respectives des rovers étaient la technologie de pointe à l'époque où elles ont été lancées, la vitesse à laquelle elles peuvent renvoyer des données sur Terre est exceptionnellement lente.

Par exemple, le rover Curiosity, qui a atterri sur Mars en 2012, ne peut renvoyer des données qu'à 32 kilo-octets par seconde. Une fois par Sol – un jour martien – il dispose de huit minutes pour se connecter à Mars Reconnaissance Orbiter. Lorsque cela se produit, il peut transférer des données jusqu'à 2 mégaoctets, mais avec une fenêtre aussi brève, le renvoi de la vidéo n'a pas beaucoup de sens. Heureusement, les choses sur Mars ne bougent pas beaucoup, donc prendre des photos est toujours un excellent moyen de se faire une idée de l'environnement.

Pour assembler la vidéo, les éditeurs ont assemblé plusieurs photos pour créer des panoramas sur lesquels ils pouvaient se déplacer. L'effet donne un aperçu approfondi et approfondi de certains des cratères, déserts et canyons de Mars. Cette utilisation réfléchie des images de la NASA n’est qu’une autre raison pour laquelle le public profite du choix de l’agence gouvernementale de diffuser ce matériel dans le domaine public.

Avec une bande-son apaisante et une voix off pour expliquer ce que nous regardons, la vidéo est un excellent moyen de passer 10 minutes à découvrir une autre planète.

Regardez 10 minutes de séquences 4K luxuriantes directement de Mars.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=ZEyAs3NWH4A (/ embarqué)

Documentaires Elderfox: YouTube | Twitter | Patreon
h / t: (Colossal)

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L'épaulard qui a porté son bébé mort pendant 17 jours est à nouveau enceinte

Tahlequah l'épaulard et l'évolution de sa grossesse

Image aérienne de Tahlequah montrant le développement de sa grossesse. (Photo: SR3 et le Southwest Fisheries Science Center de la NOAA en 2019 / SR3 et SEA en 2020)

En 2018, une épaulard nommée Tahlequah a attiré l'attention du monde entier alors qu'elle pleurait la perte de son petit, qui n'a vécu que 90 minutes après sa naissance. Elle a porté son enfant sur le dos pendant 17 jours – un geste qui a touché le cœur du monde entier. Mais maintenant, il y a de bonnes nouvelles. Tahlequah est de nouveau enceinte.

L'orque a récemment été photographiée par des chercheurs de Southall Environmental Associates (SEA) et SR3, deux organismes à but non lucratif qui se concentrent sur la conservation de la vie marine. Les groupes prennent régulièrement des photos de la population d'épaulards résidents du sud en voie de disparition dans le nord-ouest du Pacifique et sont tombés sur plusieurs grossesses. Tahlequah fait partie des épaulards dont le changement de forme révèle qu'elle est en fin de grossesse, qui dure généralement de 17 à 18 mois.

Les scientifiques sont prudemment optimistes que cette fois Tahlequah, également connue à J35, obtiendra sa fin heureuse. Malheureusement, la réalité est que les grossesses infructueuses sont de plus en plus courantes, ce qui n’aide pas leur nombre à la baisse. En fait, les deux tiers des grossesses d’orques n’ont pas abouti. C’est une mauvaise nouvelle pour la population, qui n’est plus que de 73 baleines, ce qui signifie que chaque vie est critique.

Épaulard et veau nageant dans la baie de Monterey, Californie

Épaulard et veau nageant dans la baie de Monterey, Californie (Photo: Stock Photos from Chase Dekker / Shutterstock)

«Il est facile de célébrer une grossesse, mais le fait est qu’il est fort possible que cela ne se traduise pas par une naissance vivante en bonne santé», déclare Deborah Giles, biologiste de recherche au Center for Conservation de l’Université de Washington.

Les chercheurs pensent qu'une mauvaise alimentation contribue à l'augmentation des mortinaissances. Une partie du problème est que les épaulards se nourrissent exclusivement de saumon quinnat. La surpêche et la mauvaise gestion des pêcheries ont provoqué une forte baisse de la population de saumon, emportant cette ressource vitale pour l'orque. Les chercheurs ont également découvert que le stress causé par la faim pouvait également être une cause d'une mauvaise reproduction.

Une fois que les veaux sont nés, ils sont liés en tant que famille pour la vie et rejoignent la nacelle de façon permanente. En fait, la démonstration de chagrin de Tahlequah lors de sa dernière grossesse montre à quel point le lien maternel devient fort au cours de l'année et demie de grossesse. Les scientifiques demandent à toute la communauté de faire sa part pour faire de ces grossesses un succès en réduisant au minimum la navigation de plaisance et en permettant un environnement calme – cela pourrait faire toute la différence.

h / t: (Seattle Times, Gizmodo)

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Les meilleurs photographes animaliers du monde se réunissent pour collecter 250 000 dollars pour les parcs africains

Voir sur My Modern Met

Gorille de montagne Silverback en Ouganda

Photo: Chris Schmid

Plus de 50 des plus grands photographes animaliers du monde utilisent leur art pour aider à protéger la faune africaine. Avec le COVID-19 qui stoppe le tourisme, les revenus précieux qui sont utilisés pour maintenir à flot les aires protégées et les efforts de conservation de l’Afrique sont allés avec. En faisant don de tirages d'art, les photographes animaliers espèrent amasser 250 000 $ pour le Réseau des parcs africains.

Cette ONG de conservation gère tous les parcs nationaux et les aires protégées d’Afrique au nom du gouvernement et dispersera les fonds selon les besoins. Certains des noms les plus connus de la photographie animalière, notamment Shaaz Jung, Will Burrard-Lucas et Graeme Green, participent à Prints for Wildlife, organisé par les photographes Marion Payr et Pie Aerts.

Chaque artiste a fait don d'un tirage limité de beaux-arts, qui est en vente au prix de 100 $ chacun. Tous les profits, moins l'impression et la manutention, iront directement à African Parks afin que les fonds puissent être utilisés là où il y a le plus besoin. «L’impact du COVID-19 a eu un impact dévastateur sur les zones sauvages d’Afrique», partage Green. «Sans touristes, il y a moins d'emplois, donc il y a moins d'argent pour les gens. La pauvreté a augmenté et, à certains endroits, le braconnage a augmenté. Il y a aussi moins d’argent pour les travaux de conservation visant à protéger les animaux, y compris les animaux en danger. J’espère que l’argent de la campagne Prints For Wildlife aidera à protéger la faune africaine en finançant des travaux de conservation essentiels et en aidant les populations et les communautés locales pendant cette période de crise. Le meilleur travail de conservation implique toujours la population locale. »

La campagne a déjà connu du succès, amassant 85 000 $ en seulement 48 heures. Avec autant de photos magnifiques parmi lesquelles choisir, vous voudrez sélectionner votre photo préférée avant qu'elle ne disparaisse. Des portraits obsédants d’un gorille à un lion observant son territoire au coucher du soleil, ces photographies rappellent le pouvoir et la beauté de la faune africaine.

Vous pouvez parcourir tous les tirages et passer votre commande directement sur le site Web Prints for Wildlife.

Plus de 50 des meilleurs photographes animaliers du monde espèrent collecter 250 000 dollars pour soutenir les parcs et la faune d'Afrique.

Lion regardant le coucher du soleil en Afrique

Photo: Bjorn Persson

Panthère noire par Shaaz Jung

Photo: Shaaz Jung

Lion en Afrique par Marion Payr

Photo: Marion Payr

Chaque photographe participant a fait don d'un tirage qui est en vente pour 100 $ chacun, avec tous les profits allant à l'African Parks Network.

Rhino en Afrique par David Lloyd

Photo: David Lloyd

Lions en Afrique par Thomas Vijajan

Photo: Thomas Vijajan

Éléphant en Afrique par Graeme Green

Photo: Vert Graeme

Impressions pour la faune: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Prints for Wildlife.

