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L'artiste de broderie coud des insectes et des fleurs colorés avec des détails de peinture

Broderie à l'aiguille par Emillie Ferris

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Inspirée par «la nature, la magie et tout ce qui est fantastique», l'artiste textile britannique Emillie Ferris coud des motifs de broderie représentant des papillons, des papillons de nuit, des abeilles et des fleurs. Elle a commencé à broder en 2013 et a depuis développé un style qu'elle appelle «la peinture à l'aiguille». Chaque motif coloré est rendu à l'aide de points longs et courts, similaires aux traits de peinture. L'artiste autodidacte explique: "C'est essentiellement comme peindre sur une toile, mais plutôt que d'utiliser de la peinture, vous utilisez du fil."

Les motifs de broderie de Ferris sont souvent basés sur des illustrations entomologiques d'époque, qu'elle réinvente ensuite en fil. «J'adore essayer d'imiter un sentiment de romantisme dans mes broderies», dit-elle. «J'aime étudier de nombreuses références de l'objet que je souhaite broder. Par exemple, j'ai dû enregistrer des centaines de photos de référence et regarder de nombreuses vidéos du papillon morpho bleu, avant de peindre numériquement le papillon dans Photoshop, puis de transférer le motif sur le tissu et de donner vie au papillon avec tant de nuances de fil bleu. Je ne pouvais pas les compter. "

Des papillons vibrants et des abeilles buzzy floues aux champignons magiques et aux fleurs fabuleuses, Ferris capture ses sujets avec des détails incroyables. Chaque pièce cousue à la main est vraiment un travail d'amour, mais Ferris ne garde pas ses talents artistiques pour elle seule. Elle vend ses motifs de broderie sur Etsy, vous pouvez donc répliquer ses créations à la maison.

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des motifs de broderie de Ferris et acheter vos propres motifs et motifs de bricolage sur Etsy.

L'artiste textile britannique Emillie Ferris coud des motifs de broderie inspirés de «la nature, la magie et tout ce qui est fantastique».

Broderie à l'aiguille par Emillie Ferris

Ses papillons, papillons de nuit, abeilles et fleurs sont rendus à l'aide d'innombrables points longs et courts, semblables aux coups de pinceau picturaux.

Broderie à l'aiguille par Emillie Ferris

Les résultats colorés sont si détaillés, il est difficile de croire qu'ils sont tous cousus à la main!

Broderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisEmillie Ferris: Site Web | Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met a autorisé l'utilisation des photos d'Emillie Ferris.

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Art de carte par Ed Fairburn

Commencer par une page blanche peut être écrasant pour n'importe quel artiste, c'est pourquoi Ed Fairburn a adopté une toile inhabituelle. Il réutilise de vieilles cartes, les transformant en de beaux portraits très détaillés. En fusionnant paysage et humanité, Fairburn nous rappelle que nous sommes un produit de notre environnement – et vice versa.

Fairburn passe souvent des heures à étudier le terrain de la carte avant de commencer son processus artistique. Il utilise ensuite des matériaux traditionnels, tels que l'encre, la peinture ou le crayon, pour extraire lentement les traits du visage des routes, des rivières et des contours montagneux en apportant des modifications progressives à la carte. L'artiste talentueux appelle son procédé «topopointillisme» et le décrit comme un «mélange direct de topographie et de pointillisme». Tout comme une peinture au pointillisme, les portraits de Fairburn semblent abstraits de près; mais de loin, le spectateur est capable de voir le sujet humain émerger des schémas topographiques.

Tout comme les montagnes et les collines sont dessinées avec des lignes de contour sur une carte, Fairburn rend les traits du visage élevés, tels que les pommettes et le nez, de la même manière. Des centaines de lignes courbes dessinées à la main dans divers tons de noir et de gris permettent à chaque portrait d’apparaître comme en trois dimensions – comme si la forme humaine existait vraiment dans le paysage.

Nous avons brièvement rencontré Fairburn pour en savoir plus sur son processus. Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Art de carte par Ed FairburnQu'aimez-vous le plus dans le dessin sur des cartes?

J'aime la nature éphémère des cartes, la gamme de types de papier, les grammages, les textures, même l'odeur. Il n'y a jamais deux surfaces identiques. Parfois, c'est dommage, car parfois je trouve un type de papier que j'aime vraiment, pour ne plus jamais le retrouver sur une autre carte. J'adore la façon dont les cartes vieillissent et montrent leur utilisation au fil du temps. À cet égard, les vieilles cartes sont un support très indulgent, contrairement à une toile blanche impeccable. C'est en quelque sorte accueillant, comme une paire de chaussures qui a été portée. Vous ne pouvez pas vraiment vous tromper avec les marques que vous faites – du moins pas au tout début d'un dessin, qui est souvent la partie la plus intimidante pour tout artiste.

Art de carte par Ed FairburnOù trouvez-vous vos cartes?

Naturellement, je suis devenu un collectionneur de cartes, donc de nos jours je trouve souvent ce que je recherche dans mon studio – je pense qu'il est important d'avoir des ressources à portée de main. Pour moi, un tiroir plein de cartes est un placard de magasin de papier et d'autres supports. Au fil des ans, j'ai collecté des cartes provenant d'un certain nombre d'endroits: des magasins de charité, d'anciennes librairies et de nombreux endroits en ligne également. Esthétiquement, je sais ce que j'aime et je sais ce qui fonctionne. J'ai développé un temps de réaction remarquable pour sélectionner des cartes d'intérêt, une sorte de double prise, que je navigue sur des cartes dans un magasin ou que je regarde quelque chose à la télévision. Si je vois une carte, je passe automatiquement en revue toutes les possibilités dans ma tête. Trouver des cartes pour des emplacements spécifiques (généralement des travaux commandés) est à peu près le même processus, juste un peu plus ciblé. Je pense que l'expérience joue également un grand rôle. J'en suis maintenant à un point où je peux ignorer ou enquêter sur une carte basée uniquement sur la couverture. Étant donné que les cartes peuvent être difficiles à déplier et à replier, cela m'a fait gagner beaucoup de temps et d'embarras.

Art de carte par Ed FairburnPouvez-vous décrire votre processus? Voyez-vous habituellement où le visage s'adaptera tout de suite?

En bref, oui, je vois du potentiel, mais il n'y a jamais de «sens unique» ou de placement correct par paysage. Comme tout peintre traditionnel, je recherche une composition forte. Je vois où le poids du portrait devrait reposer en fonction du cadre de la géographie – il s'agit d'équilibrer le paysage et la figure, sans ruiner non plus. Je commencerai toujours par étudier la carte par rapport à la figure, en esquissant mentalement tous les résultats possibles. En fin de compte, mon processus consiste à harmoniser deux structures dans un espace physique. Tout d'abord, au sens très large, à la recherche d'ancres, de similitudes ou de formes à synchroniser; et deuxièmement, affiner le processus, détourner les informations sur la carte et apporter des modifications graduelles pour affirmer la figure. Chaque fois que je doute d'une partie du dessin, mon instinct a tendance à suivre ce que le paysage veut faire.

Art de carte par Ed FairburnCombien de temps prend la pièce moyenne?

Cela peut vraiment varier en fonction de la taille et de la complexité (et à quel point je m'inquiète du résultat final avant de l'appeler terminé), mais du début à la fin, généralement de quelques jours à quelques mois. J'ai quelques cartes dans mon studio sur lesquelles je travaille depuis quelques années, mais pour un travail plus ciblé, si je baisse la tête, je peux généralement voir l'achèvement en quelques séances.

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My Modern Met a accordé la permission de présenter des images d'Ed Fairburn.

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Un microbiologiste fait une démonstration simple pour montrer l'efficacité des masques faciaux

Démonstration des bactéries du masque facial

Photo: Richard Davis

Parfois, avoir un visuel est la meilleure façon de comprendre quelque chose. Cela est particulièrement vrai en ce qui concerne la science. Et comme le port d'un masque facial fait désormais partie de notre routine quotidienne, de plus en plus de personnes se demandent si cela compte vraiment. Alors que l'été s'installe et se réchauffe, dans quelle mesure le fait de porter une autre couche sur votre visage vous protégera-t-il vraiment? Un microbiologiste a pris les choses en main pour montrer ce qui se passe lorsque vous restez couvert.

Dr. Richard Davis est le directeur du laboratoire de microbiologie clinique au Providence Sacred Heart Medical Center à Spokane, Washington. Après avoir vu beaucoup de désinformation sur les dangers et l'utilité des masques faciaux, il a décidé de faire une démonstration.

Dans la première démo, il a placé des cultures d'agar près de son visage pour montrer combien de particules respiratoires se sont transférées en parlant, en chantant, en éternuant et en toussant avec et sans masque facial. Les résultats sont clairs. Un seul éternuement sans masque remplit la culture de colonies de bactéries qui se forment là où les gouttelettes respiratoires sont tombées. La toux a donné un effet similaire et même chanter et parler pendant une minute a provoqué un transfert de bactéries. Pendant ce temps, les cultures masquées étaient fondamentalement propres.

Pour la deuxième démonstration, le Dr Davis a examiné la distance, car il s'agit de l'autre méthode courante pour empêcher le coronavirus de se propager. Plaçant les plaques de culture bactérienne à deux, quatre et six pieds de distance, il a toussé dur pendant environ 15 secondes avec et sans masque. Encore une fois, les résultats sont clairement en faveur d'un masque facial. Alors que la plupart des gouttelettes ont frappé la plaque lorsqu'il était à moins de six pieds de distance, un masque facial les a presque toutes bloquées, quelle que soit la distance.

Donc, on dirait que les masques sont deux pour deux. Bien sûr, Davis nous rappelle que ces démonstrations ne montrent pas la propagation de virus comme COVID-19. "Bacteria est incroyablement différent des virus! Mais puisque nous nous attendons à ce que les gouttelettes respiratoires soient ce qui se propage principalement #COVID-19[FEMININE, J'exploite la présence (facile à cultiver et à visualiser) de bactéries dans les gouttelettes respiratoires, pour montrer où elles vont » explique.

De nombreux adeptes du Dr Davis ont demandé si les résultats seraient différents s’il testait différents types de masques. Bien qu'il ne l'ait pas essayé, il a dit qu'il s'attendrait à ce que le résultat soit "essentiellement le même". C'est parce que ses démonstrations montrent comment parler, éternuer, etc. font sortir des gouttelettes de votre bouche et que ces gouttelettes portent des bactéries. Ils montrent également comment un visage couvrant bloque la plupart de ces gouttelettes.

Lorsque les gens veulent connaître l'efficacité de différents types de masques, ils recherchent essentiellement des informations sur la quantité de virus bloquée. Ce n'est bien sûr pas ce que le Dr Davis a testé. Il n'a regardé que les bactéries et a ensuite déduit que les virus seraient également inclus dans le mélange. Mais nous ne savons pas quelle quantité de virus ou quel type de virus.

Dans l'ensemble, avec un simple geste, le Dr Davis nous montre à quel point la quantité de liquide sort de nos bouches, même en parlant simplement. Et, il montre clairement que l'utilisation d'un masque bloquera presque tout ce liquide. Compte tenu de ce que nous savons sur la propagation du coronavirus, cette raison n'est-elle pas suffisante pour garder votre masque facial à portée de main?

Le Dr Richard Davis a mené deux démonstrations sur la façon dont les masques faciaux bloquent les particules respiratoires.

Dans le premier, il a parlé, chanté, toussé et éternué avec et sans masque facial. Les points sur les cultures sont des colonies bactériennes.

Démonstration des bactéries du masque facial

Photo: Richard Davis

Dans le second, il se tenait à différentes distances avec et sans masque. Le gagnant est clair: les masques faciaux réduisent la propagation des gouttelettes.

Démonstration des bactéries du masque facial

Photo: Richard Davis

Même si ces démos se concentrent sur les bactéries, elles offrent des indications claires sur la quantité de gouttelettes respiratoires que l'on libère dans l'air qui pourraient également transporter des virus comme COVID-19.

h / t: (Buzzfeed)

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Une femme découvre un cristal qui ressemble à un poulet

Cristal qui ressemble à un poulet tendre

Photo: Amber Rude / Énergies imbattables

Qui savait qu'un cristal pouvait être si bon à se lécher les doigts? Amelia Rude l'a découvert lorsqu'elle a découvert un cristal inhabituel à ajouter à sa collection. Rude dirige Unbeadable Energies, une entreprise de bijoux en pierres précieuses, et possède une vaste collection de plus de 700 cristaux, mais elle n'a jamais pensé qu'une de ses découvertes finirait par devenir virale.

Après avoir remarqué que le cristal ressemblait à un poulet tendre, Rude a posté la photo sur le subreddit @forbiddensnacks. Ensuite, les choses ont pris leur vie quand un Publication sur Twitter a fait bouger les choses avec plus de 53 000 retweets et 284 000 likes.

Bien que le cristal semble assez bon pour tremper dans la sauce barbecue, il est en fait assez immangeable. Alors que regardons-nous ici? Selon Rude, c'est un amas de calcite rouge. Ce minéral de carbonate de calcium est l'un des minéraux les plus courants sur terre et est la base du marbre et du calcaire. Connu pour former des cristaux massifs, ce minéral est également censé améliorer l'énergie en libérant les blocages du corps.

Apparemment, ce cristal n'est pas le seul à se déguiser en une délicieuse gâterie. Twitter est maintenant rempli de cristaux qui ressemblent à tout, du gâteau au fromage aux tranches de jambon. Quant à Rude, elle apprécie le succès inattendu de son cristal «tendre de poulet». "Je savais que cela jouait un poulet frit assez convaincant", dit-elle, "donc je m'attendais à ce qu'il obtienne un millier de votes positifs, mais j'ai été surpris quand il a décollé comme il l'a fait."

Ce cristal ressemble tellement à un poulet tendre, il est difficile de résister à une bouchée.

Calcite rouge qui ressemble à un poulet tendre

Photo: Amber Rude / Énergies imbattables

Après avoir été posté sur Twitter, le cristal est devenu viral.

Étonnamment, beaucoup de cristaux ressemblent à de la nourriture. Voici quelques exemples supplémentaires.

h / t: (UNILAD)

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8 faits intéressants sur Raphaël, maître de la Renaissance italienne

Autoportrait Raphael

«Autoportrait» de Raphaël. 1504-1506. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Lors de la liste des grands artistes de la Renaissance italienne, il est impossible de ne pas penser à Raphael. Il était un enfant prodige amené à Rome au milieu de la vingtaine par le pape et confié la tâche de peindre certaines des salles les plus importantes du Vatican. Des peintures à l'huile et des fresques aux tapisseries en passant par l'architecture, Raphaël était un artiste qui maîtrisait tout ce qui lui était jeté. Il n’est pas étonnant que lui, avec Michel-Ange et Léonard de Vinci, soit responsable de l’évolution de cette époque de l’histoire de l’art.

Dans sa courte vie, Raffaello Sanzio di Urbino laissé un héritage incroyable. Il a rapidement déménagé de sa petite ville d'Urbino au cœur de la Renaissance – Florence – avant d'être appelé à Rome, où il passerait le reste de sa vie. Pendant son séjour à Rome, il fera sensation, charmera ses clients et récoltera des commissions à travers la ville.

Après sa mort en 1520, sa réputation n'a fait qu'augmenter avec le temps. Son art était considéré comme incarnant la beauté idéale de la Renaissance et considéré comme quelque chose à imiter par les générations futures. En fait, jusqu'au tournant du XXe siècle, la popularité de Raphaël a largement dépassé celle de Michel-Ange et de Léonard. Aujourd'hui, le travail de Raphaël est toujours apprécié pour son équilibre de ligne, de couleur et de composition. En fait, ses quatre Stanze, peint pour le pape Jules II, sont des moments forts pour les millions de personnes qui visitent le Vatican à Rome chaque année.

Faites défiler vers le bas pour en savoir plus sur l'artiste prolifique qu'est Raphaël.

Sainte Catherine d'Alexandrie par Raphaël

«St. Catherine d'Alexandrie »par Raphaël. 1507. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Apprenez-en plus sur la vie et l'art du peintre italien de la Renaissance Raphaël.

Il est considéré comme l'un des maîtres de la Haute Renaissance

La réputation de Raphaël était déjà cimentée de son vivant et ne s’est accrue qu’après sa mort. Ses contributions au développement de l'art ont été immédiatement reconnues et lui – avec Michel-Ange et Léonard de Vinci – est toujours considéré comme l'un des plus grands maîtres de la Renaissance italienne.

Il était admiré pour son talent artistique complet, qui l'a vu exceller dans la peinture d'histoire, la peinture religieuse et le portrait. Sa maîtrise de la composition et de la couleur continue d'influencer à ce jour.

Portrait de Guidobaldo Montefeltro

«Portrait de Guidobaldo da Montefeltro» de Raphaël. c. 1506. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il a grandi entouré de culture

Aujourd'hui, lorsque l'on pense à la Renaissance italienne, de grands centres comme Florence et Venise viennent à l'esprit. Mais il y avait de nombreuses villes à travers l'Italie qui étaient également des centres artistiques florissants grâce aux petites cours. C'est le cas d'Urbino, la ville natale de Raphaël, où le mercenaire Federico da Montefeltro a régné en tant que duc de 1444 à 1482. Sous son règne, Urbino a prospéré en tant que centre de culture et d'apprentissage.

Bien que Montefeltro mourrait avant la naissance de Raphaël, son héritier Guidobaldo da Montefeltro et sa femme Elisabetta Gonzaga continueraient son héritage tout au long de la jeunesse de Raphaël.

Son père était peintre

Raphael avait de l'art dans le sang. Son père, Giovanni Santi, était un peintre de la cour dans la ville natale de Raphaël. En tant que tel, Raphael a probablement passé ses années de formation en contact avec le tribunal. Santi a peint des retables et des portraits pour la cour d'Urbino, mais est décédé lorsque Raphaël avait 11 ans. Cela l'a laissé orphelin, sa mère étant décédée alors qu'il n'avait que huit ans.

Raphael était probablement trop jeune pour avoir repris une grande partie de sa pratique artistique de son père, mais il a certainement acquis une grande appréciation pour les arts et l'humanisme dès son plus jeune âge.

«Mariage de la Vierge» de Raphaël. 1504. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Un maître de la première Renaissance était son professeur

À l'âge de 17 ans, Raphael était déjà considéré comme un artiste pleinement formé, mais il n'était pas encore prêt à commencer sa propre pratique. Au lieu de cela, il a suivi le chemin standard des artistes à l'époque et est devenu assistant dans un atelier établi.

Dans le cas de Raphaël, cela signifiait déménager dans la ville de Pérouse et travailler pour l'un des plus grands maîtres de la première Renaissance – Pietro Perugino. Perugino a été l'un des premiers à adopter la peinture à l'huile et a trouvé le succès en travaillant pour le pape Sixte IV pour peindre les murs de la chapelle Sixtine.

Le style primitif de Raphaël imite étroitement Pérugin, mais Raphael a rapidement dépassé son maître. En fait, Perugino a été initialement demandé par le pape Jules II pour peindre la strophe de l'Incendio del Borgo au Vatican. Cependant, il a rapidement été abandonné pour Raphaël, dont le style le pape a préféré. Ce choix aurait un grand impact sur la carrière de Raphaël – cette salle fait partie de ce qui est maintenant collectivement appelé les Chambres Raphaël et comprend l'emblématique École d'Athènes.

École d'Athènes Détail

Détail de Michel-Ange comme Héraclite dans "L'école d'Athènes" de Raphaël

Michel-Ange était son rival

Au moment où Raphaël est arrivé à Rome en 1508, Michel-Ange avait déjà travaillé dur pour le pape Jules II pendant trois ans. Huit ans de Raphael et déjà établi dans sa carrière, Michel-Ange a fini par travailler à côté du jeune parvenu. Raphaël a été immédiatement mis à contribution pour la plus grande commande de sa carrière, la bibliothèque du Pape de la Stanza della Segnatura. Dans le même temps, Michel-Ange travaillait à proximité du plafond de la chapelle Sixtine.

La technique de peinture de Raphaël a suscité beaucoup d'attention et d'éloges, au grand dam de Michel-Ange. Cela a déclenché une intense rivalité entre les artistes, car Michel-Ange pensait que Raphaël le copiait stylistiquement. À son tour, Raphaël a peint Michel-Ange dans l'École d'Athènes en tant que philosophe boudeur Héraclite.

La Fornarina par Raphael

«La Fornarina» de Raphaël. 1518-1519. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il avait une personnalité charmante

Contrairement à Michel-Ange, qui était connu pour sa nature maussade et maussade, Raphael est connu pour sa charmante personnalité. Sa manière affable a peut-être été cultivée pendant son temps entouré par la cour d'Urbino et l'a certainement bien servi. Non seulement cela lui a valu une bonne réputation auprès de l'élite qui a commandé son travail, mais cela a également fait de lui un grand leader pour sa propre équipe d'artistes.

Apparemment, son charme l'a également rendu très populaire auprès des dames. Grâce à Raphael qui ne s'est jamais marié, il est connu pour avoir eu de nombreux amants. Margherita Luti, la fille d'un boulanger, est l'une des femmes les plus anciennes de sa vie. Son portrait d'elle, La Fornarina, aurait été dans son atelier à sa mort et se trouve maintenant au musée Palazzo Barberini à Rome.

Le feu dans le Borgo par Raphael

"Le Feu dans le Borgo" peint par les assistants de Raphaël d'après ses dessins. 1517. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il avait beaucoup d'assistants

Une fois que Raphaël est devenu un maître à part entière, il a construit un studio de 50 assistants qui était assez impressionnant. Comme c'était une pratique courante à l'époque, ses assistants étaient bien formés pour prendre ses dessins et les transformer en pièces finies en son nom.

Raphaël dirigeait une machine bien huilée, ce qui l'a aidé à avancer sur ses plus importantes commandes. En tant que chef de l'équipe, il déléguait le travail et s'assurait que la qualité correspondait à ses normes. L'efficacité de l'équipe signifiait qu'ils étaient en mesure d'exécuter les commissions sur lesquelles Raphaël travaillait au moment de ce décès. En fait, la Sala de Constantin au Vatican n'a même pas commencé avant la mort de Raphaël. Au lieu de cela, ces peintures sont l'œuvre des meilleurs assistants de Raphaël, Giulio Romano, Gianfrancesco Penni et Raffaellino del Colle, qui les ont exécutés d'après ses créations

Pape Julius II par Raphael

«Pape Julius II» de Raphaël. c. 1512. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il est mort jeune

Raphael a mis beaucoup de vie dans sa courte vie. Il est décédé à son 37e anniversaire pour des raisons qui ne sont pas tout à fait claires. Les historiens ont répertorié la pneumonie, les maladies pulmonaires et l'épuisement dû au surmenage comme théories possibles. Quelle que soit la raison, sa mort prématurée a été une tragédie.

Dans les deux semaines qui ont précédé son décès, il a mis de l'ordre dans ses affaires et a demandé à être enterré au Panthéon. Après un grand enterrement qui a réuni une foule nombreuse – y compris le Pape – sa demande a été acceptée et il est toujours possible de visiter sa tombe aujourd'hui.

La Transfiguration par Raphael

«La Transfiguration» de Raphaël. 1520 (inachevé). (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

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Ces magnifiques kits de peinture par numéros vont déclencher un nouveau passe-temps créatif

Kit Peinture par numéros par Elle Cree

Avez-vous déjà essayé de «peindre par des nombres» quand j'étais enfant? Tout comme les livres à colorier, ces kits sont de retour et conçus pour les adultes. Le studio basé à Portland, Elle Créée – dont le nom se traduit par «elle crée» en français – a imaginé une série de kits de peinture par numéros de qualité artistique qui déclencheront votre prochain passe-temps créatif.

Que vous souhaitiez vous plonger dans l'illustration ou le portrait botanique, ces kits tout compris ont tout ce dont vous avez besoin pour commencer. le Oiseau sur une branche de fleur de cerisier comporte une conception exquise d'un oiseau bleu serein reposant sur une branche d'arbre en fleurs. Utilisez l'ensemble de huit peintures acryliques et deux pinceaux à côté des instructions étape par étape pour créer votre propre rendu aux couleurs pastel en quelques heures seulement. Ou, si vous aimez les plantes succulentes, vous pouvez ajouter une autre plante verte charmante à votre collection avec le Succulentes dans un bol à clous kit de toile.

Les fans de Frida Kahlo peuvent suivre les traces du peintre en complétant le Frida avec des fleurs portrait. Ce kit coloré célèbre le style emblématique de l'artiste, y compris sa couronne de fleurs par excellence, ses bijoux tendance et ses vêtements à motifs ornés. De plus, pour atténuer vos soucis créatifs, la toile 8 "x 10" fournie est livrée avec un fond pré-imprimé d'art populaire mexicain turquoise ou jaune. Accrochez la peinture terminée pour apporter une touche de Frida à votre décoration intérieure.

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Un biologiste marin brave l'eau froide pour photographier des créatures marines peu connues

Méduse à crinière de lion par Alexander Semenov

Biologiste marin et photographe, Alexander Semenov est spécialisé dans la vie sous l'eau. En particulier, il se concentre sur les invertébrés et depuis plus de 10 ans, il fait de la plongée sous-marine pour capturer leur beauté à travers son objectif. Explorant souvent l’eau froide en tant que chef de l’équipe de plongée scientifique de la station biologique de la mer Blanche de l’université d’État de Moscou de Lomonosov, le travail de Semenov est impitoyable.

Bravant les conditions difficiles, il est capable d'explorer la vie marine dans son cadre naturel. Cela lui donne la possibilité d'observer ces animaux d'une manière qui serait impossible dans un environnement de laboratoire. «Nous sommes comme des naturalistes du XIXe siècle, mais avec les technologies du XXIe siècle, nous observons la nature», explique Semenov à My Modern Met. "Jacques-Yves Cousteau a dit un jour:" Qu'est-ce qu'un scientifique après tout? C'est un homme curieux qui regarde à travers un trou de serrure, le trou de la nature, essayant de savoir ce qui se passe. "Mon trou de serrure est un viseur de caméra.

«Il y a des centaines de milliers de créatures absolument incroyables dans l'océan mondial qui surprennent même les biologistes marins les plus expérimentés. L'océan est un univers parallèle, un autre monde habité par des créatures étonnantes. Beaucoup de ces créatures sont si douces et éphémères que même une seule touche peut être le dernier événement de leur vie. Il est extrêmement difficile et parfois tout simplement impossible de les étudier en laboratoire. "

Ctenophora Beroe

En utilisant une technologie de pointe, Semenov est en mesure de partager ses observations avec la communauté scientifique et le grand public, ce qui motive son travail. Quels que soient les défis à relever, il utilise ses 13 années d'expérience en plongée pour obtenir les photos qu'il recherche. La faible visibilité, les températures extrêmes et les forts courants ne sont que quelques-uns des éléments qu'il combat pour obtenir la photographie parfaite.

Mais au final, cela en vaut la peine pour aider à faire la lumière sur la diversité de la vie sous l'eau. «Au cours des deux mille dernières années, nous avons découvert un peu plus de 234 000 espèces d’organismes marins, et selon les estimations des scientifiques, cela ne représente que 8 à 15% de ce qui vit réellement dans les océans. Cela signifie que quelque part dans les profondeurs, il y a deux à trois millions d'espèces qui n'ont jamais été vues par les yeux humains. Déjà. Nous ne savons même pas à quoi ils pourraient ressembler!

«Cependant, la plupart des gens ne connaissent même pas l'apparence de nombreuses créatures que les scientifiques connaissent déjà. Tout le monde connaît les requins, les baleines, les poulpes, les méduses et certains autres grands animaux marins, qui ont fait leur chemin dans les films et les encyclopédies. Mais la personne moyenne n'a jamais entendu parler de salpes, de siphonophores, de gelées en peigne, d'appendiculaires, d'ascidies et de bien d'autres. Mon travail vise à montrer un monde complètement différent plein de choses étranges et follement intéressantes. »

Le biologiste marin et photographe Alexander Semenov est spécialisé dans les photos d'invertébrés d'eau froide.

Stomphia CoccineaPhotographie sous-marine par Alexander SemenovCoryphella Polaris par Alexander SemenovSiphonophore HippopodiusPhotographie sous-marine par Alexander SemenovCephalopoda Lolligo vulgaris

Depuis plus de 13 ans, il utilise les dernières technologies pour révéler la beauté de ces animaux peu connus.

Fish Underwater par Alexander SemenovPhotographie sous-marine par Alexander SemenovMéduse à crinière de lion par Alexander SemenovLa vie marine sous-marine par Alexander SemenovLa vie marine sous-marine par Alexander SemenovHydrozoan Jellyfish par Alexander SemenovLa vie marine sous-marine par Alexander Semenov

Regardez ses expériences de plongée alors qu'il était coincé sur l'île italienne de Ponza pendant le verrouillage du coronavirus.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=pRbZvGaLKWg (/ intégré)

Alexander Semenov: site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Alexander Semenov.

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Les masques faciaux sont-ils dangereux? Les scientifiques démystifient certains mythes courants

Mythes sur les dangers des masques faciaux

Photo: Stock Photos de Dragana Gordic / Shutterstock

Alors que les gens du monde entier s’adaptent au port de masques faciaux, en particulier dans des pays comme les États-Unis où ce n’était pas une pratique courante, certaines questions se sont posées concernant leur sécurité. Il est donc peut-être temps d'en apprendre un peu plus sur le fonctionnement réel des masques faciaux.

Alors que différents mèmes et publications Facebook affirmant que les masques faciaux peuvent réduire votre consommation d'oxygène et augmenter votre inhalation de dioxyde de carbone circulent, il vaut la peine d'éliminer les idées fausses. Il suffit de regarder la mécanique d'un masque facial pour comprendre que, même en cas d'utilisation prolongée, les utilisateurs ne courent aucun danger.

En fait, ni le CDC ni l'Organisation mondiale de la santé n'ont envoyé d'avertissement contre l'utilisation de masques faciaux. Les deux recommandent des couvre-visages comme une méthode efficace pour aider à ralentir la propagation du coronavirus. Les seules recommandations contre les masques faciaux sont destinées aux enfants de moins de deux ans, aux personnes qui ont des problèmes respiratoires et aux personnes inconscientes qui ne peuvent pas retirer leur masque.

Sinon, il n'y a pas de contre-indication pour glisser sur votre masque. Pour ceux qui s'inquiètent des niveaux d'oxygène, il n'y a pas lieu d'avoir peur. Les masques faciaux sont faits de matériaux poreux, qu'il s'agisse de masques en tissu ou chirurgicaux. Cela permet à l'air de circuler librement à travers le tissu tout en rendant plus difficile le passage des gouttelettes respiratoires responsables de la propagation du coronavirus. Cela signifie que les porteurs peuvent respirer normalement et ne pas craindre que la barrière entraîne un risque accru d'hypoxie, c'est-à-dire lorsque les niveaux d'oxygène dans les tissus sont insuffisants.

Les masques faciaux sont-ils dangereux?

Photo: Stock Photos de Danilova Janna / Shutterstock

«Cette désinformation peut provenir de la sensation de manque d'air due à une obstruction mécanique selon le type d'embout buccal que nous utilisons. Mais le sentiment d'obstruction est dû au fait que nous n'avons pas l'habitude d'utiliser le masque buccal. Mais en tant que tel, il ne nous causera aucune hypoxie », explique le Dr Daniel Pahua Díaz, un universitaire du Département de santé publique de la faculté de médecine de l'Université nationale autonome de Mexico.

Mais qu'en est-il du dioxyde de carbone? Il est à craindre qu'en expirant dans un masque, les gens font circuler ce dioxyde de carbone vers eux lorsqu'ils prennent leur prochaine respiration. La crainte est que cela entraîne alors une hypercapnie, une toxicité du dioxyde de carbone. Encore une fois, nous devons ici regarder le matériau poreux du masque facial. Ceci, associé au fait que le grand public ne porte pas de masques faciaux pendant des heures, rend les chances que cela se produise très peu probables.

"Le CO2 s'accumulera lentement dans le masque avec le temps", a déclaré le CDC à Reuters. "Cependant, le niveau de CO2 susceptible de s'accumuler dans le masque est généralement tolérable pour les personnes qui y sont exposées … Il est peu probable que le port d'un masque provoque une hypercapnie."

Alors que le CDC admet que les respirateurs N95, qui sont recommandés pour une utilisation par des professionnels de la santé, peuvent avoir une accumulation de CO2, les porteurs ont juste besoin d'enlever le masque pour qu'il se dissipe. Et encore une fois, comme l'accumulation est très lente, il est très peu probable que ce soit un problème pour les personnes utilisant des masques faciaux lors des courses ou pour rencontrer des amis.

Il convient également de noter que dans certains pays, en particulier au Japon et en Chine, les masques faciaux ont été la norme bien avant le coronavirus. Donc, ce n'est pas parce que c'est nouveau pour certains que c'est dangereux. Bien au contraire, les avantages l'emportent largement sur les éventuels inconvénients.

h / t: (Mental Floss, USA Today)

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RIP Milton Glaser: Hommage à l'homme qui a créé l'emblématique logo «I Heart NY»

I Heart NY Milton Glaser Designer Dead

Photo: Stock Photos de Lewis Tse Pui Lung / Shutterstock

Avec le décès de Milton Glaser, le monde a perdu une légende. Le célèbre graphiste est décédé de causes naturelles le 26 juin, son anniversaire. Il avait 91 ans. Plus connu pour son emblématique «je ❤ New York”, Le natif de New York a contribué à façonner notre vision de la Big Apple. Mais en dehors de ce logo, il était également connu pour son affiche de Bob Dylan et pour sa co-fondation Magazine de New York.

Glaser, qui a fait l'objet du documentaire de 2018 I Heart NY, est né dans le Bronx d'immigrants juifs hongrois. Fasciné par les arts depuis qu'il était enfant, il a finalement obtenu son diplôme de Cooper Union et a travaillé pour plusieurs entreprises de design graphique avant de démarrer la sienne.

Au début de sa carrière, en 1966, Glaser a été invité à concevoir une affiche pour Les plus grands succès de Bob Dylan. L’affiche désormais emblématique montre le profil de Dylan en silhouette avec ses cheveux remplis de couleurs tourbillonnantes. Glaser s'est inspiré d'un autoportrait de Marcel Duchamp et a adapté l'inspiration pour qu'elle corresponde à la culture psychédélique de l'époque. Ce travail est maintenant dans la collection du MoMA.

Deux ans plus tard, Glaser et le journaliste Clay Felker fondent Magazine de New York. Le magazine s'est rapidement imposé comme un phare pour le nouveau journalisme et a été fortement imité à la fois pour son style et son design audacieux. Alors que Glaser a quitté le magazine en 1977, sa plus grande réussite était encore à venir.

La même année, alors qu'il était assis à l'arrière d'un taxi, Glaser a esquissé le logo qui allait faire sa carrière. On lui avait demandé d'aider à créer quelque chose qui générerait plus de tourisme pour New York et attirer l'attention sur ses problèmes financiers et le crime qui sévissait. Serré et propre, le design de Glaser a empilé «I» et un cœur rouge au-dessus de «NY».

Jamais dans son rêve le plus fou n'a-t-il pensé que le design, inspiré des sculptures LOVE de Robert Indiana, aurait l'impact qu'il aurait fait. "Je pensais que ça allait durer deux semaines", a-t-il dit une fois. «Assez étrangement, cela a fonctionné. Cela a fonctionné parce que c'était une véritable expression des sentiments des gens. Ils voulaient le dire: «J'adore New York». »

Glaser a ensuite offert le design à la ville, espérant que cela profiterait à l'endroit qu'il aimait tant. Depuis sa création, l'ode de Glaser à New York a orné des millions de t-shirts, tasses, épingles, cartes postales et bien plus encore. Après le 11 septembre, Glaser a même réorganisé le logo. Son «je ❤ NY More than Ever »arborait des bords noirs sur le cœur et symbolisait la force de sa ville bien-aimée.

"J'ai vécu dans d'autres endroits, mais il n'y a pas d'autre endroit pour moi", a-t-il déclaré. The Village Voice en 2011. «Professionnellement, il n'y a pas d'autre endroit avec la même opportunité. Aussi difficile que ce soit, il est toujours là. Si vous êtes quelqu'un comme moi, où le travail est au cœur de votre identité et de ce que vous faites, c'est l'endroit où cela se passe. Au cours des 100 dernières années, peut-être plus, ce fut le lieu de la plus grande opportunité pour ceux qui veulent quelque chose de profondément dans leur vie. »

Le travail sur le logo de Glaser ne s’arrête cependant pas là. Ceux qui ont un œil attentif reconnaîtront son travail de logo pour la brasserie Brooklyn et l'Université Stoneybrook. De plus, son logo pour DC Comics a été utilisé pendant près de 30 ans jusqu'à sa suppression en 2005.

Glaser laisse dans le deuil son épouse Shirley et son héritage continuera à vivre grâce à son travail de conception.

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Un café parisien utilise des ours en peluche géants pour assurer une distance sociale

Café parisien utilisant des ours en peluche géants pour assurer la distanciation sociale. de r / pics

D'un café allemand utilisant des chapeaux de nouilles de piscine à un restaurant néerlandais hébergeant ses clients dans des serres personnelles, les établissements du monde entier réfléchissent à des moyens innovants de s'adapter aux réglementations en matière de distanciation sociale. L'idée la plus récente avec une pensée créative vient de Paris, où un café utilise des ours en peluche géants pour séparer ses clients.

Une photo de la terrasse extérieure d'un café parisien a été partagée récemment en ligne, présentant l'idée du génie. Chaque personnage en peluche est assez grand pour occuper un siège entier, garantissant que les autres, les convives humains peuvent rester à 1 mètre l'un de l'autre (3,2 pieds), ce qui est actuellement la distance recommandée en France.

Bien sûr, l'idée du roman a suscité quelques commentaires drôles sur Reddit, y compris un utilisateur qui a écrit: «Vous voulez quelque chose à manger? Non merci, je suis en peluche. " Une autre personne a écrit: «Rend le tout un peu plus supportable…» Nous pouvons être d'accord avec cela!

Ce café parisien utilise des ours en peluche géants pour s'adapter aux réglementations de distanciation sociale.

Voici comment d'autres établissements à travers le monde maintiennent leurs clients à distance.

h / t: (Reddit)

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Une femme transforme les notes quotidiennes de son beau-père en meilleur cadeau de fête des pères des années plus tard

Notes encadrées pour la fête des pères par Sophia Wilcox

Si vous êtes quelqu'un qui garde en main des articles sentimentaux tels que des talons de billets et de vieilles lettres, vous êtes sûr de vous rapporter à une femme du Maryland nommée Sophia Wilcox. Depuis qu'elle était une petite fille, son beau-père, Brian Sandusky, épinglait une note inspirante à sa porte tous les jours avant d'aller au collège. Maintenant, 6 ans plus tard, elle a décidé de rembourser son geste aimable en encadrant les souvenirs manuscrits pour la fête des pères.

"Au collège, mon beau-père me laissait chaque jour une note sur ma porte pour m'inspirer", a écrit Wilcox sur Twitter. "Eh bien, j'ai gardé ces notes et ça fait 6 ans depuis. Aujourd'hui, je lui ai rendu ces notes. » Wilcox a posté une vidéo de son beau-père ouvrant les notes encadrées, qui sont disposées autour d'une photo des deux. Elle capture le moment réconfortant où Sandusky se rend compte de ce qu'il regarde. Visiblement étouffé, il dit: «Ce sont toutes vos notes.»

Wilcox a passé environ une journée à assembler le cadeau réfléchi. Elle dit: «Je suis une grosse ventouse des cadres photo comme cadeaux, donc quand je me suis souvenue des notes, j'ai réalisé que je voulais les encadrer d'une manière ou d'une autre.» Après que l'appareil photo ait été éteint, la paire a relu les notes avec admiration, notant qu'il n'y avait pas de doublons – chaque message quotidien était différent.

Pour la fête des pères, Sophia Wilcox a encadré les notes de son beau-père qu'elle a conservées depuis le collège et les a rendues en cadeau.

Sophia Wilcox: Twitter
h / t: (Reddit)

Toutes les images via Sophia Wilcox.