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Un menuisier crée des tables flottantes impossibles qui vous feront tout remettre en question

Table Cave Flottante Impossible par John Malecki

Table grotte flottante impossible

Au cours des derniers mois, bon nombre de nos maisons se sont déplacées, à contrecœur, vers nos bureaux, notre école, notre salon et notre lieu de divertissement. Il est naturel de réexaminer non seulement la fonctionnalité de nos espaces, mais aussi de prioriser la manière dont ils favorisent l’inspiration et la motivation. Si vous vous sentez embrouillé sur les idées créatives tout en spirale dans un terrier de lapin YouTube, vous n'êtes pas seul – concepteur (et YouTuber) John Malecki partage vos sentiments.

La chaîne créative du menuisier propose une série de vidéos visant à traverser le brouillard avec des approches innovantes du mobilier. Inspiré par un collègue YouTuber nommé menuisier slovène, Malecki a décidé de s'essayer (et a vu) à la conception unique d'une table sur le thème de l'illusion d'optique. Après avoir tracé les dimensions, Malecki a rassemblé ses matériaux et s'est décidé sur l'idée du Impossible FLoating Cave Table et je me suis mis directement au travail. Dans sa vidéo de processus, Malecki utilise habilement une combinaison de planches de bois stratifié et d'acrylique cristallin pour donner à la table l'impression que son plateau flotte dans les airs. Le résultat est une illusion d'optique dense et une œuvre d'art étonnante.

Dans la vidéo ci-dessous, Malecki partage et démontre les aspects pratiques de ce projet particulier. Il fournit son processus étape par étape. Faites défiler vers le bas pour voir comment il a réalisé ce merveilleux travail de conception fonctionnelle, ainsi qu'un certain nombre de ses autres créations tout aussi étonnantes.

Regardez le menuisier John Malecki créer une incroyable table flottante:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=WUwjq1zZCis (/ embarqué)

En plus de Table grotte flottante impossible, Malecki a également d'autres projets de table surréalistes.

Table flottante impossible

Table Flottante Impossible par John Malecki

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=80uQSWkdevQ (/ incorporer)

Table de tension flottante impossible

Table de tension flottante par John Malecki

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=uxWG2MQGXG0 (/ embarqué)

Table de cascade de rivière

Table de cascade de rivière par John Malecki

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=JwedKjrAHwo (/ incorporer)

John Malecki: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de John Malecki.

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Surprenez votre mec préféré avec l'un de ces petits cadeaux

Petits cadeaux pour hommes

Les gars, peu importe leur âge ou leur relation avec vous, sont souvent les plus difficiles à trouver. Cela peut rendre les occasions de cadeaux comme les anniversaires et les vacances stressantes. Ne vous inquiétez jamais. My Modern Met Store propose une grande variété de petits cadeaux uniques que les gars adoreront à tout moment de l'année.

Shopping pour un gars avec une tendance artistique? La tasse Bob Ross est un excellent moyen d'inspirer ses matins. Conçue par le label créatif Unemployed Philosophers Guild, cette tasse présente un portrait du peintre télévisé bien-aimé Bob Ross. Ajoutez simplement une boisson chaude à la tasse et un paysage apparaît comme par magie à l'arrière-plan. Une autre excellente façon de traiter un type artistique est avec de nouvelles fournitures d'art. Viviva Colorsheets propose un assortiment de 16 aquarelles transparentes sous la forme d'un petit livret portable. Pour commencer, l'artiste doit simplement passer un pinceau humide sur les pages de couleur.

Ou, si vous voulez offrir à votre homme un cadeau purement amusant, les jeux et les puzzles sont la solution. Les amoureux des animaux adoreront le jeu de pile de petits chiens en bois. C’est comme votre jeu Jenga classique mais joué à l'envers, où le but est d'empiler les cabots en forme de Shiba Inu aussi haut que possible. De même, un autre jouet en bois fantastique est l'adorable Cubebot par le designer David Weeks. Cette charmante figurine articulée s'inspire d'un robot et s'inspire de la «menuiserie complexe» des puzzles japonais Shinto Kumi-ki. Son cadre élastique lui permet d'être positionné dans des dizaines de poses différentes, permettant de nombreuses opportunités de photos.

Faites défiler vers le bas pour parcourir ces cadeaux uniques et dirigez-vous vers My Modern Met Store pour acheter d'autres petits cadeaux pour hommes.

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Petit jeu de pile de chien en bois

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De puissantes projections vidéo BLM aident à récupérer le monument controversé de Robert E. Lee [Interview]

Projections de lumière BLM sur le Robert E. Lee Memorial en Virginie

En Virginie, un artiste aide sa communauté à récupérer un monument controversé au nom de Black Lives Matter. Le monument Robert E. Lee est désormais la seule statue confédérée restante sur l'historique Monument Avenue de Richmond. Alors que le litige lie le retrait de la statue, l'artiste de projection de lumière Dustin Klein utilise son art pour changer la signification de ce monument litigieux.

Au cours des deux derniers mois, Klein et un petit groupe de collaborateurs ont projeté des images et des vidéos de citoyens noirs tués par la police, ainsi que d'hommes et de femmes noirs historiques qui ont façonné notre histoire. Les visages de George Floyd et de Breonna Taylor ont chacun été projetés sur le monument comme un moment de guérison, tandis que des personnages comme Frederick Douglass, Harriett Tubman et Billie Holiday nous rappellent les grands penseurs noirs à travers l'histoire.

Pour le projet, qui a été nommé Récupérer le monument, Klein vend des tirages des projections afin de soutenir le mouvement Black Lives Matter, ainsi que d'autres causes locales. Son espoir est de continuer son travail jusqu'à ce que le monument soit définitivement enlevé et que Richmond puisse commencer un nouveau chapitre sur Monument Avenue.

Nous avons eu l'occasion de parler avec Klein de l'impulsion derrière le projet et de la façon dont son acte initial spontané s'est transformé en quelque chose de plus grand. Continuez à lire pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Projections de lumière BLM sur le Robert E. Lee Memorial en VirginiePouvez-vous d'abord partager un peu votre expérience en art vidéo?

J'ai d'abord appris à animer à l'université pour créer des films éducatifs sur la géométrie sacrée. Après avoir travaillé quelques années dans l'industrie du motion graphics, j'ai appris à mélanger la vidéo et à créer du mappage de projection. J'ai trouvé un groupe pour m'emmener en tournée et j'ai fait la transition de mon travail quotidien vers l'industrie de la musique live. J'ai fait de nouvelles connexions et j'ai commencé à créer du mappage de projection pour des installations artistiques dans des festivals de musique plus importants et des événements publics. COVID-19 a actuellement annulé tous les événements pour lesquels je travaille au moins le reste de l'année.

Black Lives Matter Art Installation sur le mémorial Robert E LeeQu'est-ce qui vous a incité à sortir et à faire la première projection lumineuse?

Après le soulèvement initial et l'embarquement des fenêtres d'affaires, j'ai contacté les propriétaires pour placer des projecteurs avec des messages BLM dans les fenêtres autour de Richmond. J'ai créé deux de ces affichages avant d'illuminer le monument.

J'ai vu un grand nombre de manifestants pacifiques être gazés et aspergés de poivre avant le couvre-feu de 20 heures la nuit précédente – j'ai littéralement vu plus d'une mère avec de jeunes enfants fuir la police. J'ai eu plusieurs amis proches de la ville qui ont subi des gaz lacrymogènes.

J'ai été profondément perturbé par la vidéo du meurtre de George Floyd. Plusieurs policiers auraient pu empêcher cette mort, mais au lieu de cela, ils n’ont rien fait. J'avais l'impression que ne pas agir en ce moment avec mes compétences et mon équipement serait comme les officiers qui n'ont pas empêché Derek Chauvin de mettre son genou sur le cou de George Floyd pendant 8 minutes et 46 secondes.

Martin Luther King Jr projeté sur le monument commémoratif Robert E LeeLe monument Robert E. Lee est évidemment l'un des monuments confédérés les plus célèbres et les plus controversés du pays. Étiez-vous préoccupé par le fait que l'État pourrait être réticent à ces installations?

Grandir à Richmond et voir les monuments était toujours un peu étrange. Je me souviens avoir parlé à mes amis noirs de Richmond au lycée de la façon dont ils les mettaient mal à l'aise.

Je ne savais vraiment pas quelle serait la réaction de la police la première fois que nous nous rendrions là-bas. J'ai souri quand ils sont passés à côté de nous la première fois et nous ont complètement ignorés.

Lorsque nous avons projeté la première nuit, je n'avais aucune idée que cela durerait plus de 40 jours de plus. Nous avons fait plusieurs ajustements pour essayer de limiter notre empreinte, notre bruit et être aussi respectueux que possible envers le quartier tout en conservant l'espace. Par exemple, lorsque nous avons commencé, nous utilisions un petit générateur. Depuis, nous sommes passés à un onduleur de 1000 W fonctionnant sur ma voiture. Le 19 juin, l'un des bâtiments environnants a allumé ses projecteurs géants, nous sommes donc passés de l'autre côté qui était encore très sombre.

Il y a eu environ une semaine où la police d'État s'est présentée pour nettoyer le parc après le coucher du soleil. Nous avons déménagé dans une propriété privée et projeté à partir d'un angle décentré pour ne pas être sur leur chemin. Nous avons pu maintenir la projection d'Harriet Tubman pendant tout le processus de balles en caoutchouc et de gaz lacrymogène.

Installation artistique de Marcus David PetersQuelle a été la réaction au travail?

La réaction du public autour du monument a d'abord été très triste et belle. Pendant les 10 à 14 premiers jours, les projections ont servi uniquement de mémorial aux victimes de brutalités policières, et le monument avait de l'espace autour de lui lorsqu'il a commencé sa transformation.

De nombreux Noirs qui ont dit qu’ils n’avaient jamais pensé à marcher sur le terrain du monument Lee ont maintenant le sentiment que l’espace est récupéré. Je pense que tous ceux qui voulaient recontextualiser le monument étaient heureux de le voir de cette façon.

J'ai reçu presque tous les commentaires positifs avec des interactions face à face sur le monument. Le seul vrai refus que j'ai reçu vient des trolls sur Internet.

Je m'attendais à une réaction, mais pas dans le monde entier!

Frederick Douglass projeté sur le monument commémoratif Robert E LeeVous ne faites généralement pas d'art politique, alors pourquoi vous êtes-vous senti obligé de vous impliquer cette fois-ci?

Disons simplement que 2020 n’a pas été une année typique!

Comment le projet a-t-il évolué depuis cette soirée initiale?

Nous avons développé le thème. De ce qui a commencé comme un mémorial à la violence policière est maintenant devenu un thème de l'autonomisation des Noirs. J'ai d'abord traîné mon ami de longue date Alex Criqui avec moi comme main supplémentaire. Au fur et à mesure que le projet se poursuivait, il a commencé à organiser et à créer le contenu avec moi.

Nous avons l'attitude que la statue a jeté une énergie sombre vers les Noirs dans cet espace depuis 1890. Nous avons commencé à nous efforcer de trouver un contenu qui, selon nous, pourrait recontextualiser une partie de l'énergie négative avec de l'énergie noire positive. Nous avons commencé à projeter des personnages historiques noirs comme Harriet Tubman, Frederick Douglass, W.E.B. Du Bois, Maggie Walker, les troupes colorées des États-Unis, Gabriel Prosser, Nat Turner, Martin Luther King Jr, Rosa Parks, Malcolm X, Angela Davis, Fred Hampton, Kwame Ture, James Baldwin, John Lewis, et plus encore.

Nous avons projeté des musiciens noirs tels que Nina Simone, Billie Holiday, Miles Davis, Ray Charles, Jimi Hendrix, Richie Havens, James Brown, Sister Rosetta Thorpe, Son House, Aretha Franklin, Bill Withers, Marvin Gaye, Duke Ellington, Erykah Badu, Prince, et plus encore. Nous avons également travaillé pour inclure des artistes visuels noirs tels que Basquiat, Gordon Parks, Jacob Lawrence et d'autres artistes nationaux et régionaux.

Nous prévoyons de continuer à assister aux manifestations et de travailler avec le mouvement pour créer quotidiennement un nouveau contenu approprié. Je voudrais continuer les projections jusqu'à ce que la statue soit retirée.

Harriett Tubman projeté sur le mémorial Robert E LeePouvez-vous nous dire quels sont les tirages que vous avez en vente et où iront les bénéfices?

La première série de tirages, qui comporte une photo de George Floyd avec les mots Black Lives Matter projetés sur le monument au-dessus, ira directement à l'organisation Black Live Matter.

Nous lançons plus d'impressions dans un avenir très proche. Chacun bénéficiera à plusieurs groupes différents autour de Richmond et de Virginie. Nous avons un imprimé arc-en-ciel au profit de Diversity, un groupe de Richmond qui aide la communauté LGBTQ +. Une impression de Frederick Douglass au profit de l'organisation SONG, qui aide à organiser les gens pour des actions politiques liées aux manifestations autour de la Virginie. Une empreinte du poing de solidarité bénéficiera à Mutual Aid, qui est un fonds de secours en cas de catastrophe autour de Richmond en Virginie. Enfin, un tirage de Harriet Tubman sera dirigé vers un fonds pour une église unitarienne qui s'occupe d'une femme nommée Abbie et de deux enfants, qui se trouvent dans le sanctuaire de l'Église qui les protège de la déportation par ICE (#HANDSOFFABBIE).

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=xo2Coxbjt_M (/ incorporer)

Dustin Klein: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Dustin Klein.

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Un photographe capture la vue magique de papillons bleus brillants regroupés sur un arbre

Photo de papillon Morpho bleu par Kelvin Hudson

Le photographe Kelvin Hudson est tombé sur un spectacle magique qui serait généralement réservé à un conte de fées. Alors qu'il était dans la forêt, il a capturé l'image d'un arbre partiellement recouvert d'une grappe de papillons morpho bleus. La majorité des créatures ailées brillantes se sont rassemblées autour du tronc de l'arbre tandis que d'autres s'étalaient en petits groupes sur les branches environnantes. L'image qui en résulte est impressionnante.

Hudson était certainement au bon endroit au bon moment pour prendre cette photo, surtout compte tenu du comportement de cette espèce de papillon. Les papillons morpho bleus adultes passeront la majorité de leur temps sur le sol de la forêt et dans les arbustes et les arbres inférieurs. Pendant qu'ils sont ici, leurs ailes sont pliées pour dissimuler leur couleur vibrante, et ils afficheront des sous-ailes brunes qui les protègent des prédateurs tels que les oiseaux et autres insectes. Hudson les a probablement surpris à un moment où ils profitaient de la chaleur du soleil.

Cette image est disponible sous la forme d'une copie d'archives signée – envoyez simplement un courriel à Hudson pour vous renseigner sur la façon de vous en procurer une. En plus de créer des images époustouflantes comme celle-ci, il travaille actuellement sur un livre sur ses aventures photographiques qui l'ont emmené à travers le monde.

Kelvin Hudson: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Kelvin Hudson.

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Un musicien jouant de la harpe dans les bois est accueilli par un cerf comme quelque chose d'un conte de fées

Les cerfs sont connus pour être des créatures timides, et il est assez rare d'en apercevoir un en gros plan, dans la nature. Cependant, il y a un cerf en particulier qui n'a pas pu s'empêcher de sortir du bois quand il a entendu le beau son de la harpe de Naomi SV. En se filmant en train de jouer une reprise de Simon & Garfunkel Le son du silence, la créature curieuse est capturée en se rapprochant pour mieux écouter.