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Des portraits dorés scintillants célèbrent la beauté des cheveux noirs dans le style des peintures de Gustav Klimt

Photographie d'art par Tawny Chatmon

L'artiste basée sur la photographie Tawny Chatmon célèbre la beauté des cheveux noirs à travers sa série scintillante intitulée La rédemption. La collection de portraits présente des jeunes portant leurs cheveux dans un éventail de styles – il n'y en a pas deux pareils. Mais dans cette variété, le même fil visuel est tissé à travers chaque pièce mixte. Chatmon peint sur les photos pour décorer les enfants avec des accessoires et des tenues éblouissantes en or 24 carats.

Chaque accent doré évoque la sensation d'une peinture de Gustav Klimt, dans laquelle les tons jaunes brillants sont ponctués de minuscules formes bleues, rouges et violettes. Cet hommage au travail du peintre autrichien est intentionnel, et Chatmon espère que les téléspectateurs feront instantanément le lien. «Visuellement, l'utilisation de l'or et des éléments décoratifs par Klimt a suscité en moi de forts sentiments de grâce, de magnificence et de beauté lors de ma première découverte de son travail et est restée dans mon esprit subconscient depuis», explique-t-elle dans un communiqué sur la série. "De même, ce sont les émotions que je cherche à susciter chez le spectateur de La rédemption. "

Les attitudes envers une peinture Klimt sont souvent nettement différentes des opinions exprimées sur les types et les styles de cheveux qui sont caractéristiques des Noirs. "Alors que nous célébrons et décorons fièrement ces styles avec des perles, des barrettes et d'autres accessoires dans le cadre de nos normes culturelles, ils continuent d'être étiquetés comme inacceptables", écrit Chatmon. «Dans les écoles du monde entier, il existe des règles qui prévoient que les cornrows, les conceptions de coiffeur, les perles de cheveux, les afros, les locs et les styles de protection utilisent les extensions de cheveux comme des« violations du code vestimentaire ». , exclusion des activités parascolaires et expulsion. " La rédemption ne cherche pas la validation des cheveux noirs, de la culture et de la tradition, mais l'affirme plutôt à travers ces magnifiques œuvres d'art.

Tawny Chatmon crée une photographie artistique qui célèbre la beauté des cheveux noirs dans un style semblable à une peinture de Gustav Klimt.

Photographie d'art par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny Chatmon

Chaque portrait est orné d'accents dorés.

v "width =" 750 "height =" 1151 "srcset =" https://mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020/06/tawny-chatmon-gold-portraits-6.jpg 750w, https: //mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020/06/tawny-chatmon-gold-portraits-6-195x300.jpg 195w, https://mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020 /06/tawny-chatmon-gold-portraits-6-667x1024.jpg 667w "tailles =" (largeur max: 750px) 100vw, 750px "/><img class=Photographie artistique par Tawny ChatmonPhotographie d'art par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonPortraits artistiques par Tawny ChatmonPortraits artistiques par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonTawny Chatmon: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Tawny Chatmon.

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IKEA dévoile la «maison de demain» pour inspirer la durabilité en tant qu’oasis urbaine remplie de plantes

Maison IKEA remplie de plantes

IKEA regarde vers l'avenir avec un nouveau design de maison. Situé dans un bâtiment abandonné de 120 ans en Pologne, le IKEA Home of Tomorrow est un regard novateur sur la vie urbaine. Grâce à l'intégration de la nature, l'équipe derrière la conception enseigne au public comment vivre de manière plus durable dans un environnement zéro déchet.

En considérant la maison comme un organisme vivant, la conception relie les espaces en faisant circuler les déchets, l'eau, la nourriture et d'autres ressources. Plus de 600 usines ont rempli l'espace de 2 700 pieds carrés, conçu par les designers polonais Joanna Jurga, Paulina Grabowska et Justyna Puchalska. Ils se sont inspirés d’une étude d’IKEA qui estime que 70% de la population mondiale vivra dans les villes d’ici 2050. En réponse, ils montrent au public comment vivre en ville peut encore signifier être en contact avec la nature.

Les herbes, les légumes, les fruits et les champignons sont tous cultivés dans l'espace pour montrer comment la culture alimentaire peut se produire en milieu urbain. En employant différents types de jardinage, de la culture hydroponique à l'agriculture sans sol, ils sont en mesure de démontrer facilement un large éventail de possibilités.

Maison durable remplie de plantes

La maison est divisée en différents espaces publics qui comprennent un atelier où le public peut apprendre à réparer ou à modifier des articles ménagers. Cela permettra aux gens de renouveler leurs meubles existants sans créer de déchets excessifs. Il y a aussi un coin cuisine spécial où les employés d'IKEA consulteront les propriétaires sur la façon de rendre leurs cuisines respectueuses de l'environnement.

Si vous cherchez à vous détendre, un salon minimaliste a une particularité. La pièce est éclairée par Home Sun, une installation qui imite la lumière du soleil. Conçu pour vous donner un coup de pouce d'énergie, c'est l'une des deux installations dans l'espace. L'autre, composé de 100 ampoules TRÅDFRI, explore les effets de la couleur sur le corps.

IKEA Home of Tomorrow sera ouvert au public jusqu'au début de 2021, lorsque le magasin IKEA de Szczecin ouvrira ses portes. D'ici là, il sera utilisé pour des ateliers et des discussions sur les pratiques durables.

IKEA Home of Tomorrow est une maison conceptuelle conçue en pensant à la vie urbaine durable.

Maison IKEA de demainMaison IKEA de demainSemis dans la maison IKEA de demainMaison moderne remplie de plantesMaison IKEA de demainSalon moderne confortableChampignon dans la maison IKEA de demainMaison IKEA de demainMaison IKEA de demainMaison moderne conçue par IKEAMaison IKEA de demainMaison IKEA de demain: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (demeurer)

Toutes les images via IKEA.

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Des sculptures humaines réalistes sont submergées dans le musée sous-marin de la Grande Barrière de Corail [Interview]

Coral Greenhouse par Jason deCaires Taylor

Depuis plus de 10 ans, le sculpteur Jason deCaires Taylor consacre sa pratique artistique à la mise en valeur et à la conservation du monde sous-marin. Il a créé des musées sous-marins en Europe et diffusé son art dans les Caraïbes, et son dernier projet l’emmène dans le plus célèbre écosystème marin de la Terre.

La Grande Barrière de Corail d'Australie est le plus grand récif de corail du monde et, désormais, Taylor contribuera à mieux faire connaître sa beauté grâce à son travail avec le Museum of Underwater Art (MOUA).

En collaboration avec des scientifiques de l'Université James Cook et de l'Institut australien des sciences marines, Taylor a passé des années à obtenir des autorisations pour installer le premier récif artificiel dans ces eaux. Le résultat est Serre de corail, une collection de sculptures sous-marines hyperréalistes inspirées par la jeunesse de la communauté. Ce sont ces jeunes que Taylor espère s’engager et prendre au sérieux leur rôle de futurs conservateurs de ce précieux écosystème.

Ce travail est couplé avec Ocean Siren, une sculpture interactive qui se dresse comme un phare juste au-delà de la jetée Strand de Townsville. Sortant de l'eau, la figure a été inspirée de Takoda Johnson, 12 ans, une fille indigène locale de la tribu Wulgurukaba dont les familles possédaient autrefois des terres locales. La sculpture change de couleur en conjonction avec les températures de l'océan et a été rendue possible grâce à une étroite collaboration avec les scientifiques.

En fusionnant l'art, la science et la conservation, le Museum of Underwater Art veut amener plus de gens dans ces eaux. Et en augmentant la sensibilisation à la Grande Barrière de Corail et à l'incroyable corail qui prospère encore dans de nombreuses régions, ils espèrent inspirer de plus grands efforts de conservation. Les plans de construction du musée sont en cours. Taylor créera deux autres installations pour le projet, bien que les premières parties du musée devraient ouvrir au public sous peu.

Nous avons eu la chance de parler avec Taylor de cet important projet et de ses expériences avec la communauté locale. Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Musée d'art sous-marin en AustralieVous avez travaillé dans de nombreux environnements océaniques. En quoi le travail dans la Grande Barrière de corail était-il différent?

Il y a évidemment beaucoup, beaucoup de choses différentes. C’est la première fois que je travaille vraiment dans l’océan Pacifique, et juste la variété et la diversité de la vie y sont parmi les meilleures au monde. Les différents types de coraux et d'espèces marines sont tellement incroyables – il y a tellement de couleurs, de formes et de formes. C'était un immense privilège de travailler là-bas, et c'est quelque chose qui est une de mes ambitions personnelles depuis un certain temps.

La trajectoire et l'ambition du projet étaient également très différentes. Auparavant, travaillant dans les Caraïbes, il n'y avait pas autant de récifs. Ils sont plus petits et assez fragiles. Et les objectifs visaient à éloigner les gens des zones naturelles et à créer ce récif artificiel. Alors que travailler dans la Grande Barrière de Corail, c'est une structure si vaste et si infinie, il n'y a pas de problème avec le sur-tourisme et les chiffres à fort impact et vous n'avez pas besoin de détourner les gens de là. Donc, il avait une sorte d'objectif différent.

Il s'agissait davantage d'amener plus de gens à aller le voir, car il a connu un certain blanchiment au cours des dernières années, mais principalement dans les parties nord, et les deux tiers sont toujours incroyablement vierges et beaux, mais il y a cette idée fausse qu'il est en train de mourir ou c'est déjà mort. Ce n'est pas le cas. En fait, la zone où nous avons construit le musée possède certains des meilleurs coraux que j'ai jamais vus de ma vie, donc nous voulions que les gens le voient et nous voulions aider à motiver les gens à vouloir le conserver.

Sculptures sous-marines dans la grande barrière de corailComment est née la collaboration avec le Museum of Underwater Art?

J'ai commencé à Townsville, dans le Queensland, qui abrite l'un des plus grands laboratoires de recherche marine au monde – l'Université James Cook – ainsi que l'AIMS (Australian Institute of Marine Science). C'est une véritable plaque tournante pour la science.

Les biologistes marins locaux Paul Victory et Adam Smith, qui suivent mon travail depuis un certain temps, étaient très intéressés par la façon de mieux communiquer la science et de manière plus générale. Donc, ils m'ont contacté pour la première fois il y a près de quatre ans et cela s'est lentement développé à partir de là. Ce fut un projet assez long. En travaillant sur la Grande Barrière de Corail, nous avons dû faire une quantité incroyable de recherches et la demande d'autorisation était l'une des plus compliquées à laquelle j'ai jamais participé. C'était quelque chose de relativement nouveau pour les autorités, il a donc fallu trois ans pour en arriver là.

Ocean Siren par Jason deCaires TaylorIl est intéressant de noter que le projet a été lancé par des scientifiques. Évidemment, votre travail mêle un peu l'art et la science. Cela est particulièrement évident ici avec le Ocean Siren sculpture qui accueille les gens de Townsville. Comment ce concept s'est-il réuni?

Je me suis beaucoup intéressé aux moyens de raconter des histoires sur le milieu marin en ligne et dans les environnements urbains – en le mettant dans le genre d'espaces où les gens ne sont pas vraiment connectés à l'océan. Et j'aime vraiment cette idée que quelque chose qui se passait sous l'eau, loin de la Grande Barrière de Corail, mais qui pouvait être ressenti en temps réel et vu par tout le monde.

Comment avez-vous travaillé avec des scientifiques pour donner vie à votre vision?

C’est en fait une idée que j’ai depuis un certain temps, mais je n’ai pas pu la mettre en œuvre juste parce que je n’ai pas trouvé le bon endroit et les aspects techniques étaient assez compliqués. Mais, évidemment, Townsville était l'endroit parfait car il y a déjà des stations météorologiques positionnées sur beaucoup de différentes parties de la Grande Barrière de Corail et ces stations surveillent la température de l'eau, la salinité… beaucoup de mesures différentes. Il m'a donc été possible de le faire en travaillant avec l'Institut AIMS pour connecter ces données, puis les partager sur la sculpture.

Ocean Siren par Jason deCaires TaylorC'est vraiment merveilleux parce que, comme vous l'avez dit, il est parfois difficile pour les gens de donner un sens à ces données intangibles, et avec la sculpture, ils sont capables de voir visuellement ce qui se passe sous la surface d'une manière assez belle.

J'ai été vraiment inspiré par une citation de Gus Speth, conseiller américain pour l'environnement et le changement climatique: «Je pensais que les principaux problèmes environnementaux étaient la perte de biodiversité, l'effondrement des écosystèmes et le changement climatique. Je pensais que 30 ans de bonne science pourraient résoudre ces problèmes. J'avais tort. Les principaux problèmes environnementaux sont l'égoïsme, la cupidité et l'apathie, et pour y faire face, nous avons besoin d'une transformation culturelle et spirituelle. Et nous, les scientifiques, nous ne savons pas comment faire. "

Je pense que le monde a changé au cours des dernières années et où l'on pourrait penser que le bon sens ou la logique et les faits prévaudraient, ils ne l'ont pas. On pourrait dire que les gens sont beaucoup plus influencés par des arguments émotionnels et spirituels qu'ils ne le sont derrière des faits et des chiffres.

Sculptures sous-marines dans la grande barrière de corail

Certes, les arts visuels ont la capacité de puiser dans les émotions des gens et peut-être de les amener à s'impliquer davantage dans une cause sociale dont ils ne se seraient peut-être jamais souciés autrement. Je sais que vous avez essayé de faire participer le public lorsque vous avez organisé des ateliers avec la communauté locale. Comment cela s'est-il passé et avez-vous atteint ce que vous attendiez?

La plupart des modèles de projets que j'ai réalisés font donc partie d'ateliers communautaires. Je pense que c'est une partie vraiment importante du processus. La communauté locale devient les sculptures; ils deviennent ambassadeurs ou gardiens du récif. Et je pense que c'est vraiment critique pour eux, en particulier les enfants qui grandissent. Ils ont l'impression d'avoir un sentiment d'appartenance et un sens des responsabilités pour protéger le récif.

En Australie, je voulais vraiment m'assurer que la communauté indigène était représentée dans les œuvres d'art. Il était donc très important de faire participer la communauté locale et d'en faire partie. En réalité, Ocean Siren était une jeune fille indigène dont la famille est la propriétaire traditionnelle de la terre. Elle regarde la mer et elle regarde également l'île de son arrière-grand-père.

Musée d'art sous-marin en AustralieComment la vision globale de Serre de corail venir ensemble?

L'un des objectifs primordiaux était que nous voulions que les jeunes soient inspirés et fascinés par les sciences marines. Et vouloir avoir un intérêt actif pour la santé du récif et pouvoir l'explorer de manière ludique et dynamique.

L'un des grands objectifs était de créer cet espace englobant de nombreux domaines, d'être non seulement un espace pour l'art et la culture mais uniquement sur les sciences marines et de l'utiliser comme un portail ou un point d'accès pour explorer la Grande Barrière de Corail.

Art de remorquage de bateau à la grande barrière de corail

Photo: Richard Woodgett

Vous avez donc déjà mentionné que l'autorisation était un gros obstacle. Mais à part cela, quels ont été les autres défis que vous avez rencontrés avec cette installation?

Ouais, c'était assez difficile. Il y a beaucoup, beaucoup de facteurs. L'un d'eux étant l'occurrence de gros cyclones sur la Grande Barrière de Corail. Il a donc fallu planifier les structures d'un cyclone de catégorie quatre, ce qui a été très difficile, très difficile à faire, surtout avec l'ampleur du projet.

C'est aussi, je pense, à environ 70 kilomètres (43 miles) du rivage, ce qui est très long, surtout lorsque vous remorquez des centaines de tonnes d'œuvres d'art. Il nous a fallu 16 heures pour y arriver.

Il y avait donc des défis, mais il y avait aussi des choses très utiles. J'ai eu beaucoup de chance en Australie d'avoir une aide logistique incroyable, les opérateurs là-bas – les machines et les grues – l'expérience là-bas est vraiment inégalée. Il a une histoire de plongée très riche. J'ai donc eu de la chance à bien des égards.

Sculptures sous-marines par Jason deCaires Taylor

Photo: Richard Woodgett

Donc, pour les personnes qui ne comprennent pas comment ces choses fonctionnent, pouvez-vous partager un peu comment ces installations finissent par fournir un bon habitat pour la vie marine?

Sûr. Alors prenez le Serre de corail, par exemple, il est situé sur une parcelle de sable dans une sorte de canal sous-marin à la partie nord du récif. Il est balayé par un courant riche en nutriments qui est un endroit idéal pour les coraux et la vie marine de s'épanouir.

Parce que la sculpture est assez haute, elle couvre toutes les différentes zones de la colonne d'eau. Et donc, dans les parties inférieures, nous avons tous ces différents espaces d'habitat pour la vie marine. Cela comprend une série d'établis et de modules qui ont un type différent d'espace creux adapté à différents types de créatures. Certains trous sont donc très petits et permettent simplement aux juvéniles de pénétrer à l'intérieur et d'être protégés. Certains d'entre eux sont beaucoup plus grands pour les crustacés et les espèces plus grandes. Et donc toute cette zone sous l'extrémité inférieure, elle crée cet habitat de récif artificiel – une zone où les poissons peuvent frayer et se réfugier.

Ensuite, à mesure que la structure remonte, elle commence à pénétrer dans le type de zone à fort courant où il y a beaucoup de nutriments qui traversent l'eau. Et de cette partie, il offre un très bon substrat pour toutes les différentes espèces qui sont des filtreurs qui extraient tous les nutriments de l'eau. Donc, tous les différents types de coraux durs et mous ou de crinoïdes, ils peuvent tous s'attacher à la structure et commencer à la tamiser pour la nourriture. Il devient une grande communauté d'arbres. Les espèces plus petites attirent très rapidement les espèces plus grandes qui sont alors antérieures à elles, donc, en très peu de temps, vous obtenez un système de récif très sain qui tourne autour d'elle.

Musée d'art sous-marin de TownsvilleQu'espérez-vous que les gens retirent de votre travail au musée en Australie?

Tout d'abord, j'espère que les gens qui viennent à Townsville feront le voyage et iront voir la Grande Barrière de Corail en soi. Où il est positionné, comme je l'ai mentionné, il se trouve en fait à côté de certains des récifs les plus spectaculaires que j'ai vus. J'espère donc que les gens sortiront et plongeront et plongeront et verront à quel point le récif est incroyable et combien il est beau et divers, et verront également comment nous pouvons réellement vivre dans une sorte de relation symbiotique en harmonie avec la nature. Ce n'est pas une question de conquérants du monde naturel, c'est bien plus une question d'interconnexion. J'espère que les gens repartiront avec ce genre de sens.

Sculptures de récifs artificiels par Jason deCaires Taylor

Photo: Richard Woodgett

Je sais donc que les choses pourraient être en pause pour le moment, mais quelle est la prochaine étape pour vous?

J'étais à mi-parcours avec quelques projets différents. Par exemple, le projet Australie n’était pas terminé, je dois donc revenir. Et nous sommes en train d'installer, je pense, 4 000 coraux dans la serre. Nous voulons également étendre le projet à Palm Island, qui est une très belle île juste au large de la côte et abrite une grande communauté indigène. L'idée est de créer des œuvres d'art à grande échelle pour la communauté tout en contribuant à créer plus d'emplois locaux et à stimuler l'économie. Nous planifions cela depuis deux ans et nous avons levé les fonds pour cela. Nous sommes en train de décider de la conception avec la communauté locale. Le projet australien comporte en réalité quatre phases. Nous avons terminé les deux premiers, il nous en reste donc encore deux.

Jason deCaires Taylor: site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jason deCaires Taylor.

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Un photographe compile plus de 100 photos de Chicago dans un livre 20 ans en devenir

Chicago Skyline de Fullerton Avenue par Barry Butler

Depuis plus de 20 ans, le photographe Barry Butler s'inspire de la ville de Chicago. Amoureux de ses toits, le photographe né en Irlande et basé à Chicago est devenu célèbre pour ses incroyables photographies de la métropole. Maintenant, il a rassemblé son travail dans le livre, Chicago: une ville avant tout.