Plusieurs études scientifiques suggèrent que certains animaux aiment écouter de la musique et la vidéo de Naomi SV confirme cette hypothèse. Le jeune cerf est capturé en approchant lentement de Naomi alors qu'il remue la queue avec excitation. Pendant ce temps, Naomi ignore complètement son admirateur secret. Le faon prudent parvient à se rendre à quelques mètres du musicien, avant de sauter dans les bois. À son tour, Naomi est surprise par le mouvement soudain du cerf et arrête brusquement de jouer de sa harpe. Ce n'est qu'après avoir regardé l'enregistrement qu'elle a pris conscience du moment de conte de fées qui s'est produit. Le talentueux musicien dit: «Un cerf a transformé ma session de harpe en un film de Disney.»

Regardez la vidéo entière ci-dessous et écoutez d'autres reprises de harpe de Naomi sur YouTube.

Ce cerf curieux est sorti des bois pour écouter la reprise de la harpe de Naomi SV de Simon & Garfunkel Le son du silence.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=9Xd8xq06FCw (/ embarqué)

Naomi SV: Site Web | Instagram | Youtube
h / t: (Reddit)

Toutes les images via Naomi SV.

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Pourquoi Kehinde Wiley crée des portraits exquis d'hommes noirs inspirés de la peinture des maîtres anciens

Kehinde Wiley Peinture

Kehinde Wiley
«Young Tree Shots on Jinggang Mountain (The World Stage: China)», 2007
Peinture à l'huile
250 x 180 cm
© Courtesy Templon, Paris – Bruxelles

L'artiste Kehinde Wiley s'inspire des peintres des maîtres anciens pour créer ses portraits contemporains. Dans son travail, il a remplacé la royauté, la noblesse et les aristocrates européens qui sont les piliers de ces tableaux. Les sujets principaux sont désormais «les hommes urbains, noirs et bruns du monde entier».

Ayant appris à peindre en copiant les peintures des maîtres anciens, Wiley est un expert dans la transmission de ses sujets avec les mêmes qualités esthétiques que les artistes d'il y a des siècles. Ils ont une forme naturaliste similaire avec une attention à la lumière et aux détails. La différence, cependant, est la représentation. Wiley place les personnes de couleur au premier plan, et donc au pouvoir, tout en portant des vêtements de tous les jours.

Le vocabulaire visuel des peintures de la Renaissance au Rococo est une partie essentielle des œuvres contemporaines de Wiley. «Si vous regardez mes peintures, il y a quelque chose sur les lèvres, les yeux et les muqueuses. Est-ce seulement à propos de ça? Non. Il demande: «Que font ces gars?» »Explique Wiley. «Ils prennent la pose de maîtres coloniaux, les anciens patrons du Vieux Monde.» Mais en appliquant ces considérations à ses sujets, il défie, perturbe et, finalement, fait évoluer la longue tradition de la peinture de portrait dans l'art.

Wiley réalise la première grande enquête sur son travail en France au Centre d’Art La Malmaison à Cannes. La rétrospective, intitulée Kehinde Wiley: Peintre de l'Épopée, couvre plus d'une décennie de sa pratique artistique. Il est à l'affiche jusqu'au 1er novembre 2020.

L'artiste Kehinde Wiley présente une rétrospective de son travail à Cannes, en France. C’est la première grande enquête sur son travail dans le pays.

Kehinde Wiley Peinture

Kehinde Wiley
«Bonaparte dans la Grande Mosquée du Caire», 2012
Peinture à l'huile
178,5 x 148 cm
© Courtesy Templon, Paris – Bruxelles

Kehinde Wiley: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de la Galerie Templon.

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Art de la broderie de la nature par Litli Ulfur

"L'intérieur"

L'artiste ukrainienne Litli Ulfur utilise la broderie à la main pour explorer son lien avec la nature. Elle coud des paysages abstraits composés de forêts feuillues et de mousse luxuriante qui invitent le spectateur à regarder de plus près et à s'immerger dans les textures fascinantes.

L'artiste textile commence chaque pièce en apaisant son esprit et en s'autorisant à ne faire qu'un avec la nature. Ulfur essaie de ressentir les différentes forces à l'œuvre, notamment l'odeur, la couleur, la texture, le son et le goût. «Ce que je crée est influencé par des stimuli, des impressions et des réactions», explique Ulfur à My Modern Met. «Être seul dans la nature est vraiment important pour moi. Cela me donne un espace pour réfléchir aux raisons pour lesquelles je fais ce que je fais et ressens ce que je ressens. Je me connecte à mon propre monde d'imagination et de possibilités. »

Ces expériences deviennent le guide de son processus créatif et inspirent la conception en labyrinthe de son art de broderie verdoyant. «Mon objectif est d'inspirer les autres, de stimuler l'imagination et d'attirer l'attention sur l'interconnexion humaine avec le monde de la nature et le monde intérieur», déclare Ulfur. Concevant les scènes d'un point de vue aérien, elle capture les motifs de feuillage en utilisant une variété de points de broderie comme des nœuds français, des touffes et des zones de points lisses. «Je ne cherche pas de formes littérales», dit-elle, «l'abstraction reflète le mieux ma propre perception de ce que je vois.»

Faites défiler vers le bas pour voir plus d'art de broderie inspiré de la nature par Ulfur et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste textile Litli Ulfur crée une broderie à la main exquise qui ressemble à des forêts texturées luxuriantes.

Art de la broderie de la nature par Litli Ulfur

«L'intérieur» (détail)

Art de la broderie de la nature par Litli Ulfur

"Lien"

Elle crée chaque pièce dans une perspective aérienne.

Art de la broderie de la nature par Litli Ulfur

«Connexion» (détail)

Ulfur trouve les motifs uniques du feuillage et utilise différentes techniques de broderie pour les capturer.

Art de la broderie de la nature par Litli Ulfur

"Éveillé"

Art de la broderie de la nature par Litli Ulfur

"La marée"

Litli Ulfur: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Litli Ulfur.

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Les personnes âgées recréent des pochettes d'albums de musique emblématiques en quarantaine

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Couvertures d'album de loisirs pour personnes âgées

Les établissements de soins pour personnes âgées du monde entier sont fermés depuis que le COVID-19 est devenu une pandémie. Garder le moral pendant cette période peut être un défi, ce qui signifie que les coordinateurs d'activités de ces lieux doivent faire preuve de créativité dans ce qu'ils planifient pour leurs communautés.

Alors que les résidents de la communauté Amenida Seniors ont recréé des œuvres d'art célèbres pour le Getty Museum Challenge, ceux du Sydmar Lodge Care Home à Edgware, en Angleterre, ont décidé d'emprunter une voie musicale. Le coordinateur des activités, Robert Speker, a planifié une séance photo des résidents qui leur a permis de recréer des pochettes d'albums célèbres de n'importe qui, d'Elvis Presley à Taylor Swift.

Utilisant une combinaison de photographie intégrée à l'appareil photo et de Photoshop, les couvertures classiques capturent l'essence de leur matériau source emblématique. Les résidents posent au milieu d'un éclairage maussade, portent les mêmes tatouages ​​et (dans le cas de David Bowie Aladdin Sane album) ont même leur visage peint. Après quatre mois de verrouillage, cela a dû être amusant de prétendre être quelqu'un d'autre, même si ce n'est que pour un petit moment.

Bien que les albums soient censés être aussi proches que possible des originaux, Speker a injecté quelques touches personnelles dans les recréations de la couverture. Pour l'album d'Adele, qui porte les mots «Adele 21», il l'a remplacé par «Vera 93» pour mettre en évidence la résidente (et son âge) sur la photo. Et pour Taylor Swift 1989 album, il est repensé comme 1922, apparemment pour refléter l'année de naissance du mannequin senior.

Faites défiler vers le bas pour découvrir d'autres pochettes d'albums réinventées.