Sur 124 pages, Butler met en évidence certaines des vues les plus spectaculaires de Chicago dans cet hommage à la ville qui l'a inspiré. Fait intéressant, l’amour de Butler pour la photographie est dû à un coup du sort qui s’est produit lorsqu’il s’est cassé la clavicule lors d’un match de hockey. Il n'a pas pu utiliser l'un de ses bras pendant huit mois et a passé ce temps à s'enseigner lui-même la photographie.

Ces jours-ci, Butler passe ses heures à poursuivre sa passion et tourne dans le monde entier. Mais pour lui, il n'y a pas de meilleur endroit pour la photographie que la Windy City. «J'espère que les gens se rendent compte que Chicago est la plus jolie ville d'Amérique», explique Butler à My Modern Met. "Depuis le lac, par dessus la ligne d'horizon, depuis la rivière, depuis un toit, depuis le côté sud, depuis le côté nord, depuis le côté ouest, Chicago est magnifique sous tant d'angles."

Tous ces angles sont présentés dans le livre de Butler, qui est une vitrine pour ses photos méticuleusement recherchées. Ses images sont généralement planifiées au moins 24 heures à l'avance; certaines photos prennent des mois de préparation s'il attend des conditions météorologiques particulières.

Ce travail le met au défi, même si l'une de ses photographies préférées s'est produite alors que son projet devait sortir par la fenêtre. «Il y a quelques années, j'ai pris une photo sur l'avenue Fullerton le long du lac à l'automne. Je savais que j'avais quelques minutes où les feuilles seraient bien mises en valeur en fin d'après-midi bientôt », se souvient Butler. «Alors que j'alignais mon cliché, un monsieur a continué à marcher d'avant en arrière devant ma composition. Je n'en étais pas trop content, mais je gardais mon mécontentement pour moi. Eh bien, il a décidé de s'asseoir sur un banc qui était dans ma composition. J'ai recomposé l'image. Boom, il a fait le coup. Cette photo me rappelle qu'il faut être patient – les choses vont s'arranger. »

Chicago: une ville avant tout est disponible exclusivement via le site Web de Butler. Chaque copie sera signée, mais agissez rapidement, car ils se vendent rapidement. Nous espérons que le premier livre de Butler n'est que le début d'une série beaucoup plus longue explorant les centaines de milliers de photographies qu'il a capturées de cette ville magique.

Depuis plus de 20 ans, Barry Butler prend des photos mémorables de Chicago.

Chicago City Skyline Over LakePrendre des photos au bord d'un lac avec deux chiensChicago la nuit avec une pleine luneFeux d'artifice à Chicago

Son premier livre contient plus de 100 de ses meilleures images de Chicago.

Chicago, une ville avant tout par Barry ButlerBarry Butler: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Barry Butler.

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Apprenez l’histoire remarquable des sculptures «Esclave mourant» et «Esclave rebelle» de Michel-Ange

Michel-Ange

Photo: Flickr (CC BY-NC-ND 2.0)

Pendant la Renaissance, Michel-Ange s'est fait un nom en tant que maître de la sculpture humaniste. La capacité inégalée de l'artiste florentin à représenter de manière réaliste la forme humaine est évidente dans l'ensemble de son œuvre, avec le célèbre David et Pietà à la pointe. Bien que sans aucun doute parmi ses œuvres les plus connues, ces pièces sont loin d'être les seuls chefs-d'œuvre de marbre de Michel-Ange – un point qui est clairement démontré par son Des esclaves.

Fabriquée au début du XVIe siècle, cette paire de sculptures faisait à l'origine partie d'une commande papale. Finalement laissé inachevé et omis de la conception finale, le Rebelle Esclave et le Esclave mourant servent maintenant de points culminants du célèbre Musée du Louvre, où ils se tiennent comme des symboles de la «quête de vérité absolue dans l'art» de Michel-Ange.

Une commande monumentale

Conception pour la tombe du pape Jules II

Michel-Ange, «Conception de la tombe du pape Jules II della Rovere», 1505-1506 (Photo: Musée métropolitain d'art (domaine public))

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni est né en 1475. Au tournant du XVIe siècle, il était déjà un artiste de renom, ayant acquis une grande notoriété grâce à d'importantes commissions ecclésiastiques: en 1497, le cardinal Jean de Bilhères-Lagraulas proposa une grande échelle Pietà pour sa tombe; en 1501, le Cattedrale di Santa Maria del Fiore à Florence commandé David comme décoration extérieure; et, en 1505, le pape Jules II lui a demandé de sculpter 40 personnages grandeur nature pour un mausolée extravagant.

Selon des sources écrites et des croquis survivants, cette tombe autoportante s'élèverait à plus de 32 pieds de haut. À l'intérieur, il abriterait une chapelle, tandis que son extérieur à trois niveaux présenterait des sculptures grandeur nature de saints, d'anges, de prophètes et d'esclaves. Selon le biographe de Michel-Ange, Giorgio Vasari, ces conceptions sans précédent promettaient un monument qui "dans la beauté et la fierté, la richesse de l'ornementation et l'abondance de la statuaire dépassait chaque ancienne tombe impériale."

Peinture de Jules II

Horace Vernet, «Jules II ordonnant à Bramante, Michel-Ange et Raphaël de construire le Vatican et Saint-Pierre», 1827 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Bien que Michel-Ange ait accepté l'offre avec satisfaction, le projet a connu plusieurs revers, à savoir son calendrier en conflit avec la construction par le pape de la nouvelle basilique Saint-Pierre, une autre entreprise ambitieuse. Les plans pour la tombe ont été encore retardés quand, en 1508, un Jules distrait a demandé à un Michel-Ange de plus en plus impatient de peindre le plafond de la chapelle Sixtine – une entreprise que l'artiste a acceptée et achevée comme un moyen d'apaiser le pape et de se remettre au travail sur la tombe. .

Même lorsque Michel-Ange a achevé le plafond en 1512, le pape est resté préoccupé par les plans de la basilique. À la mort du pape l’année suivante, Michel-Ange n’avait commencé à sculpter que trois sculptures – un Moïse assis et les deux esclaves – laissant aux héritiers de la figure sainte le soin de repenser les grands plans du pape.

Ils ont présenté à Michel-Ange un deuxième contrat détaillant une version plus petite et tamisée de la tombe. Alors qu'ils prévoyaient un calendrier de sept ans, l'achèvement de la tombe – dont la conception a de nouveau été radicalement modifiée en 1516, 1532 et 1542 et qui existe maintenant dans la basilique San Pietro in Vincoli, Rome – prendrait quarante ans. "Et donc je trouve", a écrit Michel-Ange en 1542, "J'ai perdu toute ma jeunesse liée à cette tombe."

Pour aggraver les choses, ces plans en constante évolution ont fini par omettre certaines des sculptures presque terminées de Michel-Ange – y compris le Des esclaves.

Michel-Ange Des esclaves

Michel-Ange

(Photo de gauche: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0); Photo de droite: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Michel-Ange a sculpté cette paire de figures entre 1513 et 1516. Initialement intitulé Les prisonniers, ils sont maintenant appelés Esclave rebelle et le En train de mourir Esclave en raison de leurs comportements révélateurs respectifs.

En termes de langage corporel, les deux figures ont peu en commun. le Esclave rebelle comporte une «figure plus grossière dont tout le corps semble engagé dans une lutte violente», tandis que Esclave mourant dépeint un "superbement jeune et beau, et apparemment dans un sommeil profond (peut-être éternel)." Les deux, cependant, présentent des marqueurs de la compétence de signature de Michel-Ange: une approche réaliste de la forme humaine.

Cela est évident dans les visages et les gestes expressifs des personnages, les caractéristiques anatomiques richement détaillées et les postures asymétriques. Connu comme contrapposto ou "opposer", cette position a donné aux figures de Michel-Ange un aspect et une sensation réalistes tout en évoquant l'accent mis par la Renaissance sur l'équilibre, l'harmonie et la forme idéale.

Un héritage inachevé

Études pour Michel-Ange

Michel-Ange, «Études pour le plafond Sixtine et pour la tombe du pape Jules II» (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Quand le Des esclaves ont été écartés de la conception de la tombe, Michel-Ange les a donnés à Roberto Strozzi, un collègue florentin. «C'était un geste extravagant», explique Maria Ruvoldt dans Les esclaves de Michel-Ange et le don de la liberté, «Et pourtant Des esclaves ont été rapidement remis, envoyés par Strozzi au roi de France en 1550. »

Pourquoi Strozzi a-t-il déplacé les billes en France? Après avoir provoqué la controverse en s'opposant à la règle de Cosimo I de ’Medici, grand-duc de Toscane, Strozzi a été exilé à Lyon – et donc, à son tour, ont été les Des esclaves. Tout d’abord, ils ont été placés dans des niches dans la cour du château d’Ecouen, un château près de Paris. Ensuite, ils ont trouvé une maison dans le palais du cardinal Richelieu au Poitou. En 1749, le duc de Richelieu les amena à Paris et, après qu’une noble eut tenté de les vendre illégalement en 1793, ils devinrent propriété française et entrèrent dans la collection du Louvre en 1794.

Michel-Ange

Photo: Stock Photos de Heracles Kritikos / Shutterstock

Aujourd'hui le Des esclaves font partie des nombreux trésors sculpturaux du musée – une collection qui comprend des joyaux comme Venus de Milo et le Victoire ailée de Samothrace. Étant les seuls marbres de Michel-Ange du Louvre, ils sont sans doute ses plus célèbres Des esclaves. Ils ne sont cependant pas les seuls. Dans les années 1520 et 1530, Michel-Ange a sculpté quatre autres Des esclaves, qui sont maintenant situés dans la Galleria dell’Accademia à Florence. Comme le Esclave rebelle et le Esclave mourant, ces figures ont été omises de la conception finale, et restent incomplètes – un destin qui, à juste titre, les laisse poignamment emprisonnées dans la pierre.

"J'ai vu l'ange dans le marbre", a fait remarquer Michel-Ange, "et j'ai sculpté jusqu'à ce que je le libère."

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Art culinaire par Blondie + Rye

Baker Hannah P. de Blondie + Rye utilise le pain comme une toile non conventionnelle pour son art. Ses pains appétissants de levain, de pains plats et de petits pains fourrés sont décorés de motifs sculptés dans la croûte. Des motifs floraux et des tourbillons à motifs, parfois recouverts de poudre de taro, sortent du four presque trop beaux pour être mangés. Mais comme tout amateur de glucides le sait, il est préférable de déguster une miche de pain pendant qu'elle est encore chaude après la cuisson (quelle que soit sa beauté).

Blondie + Rye est un projet parallèle pour Hannah. Le jour, elle est professeur d'histoire au lycée, et sa profession est la façon dont elle a commencé son voyage culinaire. «J'ai commencé à cuire il y a environ cinq ans lorsque ma collègue m'a donné un four hollandais et une simple recette sans pétrissage», explique-t-elle à My Modern Met. "Quelques mois plus tard, j'ai créé mon entrée au levain, Blondie, et après cela, il n'y avait plus de retour en arrière."

L'ajout de l'art de la croûte était une évolution naturelle pour Hannah. «Je ne me souviens pas du moment où la composante visuelle a pris le relais, mais je pense que j'étais attirée par l'acte même de créer les conceptions», se souvient-elle. "Il y a une sorte de précipitation et un danger car il est si facile de faire glisser le boiteux (outil de notation), ou de mal évaluer l'hydratation de la pâte." Ce «danger» fait partie du plaisir. «On pourrait penser que cela me rendrait très délibéré et garderait de bonnes notes», dit Hannah, «mais j'apprécie également l'irrévérence de l'improvisation. J'ai donc tendance à ne pas trop planifier mes pâtes ou mes dessins. »

Baker Hannah P. de Blondie + Rye crée de l'art sur la croûte de ses pains.

Art culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt du pain

Hannah décorera également des pains plats avec des légumes colorés.

Art du pain par Blondie + RyeArt du pain par Blondie + RyeArt du pain par Blondie + RyeBlondie + Rye: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Blondie + Rye.

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Les meilleurs photographes de la voie lactée de l'année montrent la beauté de notre galaxie

Voie lactée sur les arbres dans le parc national de Namib-Naukluft, Namibie

«Deadvlei» de Stefan Liebermann. Parc national de Namib-Naukluft, Namibie.
Les arbres de Deadvlei sont morts depuis plus de 500 ans. Situés dans le parc Namib-Naukluft en Namibie, ces jeunes pousses ont poussé après que les rivières locales ont été inondées en raison de fortes pluies, mais sont mortes après que les dunes de sable se soient déplacées pour couper la rivière.
Au-dessus et au loin, la bande de notre galaxie de la Voie lactée forme un arc sur une grande tige dans cette image panoramique nocturne.

Blog de voyage et de photographie Capture the Atlas est connu pour ses images spectaculaires et il aime particulièrement partager à quel point le cosmos est étonnant à travers des photos à couper le souffle de la Voie lactée. En fait, le site a même publié un calendrier indiquant les meilleurs jours et heures pour photographier la Voie lactée afin de permettre aux photographes de prendre des photos plus étonnantes de notre galaxie. Maintenant, l'éditeur Dan Zafra a passé au crible une quantité incroyable de photos pour trouver les 25 meilleurs photographes de la voie lactée de l'année.

Cette liste est devenue une tradition annuelle à Capture the Atlas, avec Zafra mettant non seulement en vedette des astrophotographes bien connus, mais mettant également en lumière de nouveaux talents. La liste de cette année présente des photographes de 14 pays différents, ainsi que des images de la Voie lactée dans des endroits reculés comme l'Antarctique.

Les photographies mettent également en évidence l'esprit aventureux de ces voyageurs et photographes. Que ses grimpeurs escaladent un glacier dans les Dolomites à la lueur de la Voie lactée ou un voyageur solitaire seul au Sahara, chaque photographe a une histoire spéciale à raconter. En fait, ces histoires prouvent que ce que nous regardons est plus qu’une simple photographie, c’est une mémoire spéciale qui ne peut pas être reproduite.

Si quoi que ce soit, ces photos seront certainement une inspiration pour sortir en plein air et essayer d'avoir un aperçu de la Voie lactée. Par coïncidence, juin est le moment idéal pour voir la Voie lactée, car son noyau galactique est le plus visible pendant la plus longue durée de ce mois.

Découvrez quelques-unes des meilleures photos de la Voie lactée de 2020.

Voie lactée à Parque Nacional del Teide à Tenerife

«Voie lactée au-dessus du Parque Nacional del Teide» par Mehmet Ergün. Tenerife, Espagne.
Cette photo a été prise sur l'une de mes îles préférées: Tenerife. Il s'agit d'une île aux possibilités illimitées, où vous pourrez profiter de la nature dans toute sa splendeur. En particulier, le ciel nocturne de Ténérife est réputé dans le monde entier pour ses excellentes conditions d'observation des étoiles et d'astrophotographie.

Voie lactée sur les Badlands au Nouveau-Mexique

«Alien Eggs» par Debbie Heyer. Badlands du Nouveau-Mexique, USA.
Les Badlands du Nouveau-Mexique sont d'un autre monde et mystérieux. Ils ressemblent à une planète extraterrestre. Si vous ne croyez pas aux extraterrestres, vous le verrez après avoir vu cet endroit. Ce n'est pas un terrain facile à naviguer et il est très facile de se perdre. Heureusement, mes amis connaissaient bien la région, et nous avons pu profiter de ce paradis du photographe de compositions sans fin qui m'a époustouflé! Cela a été tourné en octobre dernier lors d'une visite photo de deux semaines avec des amis à travers le sud-ouest. C'était la meilleure façon de terminer la saison de la Voie lactée.

Voie lactée dans les Dolomites

«Winter Milky Way» par le Dr Nicholas Roemmelt. Marmolada, Dolomites, Italie.
Bien que la voie lactée pendant l'hiver et au début du printemps soit souvent ignorée dans la photographie astro-paysage, j'aime vraiment les étoiles brillantes (parmi les plus brillantes du ciel nocturne), les constellations colorées et les éléments plus faibles de cette partie de notre galaxie lorsque le le noyau galactique est sous l'horizon.

Voie lactée sur le lac Dumbleyung en Australie

«Nightmare» de Michael Goh. Lac Dumbleyung, Australie.
Le lac Dumbleyung est un lac salé situé dans l'ouest de l'Australie. Le lac est entouré de centaines d'arbres morts à cause des niveaux de sel et, par une nuit calme, toutes les étoiles se reflètent sur l'eau. Pour cette image, les arbres morts m'ont donné l'idée de les capturer en griffant le ciel – le panorama en œil de poisson s'est avéré meilleur que prévu, car les arbres ressemblaient presque à des tentacules. L'endroit est très sombre, donc sans clair de lune disponible, j'ai utilisé mon style d'autoportrait avec la figure tenant la lumière (maintenant un peu clichée) pour créer plus de profondeur dans l'image comme une figure solitaire debout parmi les arbres morts.

Voie lactée en Antarctique

«Gran Firmamento» de Jorgelina Alvarez. Base de Marambio, Antarctique.
Ce fut une nuit très spéciale pleine d'émotions que j'ai essayé de capturer sur cette photo. Des planètes comme Vénus, Jupiter, Saturne et Mars attirent toujours mon attention. Le centre galactique était sur le point de se cacher, parmi des milliers d'autres étoiles en composition avec le paysage enneigé de l'Antarctique.

Voie lactée sur les collines de l'Alabama en Californie

«Desert Nights» de Peter Zelinka. Alabama Hills, Californie, États-Unis.
Lorsque je voyage à travers la Californie, je m'assure toujours de m'arrêter aux collines de l'Alabama. C'est l'un des endroits les plus emblématiques de l'ouest des États-Unis, avec ses incroyables montagnes enneigées de la Sierra, ses formations rocheuses uniques et ses routes poussiéreuses.
En juin, j'ai passé quelques nuits à camper dans le désert sous les étoiles. Une fois que la Voie lactée brillait au-dessus de ma tête, j'ai erré à travers la brosse et j'ai trouvé cette arche unique.

Voie lactée dans le désert du Sahara

«Seul et ensemble dans la poussière d'étoile» de Marco Carotenuto. Le désert du Sahara.
Décrire cet endroit avec des mots ou des images n'est pas facile car il y a beaucoup d'émotions que vous pouvez ressentir en passant une nuit au cœur du désert. Rester au milieu de nulle part, à des centaines de kilomètres de la civilisation et sans électricité, réseau cellulaire ou eau vous met certainement à l'épreuve. En photographiant avec votre groupe, vous pouvez ressentir l'émotion de partager des moments d'humanité, même avec ceux que vous ne connaissez pas, d'être présents et d'oublier la routine quotidienne.

Voie lactée sur un paysage rocheux dans le sud-ouest des États-Unis

«Heavenly Throne» par Ryan Smith. Sud-ouest des États-Unis.
J'ai pris cette photo avec le Canon EOS Ra; une caméra d'astrophotographie sans miroir dotée d'un filtre de découpe infrarouge intégré (positionné juste en face du capteur d'imagerie CMOS), qui permet une transmission d'environ 4x autant de rayons d'hydrogène alpha que les appareils photo numériques standard. Cela permet de capturer plus de détails sur le ciel nocturne et la Voie lactée, et fait vraiment une différence en astrophotographie.

Voie lactée sur la chaîne de montagnes des Picos de Europa en Espagne

«Double Arch» de Pablo Ruiz García. Picos de Europa, Espagne.
Cette spectaculaire formation rocheuse en forme d'arche est située dans les gorges de «La Hermida», dans la chaîne de montagnes des Picos de Europa en Espagne.
Au début, mon idée initiale était de capturer le centre galactique à l'intérieur de l'arche, mais finalement, j'ai décidé de tirer sur les deux arches qui se chevauchaient à cette époque de l'année (fin du printemps) alors que la Voie lactée n'est toujours pas trop haute dans le ciel.