Les résidents seniors de la communauté Amenida Seniors restent créatifs tout en restant en sécurité en quarantaine en recréant des pochettes d'albums célèbres.

Récréations de couverture d'albumRécréations de couverture d'albumCouvertures d'album de loisirs pour personnes âgéesCouvertures d'album de loisirs pour personnes âgéesCouvertures d'album de loisirs pour seniorsRécréations de couverture d'albumCouvertures d'album de loisirs pour personnes âgéesCouvertures d'album de loisirs pour personnes âgéesCouvertures d'album de loisirs pour personnes âgées

Le personnel de Sydmar Lodge s'est également joint à l'amusement.

Récréations de couverture d'album

Robert Speker: Twitter | LinkedIn

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Robert Speker.

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Une vidéo incroyable montre la perspective de la Terre et de la Lune

Graphique de la Lune et de la Terre

Photo: Photos de Triff / Shutterstock

Regarder la lune à l'aide d'un télescope, de la photographie ou simplement se coucher dans un champ ouvert est une perspective majestueuse qui nous est généralement offerte aux terriens. Bien que nous aspirions à voir la Terre du point de vue de la lune, la réalité est que les voyages publics sur la lune n’existent pas encore. Cependant, il y a peut-être une solution grâce à l'esprit novateur du scientifique planétaire James O’Donoghue.

O’Donoghue – qui a précédemment travaillé comme boursier de la NASA au Goddard Space Flight Center de la NASA dans le Maryland, aux États-Unis – est actuellement basé au Japon et travaille pour l'agence spatiale japonaise JAXA. L'un de ses projets récents compile une collection d'images de la topographie lunaire – via les données de la NASA et les informations du rover – créant un affichage généré par ordinateur de ce à quoi la Terre ressemblerait du point de vue de la lune. Le résultat final est une vidéo haute résolution, présentée à travers l’objectif de la vue satellite de la Terre. La vidéo présente une perspective côte à côte de la terre et de la lune, alors qu'elles transitent tout au long du mois d'avril 2020. Chaque image de la vidéo est une compilation de 15 minutes de temps capturé. La vidéo est une vue en accéléré de la terre et de la lune baignées de soleil et d'obscurité à plusieurs reprises.

Le travail d’O’Donoghue est une première en termes d’utilisation des visuels et des perspectives de notre planète et de la lune de cette manière. Son intention était de montrer au grand public les différentes phases de la lune, y compris ses modèles de rotation autour de la terre. Il espère que la vidéo met vraiment en évidence les différentes tailles et angles de la lune lors de sa rotation, offrant aux téléspectateurs une perspective unique.

Perspectives de la Terre et de la Lune

Vous pouvez regarder la vidéo hypnotique Earth and Moon de James O’Donoghue ici:

James O’Donoghue: Site Web | Instagram | Twitter
h / t: (ScienceAlert)

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L'artiste réinvente les princesses emblématiques de Disney avec des proportions faciales réalistes

Art Princesse Disney par Holly Fae

Elsa de "Frozen"
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Tout le monde connaît le style artistique de la marque Disney. Leurs personnages animés bien-aimés ont souvent des traits mignons et minuscules avec de grands yeux expressifs. Ces proportions les font apparaître plus comme des dessins animés que réalistes, ce qui a donné à un artiste une idée pour une torsion de la convention Disney. Dans son projet en cours, l'illustratrice californienne Holly Fae réinvente les célèbres princesses Disney et d'autres personnages avec des proportions plus réalistes.

Fae a commencé la série en transformant les sœurs starlettes de Congelé, Elsa et Anna. À l'aide de l'application Procreate sur son iPad, elle a modifié les traits enfantins des princesses en allongeant leurs visages et en réduisant leurs yeux. Ensuite, l'artiste numérique a partagé des vidéos de son processus sur son TikTok qui a rapidement recueilli des millions de vues et de likes.

Après avoir reçu autant de commentaires positifs, Fae a continué à mettre à jour les personnages d'autres films Disney, comme Moana, Raiponce (de Emmêlé) et Merida (à partir de Courageux). «La vidéo initiale d'Elsa était vraiment un caprice, mais depuis celle-là, j'ai mis beaucoup de soin à chaque transformation, en particulier dans le cas de Moana et Jasmine», dit Fae. «J'ai passé beaucoup de temps à regarder des photos de femmes de leurs origines ethniques parce que je voulais avoir les bonnes fonctionnalités.» L'illustratrice a l'intention de continuer sa série de relooking jusqu'à ce qu'elle mette à jour toutes les princesses, y compris Mulan et Blanche-Neige.

Vous pouvez acheter l’art de Fae via sa boutique Etsy et vous tenir au courant de ses dernières créations en la suivant sur TikTok et Instagram.

L'artiste californienne Holly Fae met à jour les princesses Disney en leur donnant des proportions réalistes.

Art Princesse Disney par Holly Fae

Anna de «Frozen»

Art Princesse Disney par Holly Fae

Moana de «Moana»

Art Princesse Disney par Holly Fae

Princesse Raiponce de "Tangled"

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Ariel de «La petite sirène»

Art Princesse Disney par Holly Fae

Princesse Belle de "La Belle et la Bête"

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Princesse Merida de "Brave"

Art Princesse Disney par Holly Fae

Princesse Jasmine de «Aladdin»

Art Princesse Disney par Holly Fae

Vanellope de "Wreck-It Ralph"

Fae a également repensé l'un des gars – Flynn Rider de Emmêlé.

Art Princesse Disney par Holly Fae

Flynn Rider de "Tangled"

Pour en savoir plus sur son processus, consultez la chaîne TikTok de Fae, où ses vidéos ont recueilli des millions de vues et de likes.

@hollyfae_artQue préférez-vous? ## elsa ## Frozen2 ## foryou ## fyp ## artchallenge ## funny ## 4upage ## artclub ## disney ## makeover ♬ Into the Unknown – VoicePlay

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L'artiste transforme une pièce d'un dollar en une sculpture incroyable avec une mécanique mobile cachée

Hobo mécanique Nickel par Roman Booteen

L'art ancien du hobo nickel existe depuis le 18e siècle, mais l'artiste russe Roman Booteen maintient le métier vivant avec ses extraordinaires dessins de sculpture sur pièces. D'un bug d'or avec des ailes mobiles à un cœur battant mécanique, Booteen est un maître moderne dans la transformation de vieilles pièces en extraordinaires sculptures en bas relief. Son dernier design ne fait pas exception: il a méticuleusement modifié une pièce en dollars américains (de 1921) pour y inclure un gant et une épée 3D avec un mécanisme secret.

Découpé à la main et gravé au centre de la pièce, le design incroyablement complexe de Booteen comprend un gant d'armure en métal avec des détails décoratifs gravés à la main. Le gant tient une épée qui semble être plongée sur le côté de la pièce. La pièce est déjà impressionnante en tant que sculpture fixe; cependant, une fois que le bouton caché sur le bord extérieur de la pièce est enfoncé, les composants métalliques prennent vie. Un ressort intégré permet aux doigts du gant de bouger, comme s'il haletait la poignée de l'épée.

Découvrez l'incroyable hobo nickel de Booteen ci-dessous et découvrez-en plus sur son portefeuille en constante évolution sur Instagram.

L'artiste russe Roman Booteen a transformé une vieille pièce de monnaie en dollars américains en ce design de hobo nickel incroyablement complexe.

Épée Hobo Nickel par Roman Booteen

La sculpture en bas-relief miniature comporte un bouton caché sur le côté qui déclenche un mécanisme secret.

Hobo mécanique Nickel par Roman BooteenÉpée Hobo Nickel par Roman Booteen

Regardez les composants métalliques prendre vie!