Voie lactée au-dessus du cratère Halema’uma’u à Hawaï

«Elemental» de Miles Morgan. Volcan Kilauea, Hawaii, USA.
Pendant mon voyage à Hawaï, nous étions généralement debout vers 2h30 du matin, et jouions toute la journée et bien après le coucher du soleil sur les coulées de lave. Ce soir-là, après avoir tourné le coucher du soleil, nous avons vérifié Stargazer et avons vu que vers 3-4 heures du matin, de nombreux éléments planétaires s'alignaient autour du panache du cratère Halema’uma’u.
Même si le ciel était couvert pendant la majeure partie de la nuit, nous nous trouvions au bon moment pour capturer la lave et la voie lactée

Voie lactée sur la grotte de Ta Marija à Malte

«Une nuit dans les grottes» de Sam Sciluna. Grotte de Ta Marija, Malte, Italie.
Je voulais capturer le cœur de la Voie lactée au-dessus de l'entrée de la grotte de «Ta Marija» pendant des années. Je l'ai essayé plusieurs fois auparavant, mais je n'ai pas pu capturer une image dont j'étais satisfait. En juillet dernier, je suis rentré avec un de mes amis pour essayer d'obtenir un meilleur cliché et enfin faire de ce rêve une réalité.

Voie lactée à Kanab, Utah

«Good Night Utah» de Julio Castro. Kanab, Utah, États-Unis.
Après avoir visité cet endroit en 2017, c'est devenu mon obsession personnelle de prendre une photo là-bas, principalement parce que je ne pouvais pas prendre de photos de nuit car l'endroit était très isolé.
En mai, j'ai décidé de revenir en arrière et d'essayer de prendre la photo que j'avais en tête. Après une nuit très nuageuse, juste avant l'aube, le ciel s'est ouvert, et un ciel étoilé spectaculaire m'a donné l'occasion de prendre cette photo avec l'arc de la Voie lactée au dessus de la "vague" de roche qui semble entourer les deux collines, créant un cercle presque parfait et me permettant d'obtenir la photo dont j'avais rêvé.

Voie lactée au-dessus du camping dans les Dolomites

«Base Camp» de Giulio Cobianchi. Dolomites, Italie.
J'adore tourner la Voie lactée tout au long des 12 mois de l'année. Je dois admettre que pendant la saison d'hiver, cela me fascine encore plus, probablement parce que la Voie lactée a des couleurs plus froides qui se combinent parfaitement avec la neige, et aussi parce que photographier dans ces conditions est beaucoup plus difficile.

Voie lactée sur un ancien monastère en Espagne

«Monastère enchanté» de Ramón Morcillo. Ávila, Espagne.
L'idée de filmer un ancien monastère sous la Voie lactée dans les montagnes espagnoles ne faisait que m'attarder sur la tête pendant des mois. J'étais fasciné par l'idée de planifier cette image; ayant l'arche de la Voie lactée au-dessus de l'ancien clocher solitaire. Le monastère était un couvent augustinien fondé en 1504 et appelé le «monastère de Notre-Dame du Crag». Quelques centaines de kilomètres en voiture suivis d'une longue marche et d'une montée difficile et d'un bushwhack se sont terminés dans ce lieu magnifique et magique où j'ai pu capturer notre arc de galaxie.

Capturez l'Atlas: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Capture the Atlas.

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Illustrations complexes des 5 sens inspirés de l'art au Musée du musée du Prado

Dessins au crayon par Olivia Kemp

Olivia Kemp travaille sur "Odeur"

L'artiste britannique Olivia Kemp est connue pour manier sa plume dans des dessins à grande échelle de lieux fantastiques. Maintenant, elle est en train de développer une nouvelle série d'illustrations remplies de dessins fascinants centrés autour d'un endroit qui a eu une influence durable sur son œuvre: le Museo del Prado à Madrid, en Espagne. «J'ai passé deux mois à dessiner à partir de peintures du Museo del Prado dans le cadre du Richard Ford Award en 2015», explique Kemp à My Modern Met. «Je prépare actuellement une exposition solo d'œuvres inspirées de mon séjour là-bas et réfléchissant à l'influence qu'elle a eu sur mon travail.»

La talentueuse dessinatrice crée des compositions en noir et blanc absorbantes remplies de détails et de textures au lieu de couleurs. Cette approche méticuleuse de l'illustration rappelle les maîtres anciens et les dessins classiques. Kemp raconte à My Modern Met: «Je travaille actuellement sur une série de pièces inspirées de peintures sur lesquelles Rubens et Breughel ont collaboré. Il s'agit d'une série sur les cinq sens qui font partie de la collection du Museo del Prado de Madrid. J'ai demandé à ma famille et à mes amis qui, selon moi, représentent chaque sens, de s'asseoir pour chaque dessin et je les ai entourés (avec) de références personnelles et de choses qui se rapportent aux peintures originales. »

Chacune de ses compositions prend des jours de travail minutieux, car les dessins complexes de Kemp ne laissent aucune zone du papier sans embellissement. Tandis que Odeur dispose d'un somptueux jardin de fleurs, Vue comprend une galerie regroupée des peintures les plus célèbres du Museo del Prado. Kemp dit que l'ajout d'un surplus de motifs à travers ces dessins massifs fait partie de la joie de les faire. «Je travaille au stylo et je ne planifie pas les travaux à l'avance», dit-elle. «C'est plus amusant pour moi car j'arrive à imaginer et à ajouter de nouveaux détails à mes œuvres tous les jours.» En raison du verrouillage, Kemp continue de développer la série à domicile qui, malgré les difficultés, lui a donné plus de temps pour se plonger dans le projet.

L'exposition solo de Kemp sera présentée à la James Freeman Gallery de Londres en septembre 2020. Faites défiler vers le bas pour voir des illustrations à la plume et à l'encre plus incroyables, et suivez l'artiste sur Instagram et Twitter pour suivre ses dernières créations.

Dessins au crayon par Olivia Kemp

Gauche: «Touch», en haut à droite: «Odor», Middle Right: «Sight», en bas à droite: «Taste»

Dessins au crayon par Olivia Kemp

Haut: «Goût», Bas: «Odeur»

Photographer Chronicles Greenland’s Changing Landscape during Annual Trips [Interview]

Le photographe de paysage norvégien Christian Hoiberg a grandi en pleine nature. Amoureux de l'environnement qui l'entoure, il est attiré par les climats arctiques qui permettent à son imagination de se libérer. Un de ses endroits préférés à visiter est le Groenland, et il a fait un rituel de passer du temps chaque été sur cette île magique.

Hoiberg utilise son temps au Groenland pour explorer le paysage mystérieux et traquer la glace en mouvement qui fait de ce pays une destination de choix pour de nombreux photographes. En utilisant ses compétences en photographie aérienne, Hoiberg est capable de capturer des images exceptionnelles des icebergs de l'île flottant dans les eaux bleues. Et comme le pays évolue à un rythme rapide en raison des variations climatiques, son travail est encore plus essentiel pour documenter l'état de l'environnement.

Lorsque Hoiberg n’est pas en train d’explorer par lui-même, il partage ses connaissances avec d’autres en animant des ateliers à travers les îles Lofoten et en publiant des livres électroniques et des préréglages Lightroom. Nous avons eu la chance de discuter avec Hoiberg de son amour pour la photographie de paysage et de ce qui fait du Groenland un paradis pour les photographes. Lisez la suite pour notre interview exclusive.

Photo aérienne d'un iceberg au GroenlandQu'est-ce qui motive votre passion pour la photographie et la photographie de paysage en particulier?

Ayant grandi en Norvège, j'ai toujours apprécié le plein air et j'ai passé ma bonne part de week-end à faire de la randonnée et des tentes même quand j'étais enfant. Cependant, cette appréciation est devenue encore plus grande après avoir acheté mon premier appareil photo et commencé à l'amener dans les bois.

Depuis lors, la photographie a été mon moyen de me déconnecter et de me vider l'esprit. Appelez cela la méditation pour l'esprit, le corps et l'âme. Cela peut sembler étrange que je puisse complètement vider mon esprit lorsque je photographie, car je travaille et de nombreux facteurs nécessitent une attention lors de la création d'une image, mais c'est à ce moment-là que je peux me détendre complètement et profiter de la moment.

Je pense que c'est ce lien avec la nature et la liberté qu'elle donne qui anime ma passion. J'adore la méditation et le voyage créatif qu'elle m'engage lors de la création d'une image.

Vue aérienne du Groenland par Christian HoibergCombien de temps passez-vous au Groenland?

J'ai eu la chance de passer environ 10 jours par an dans l'ouest du Groenland au cours des deux dernières années et j'ai hâte d'y retourner l'été prochain.

Comment cela vous inspire-t-il de manière créative?

Photographier le Groenland est assez différent de la plupart des autres endroits. En fait, c'est assez difficile. Les fjords de glace peuvent être chaotiques et il n'y a pas de plans ou de compositions évidents placés devant vous. Les éléments changent également constamment, de sorte que ce qui pourrait sembler prometteur un soir pourrait même ne pas être là le lendemain matin.

Le paysage unique – et l'opportunité infinie qu'il offre – est ce qui m'inspire de façon créative lorsque je photographie le Groenland. Rien n'y vient facilement et cela en fait un défi créatif. Mais une fois que vous pouvez isoler les détails ou repérer ces formations et ces motifs fascinants, les photographies peuvent être très enrichissantes.

Photo abstraite d'un icebergRésumé photo aérienne du GroenlandQuelles ont été vos expériences avec le changement climatique depuis votre visite au Groenland?

En tant que photographe de nature et, plus important encore, amoureux du plein air, j'ai toujours été conscient du changement climatique et des dommages qu'il peut entraîner. Bien qu'il s'agisse d'un sujet qui nous entoure quotidiennement et qui est discuté dans divers plates-formes à travers le monde, ce n'est que lors de ma première visite au Groenland que j'ai réalisé sa gravité. Il est facile de s'asseoir à la maison dans nos salons en regardant ce dont on parle à la télévision, mais c'est une toute autre chose d'être dans un endroit qui en est tellement affecté.

Visiter le Groenland et parler aux habitants m'a ouvert les yeux. Il était alarmant d'entendre leurs histoires sur la taille des icebergs et la température plus froide il y a seulement 10 à 15 ans.

Cette expérience m'a sensibilisé et m'a motivé encore plus à utiliser ma photographie pour éclairer ce sujet.

Baleine nageant près d'un iceberg au GroenlandBaleines au GroenlandEn quoi la photographie aérienne en fait-elle un bon moyen de capturer le paysage du Groenland?

Comme je l'ai mentionné, le Groenland est assez difficile à photographier. Il peut souvent être chaotique avec toute la glace qui vous entoure et il est difficile de trouver de bonnes compositions avec un objectif grand angle. Bien qu'il soit étonnant de s'asseoir et de regarder ce paysage, il est rarement utile de tout entasser en une seule photo.

C'est là qu'un télézoom est utile; il permet de se concentrer plus facilement sur les textures et les détails intéressants. Alors que je suis tombé amoureux de l'approche plus intime et abstraite de photographier les icebergs avec un objectif long, c'est à travers la perspective d'un oiseau que j'ai trouvé la plus grande inspiration. J'ai trouvé que c'était une meilleure façon de distinguer les icebergs intéressants. Il y a tellement de détails que nous ne voyons pas d'en bas.

Photographier le Groenland d'en haut est également un bon moyen de montrer le changement dans le paysage. Chaque année, le glacier met bas environ 46 kilomètres cubes (11 milles cubes) de glace; si vous fondiez cela, la quantité d'eau résultante pourrait couvrir la consommation annuelle d'eau aux États-Unis. C'est quelque chose qui se montre bien d'un point de vue aérien.

Photo aérienne d'un iceberg au GroenlandPhoto aérienne d'un iceberg au GroenlandComment vous préparez-vous pour vos tournages au Groenland en termes de recherche de la météo et des lieux?

Il est difficile de planifier des prises de vue exactes lorsqu'il s'agit de photographier le Groenland car la quantité de glace et sa densité changent rapidement. La langue glaciaire pourrait être bloquée par des icebergs massifs pendant un certain temps, faisant se remplir toute la baie de glace (mais résultant en presque aucune glace dans le fjord). Lorsque les «portes» s'ouvriront enfin, tout le fjord et le port pourraient être remplis de glace pendant la nuit, rendant les eaux difficiles à naviguer.

Ces deux situations offrent de grandes expériences mais peuvent être difficiles à photographier, car elles semblent encore plus chaotiques que la normale. Pourtant, ce n'est pas quelque chose que vous pouvez planifier, donc tout ce que nous pouvons faire est de travailler avec la situation qui nous est donnée.

Il en va de même pour la météo. Bien qu'il ait tendance à être relativement stable pendant les périodes que nous visitons, il n'est pas rare d'avoir des températures basses, de fortes pluies ou du grésil et des vents forts.

Nous avons également travaillé aux côtés de grands capitaines qui connaissent la région comme le fond de leur main et avec eux, nous avons pu trouver des zones incroyables à photographier et à explorer.

Iceberg au GroenlandPhoto aérienne d'un iceberg au GroenlandQu'espérez-vous que les gens retirent de votre travail?

J'espère que les gens qui voient mon travail sont inspirés pour prendre un moment et réaliser à quel point notre planète est belle. Malgré toute la négativité ou le stress qui nous entoure au quotidien, nous avons le privilège de résider dans un endroit aussi beau que la Terre. J'espère aussi que cette pensée les amènera à vouloir respecter notre planète et à faire sa part pour en prendre soin; même si c'est à petite échelle, comme éviter les détritus.

Je me rends également compte que tout le monde n'a pas la chance de vivre près de la nature ou de pouvoir voyager dans des zones pittoresques, alors je veux leur donner une échappatoire toujours aussi minuscule à leur réalité. Rien ne me réchauffe le cœur autant que les messages de personnes qui trouvent un moment de bonheur dans leur vie en regardant ma photographie. C’est le plus grand honneur auquel je puisse penser.

Vue aérienne du Groenland par Christian HoibergPhoto aérienne d'un iceberg au GroenlandEt après?

En raison de la situation actuelle de la pandémie de COVID-19, l'année à venir s'annonce légèrement différente de ce que j'avais imaginé il y a quelques mois à peine. Le reste des ateliers de cette année a été annulé ou reporté, mais cela m'a également donné plus de temps pour me concentrer sur la finition de nouveaux ebooks et pour rattraper mon retard sur la rédaction d'autres didacticiels liés à la photographie.

La neige commence lentement à fondre ici dans les îles Lofoten et le soleil de minuit vient d'arriver, donc pour les prochains mois, je vise à passer autant de temps que possible à explorer davantage les régions montagneuses pittoresques ici dans la Norvège arctique.

Icebergs au Groenland

Christian Hoiberg: Site Web | Facebook | Instagram | Behance

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Christian Hoiberg.

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Architecture Aquarelles de Viviene Astakhova

L'aquarelliste Viviene Astakhova capture l'attrait unique de l'architecture européenne classique. Ses coups de pinceau expressifs et son éclairage tacheté de soleil font respirer la vie à chacun des endroits pittoresques. En fait, en parcourant son portfolio coloré, vous avez l'impression de vous promener dans l'un des paysages urbains pittoresques.

L'artiste russe est un amoureux passionné de l'architecture du vieux monde et de ses détails ornés. Des villes historiques comme Vienne, Londres et Saint-Pétersbourg sont l'inspiration pour sa série de peintures urbaines. Après avoir esquissé les bâtiments au crayon, Astakhova applique de délicates couches de peinture aquarelle sur le papier, en gardant intentionnellement certaines zones sans peinture. Ce placement délibéré donne à ses images un sentiment de flottabilité, qu'elle souligne avec un ciel expressif et un ombrage aqueux d'arbres, de canopées et de colonnes. Astakhova complète ensuite ses illustrations en revenant avec un stylo technique et en décrivant quelques détails à l'encre noire.

Bien que les peintures de l'aquarelliste soient incroyables, la plupart de son succès en ligne réside également dans la façon dont elle les présente sur Instagram. Astakhova améliore souvent l'atmosphère romantique de ses paysages urbains en les photographiant dans un éclairage tamisé ou obturateur. À l'occasion, l'artiste utilise le processus de photographie comme une opportunité d'ajouter quelque chose de plus à sa peinture, comme dans sa représentation de Big Ben. Là, Astakhova guide un mince faisceau de lumière solitaire à travers la tour de l'horloge tandis que le reste de l'image reste voilé dans les ombres de l'après-midi. Ces finitions réfléchies font de ses aquarelles délicates des portails attrayants dans les villes européennes convoitées.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de peintures d'architecture d'Astakhova et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations. Les peintures originales sont disponibles à l'achat sur le site Web d'Astakhova.

L'artiste aquarelliste Viviene Astakhova capture la beauté sereine de l'architecture européenne classique.

Architecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene Astakhova

Pour ce faire, Astakhova ajoute des ombres atmosphériques et des détails précis à ses peintures de bâtiments et de rues…

Architecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene Astakhova

… Cela donne aux illustrations à l'aquarelle une sensation de flottabilité et de lumière.

Architecture Aquarelles de Viviene AstakhovaPeinture d'architecture aquarelleArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaViviene Astakhova: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Viviene Astakhova.

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Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Gustav Klimt, «Le baiser», 1907

L'histoire de l'art se refait une beauté dans une nouvelle série d'illustrations de l'artiste Carlos Gromo. Ces interprétations imaginatives placent des personnages de longs métrages d’animation dans des œuvres d’art célèbres, telles que celles de Gustav Klimt. Le baiser et Grant Wood's gothique americain.

L'artiste espagnol a commencé la série en 2019 comme un moyen de rendre les peintures classiques plus attrayantes pour les personnes qui ne connaissent pas l'histoire de l'art. Gromo redessine les compositions de chefs-d'œuvre emblématiques et remplace les sujets par des personnages Disney qui correspondent au thème. Ce qui rend chacune de ses illustrations si charmante, c'est la façon dont il intègre de façon transparente le style emblématique de Disney dans le design. Gromo inclut une petite vignette de l'inspiration originale dans le coin de chaque pièce pour que les téléspectateurs puissent voir la transformation.

Certaines de ses réimaginations vont trop bien. Par exemple, Gromo associe Henry Meynell Rheam Le bois de fée avec le casting de Blanc comme neige. Dans cette composition élaborée, la princesse aux cheveux corbeau se promène à travers la forêt dans une robe ivoire, tandis que les sept nains aident à porter le train de sa cape. En arrière-plan, on aperçoit le prince chevauchant son cheval blanc en direction de Blanche-Neige. De même, Ariel et le prince Eric de La petite Sirène sont convenablement placés dans la peinture de John William Waterhouse La sirène, dans lequel Eric regarde avec amour Ariel jouer de la harpe sur un rocher.

Vous pouvez acheter des tirages, des porte-clés et d'autres illustrations sur la boutique Etsy de Gromo, et voir plus d'illustrations inspirées de Disney en suivant l'artiste sur Instagram.

L'artiste espagnol Carlos Gromo réinvente des œuvres d'art célèbres avec des personnages Disney de longs métrages d'animation.

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Grant Wood, «American Gothic», 1930

Il espère que ces interprétations fantaisistes encourageront plus de gens à en apprendre davantage sur l'histoire de l'art.

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Lawrence Alma Tadema, «Ask Me No More», 1906

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Auguste Toulmouche, «Vanity», 1870

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Henry Meynell Rheam, «The Fairy Wood», 1903

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: William-Adolphe Bouguereau, «Rest in Harvest», 1865

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Pierre Auguste Cot, «The Storm», 1880

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Edmund Blair Leighton, «The Accolade», 1901

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «L'âme de la rose», 1908

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John Simmons, «A Midsummer Night’s Dream», 1870

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «The Siren», 1900

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: William-Adolphe Bouguereau, «Au bord du ruisseau», 1875

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Michael et Inessa Garmash, «Precious Moments»

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Henrietta Rae, «Hylas et les nymphes d'eau», 1910

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Walter Crane, «Hermès et Vénus contemplant un miroir», 1885

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «The Sorceress», 1911

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Lawrence Alma Tadema, «Le poète préféré», 1888

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «Hylas et les nymphes», 1896

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: William Waterhouse, «A Tale from Decameron», 1916

Carlos Gromo: Etsy | Facebook | Instagram

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La famille construit un bar personnalisé dans son jardin qui ressemble à un vrai pub à l'intérieur

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

Avoir un pub local est super, mais imaginez la commodité d'avoir un bar dans votre propre arrière-cour. C’est exactement ce que la famille Crabtree de Manchester, en Angleterre, a fait. Pendant le verrouillage, ils ont mandaté l'entreprise de meubles locale Octavia Chic pour créer un petit pub de jardin, bien appelé Le crabe ivre.

Prenant trois à quatre semaines pour terminer, l'adorable bar à bricolage est construit en bois et a l'air super élégant de l'extérieur. Cependant, l’intérieur est le lieu de la fête. Le crabe ivre est non seulement rempli de spiritueux et de bière en fût, mais l'intérieur chaleureux a été conçu pour ressembler à un pub traditionnel. Il y a un coin bar, des tabourets en bois, des bibelots vintage originaux et même un poêle à feu. La famille Crabtree a également beaucoup de frites de langoustines en stock, une collation de base de n'importe quel pub britannique.

"Mon mari et moi avons eu quelques semaines très chargées (sic) travaillant sur notre projet préféré à ce jour », explique Octavia Chic. "Le crabe ivre (a été) construit, peint et conçu pour la famille Crabtree qui adore avoir son propre pub dans le jardin. » Il n’est pas surprenant que la publication Facebook d’Octavia Chic sur le pub du jardin soit rapidement devenue virale. Maintenant, avec plus de 35 000 actions, il est sûr de dire que ce n'est pas le dernier pub de jardin personnalisé que l'entreprise familiale construira.

Si vous êtes dans le nord-ouest de l'Angleterre et que vous voulez votre propre bar d'arrière-cour, vous pouvez contacter Octavia Chic sur Facebook.

La famille Crabtree de Manchester, en Angleterre, a récemment commandé à Octavia Chic, une entreprise locale de meubles, la création d'un petit pub de jardin qu'elle appelle désormais Le crabe ivre.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

De l'extérieur, cela semble déjà invitant.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

Mais l'intérieur est encore plus spécial.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

L'intérieur a été conçu pour imiter un véritable pub britannique traditionnel.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicOctavia Chic: Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Octavia Chic.

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Vhils rend hommage aux travailleurs de la santé en ciselant des portraits dans le mur de l'hôpital

Vue sur My Modern Met

Peinture murale de Vhils à l'hôpital universitaire de Porto, Portugal

L'artiste de rue portugais Vhils rend hommage aux professionnels de la santé de son pays de la meilleure façon qu'il sait – avec une peinture murale. À Porto, 10 membres du personnel du Centre hospitalier universitaire de São João ont vu leurs portraits ciselés dans le mur par l'artiste acclamé afin de célébrer les contributions des agents de santé nationaux du Portugal.

Bien que la peinture murale soit en préparation depuis plus d'un an, le moment ne pourrait pas être meilleur. Étant donné le grand sacrifice que ces travailleurs ont fait pendant le coronavirus, il semble tout à fait normal que leurs portraits – correctement masqués – soient révélés à ce moment. Comme il était impossible pour Vhils de représenter tous ceux qui travaillent à l'hôpital, il a choisi un échantillon représentatif de médecins et d'infirmières ainsi que du personnel administratif, des services de restauration et des agents de maintenance qui assurent le bon fonctionnement.

"La pièce est une reconnaissance et un hommage sincère, en mon nom et au nom de l'équipe de Vhils Studio", partage Vhils, "à tous ceux qui sont en première ligne, de la pandémie actuelle et des soins de santé quotidiens, pour l'importance qu'ils tenir dans la vie de chacun de nous. C'est une louange pour le courage, le dévouement et l'altruisme avec lesquels ils mettent leur vie en danger pour défendre la nôtre. »

Le regroupement de portraits crée non seulement une ligne de front visuelle, mais parle également du travail d'équipe et de la camaraderie que l'on retrouve à l'hôpital. Ce beau symbole se trouve à l'entrée principale de l'hôpital, comme un accueil chaleureux à ceux qui entrent dans un souhait qu'ils trouvent le confort sous la garde de ces travailleurs.

L'artiste de rue Vhils a créé une fresque impressionnante célébrant les travailleurs de la santé devant un hôpital de Porto, au Portugal.

Hommage aux travailleurs de la santé par Vhils à l'hôpital au PortugalPeinture murale de Vhils à l'hôpital universitaire de Porto, PortugalPortrait de travailleurs de santé de première ligne pendant le coronavirus par Vhils

En utilisant sa technique de signature, Vhils a ciselé et percé leurs portraits dans un mur.

L'artiste de rue Vhils travaille sur une peinture murale à l'hôpital de PortoL'artiste de rue Vhils travaille sur une peinture murale à l'hôpital de PortoL'artiste de rue Vhils travaille sur une peinture murale à l'hôpital de Porto

La fresque est un hommage au dévouement des agents de santé nationaux du Portugal, en particulier pendant la pandémie.

Peinture murale pour les travailleurs de la santé au Centro Hospitalar Universitário de São João, Portugal par VhilsPeinture murale pour les travailleurs de la santé au Centro Hospitalar Universitário de São João, Portugal par VhilsPeinture murale pour les travailleurs de la santé au Centro Hospitalar Universitário de São João, Portugal par Vhils

Vhils: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Expanding Roots. My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Vhils.

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Un artiste crée des portraits de Noirs tués par la police, une minute de couleur pour chaque année de vie [Interview]

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

George Floyd. 46 ans, 46 minutes de couleur

L'artiste Adrian Brandon crée un travail qui se concentre sur l'expérience des Noirs. Bien qu'une partie de cela soit centrée sur «la joie, la fanfaronnade et l'amour uniques» qui sont partagés dans la communauté, Brandon utilise également ses talents pour pleurer les Noirs qui ont été tués par la police. Grâce à sa série en cours intitulée Volé, Brandon dessine les portraits des nombreux hommes, femmes et enfants dont la vie a été tragiquement écourtée. Leurs ressemblances sont d'abord rendues au crayon, puis l'artiste basé à Brooklyn utilise des marqueurs pour colorer le portrait des années où il était en vie, dans lequel un an équivaut à une minute de couleur.

George Floyd, dont la mort a déclenché l'indignation et les protestations du monde entier, a été décompté à partir de 46 minutes. D'autres victimes n'ont qu'une fraction de ce temps; Tamir Rice n'avait que 12 ans à sa mort, ce qui n'a donné à Brandon que le temps de colorer le centre de son visage.

Les portraits incomplets nous obligent à contempler ce qui a été perdu dans la mort de ces individus. Ils sont des rappels puissants et dévastateurs que ces personnes ne fêteront pas un autre anniversaire ou ne participeront pas aux étapes importantes de la vie, de la fin des études au mariage. «Ce vide représente des trous dans leurs familles et dans notre communauté», explique Brandon, «qui restera à jamais coincé avec la question,« qui devenaient-ils? »

Nous avons parlé avec Brandon Volé et le rôle que la création artistique a dans l'expression de notre humanité. Faites défiler vers le bas pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Adrian Brandon Portrait Art

Tamir Rice. 12 ans, 12 minutes de couleur

Quel est votre parcours artistique?

En famille, nous avons utilisé l'art comme un moyen de montrer l'amour et de se célébrer. Chaque fête des mères et des pères comprenait des menus faits à la main pour le brunch. J'ai dormi sur un lit superposé décoré de peintures et de poèmes de ma mère, illustrant un monde dans lequel mes frères et sœurs et moi avons mangé des crêpes toute la journée sur la planète FILA. Nous avons joué GI Joes dans une pièce avec des portes couvertes de peintures murales de notre père nous soulevant et nous portant sur ses épaules, et j'ai mangé des céréales Wheaties sur un tabouret peint à la main personnalisé pour moi, chaque matin. Avec cela étant ma fondation pour la créativité, le dessin a toujours été quelque chose que j'ai aimé.

Adrian Brandon Portrait Art

Sandra Bland. 28 ans, 28 minutes de couleur

Adrian Brandon Portrait Art

Breonna Taylor. 26 ans, 26 minutes de couleur

Comment avez-vous découvert le dessin et le portrait?

À l'école, j'étais l'enfant en classe remplissant les marges de chaque page avec des gribouillis, créant des années de mon meilleur art sur du papier de cahier ligné. Au lycée, bien que le sport soit mon objectif parascolaire principal, j'avais un professeur d'art nommé April Ferry qui voyait plus en moi qu'un simple athlète. J'ai continué à faire de l'art au Pitzer College où j'ai appris comment mon art peut déclencher une véritable conversation sur les injustices dans le monde, et ce n'est qu'en 2017 que j'ai commencé à me concentrer sur le portrait. Cette année-là, pour le Mois de l'histoire des Noirs, j'ai souligné les chefs noirs qui sont vivants et qui enrichissent la culture noire aujourd'hui: l'histoire des Noirs en devenir. Je me suis appris à peindre avec des marqueurs et suis tombé amoureux de la profondeur que je pouvais atteindre en superposant et en mélangeant les couleurs.

Adrian Brandon Portrait Art

Eric Garner. 43 ans, 43 minutes de couleur

Adrian Brandon Portrait Art

Ryan Twyman. 24 ans, 24 minutes de couleur

Comment avez-vous trouvé le concept – reliant le temps et la couleur – pour le Volé séries?

En tant qu’homme noir dans la société actuelle, la peur de la violence policière contre la communauté noire est toujours présente dans mon esprit. Un feu arrière cassé, un chandail à capuchon ou simplement jouer avec des amis peut entraîner la fin de notre vie. Fin 2018, Jemel Roberson venait d'être tué et son histoire était fraîche dans mon esprit; il n'avait qu'un an de plus que moi quand sa vie a été volée. J'avais besoin d'un moyen de montrer combien de vies de Noirs sont enlevées par la police parce que les hashtags ne fonctionnaient pas. Un jour, alors que je travaillais sur une commande d'un Noir de 92 ans décédé (de causes naturelles), j'ai partagé le travail en cours avec ma copine. Nous avons parlé de la beauté étrange de la pièce, même si elle n'était pas complète, de la façon dont l'espace vide suscitait des questions. Je pense souvent en travaillant sur les commissions des défunts: comment étaient-ils? Comment se sont-ils comportés dans le monde? Comment sont-ils morts? J'ai réfléchi à la chance qu'il avait de vivre une longue vie et à la façon dont on ne donne pas autant de temps à tous les Noirs. Avec tout cela à l'esprit, Volé est né.

Vous regarder ajouter de la couleur à vos portraits pendant une courte période ajoute un autre niveau d'émotion à cette série. À quoi cela ressemble-t-il de travailler de cette façon, sachant ce que signifient les minutes?

C'est stressant et c'est lourd. J'ai commencé le Série volée en février 2019, et après plusieurs mois, j'ai dû m'en éloigner et me donner de la place pour pleurer. Chaque fois que je commence à colorier une nouvelle pièce, il y a un sentiment de panique. Je veux tellement colorer autant que je peux… pour finir cet œil, aller jusqu'aux lèvres. Lorsque le chronomètre se déclenche, il y a de la colère, une profonde tristesse et un sentiment de désespoir. Le fait que tant de personnes résonnent avec ces portraits m'a donné beaucoup plus d'espoir. Les gens de toutes les couleurs de peau ressentent le même désespoir que je ressens lorsque je les crée, et la reconnaissance de cette perte est si importante que nous nous battons pour le changement. Certains membres de la famille m'ont également contacté et m'ont remercié d'avoir créé un portrait de leur bien-aimé; pour garder leur nom et leur histoire en vie. Cela a fait une telle différence dans mes sentiments lorsque je crée de nouveaux portraits. Honorer ces vies est si important pour moi. Donc, alors que la création de ces portraits me pèse émotionnellement, je trouve la paix dans le fait que je passe du temps avec eux et que j'apprenne leurs histoires. Je suis conscient que la douleur que je ressens ne ressemble en rien à la douleur ressentie par les familles, et je suis honoré d'honorer ces vies volées et d'utiliser mes compétences pour amplifier leurs histoires.

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

Aiyana Stanley-Jones. 7 ans, 7 minutes de couleur

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

Botham Jean. 26 ans, 26 minutes de couleur

Dans ces portraits, l'espace non coloré a tellement de sens. Que signifie le vide pour vous?

Le vide symbolise l'inconnu. Toutes les questions auxquelles sont confrontés leurs proches. Tous les jalons et célébrations qui ne seront jamais atteints. Il représente le trou laissé dans le cœur de leurs communautés. L'envie de plus. La douloureuse vérité que leur histoire était inachevée.

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

Rekia Boyd. 22 ans, 22 minutes de couleur

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

Philando Castile. 32 ans, 32 minutes de couleur

Vous avez dit que vous vous sentiez pressé de créer ces pièces, sachant que le temps presse. Comment est-ce lié à l'expérience plus large des Noirs?

Stress. Anxiété. Peur. Ce sont des sentiments bien trop familiers pour les Noirs aux États-Unis, et l'histoire en a fait autant. Le temporisateur représente l'incertitude; le caractère aléatoire avec lequel les Noirs vivent chaque jour – ne pas savoir si c'est le jour où quelque chose que vous faites, dites ou portez pourrait mettre fin à votre vie. Pour les parents, c'est la crainte que votre fille ne joue sa musique trop fort en dehors du 7-11, ou que votre fils ne prenne son portefeuille lorsque la police le tire au lieu de garder les mains sur le volant comme vous l'avez appris. Ces craintes sont si réelles et si répandues pour les familles noires. Des transgressions mineures peuvent coûter une vie. Nous sommes épuisés.

Adrian Brandon Portrait Art

Akai Gurley. 28 ans, 28 minutes de couleur

Quel type de réponse avez-vous reçu de Volé jusque là?

Jusqu'à présent, les gens ont été incroyablement réceptifs aux Volé. Beaucoup de gens utilisent la série comme moyen d'entamer une conversation sur le mouvement Black Lives Matter avec leurs pairs. Les professeurs d'art se sont adressés au monde entier pour exprimer leur enthousiasme à utiliser la série dans leurs programmes d'études en se concentrant sur l'art comme outil de changement. Des inconnus m'ont vraiment ouvert sur les réactions viscérales qu'ils ont ressenties. En ce moment, nous voyons beaucoup de contenu sur les médias sociaux sur les injustices qui nécessitent de l'attention, et cette série fait exactement cela, mais dans un langage visuel unique et d'une simplicité déchirante.

En novembre 2019, j'ai présenté Volé à ma première exposition d'art solo à New York. Étaient présents les membres de la famille d'Akai Gurley, un homme noir non armé qui a été tué dans une cage d'escalier à Brooklyn en 2014. J'ai colorié sa pièce pendant 28 minutes. J'ai été profondément ému par la conversation que j'ai eue avec sa famille. Ils ont exprimé leur gratitude pour la série et à quel point c'était agréable de voir d'autres personnes penser à Akai. C'est ce que la série est pour moi, pour montrer aux familles que leurs proches ne sont pas oubliés et pour faire prendre conscience des points communs qui lient toutes ces vies.

Adrian Brandon Portrait Art

Tony McDade. 38 ans, 38 minutes de couleur

Quel rôle pensez-vous que la création artistique joue dans l'expression de notre humanité?

L'art a la capacité de nous entraîner à travers les sentiments et les émotions. Il nous invite à être vulnérables et peut transcender la politique et les lignes de parti, nous donnant une portée plus universelle. L'art parle au cœur et maintient notre humanité à l'avant. Compte tenu du combat qui nous attend, c'est important. Nous ne pouvons pas perdre de vue qu’il s’agit de vies humaines. Bien sûr, les politiques et les systèmes doivent changer. C’est extrêmement important. Mais ce n'est pas seulement une révolution à mener par les décideurs et les législateurs. Ce combat concerne la vie humaine et l'art nous aide à nous en souvenir.

En plus de Volé, vous avez d'autres séries d'œuvres dont Brooklyn Windows, qui concerne COVID-19. Sur quoi d'autre travaillez-vous actuellement et qu'avez-vous prévu pour l'avenir?

En ce moment, je me concentre principalement sur Volé. Je cherche des moyens d'avoir Volé expérimenté en personne, car il détient beaucoup plus de pouvoir lorsque vous êtes confronté à un mur de visages regardant le spectateur. Mon émission de l'année dernière l'a prouvé et malheureusement, il y a déjà eu tellement de vies supplémentaires ajoutées à la série.

Quand je ne crée pas de pièces pour Volé, Je crée un travail qui célèbre la culture noire. Les Noirs sont inondés d'images de la douleur, de la souffrance et de la perte des Noirs, et je veux contrer cela avec des rappels que notre peau est quelque chose à célébrer. Que notre amour est puissant. Que nos durags ne sont vraiment que des capes de super-héros.

Adrian Brandon Portrait Art

Atatiana Jefferson. 28 ans, 28 minutes de couleur

Adrian Brandon: site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Adrian Brandon.

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La Liberté guidant le peuple

Eugène Delacroix, «La liberté guidant le peuple», 1830 (détail)

En 1830, l'artiste français Eugène Delacroix décrit un nouveau projet ambitieux dans une lettre à son frère. "J'ai entrepris un sujet moderne, une barricade, et même si je n'ai peut-être pas combattu pour mon pays, au moins j'aurai peint pour elle", écrit-il. "Il a rétabli ma bonne humeur." Ce travail en cours deviendrait La Liberté guidant le peuple, une peinture à grande échelle représentant un sujet privilégié par les artistes avant-gardistes: révolution.

S'étendant sur le pays, la culture et le temps, l'art inspiré par la révolution – un soulèvement destiné à renverser un gouvernement ou un système social – n'a pas de limites. Ici, nous explorons une collection d’œuvres suscitées par ce sujet politiquement chargé, avec le chef-d’œuvre monumental de Delacroix en tête.

Découvrez comment les révolutions du monde entier ont déclenché l'art pendant des siècles.

La Liberté guidant le peuple par Eugène Delacroix

La Liberté guidant le peuple

Eugène Delacroix, «La liberté guidant le peuple», 1830 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Le 14 juillet 1789, un groupe de révolutionnaires envahit la Bastille, une forteresse médiévale devenue prison d'État à Paris, pour protester contre la monarchie française. Connu sous le nom de prise de la Bastille, cet événement violent a déclenché la Révolution française, une période de troubles politiques et sociaux. Alors que la Révolution française s'est déroulée sur une période de dix ans, les tensions se sont répandues au XIXe siècle, comme La Liberté guidant le peuple.

La Liberté guidant le peuple représente l’interprétation allégorique de Delacroix de la Révolution de juillet, un conflit qui a eu lieu les 27, 28 et 29 juillet 1830. Situé dans les rues de Paris (la cathédrale Notre-Dame peut être vue au loin enfumée), le tableau représente une femme conduisant des révolutionnaires à la victoire. Tenant triomphalement le drapeau tricolore (le drapeau rouge, blanc et bleu des révolutionnaires et, plus tard, de la France) et arborant une casquette phrygienne (un chapeau historiquement porté par les esclaves affranchis), cette figure symbolique serait une ancienne version de Marianne , personnification de la République française.

Delacroix vivait à Paris à l'époque, lui permettant de vivre le chaos de première main. «Trois jours au milieu des coups de feu et des balles, car il y avait des combats tout autour», écrivait-il en 1830. «Une simple poussette comme moi courait le même risque d'arrêter une balle que les héros impromptus qui avançaient sur l'ennemi avec des morceaux de fer fixés à manches à balai.

Le soulèvement par Honoré Daumier

Le soulèvement

Honoré Daumier, «Le soulèvement», 1848 ou version ultérieure (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

La révolution de juillet ne serait pas la dernière fois que les rues françaises seraient pleines de «combats tout autour». En 1848, le pays a connu une série de révolutions qui ont vu le roi Louis-Philippe corrompu – qui a accédé au pouvoir à la suite de la révolution de juillet – renversé.

Honoré Daumier, un artiste français connu pour ses caricatures, documente la Révolution de 1848 dans Le soulèvement, une peinture à l'huile habilitante décrite par le collectionneur Duncan Phillips comme un «symbole de toute indignation humaine refoulée». Alors que Delacroix – un peintre romantique connu pour ses peintures pleines d'action – a capturé le drame épique de la Révolution française, Daumier l'a approché d'un lieu d'introspection. "Le regard est tourné vers l'intérieur", a déclaré l'historien de l'art français Henri Focillon. "L'émeutier est possédé par un rêve auquel il assemble la foule."