Découvrez d'autres pièces extraordinaires sculptées à la main de Booten.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=enF2HQkGnMo (/ incorporer)

Roman Booteen: Facebook | Instagram

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Des cartes colorées révèlent le plus ancien restaurant en activité de (presque) tous les pays

Le plus ancien restaurant de tous les pays

Des infographies fascinantes récemment créées par NetCredit offrent aux passionnés d'histoire et aux gourmets aventureux une visite colorée du «restaurant le plus ancien de (presque) tous les pays». Alors que le terme «restaurant» vient du mot français désignant un bouillon réparateur servi dans les établissements de restauration à Paris du XVIIIe siècle, les repas au restaurant ont une histoire longue et diversifiée à travers le monde. Ces graphiques colorés rassemblent une riche histoire gastronomique mondiale. Les plats signature appétissants peuvent même servir d'inspiration de voyage.

De nombreux restaurants servent des plats traditionnels qui durent depuis des siècles. Le plus ancien établissement, St. Peter Stifts Kulinarium en Autriche, remonte à plusieurs siècles à 803 CE. Aujourd'hui, les clients apprécient les classiques autrichiens tels que le wiener schnitzel parmi des sélections plus modernes comprenant des viandes et des fromages locaux. Alors que l'Europe domine la liste des dix plus anciens restaurants en activité au monde, chaque continent possède ses propres institutions estimées. El M’Rabet, le plus ancien restaurant d’Afrique, a été créé en 1630 en Tunisie. Les visiteurs de la Colombie peuvent se régaler de tamales et de soupe ajiaco à La Puerta Falsa, le plus ancien restaurant sud-américain. Fondé en 1153, le plus ancien restaurant de Chine utilise des recettes traditionnelles transmises par la famille du fondateur d'origine, Ma Yu Ching. Le Bucket Chicken House de Ma Yu Ching témoigne de l'attrait durable des meilleures recettes.

Pour voir la liste complète des restaurants les plus anciens par pays, NetCredit a compilé une feuille de calcul avec des sources et des liens pour le voyageur du monde intéressé, passionné d'histoire ou gourmand. Les voyageurs du monde entier peuvent rechercher leurs plats préférés et découvrir l'histoire locale en mangeant.

Vous êtes-vous déjà demandé quel était le plus ancien restaurant de votre pays? NetCredit a mis en place une carte simple avec des informations sur presque tous les pays du monde.

Le plus ancien restaurant de tous les pays

La première place du plus ancien restaurant en activité au monde est le St. Peter Stifts Kulinarium en Autriche, qui existe depuis 803.

Le plus ancien restaurant de tous les pays

Le plus ancien restaurant de tous les paysLe plus ancien restaurant de tous les paysLe plus ancien restaurant de tous les pays 6Le plus ancien restaurant de tous les pays

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Toutes les images via NetCredit.

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Des scientifiques découvrent des poissons «Vantablack» de haute mer qui absorbent plus de 99% de la lumière

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

Nous savons tous que certaines créatures étranges peuvent vivre dans les eaux profondes, mais même les chercheurs ont été surpris par l'adaptation qu'ils ont trouvée chez certains poissons au large des côtes de la Californie. Dans les profondeurs de l'océan, bien au-delà des endroits où la lumière du soleil peut pénétrer, les scientifiques ont trouvé plusieurs espèces de poissons «Vantablack». Ces poissons absorbent en fait plus de 99,5% de la lumière qui les frappe, ce qui les rend presque indétectables dans l'eau.

Une équipe de scientifiques, dirigée par Smithsonian’s Musée national d'histoire naturelle zoologiste de recherche Karen Osborn et le biologiste de l'Université Duke, Sönke Johnsen, ont trouvé 16 espèces de poissons qui ont montré cette capacité et ont publié leurs recherches dans Biologie actuelle. C’est une découverte inhabituelle et à laquelle les chercheurs ne s’attendaient pas.

En fait, ils n'ont réalisé ces propriétés ultra-noires que lorsque Osborn est allé photographier l'un des spécimens de poisson qu'ils avaient tiré à la surface. Après avoir installé son stroboscope et pris quelques clichés, elle a remarqué qu'un poisson particulier s'était transformé en «trou noir» alors qu'elle essayait de le photographier.

«J'essayais de prendre des photos, et j'obtenais juste ces silhouettes», se souvient Osborn. «Ils étaient terribles. J'avais déjà essayé de prendre des photos de poissons de haute mer et je n'avais rien d'autre que ces images vraiment horribles, où vous ne pouvez voir aucun détail. Comment se fait-il que je puisse faire briller deux lumières stroboscopiques sur eux et que toute cette lumière disparaît tout simplement?

Poisson de haute mer ultra noir

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

C’est alors qu’Osborn et ses collègues ont réalisé qu’ils regardaient des poissons qui avaient appris à se camoufler avec leur peau «Vantablack». Sous l’eau, là où le soleil ne pénètre pas, la bioluminescence émise par différents animaux fournit de la lumière. C’est ainsi que les animaux s’accouplent non seulement, mais aussi comment les prédateurs trouvent leurs proies. Se rendre invisible dans ces situations est la différence entre la vie et la mort. «Si vous voulez vous fondre dans la noirceur infinie de votre environnement, aspirer chaque photon qui vous frappe est une excellente façon de procéder», déclare Osborn.

La qualité ultra-noire du poisson est due à la mélanine. Ce pigment, qui colore également la peau des humains, est non seulement abondant dans la peau des poissons, mais dans tout leur corps. En tant que barrière initiale, les cellules pigmentées densément compactées forment une couche le long de la surface du poisson et absorbent beaucoup de lumière. Tout ce qu'ils n'absorbent pas immédiatement est poussé vers les autres cellules pigmentaires plus profondément, qui s'occupent du reste. «En fait, ce qu’ils ont fait, c’est de créer un piège à lumière ultra-efficace et ultra-fin», dit Osborn. «La lumière ne rebondit pas; la lumière ne passe pas. Il entre simplement dans cette couche et il est parti. "

Alors que les scientifiques ont trouvé des oiseaux aux plumes ultra-noires, le système d'absorption utilisé par ces espèces de poissons est assez différent. Avec les oiseaux et les papillons, l'effet est une combinaison de mélanine et de structures captant la lumière. Cela diffère grandement des poissons, qui n'utilisent que de la mélanine.

Actuellement, les chercheurs réfléchissent à la manière dont ces poissons pourraient leur donner un aperçu de la manière dont les concepteurs pourraient concevoir plus efficacement des matériaux ultra-noirs. La plupart des fabricants utilisent les mêmes principes que ceux trouvés dans les oiseaux et les papillons, mais cette découverte pourrait ouvrir un monde de nouvelles possibilités.

Les chercheurs ont découvert 16 espèces de poissons «Vantablack».

Anoplogaster cornuta

Anoplogaster cornuta

Tête de crête ultra-noire (Poromitra crassiceps)

Tête de crête ultra-noire (Poromitra crassiceps)

Ces poissons des grands fonds ont une peau ultra-noire qui absorbe plus de 99,95% de la lumière, ce qui les rend invisibles aux prédateurs.

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

Blackdragon du Pacifique (Idiacanthus antrostomus)

Toutes les images via Karen Osborn / Smithsonian. My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Smithsonian.

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Un artiste en métal réinvente l'emblématique «Hippie Van» de VW en un charmant gril à bois

Hippie Van Grill

La Volkswagen Type 2 (également connue sous le nom de «Hippie Van») repose pour toujours dans la culture pop comme un symbole de «paix et de solidarité». Très probablement en raison de son histoire avec des rassemblements d'été, des fleurs et des sentiments d'amour, la pure nostalgie du véhicule continue de contribuer à sa nature attachante. De son cadre et de sa structure originaux mais fiables à sa capacité à rassembler et à garder les gens ensemble, il n’est pas surprenant que ce soit aussi une muse privilégiée. Il a inspiré les pochettes d'albums de grands derniers, tels que Bob Dylan et The Beach Boys, tout en conservant une utilisation fidèle de The Grateful Dead.