Washington traversant le Delaware par Emanuel Leutze

Washington traversant le Delaware

Emanuel Leutze, «Washington traversant le Delaware», 1851 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Avant que la Révolution de 1789 ne déclenche une série de bouleversements en France, une autre rébellion majeure avait pris forme à travers le monde. De 1775 à 1783, les 13 colonies originales des États-Unis se sont battues pour l'indépendance de la domination britannique dans le la révolution américaine, un événement relaté par Emanuel Leutze dans Washington traversant le Delaware.

Achevé en 1851, ce grand tableau dépeint un moment charnière de l'histoire américaine: l'attaque surprise réussie de George Washington contre les Hessois, les troupes allemandes combattant pour les Britanniques, à Trenton, New Jersey, le 25 décembre 1776. Dans l'œuvre de Leutze, Washington est montré conduisant héroïquement une armée de 2400 hommes à travers la rivière glacée, capturant le drame accru de ce moment historique. «Sans la détermination, la résilience et le leadership dont Washington a fait preuve lors de la traversée de la rivière Delaware, la victoire à Trenton n'aurait pas été possible», explique Mount Vernon, le domaine devenu monument historique national de Washington.

Le 3 mai 1808 (Exécution des défenseurs de Madrid) par Francisco Goya

3 mai 1808

Francisco Goya, «Le 3 mai», 1808 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Contrairement à Delacroix, Daumier et Leutze, l'artiste espagnol Francisco Goya n'a pas glorifié une révolution. En réalité, Le 3 mai 1808 (Exécution des défenseurs de Madrid), l'une des peintures les plus radicales de Goya, révèle la sombre réalité de la résistance. Le 3 mai 1808 rend hommage aux civils espagnols qui ont perdu la vie en se battant pour libérer leurs dirigeants et leur pays pendant la Guerre péninsulaire. Commandée par le gouvernement espagnol et achevée en 1808, la même année que le soulèvement, cette peinture graphique capture le moment où les soldats français ont ouvert le feu sur des captifs sans défense.

Considéré à la fois comme un vieux maître et comme un ancêtre de l'art moderne, l'ensemble de l'œuvre de Goya est largement considéré comme «révolutionnaire». Cependant, selon le célèbre historien de l'art britannique et directeur du musée Kenneth Clark, Le 3 mai 1808 va plus loin dans ce descripteur, car il «peut être qualifié de révolutionnaire dans tous les sens du terme, dans le style, le sujet et l'intention».

Nouvelle planète par Konstantin Yuon

Nouvelle planète

Konstantin Yuon, «Nouvelle planète», 1921 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Rivaliser avec le drame de Le 3 mai 1808 est Nouvelle planète, une conception théâtrale du peintre symboliste russe Konstantin Yuon. Destinée à orner un rideau de scène, cette peinture propose une interprétation hors du commun de la Révolution d'octobre, une insurrection cataclysmique dirigée par le Parti bolchevik. Se produisant au plus fort de la Révolution russe, un mouvement déclenché par une série de pertes russes pendant la Première Guerre mondiale, la révolution d'octobre a abouti à un gouvernement provisoire renversé et à l'établissement de Moscou en tant que nouvelle capitale du pays – changements qui, pour Yuon, ont tourné La Russie dans une «nouvelle planète».

L'arsenal par Diego Rivera

Peinture murale d'Arsenal

Diego Rivera, «L'Arsenal», 1928 (Photo: Wikimedia Commons (Fair Use))

Moins d'une décennie après que Yuon ait achevé sa vision cosmique de la révolution, le muraliste mexicain Diego Rivera a peint L'arsenal, une fresque trouvée à la Cour des fêtes de Mexico. Cette pièce à grande échelle intègre deux influences clés sur le travail de l'artiste: Frida Kahlo, collègue peintre (et future épouse de Rivera), et révolution mexicaine.

À partir de 1911, la révolution mexicaine a été une crise politique déclenchée par le mépris croissant de la classe ouvrière pour la politique élitiste du président. Alors que la Révolution a officiellement pris fin en 1917 avec la constitution du Mexique, les combats ont duré dans les années 1920, culminant en plus d'un million de vies perdues. Terminé à la fin du mouvement, L'arsenal présente le front et le centre de Kahlo alors qu'elle distribue des armes aux ouvriers devenus soldats. Au-dessus des figures se trouve une bannière sur laquelle sont inscrits des paroles de «Así será la Revolución Proletaria» («Ainsi sera la révolution prolétarienne») a corrido, ou ballade mexicaine, par Rivera.

«Son las voces del obrero rudo lo que puede darles mi laúd» («Ce sont les voix du travailleur brut que mon luth peut leur donner»), indique la bannière.

Cercle d'animaux / têtes de zodiaque par Ai Weiwei

Cercle d'animaux / têtes de zodiaque

Ai Weiwei, «Circle of Animals / Zodiac Heads», 2010 (Photo: Photos de Pabkov / Shutterstock)

Aujourd'hui, les artistes contemporains continuent de s'inspirer de la révolution. Dans Cercle d'animaux / têtes de zodiaque, L'artiste chinois Ai Weiwei tente de remédier aux résultats désastreux de la Grande révolution culturelle prolétarienne, une période de mort et de destruction.

La révolution culturelle a éclaté en 1966, lorsque Mao Zedong a cherché à renforcer son contrôle sur le parti communiste. En plus d'une économie effondrée et d'un nombre de morts probable dans les millions, cette révolution a abouti à la destruction de la culture matérielle de la Chine, déclenchant une nouvelle appréciation pour ses artefacts survivants.

Pour Ai Weiwei, cela comprenait la célèbre fontaine du zodiaque au palais Yuanming Yuan à Pékin, un «site populaire pour des artistes comme Ai pour peindre et dessiner». Orné d'une douzaine de têtes d'animaux, ce luminaire à eau du XVIIIe siècle a servi d'inspiration pour Cercle d'animaux / têtes de zodiaque, une installation sculpturale qui, en plus de réagir contre le cœur de la Révolution culturelle, est elle-même révolutionnaire.

«Mon travail est toujours prêt à l'emploi», a-t-il déclaré. «Cela peut être culturel, politique ou social, et aussi cela peut être de l'art – inciter les gens à revoir ce que nous avons fait, sa position d'origine, pour créer de nouvelles possibilités. Je veux toujours que les gens soient confus, choqués ou réalisent quelque chose plus tard. Mais au début, cela doit plaire aux gens. »

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Adorable hamster vit une existence humaine dans de charmantes aquarelles

Illustrations de hamster par GOTTE

Créé par GOTTE

Parfois, les meilleures muses artistiques viennent dans de petits paquets câlins. Pour l'artiste GOTTE, un hamster attachant nommé Sukeroku est la star de leurs illustrations. Sukeroku est peut-être peu, mais l'adorable protagoniste a gagné un grand succès pour ses histoires relatables.

GOTTE dessine le hamster en peluche dans une myriade d'activités différentes. Beaucoup sont par ailleurs ordinaires et le font manger des collations, essayer des vêtements et faire de l'exercice. D'autres illustrations sont délicieusement particulières. Sur une image, Sukeroku marche à côté de mannequins de magasin aux longues jambes. Un autre lui montre qu'il perd le contrôle d'un véhicule Segway. Parfois, GOTTE dessine le personnage mignon dans des scènes plus ludiques, comme poser à côté d'un ours en peluche ou s'habiller avec un costume de la garde royale britannique. Mais le plus souvent, le héros flou peut être vu en train de glisser une bouchée rapide sur l'une de ses joues rondes.

Bien que les hamsters dans la vraie vie soient déjà attachants pour les yeux, GOTTE accentue la gentillesse de Sukeroku avec une palette aquarelle douce et des lignes délicates. Les yeux noirs brillants et l'expression du contenu du personnage sont immédiatement adorables, et vous ne pouvez pas vous empêcher d'encourager le hamster alors qu'il dégringole à travers les petites épreuves et les tribulations de la vie. Étant donné que GOTTE conserve les illustrations fantaisistes minimalistes avec des arrière-plans clairsemés ou blancs, l'histoire de Sukeroku se lit comme un livre d'images fluide. Aucun mot n'est nécessaire pour tomber amoureux du charmant petit personnage.

Faites défiler vers le bas pour voir des illustrations plus fantaisistes de Sukeroku par GOTTE, et suivez l'artiste sur Instagram et Twitter pour se tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste GOTTE présente un adorable protagoniste de hamster dans une série d'illustrations relatables.

Illustrations de hamster par GOTTE

Créé par GOTTE

Illustrations de hamster par GOTTE

Créé par GOTTE

Illustrations de hamster par GOTTE

Créé par GOTTE

L'adorable protagoniste s'appelle Sukeroku, et il est représenté participant à différentes aventures «humaines».

Illustrations de hamster par GOTTE

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Illustrations de hamster par GOTTE

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Illustrations de hamster par GOTTE

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Travailler, grignoter des collations et essayer des vêtements ne sont que quelques-unes des activités que Sukeroku aime.

Illustrations de hamster par GOTTE

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Créé par GOTTECréé par GOTTE

Illustrations de hamster par GOTTE

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Peintures de la nature par An Jung-hwan

L'artiste coréen An Jung-hwan crée des peintures hyperréalistes qui ressemblent à des portails dans des paysages vivants. Sa technique minutieusement méticuleuse rend l'écorce des arbres texturée, la lumière du soleil tachetée et l'herbe verte luxuriante aussi parfaite qu'une photographie. Chaque scène de nature est si séduisante dans sa clarté qu'elle vous invite à regarder de plus près.

Né en 1978, Jung-hwan a reçu son éducation formelle en peinture à l'Université Keimyung à Daegu, en Corée du Sud. Là, l'artiste a concentré sa pratique créative sur les paysages pétroliers à grande échelle. "(La nature) offre de nombreux avantages à l'humanité, tels que l'air frais et pur, (a) la brise fraîche … le soleil chaud et l'eau claire … et la tranquillité immergée dans le silence", explique Jung-hwan sur sa page Facebook. Son œuvre ne contient aucune trace de vie humaine, choisissant plutôt de mettre en valeur la splendeur de l'environnement, intact et prospère.

L'artiste s'inspire de la diversité des paysages de la Corée du Sud, notamment des forêts boisées, des prairies vallonnées et des montagnes escarpées. Pour atteindre le niveau élevé d'hyperréalisme pour lequel il est connu, Jung-hwan passe de nombreuses semaines et d'innombrables heures à travailler sur une seule peinture. Un examen plus attentif de l'une de ses toiles révèle son application scrupuleuse de la peinture pour rendre ses sujets si naturellement. En conséquence, chacun de ses paysages chante avec un esprit réaliste.

Les superbes peintures de paysages de Jung-hwan ont été exposées en Corée et en Asie. Faites défiler vers le bas pour voir plus de son travail et suivez le peintre sur Instagram et Facebook pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste coréen An Jung-hwan crée de magnifiques peintures hyperréalistes.

Peintures de la nature par An Jung-hwan

L'inspiration de Jung-hwan vient de son environnement naturel.

Peintures de la nature par An Jung-hwan

Il dépeint diverses scènes de paysage avec des détails impeccables.

Peintures de la nature par An Jung-hwan

Chacun semble avoir pu être photographié.

Peintures de la nature par An Jung-hwan Peintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwan

Regardez cette vidéo pour un aperçu du processus de peinture de Jung-hwan.

Un Jung-hwan: Facebook | Instagram | Picuki

Toutes les images via An Jung-hwan.

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Ancienne chaussure scythique préservée pendant 2300 ans découverte dans les montagnes de l'Altaï

Chaussure scythique ancienne

L'attrait des objets anciens a intrigué les historiens et les historiens de l'art, mais les archéologues rencontrent rarement des vestiges séculaires qui ont survécu à des milliers d'années dans un état presque neuf. Récemment, une botte pour femme, aux motifs finement éblouis, a été découverte dans les montagnes de l'Altaï en Sibérie aux côtés d'autres trouvailles importantes, notamment des bijoux, de la nourriture et des armes. Cette superbe chaussure aurait 2300 ans et dispose d'une semelle élaborée en cuir rouge doux et d'un design géométrique cousu avec des cristaux de pyrite et des perles noires.

Les anciens Scythes étaient un peuple nomade qui traversait le continent eurasien. On pense que l'emplacement de la chaussure dans les montagnes de l'Altaï est l'un des monticules funéraires du Scythian, qui représente de nombreux autres objets et vêtements trouvés près de la botte. Comme d'autres civilisations anciennes, il était de coutume pour ces nomades d'enterrer leurs morts avec des éléments essentiels pour les aider à voyager dans l'au-delà. Les Scythes construisaient généralement des structures en bois en forme de cabane au fond du sol pour abriter leurs morts, où chaque corps était placé à l'intérieur d'un cercueil en rondins rempli de leurs biens. Cette préparation scrupuleuse ainsi que le pergélisol des montagnes de l'Altaï ont préservé la botte pendant des siècles.

Les perles exquises sur la semelle de la chaussure en cuir ont suscité beaucoup de curiosité et de spéculation en ligne. Selon les historiens, les Scythes socialisaient souvent devant un feu lorsqu'ils étaient assis sur leurs genoux, de sorte que les détails sur le bas des chaussures seraient visibles pour les autres, et donc un aspect important de la tenue vestimentaire d'une personne. Certains théoriciens proposent que la botte ait été faite exclusivement pour l'enterrement, ce qui expliquerait l'état immaculé de la semelle.

Cette chaussure spectaculaire fait maintenant partie de la collection d'objets anciens du Musée d'État de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, en Russie.

Une ancienne chaussure scythique datant de 2300 ans a été découverte dans les montagnes de l'Altaï.

Carte de l'ancienne Scythie

Étendue approximative de la Scythie au 1er siècle avant notre ère. (Photo: Dbachmann via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Ce chausson en cuir rouge exquis montre des perles immaculées sur la semelle qui est restée préservée pendant des siècles.

Archives du musée: Twitter
Musée de l'Ermitage: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Culture ouverte)

Images via Twitter Museum Archive.

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Un menuisier fabrique des meubles «cassés» incroyables qui semblent appartenir à un dessin animé

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L'artisan Henk Verhoeff donne vie aux dessins animés à travers ses incroyables projets de menuiserie. Les pièces arborent des silhouettes exagérées avec des fissures géantes façonnées au centre d'entre elles, et les résultats semblent appartenir à un film de Disney ou de Looney Tunes. Mieux encore, ces pièces sont toutes complètement fonctionnelles. Cela rend leur construction «endommagée irréparable» encore plus incroyable, car elle montre que le plaisir et la fonction peuvent aller de pair.

Verhoeff fabrique des pièces en bois depuis 53 ans, d'abord en tant que professionnel et maintenant en tant que retraité. Il est clair que le médium est sa passion et un moyen d’exprimer sa créativité. Et maintenant, avec plus de temps à disposition, il est capable de produire tout ce que son imagination lui propose, peu importe à quel point il peut être loufoque. Cela l'a amené à faire des choses comme ajouter de l'éclairage, ce qui donne à ses commodes l'apparence d'avoir été frappées par la foudre.

Le menuisier néo-zélandais commence ses pièces sans aucun plan de construction détaillé, mais il est méticuleux pendant le processus de construction. Il recommence parfois si les détails ou les angles ne sont pas corrects, et il ajoute un vernis protecteur comme touche finale. Tout compte fait, chaque pièce peut prendre de 80 à 100 heures

Verhoeff vend occasionnellement ses incroyables meubles sur eBay. Suivez-le sur Facebook pour voir ce qui est disponible ensuite.

L'artisan Henk Verhoeff donne vie aux dessins animés en créant d'incroyables projets de menuiserie avec un délicieux sens de l'humour.

Projet de menuiserie de dessin animéProjet de menuiserie de dessin animé

En plus d’être amusants à regarder, ils sont également fonctionnels.

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Des photos de rêve couleur bonbon capturent la magnifique magie de Marrakech

Photos de Marrakech par Helene Havard

La photographe de voyage basée en Polynésie française Helene Havard est connue pour ses images de rêve aux couleurs pastel de lieux qui semblent tout droit sortis d'un film de Wes Anderson. Des rues de La Havane à la ville couleur bonbon de San Francisco, elle capture l'atmosphère unique de chaque endroit qu'elle visite, et son dernier voyage photo ne fait pas exception. Elle a récemment voyagé à Marrakech, où elle a capturé la magie mystérieuse de la ville marocaine exotique.

«Malgré le fait que je vivais en France depuis de nombreuses années, je n'ai jamais eu la chance de voyager en Afrique», explique Havard. «J'ai attendu de vivre de l'autre côté de mon pays natal pour visiter cet endroit incroyable lors d'un voyage en Europe.» Des marchés de rue animés aux palais et jardins bordés de palmiers, Havard a exploré les diverses rues de Marrakech «au hasard» pour capturer ses photos. «Le Maroc est exotique, alléchant et incroyablement beau», se souvient-elle. «Un régal pour les sens et surtout pour les yeux. J'ai adoré cet endroit pour la sensation mystérieuse qui l'irradie. »

Également connue sous le nom de ville rouge, Marrakech est connue pour sa palette de couleurs vibrantes, et Havard utilise sa licence artistique pour intensifier les teintes de rêve. En convertissant numériquement les couleurs naturelles de la ville en teintes pastel, elle fait ressortir l'atmosphère cinématographique de Marrakech, où l'aventure vous attend à chaque coin de rue.

Faites défiler vers le bas pour découvrir Havard's Marrakech série et trouver plus de son portefeuille sur son site Web.

La photographe de voyage Helene Havard a capturé la magie de Marrakech dans une série de photos de rêve aux couleurs pastel.

Photos de Marrakech par Helene HavardPhotos de Marrakech par Helene HavardPhotos de Marrakech par Helene HavardPhotos de Marrakech par Helene Havard

Ses images atmosphériques semblent tout droit sorties d’un film de Wes Anderson.

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Les bébés hiboux dorment face cachée parce que leurs têtes sont trop lourdes

Si vous ne pouviez pas imaginer de chouettes bébés plus mignonnes, il s’avère qu’elles le peuvent. Réfléchissez une seconde – avez-vous déjà pensé à la façon dont les créatures font une sieste? Nous savons que les hiboux adultes dorment debout, mais les hiboux ne peuvent pas encore le faire car leur tête est trop lourde. Donc, jusqu'à ce qu'ils deviennent assez gros pour faire une sieste assis, les petits oiseaux ont une solution alternative; ils se couchent sur le ventre et tournent la tête sur le côté avant de dériver vers le pays des rêves.

Miraculeusement, les jeunes chouettes font tout cela en se reposant sur une branche d'arbre. Et ils ne tombent pas, en partie grâce à la force de leur orteil appelé l'hallux. L'hallux attache la créature à la branche et il ne bougera pas tant que la chouette ne pliera pas sa jambe.

Le journaliste Mark Rees a récemment fait sa propre découverte de la façon dont les chouettes dorment. Dans un tweet maintenant viral, il a partagé une photo d'une chouette qui fait la sieste comme on pourrait imaginer un humain – sur le ventre et totalement conk out. Pour voir plus de cette vue adorable, faites défiler vers le bas.

Les chouettes (chouettes) dorment à plat ventre, et c'est adorable.

Pris cette mignonne en train de faire une sieste dans r / Superbowl

Chouettes endormiesChevêchette barrée endormieSleeping-_OwletChouette hurlante - j'aime juste dormir sur mon ventreChouettes endormies

Les hiboux ne dorment pas très longtemps et, lorsqu'ils se réveillent, ils ressemblent à beaucoup d'entre nous.

Chouette lapone

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L'artiste crée une broderie «Couronne» à double cercle avec de belles illustrations botaniques

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

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L'artiste textile Jessica Long confectionne des motifs botaniques impeccables sur de magnifiques cerceaux doubles. Chacune de ses créations en forme de couronne contient son propre arrangement unique de fleurs, de feuilles, de branches et parfois d'oiseaux.

Longue a repris l'art de la broderie à la main lorsqu'elle était en congé de maternité. L'artiste avait récemment déménagé à Washington, et la plupart de ses fournitures d'art étaient toujours en stock, alors elle a commencé à acheter des kits de broderie sur Etsy. Longtemps tombée amoureuse de la tridimensionnalité et de la texture du médium, elle a continué à développer ses compétences en créant ses propres motifs originaux. Ce projet passionné s'est finalement transformé en une petite entreprise, où l'artiste de broderie vend des kits tout compris basés sur ses créations.