Ce véhicule au style fantaisiste a également inspiré le fabricant de métaux basé au Royaume-Uni Danny Lyons de Trash Metal Fabrications. L'artiste a intelligemment transformé les «sentiments d'amour et de chaleur» symboliques de la fourgonnette emblématique en une structure physique qui apporte réellement de la chaleur – rencontrez le poêle à bois en forme de camping-car VW. Lyons a ingénieusement assemblé de charmantes répliques sous forme de petits grils à bois.

Grilles Volkswagen Type 2 par Danny Lyons

En utilisant des matériaux recyclés et une ingéniosité délicieuse, les détails que Lyons utilise dans ses conceptions de gril raviront à coup sûr les plus fervents des fans. Tout comme une vraie Volkswagen Type 2, les grilles de Lyon incluent le symbole emblématique VW, des vitres avant divisées et des rétroviseurs identiques. Il utilise également une variante des titres de plaques d'immatriculation qui perpétue la tradition de charme associée au véhicule. Certaines des créations de Lyon incluent le travail de peinture bicolore frappant et mémorable, tout comme le vrai van.

Ces grilles fabriquées à la main sont petites, ce qui évite aux utilisateurs réticents de se sentir dépassés par la gestion des incendies. Sa taille permet également d'optimiser l'espace et contribue à un environnement «cosy». Les conceptions de Lyons garantissent que l’héritage de la Volkswagen Type 2, consistant à encourager «l’unité», se perpétue. Lyons prend également des commandes, acceptant les deux uniques sur mesure en plus de ces campeurs.

Danny Lyons de Trash Metal Fabrications a transformé le classique Volkswagen «Hippie Van» en un poêle à bois fantaisiste.

Volkswagen Type 2 Grill par Danny LyonsBrûleur à bois Volkswagen Camper Van

Voici le poêle à bois en action:

Ce designer intelligent a également transformé d'autres designs et personnages de la culture pop bien-aimés en poêles à bois fonctionnels.

Dalek Grill par Danny Lyons

Brûleur à bois Dalek

TIE Fighter Grill par Danny Lyons

Brûleur à bois TIE Fighter

Minion Grill par Danny Lyons

Brûleur à bois Minion

Grills de culture pop par Danny Lyons

Brûleurs à bois Minion, R2-D2 et VW Camper Van

Danny Lyons: Facebook | Instagram

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Faites la connaissance de Sir John Tenniel, l’illustrateur prolifique des «aventures d’Alice au pays des merveilles»

Sir John Tenniel

«Alice au pays des merveilles» par Sir John Tenniel, 1865. Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Rien ne vaut une bonne histoire, sauf peut-être une qui est accompagnée de beaux dessins. Sir John Tenniel était un artiste qui a créé des illustrations convaincantes au cours du 20e siècle. Travaillant à l'époque victorienne, Tenniel a passé 50 ans en tant que caricaturiste politique pour Coup de poing magazine. Il a produit environ 2000 dessins animés pour la publication, mais c'étaient ses illustrations pour Lewis Carroll Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles et De l'autre côté du miroir cela a fait de lui un nom familier. Il fut même fait chevalier pour ses réalisations artistiques en 1893.

Lisez la suite pour en savoir plus sur la vie et le travail de cet illustrateur prolifique.

Qui était Sir John Tenniel?

Sir John Tenniel

«Autoportrait» de Sir John Tenniel, 1889. Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Sir John Tenniel était un illustrateur et caricaturiste politique anglais qui a fait sa carrière au cours de la seconde moitié du 19e siècle. Né à Londres le 28 février 1820, il était le fils de John Baptist Tenniel, maître d'escrime et de danse, et d'Eliza Maria Tenniel.

Tenniel a brièvement fréquenté la British Royal Academy avant de commencer à exposer ses œuvres à l'âge de seize ans. Au cours de sa formation artistique, Tenniel a passé du temps à dessiner et à peindre les statues classiques de la Townley Gallery de Londres, à copier des illustrations de livres, à étudier les costumes et les armures du British Museum et à dessiner des animaux du zoo de Regent’s Park. Ces exercices ont appris au jeune artiste à dessiner avec des détails et à développer son style distinct de hachures croisées. Tenniel, cependant, n'a pas entièrement apprécié le processus de dessin d'observation. Au lieu de cela, il était le plus heureux quand il pouvait puiser dans sa mémoire et son imagination.

En 1840, alors que Tenniel avait 20 ans, il fut impliqué dans un accident d'escrime avec son père qui lui fit perdre la vue de l'œil droit. Néanmoins, il a gardé la gravité de la blessure secrète de sa famille et a continué sur sa voie pour devenir artiste.

Tenniel a rejoint la Artist’s Society of Clipstone Street Life Academy au milieu des années 1840, où il est apparu pour la première fois en tant que dessinateur satirique. Sa première illustration de livre était pour Samuel Carter Hall Le livre des ballades britanniques en 1842.

En 1850, Tenniel a remplacé Richard (Dicky) Doyle à Coup de poing magazine en tant que dessinateur, où il travaillera pour le reste de sa carrière.

Illustrations de Tenniel pour Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles

Sir John Tenniel

Par Sir John Tenniel, 1865. Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Tenniel a été présenté à Lewis Carroll en 1864. Après avoir lu le manuscrit de l’écrivain pour Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles, il a accepté de créer 42 illustrations pour le livre. Mais lorsque Tenniel a terminé ses ébauches, le notoirement pointilleux Carroll n'en a aimé qu'un seul: le dessin de Humpty Dumpty. Tenniel et Carroll étaient tous deux perfectionnistes, et la majorité de leur collaboration créative a été passée à ne pas s'entendre sur les détails.

Malgré leurs différences, Carroll a apprécié le style et le processus uniques de Tenniel. L'illustrateur a fait valoir que les créatures de Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles ne doit pas ressembler à de vrais animaux, mais plutôt à des créatures inventées. C’est l’imagination enfantine de Tenniel qui a aidé à visualiser les personnages fantaisistes du livre que nous connaissons aujourd'hui.

La première impression de Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles a été achevé en 1865. Les 2 000 exemplaires, cependant, ont été vendus aux États-Unis au lieu de la Grande-Bretagne parce que Tenniel s'est opposé à la qualité d'impression. Une nouvelle édition est sortie en décembre 1865 et est devenue un best-seller instantané.

Après le succès du premier livre, Carrol a écrit deux suites, De l'autre côté du miroir et Ce qu'Alice a trouvé là-bas, et a demandé à Tenniel de les illustrer. Au début, l'artiste capricieux a refusé le travail mais a ensuite changé d'avis. De l'autre côté du miroir a finalement été publié en 1871, mais la relation difficile entre Tenniel et Carroll ne s'est pas améliorée. Tenniel n'a plus jamais accepté un autre projet d'illustration de Carrol, et il est même allé jusqu'à avertir son collègue illustrateur Harry Furniss de sa prochaine collaboration avec Carroll. «Lewis Carroll est impossible», dit-il. «Je vais vous donner une semaine, mon vieux; vous ne supporterez plus jamais cet homme un jour de plus.

Sir John Tenniel

Par Sir John Tenniel, 1865. Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Sir John Tenniel

«La chenille» par Sir John Tenniel, 1865. Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Les dernières années de Tenniel

Sir John Tenniel

Illustration de Humpty Dumpty de «Through the Looking Glass», par John Tenniel, 1871. Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

En 1893, Tenniel a obtenu le titre de chevalier pour ses caricatures politiques à Coup de poing et pour ses illustrations dans Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles et De l'autre côté du miroir.

En 1900, alors qu'il avait 80 ans, Tenniel a pris sa retraite de son poste à Coup de poing. Sa vue à gauche a continué à se détériorer, mais il a continué à peindre des aquarelles jusqu'à ce qu'il devienne complètement aveugle. Tenniel est décédé le 25 février 1914, alors qu'il avait 93 ans, près d'un demi-siècle après Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles a été publié.

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Une forêt enchanteresse capturée à différentes saisons met en valeur la beauté du changement

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Photo de la même forêt en été et en automne par Albert Dros

Le photographe de paysage Albert Dros a toujours trouvé l'inspiration dans la forêt. Au fil des années, il s’est rendu compte que les zones boisées proches de chez lui font une muse fantastique. Ces bois sont en constante évolution et en constante évolution, et ils le ramènent encore et encore. En fait, il visite si souvent qu'il a commencé à prendre des photos de la même scène à différents moments de l'année.

À travers différents éclairages et angles légèrement différents, Dros utilise sa créativité pour montrer comment l'ambiance de la forêt change selon la saison. Alors que les feuilles rouges feu créent une touche de couleur en automne, la forêt enneigée blanchie à la chaux est tout aussi captivante.

Dros garde une trace de ses spots préférés et revient fréquemment pour voir comment ils se sont transformés. Il note même que pendant la même saison, le même endroit peut sembler radicalement différent grâce à de petits changements, comme la couleur des feuilles.

Son travail est la preuve qu’il n’est pas nécessaire de s’aventurer dans des régions lointaines pour prendre des photos mémorables. Parfois, il suffit de marcher ou de conduire à quelques minutes de chez vous. L'important est de garder les yeux et l'esprit ouverts à toute inspiration qui se présente à vous.

Le photographe de paysage Albert Dros retourne dans une forêt voisine à différentes saisons pour capturer son évolution.

Chemin à travers la forêt parsemée de feuillesChemin à travers une forêt verteForêt hivernale

Arbres de la forêt aux racines profondesArbres de la forêt aux racines profondesArbres de la forêt aux racines profondes

La lumière du soleil qui traverse les arbresArbre à feuilles d'oranger à l'automneArbres d'hiver couverts de neige

Sa série montre comment même des changements subtils peuvent créer une sensation radicalement différente de la photographie.

Feuilles jaunes sur arbre dans la forêtFeuilles d'oranger sur un arbre dans la forêt

Forêt à l'automneArbres d'hiver couverts de neige

Lorsqu'il pense aux zones à photographier, Dros aime se concentrer sur des scènes avec un point focal.

La lumière du soleil qui traverse la forêtArbres couverts de neige dans les bois

Chemin sinueux dans les boisChemin d'hiver dans les boisArbres feuillus dans les bois

Albert Dros: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Albert Dros.

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20 charmantes infuseurs à thé qui brassent avec créativité

Infuseurs à thé en vrac

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Aimez-vous l'heure du thé? Pour beaucoup de gens, prendre une tasse de thé est un rituel de leur après-midi. Si tel est le cas pour vous, c'est probablement un investissement judicieux pour acheter un infuseur à thé (ou deux). Ces appareils de cuisine pratiques sont simples à utiliser. Il suffit de placer les feuilles de thé séchées en vrac dans la pochette de l’infuseur, de le fixer, puis de tremper le plus infusé dans une tasse d’eau chaude et d’attendre qu’il infuse.

Les buveurs de thé avides aiment les infuseurs parce qu'ils peuvent essayer de nouveaux mélanges de feuilles, et leur utilisation est une pratique écologique car il n'y a pas de sachets de thé à jeter par la suite. De plus, ajouter un infuseur à thé à vos essentiels de cuisine est facile; les mignons ne manquent pas. Beaucoup sont en silicone, ce qui les rend faciles à entretenir et à nettoyer.

En termes de sujet, vous pouvez choisir des pièces allant des motifs fantastiques aux motifs floraux en passant par les animaux. L'un de nos préférés est l'infuseur à thé Baby Nessie. Créé par OTOTO, ce personnage charmant est inspiré du monstre du Loch Ness et n'hésite pas à plonger dans les profondeurs les plus profondes de votre infusion la plus chaude.

Faites défiler vers le bas pour des infuseurs à thé plus créatifs qui ajouteront du plaisir coloré à votre Earl Grey.

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L'intelligence artificielle donne une nouvelle vie à un film de 1911 sur la vie à New York

Versions noir et blanc et colorisées de la scène historique de la ville de New York

Imaginez les rues de New York au tournant du 20e siècle. Les poussettes tirées par des chevaux partagent la route avec des voitures aux couleurs vives. Des femmes, vêtues de grandes agitations et d'une chapellerie assortie, déambulent à côté de leurs beaus en costume alors qu'elles se frayent un chemin dans les grands magasins. Vous pouvez maintenant voir ces scènes historiques (et bien d'autres) animées par une vie colorée grâce à YouTuber Denis Shirayaev et son travail passé à restaurer un court film en noir et blanc intitulé Un voyage à travers la ville de New York.

Aussi connu sous le nom New York 1911, les images retracent la vie quotidienne dans la Grosse Pomme capturée par la société d'actualités suédoise Svenska Biografteatern. Il a d'abord été restauré et exposé par le Museum of Modern Art pour une exposition en 2017 de l'ensemble de la série de récits de voyage de Svenska.

Shiryaev a encore plus édité le film en augmentant sa fréquence d'images à 60 images par seconde, en tournant la résolution à 4K et en améliorant sa netteté. Ces modifications donnent au film l'impression d'être plus représentatif du monde réel, mais c'est sa colorisation qui l'amène à un autre niveau. Pour ajouter les teintes, Shiryaev a utilisé Deoldify, un outil d'IA open source qui prend des images en noir et blanc et les convertit en couleur.

Recherchez des sites emblématiques comme le Flatiron Building et Battery Park lorsque vous regardez Un voyage à travers la ville de New York au dessous de.

Comparaison noir et blanc et couleur des scènes historiques de la ville de New YorkComparaisons en noir et blanc et en couleurs de scènes historiques de la ville de New York

Voici l'original New York 1911 images restaurées par le MoMA…

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Rx5sUa_2SD8 (/ incorporer)

… Et les mises à jour colorisées de Shriyaev.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=hZ1OgQL9_Cw (/ incorporer)

Denis Shiryaev: Instagram | Youtube
h / t: (PetaPixel)

Toutes les images via YouTube.

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Comment la cathédrale de Florence a passé des siècles en construction pour devenir un monument bien-aimé

Photo de la cathédrale de Florence

Photo: Photos de Kavalenkava / Shutterstock

De son dôme rouge écarlate à son clocher qui fait signe, le Santa Maria del Fiore est un joyau architectural. Aussi connu sous le nom de Cathédrale de Florence, c'est l'un des monuments les plus importants et les plus visités d'Italie et la quatrième plus grande église d'Europe.

À première vue, la cathédrale de Florence peut sembler être une grande prouesse architecturale, mais elle est en fait composée de quelques éléments différents. La construction a commencé en 1296 dans le style gothique, mais le projet a duré plusieurs siècles et a mélangé les deux XVe siècle Renaissance et 19e siècle Renaissance gothique éléments dans sa conception.

Pour vous aider à naviguer dans une structure aussi imposante, il est utile d’en apprendre davantage sur les éléments clés, notamment clocher (campanile en italien), le dôme (ou duomo), et le façade.

Comme d'autres bâtiments monumentaux de l'époque, la cathédrale de Florence passa entre de nombreuses mains et devint en fait une collaboration entre plusieurs personnalités italiennes de premier plan, notamment Giotto et Brunelleschi. Grâce à leurs efforts, la structure est une icône de la région de la Toscane et une partie importante du site du patrimoine mondial de l'UNESCO. Il est visité par des milliers de touristes chaque année.

Ici, nous explorons l'architecture fascinante de la cathédrale de Florence en examinant ses trois éléments clés.

La vision de Giotto pour le clocher

Photo de la cathédrale de Florence

Photo: Photos de Sergey Peterman / Shutterstock

Avant la construction de la cathédrale de Florence, une ancienne église du IVe siècle appelée Santa Reparata se tenait à sa place. Après des centaines d'années, cependant, le bâtiment était en train de s'effondrer et le conseil municipal de Florence a cherché un plan architectural qui pourrait accueillir une pop