Les motifs botaniques somptueux jouent un grand rôle dans la pratique de la broderie de Long. Son amour de la vie naturelle découle en fait de son diplôme en biologie. Ce qui fait vraiment ressortir son art, c'est le deuxième cerceau qu'elle ajoute au centre de son tissu. Avant de commencer le processus de broderie, Long lie le tissu choisi à deux cercles de tailles différentes, en plaçant le plus petit au centre. Puis, après avoir brodé son motif floral, elle coupe le tissu inutilisé du centre et colle les pièces restantes à l'arrière du cadre central. En conséquence, ses illustrations botaniques vibrantes sont transformées en couronnes fantaisistes brodées.

Vous pouvez acheter les kits de broderie, les motifs et les fournitures de l'artiste via Long's Etsy, et vous tenir au courant de ses dernières créations en la suivant sur Instagram.

L'artiste Jessica Long crée une broderie exquise à double cercle.

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

Elle place un cerceau plus petit au centre d'un cerceau plus grand et brode en cercle.

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

Ensuite, elle coupe le tissu inutilisé et le colle à l'arrière du cadre central.

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

Regardez ces vidéos pour en savoir plus sur le processus de double cercle de Long.

Jessica Long: Site Web | Etsy | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jessica Long.

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Des portraits inspirés de contes de fées réinventent les princesses Disney en tant que jeunes filles noires majestueuses

Les princesses Disney repensées

«Princess Amethyst», inspiré de Raiponce

Grâce à un effort de collaboration entre la maquilleuse et coiffeuse LaChanda Gatson et CreativeSoul Photography, les princesses Disney ont été magnifiquement repensées en tant que jeunes filles noires. Appelé avec justesse Série Princess, les superbes portraits présentent des filles composées de la tête aux pieds pour capturer l'essence de personnages comme Blanche-Neige et Ariel. Mais Gaston, qui a également fourni une direction créative, a donné aux sujets leur propre style et référence à la culture; leurs tenues sont complètes avec de magnifiques accessoires et des robes de style couture qui sont plus éblouissantes que les personnages auxquels ils font référence.

le Série Princess a été créée dans le but d'inspirer «plus de filles dans le monde à commencer à se considérer comme des princesses royales». Gaston a créé le concept il y a de nombreuses années – quand elle était enfant, en fait. "L'idée a été développée très tôt dans l'enfance à partir du manque constant de représentation des enfants noirs dans presque toutes les formes de médias où les enfants jouent un rôle important", dit-elle à My Modern Met. "Même si j'adorais regarder et lire des contes de fées et de la fantaisie, je réimaginais souvent ces personnages plus liés à moi et à ma culture."

«Ces princesses ont été repensées à partir d'une collection de princesses fictives et de contes de fées mondiaux», explique Gaston, «que j'ai appris à aimer tout au long de mes années. Je les ai réinventés en tant que royauté urbaine noire. J'ai choisi une équipe de créateurs noirs talentueux et j'ai créé le changement que je voulais voir. »

En fin de compte, Gaston espère que la série saisissante contribuera à inspirer le changement. «J'espère que cette série n'est que le début d'opportunités infinies pour l'inclusion et plus de créativité noire dans la fantaisie. Continuons à avoir une conversation et comprenons que nos enfants comptent aussi. »

CreativeSoul Photography vend les portraits sous forme de tirages. Ils sont désormais disponibles sur leur site Web.

La maquilleuse et coiffeuse LaChanda Gatson et CreativeSoul Photography ont collaboré à une magnifique série de portraits dans lesquels les princesses Disney sont repensées en tant que jeunes filles noires.

Princesses Disney noires

«Princess Rose Quartz», inspiré de la princesse Aurora de «Sleeping Beauty»

Princesses Disney noires

«Princess Onyx», inspirée de Pocahontas

Les princesses Disney repensées

«Princess Emerald», inspiré de Tiana de «La princesse et la grenouille»

Les princesses Disney repensées

«Princess Garnet», inspiré de Blanche-Neige

Les princesses Disney repensées

«Princess Jade», inspirée de Cendrillon

Les princesses Disney repensées

«Princess Moonstone», inspiré par Elsa de «Frozen»

Les princesses Disney repensées

«Princess Diamond», inspiré par Anna de «Frozen»

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«Princess Obsidian», inspiré par Shuri de «Black Panther»

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«Princess Citrine», inspirée de Belle de «Beauty and the Beast»

Princesses Disney noires

"Princess Tigers Eye", inspiré de Nala de "The Lion King"

Princesses Disney noires

«Princess Turquoise», inspiré de Jasmine de «Aladdin»

Les princesses Disney repensées

«Princess Amber», inspirée de Moana

Les princesses Disney repensées

«Princess Aquamarine», inspiré par Ariel de «La petite sirène»

CreativeSoul Photography: Site Web | Facebook | Instagram
LaChanda Gaston: Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de CreativeSoul Photography.

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Une carte illustrée à la main incroyablement détaillée vous donne un aperçu complexe des collections du MET

Carte illustrée de John Kerschaum du MET

Photo: Metropolitan Museum of Art

C'est pratiquement une tradition du Metropolitan Museum of Art pour que les visiteurs se perdent dans les profondeurs du bâtiment massif des Beaux-Arts tout en essayant de s'imprégner du dixième des collections exposées. John Kerschbaum a entrepris une tâche tout aussi intimidante en 2004 pour illustrer une carte condensée, mais non moins détaillée, des expositions du MET à l'intention des visiteurs. Le diplômé de la Parsons School of Design était un choix parfait étant donné sa familiarité avec la ville et son amour de parcourir les galeries du MET. Afin de lancer cette demande presque inhumaine, Kerschbaum a reçu cinquante pièces importantes qui étaient exposées en permanence par chacun des chefs de département afin de l'aider à guider sa poursuite.

«L'un des plus grands défis était de suivre le musée lui-même. Chaque fois que j'ai visité, c'était différent de ma précédente visite », explique l'illustratrice. S'inspirant d'une affiche de 1976 de Manhattan par l'artiste Tony Graham, la carte fantaisiste et colorée qui a été achevée en 2007 a depuis humouré les visiteurs. Commençant par l'aile égyptienne dans le coin inférieur droit, et s'étendant pour inclure des sites comme des armures médiévales, des portraits de la Renaissance et des sculptures grecques, le Où est Waldo? la compacité du guide comporte une chasse au trésor cachée le long de ses frontières.

Section de la carte de John Kerschbaum du MET

Photo: Metropolitan Museum of Art

Bien que certaines parties de la carte soient devenues obsolètes car le musée a ajouté et supprimé des expositions et des pièces au cours des années, le guide reste un choix populaire pour les personnes qui visitent l'institution. Kerschbaum suggère de rechercher «la galerie la plus vide» pour vous donner la chance d’absorber vraiment les pièces que vous voyez. "Peu importe combien de fois je pourrais finir dans la même galerie peu fréquentée, je ne manque jamais de trouver quelque chose de nouveau ou quelque chose que j'ai raté la dernière fois que j'ai visité."

Bien que le MET soit actuellement fermé en raison de la réglementation sur la sécurité des coronavirus, vous pouvez utiliser cette carte pour commencer à préparer votre prochaine visite lors de sa réouverture et obtenir un aperçu des autres visiteurs qui essaient également de voir que Degas, Monet ou Van Gogh, tu meurs d'envie de rendre visite en personne.

Laissez l'illustration colorée de John Kerschbaum du Metropolitan Museum of Art vous guider à travers ses expositions.

Carte illustrée de John Kerschaum du MET

Photo: Metropolitan Museum of Art

John Kerschbaum: site Web | Twitter |
Le Metropolitan Museum of Art: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Culture ouverte)

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L'opéra de Barcelone s'ouvre avec un concert pour un public de 2 292 plantes

Concert pour les plantes au Gran Teatre del Liceu de Barcelone

L'opéra de Barcelone a célébré sa réouverture au public depuis que la pandémie de coronavirus a bloqué le monde, mais leur soirée d'ouverture a eu un public inhabituel. Pour son premier concert, le théâtre a renoncé à la foule habituelle et a plutôt rempli la maison de plantes. Oui c'est correct. Les 2 292 sièges du Gran Teatre Liceu étaient occupés par des plantes vertes feuillues.

L'idée a été conçue par l'artiste conceptuel Eugenio Ampudia et a été diffusée en direct sur le site Web du théâtre. Ces ficus porte-bonheur, ces palmiers et ces fromages suisses – qui ont été importés par des pépinières locales – ont eu le plaisir d'entendre Crisantemi interprété par le quatuor à cordes UceLi Quartet.

Ampudia espère que le travail inspirera les gens à réfléchir plus profondément à leur relation avec la nature et au concept de durabilité. «Nous sommes à la fin d'une époque et cela signifie que nous devons changer certains paradigmes», partage-t-il. "Nous ne vivons pas dans le même monde qu'il y a 90 jours, et cela signifie que nous devons réfléchir à tout ce que nous faisons."

Comme les plantes peuvent réagir aux différentes vibrations provoquées par la musique, elles n'étaient certainement pas un public passif – même si elles n'étaient pas en mesure de donner des applaudissements. Maintenant que le concert est terminé, chaque usine sera donnée à un travailleur de la santé de première ligne différent qui a aidé à guider le pays dans sa lutte contre le coronavirus.

Le concert émouvant est une continuation de la mission du Liceu de créer un dialogue entre la musique et les arts visuels. Des photos et une vidéo de la performance prise par Ampudia feront désormais partie de La Caixa collection d'art contemporain.

Le Gran Teatre di Liceu a rouvert ses portes avec un concert spécial donné à 2 292 plantes.

Concert pour les plantes au Gran Teatre del Liceu de BarceloneVue aérienne du public végétal à l'Opéra de BarceloneMusiciens jouant un concert de plantes au Gran Teatre Liceu BarcelonaConcert pour les plantes au Gran Teatre del Liceu de Barcelone

Regardez un quatuor à cordes jouer dans une maison remplie de plantes à l'opéra de Barcelone.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=rgvadprJFRc (/ incorporé)

Gran Teatre del Liceu: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Gran Teatre del Liceu.

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Star Wars Fan Crafts Flaming TIE Fighter Fire Pit avec un mini barbecue

Star Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon Gould

Habituellement, lorsqu'un TIE fighter est en feu, ce n'est probablement pas une bonne nouvelle pour la flotte impériale. Cependant, pour cette réplique en acier du véhicule spatial fabriqué par l'artisan Simon Gould (de Simon Bonce Designs), ses flammes ne signifient que de bonnes choses. Cet accessoire de jardin parfait pour tout Guerres des étoiles fanatique est en fait un foyer et un barbecue miniature.

Gould a été inspiré pour fabriquer son foyer TIE fighter lorsqu'il a découvert des conceptions similaires sur les réseaux sociaux. Après avoir fait son premier, il a commencé à fabriquer toute une flotte de foyers d'incendie, prêts pour l'action cet été. «Je conçois et fabrique certaines des choses les plus folles imaginables dans mon atelier.» dit l'artisan. "Je fais ça depuis un moment et je pense maintenant qu'il est temps de montrer au monde ce que je peux faire."

Le design de Gould est parfait pour les fans de science-fiction qui aiment passer les nuits d'été à l'extérieur. Si vous voulez le vôtre, vous pouvez contacter l'artiste sur Facebook pour faire une commande personnalisée.

L'artisan Simon Gould (de Simon Bonce Designs) a créé un foyer inspiré d'un Guerres des étoiles TIE Fighter.

Star Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon Gould

En fait, il en a fait toute une flotte!

Star Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon GouldStar Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon GouldStar Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon GouldStar Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon Gould

La conception comporte même une grille de barbecue miniature sur le dessus.

Dessins Simon Gould / Simonbonce: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Simon Gould / Simonbonce Designs.

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Comment les émeutes de Stonewall ont changé l'histoire pour toujours

Stonewall Inn

Photo: Photos de Massimo Salesi / Shutterstock

Chaque mois de juin, la communauté LGBTQIA + sort en force pour faire entendre sa voix. Mois de la fierté est un moment de célébration et un temps d'activisme. Et alors que tant de victoires importantes ont été remportées par la communauté gay au cours des dernières décennies, il n'y a pas si longtemps, les choses étaient très différentes. Pourtant, une nuit a déclenché un incendie qui allait changer le cours de l'histoire. Merci au 1969 Émeutes de Stonewall, une communauté s'est réunie et une nouvelle vague d'activisme s'est installée qui allait propulser le changement.

Souvent appelé Rébellion de Stonewall ou la Soulèvement de Stonewall, les événements qui ont eu lieu le 28 juin 1969 allaient changer la façon dont la communauté gay était traitée aux États-Unis. Marre du harcèlement et des abus des forces de l'ordre, un groupe s'est réuni à New York pour faire entendre sa voix. Fatigués de demander pacifiquement le changement, ils se sont regroupés et ont pris des mesures pour arranger les choses.

Ce qui s'est passé ce soir-là à Greenwich Village au Stonewall Inn, un petit bar gay de Christopher Street, a eu des répercussions qui se font encore sentir aujourd'hui. Chaque homosexuel qui aime vivre sa vérité sans avoir à se cacher peut remercier les hommes et les femmes qui se sont mis en danger pour montrer qu’ils n’allaient pas se retirer et être maltraités.

Voyons ce qui a mené à la rébellion de Stonewall et comment elle a changé l'histoire américaine afin de comprendre à la fois le chemin parcouru et le chemin qu'il nous reste à parcourir.

Signe de coeur formé avec les mains avec des drapeaux de la fierté gay en arrière-plan

Photo: Photos de lazyllama / Shutterstock

La communauté gay dans les années 1960 à New York

Dans les années 1960, l'homosexualité était toujours répertoriée comme un trouble mental par l'American Psychiatric Association et de nombreuses personnes perdaient leur emploi si elles étaient soupçonnées d'être homosexuelles. Après la Seconde Guerre mondiale, le gouvernement américain considérait l'homosexualité comme un acte de perversion et que ces personnes, qui n'étaient pas «normales», pouvaient poser un risque pour la sécurité.

Les forces de l'ordre ont tenu des listes d'homosexuels et leurs activités ont été suivies. Il était courant de balayer les quartiers de la ville pour les débarrasser des homosexuels. À New York, Greenwich Village et Harlem étaient les plaques tournantes de grandes communautés gaies et lesbiennes actives. Les descentes de police étaient courantes dans la ville, en particulier avant l’Exposition universelle de 1964, lorsque le maire s’inquiétait de l’image de la ville. Des permis d'alcool pour les bars gays ont été retirés et des agents d'infiltration ont cherché à piéger des hommes gays afin qu'ils puissent être accusés de sollicitation.

Les choses se sont quelque peu calmées après 1965, lorsqu'un premier groupe de défense des droits des homosexuels – le Société Mattachine– a fait campagne auprès du nouveau maire de la ville pour mettre fin au piégeage. Pourtant, les membres de la communauté étaient souvent harcelés. Cela a fait des bars gays l'un des rares refuges sûrs où les gens pouvaient sortir, se détendre et rencontrer d'autres personnes partageant les mêmes idées.

Mais, même au bar gay, tout n'était pas comme il semblait. Aucun de ces bars n'appartenait à des homosexuels. Ils appartenaient presque tous à des membres de la mafia, qui pouvaient retirer des permis d'alcool et payer la police afin que leur clientèle puisse se mêler en paix. Dans le cas où il y avait des descentes, les propriétaires étaient généralement prévenus et ils se produisaient souvent au début de la nuit quand il y avait peu de clients. De cette façon, ils pourraient continuer à gagner pour le reste de la nuit. L'inconvénient était que les boissons étaient souvent diluées et trop chères et le personnel était souvent maltraité.

Lorsque des raids ont eu lieu, des personnes ont été alignées contre un mur et ont demandé à présenter une pièce d'identité. Quiconque avait une pièce d'identité qui ne correspondait pas à son sexe actuel a été immédiatement arrêté. Cela incluait des femmes qui ne portaient pas au moins trois vêtements «convenablement féminins», des drag queens et des hommes et femmes trans.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=tCFwOJcMjM0 (/ intégré)

"Pourquoi vous ne faites pas quelque chose?"

Le samedi 28 juin 1969, les affaires se sont déroulées comme d'habitude au Stonewall Inn. Les employés ne se souviennent pas d'avoir été avertis d'une descente de police, alors quand quatre officiers en civil, deux bureaux de patrouille, un détective et un inspecteur adjoint sont entrés à 1 h 20 du matin et ont déclaré qu'ils tenaient le bar, c'était un surprise pour tout le monde.

Plus tôt dans la soirée, quatre agents d'infiltration – deux hommes et deux femmes – étaient entrés dans le bar pour recueillir des preuves visuelles et une fois le signe donné, tout le monde est entré. Les lumières étaient allumées et les 205 clients du bar étaient pris dans la confusion. La police ayant barré les portes, il n'y avait aucune issue.

Les officiers ont essayé de suivre la procédure habituelle de ces raids – demandez à tout le monde de se mettre en file dans les chambres en fonction de leur sexe et de leur pièce d'identité. Mais cette fois, les choses ne se sont pas passées comme prévu. La clientèle de Stonewall ne montrait aucun signe de coopération – des hommes vêtus de traînée refusaient d’accompagner les policiers et beaucoup refusaient de présenter une pièce d’identité.

Maria Ritter, une femme trans dont la famille la connaissait encore comme un homme, était au bar et se souvient de son inquiétude. «Ma plus grande crainte était de me faire arrêter. Ma deuxième plus grande crainte était que ma photo soit publiée dans un journal ou sur un reportage télévisé dans la robe de ma mère! "

Finalement, la police a séparé toutes les personnes vêtues de vêtements non conformes à leur sexe dans une autre pièce et a décidé d'amener tout le monde au poste. D'autres clients étaient libres de partir, mais au lieu de se disperser tranquillement, ils se rassemblèrent à l'extérieur du bar. Beaucoup ont appelé des amis pour les informer de ce qui se passait et la foule s'est agrandie.

Émeutes à Stonewall et Storme DeLarverie

À gauche: Stonewall Inn en 1969 (Photo: Diana Davies, copyright détenue par la Bibliothèque publique de New York (CC BY-SA)) | À droite: Stormé DeLarverie (Photo: Wikipedia)

La police était souvent énergique avec la foule, mais de nombreux clients ont commencé à se produire devant la police en posant et en faisant des mouvements exagérés. Cela a été acclamé par la foule, qui n'a fait que gonfler la foule. Chants de «Gay Power!» a traversé la foule et une pointe d'hostilité a pris le dessus.

La foule a jeté des bouteilles de bière sur le chariot de patrouille et a encouragé une drag queen alors qu'elle frappait un officier au-dessus de la tête avec son sac à main après avoir été poussé. Le point de basculement est survenu lorsqu'une femme menottée, souvent identifiée comme l'artiste lesbienne Stormé DeLarverie, a été frappée à la tête avec une matraque lorsqu'elle s'est plainte que ses attaches étaient trop serrées. Après s'être échappée à plusieurs reprises et se bagarrer avec les officiers, elle a crié à la foule: "Pourquoi ne faites-vous rien?"

C'est à ce moment que la violence a éclaté, la foule s'avançant vers la police. Surpassés en nombre par 500 à 600 personnes, ils ont été contraints de se barricader dans le bar par sécurité. Des briques ont été lancées et des fenêtres ont été brisées, le bar ayant finalement été incendié.

Le soulèvement s'est poursuivi pendant les cinq jours suivants comme une réponse spontanée à l'indignation qui se développait dans la communauté depuis des années en raison de la discrimination et des mauvais traitements.

Michael Fader, qui était à Stonewall ce soir-là, explique ce qui a conduit aux émeutes:

«Nous avions tous un sentiment collectif comme si nous en avions assez de ce genre de merde. Ce n'était pas quelque chose de tangible que quelqu'un ait dit à quelqu'un d'autre, c'était juste un peu comme si tout au fil des ans avait touché la tête cette nuit-là au même endroit, et ce n'était pas une manifestation organisée… Tout le monde dans la foule sentait que nous n'allions jamais revenir en arrière. C'était comme la dernière goutte. Il était temps de récupérer quelque chose qui nous avait toujours été enlevé… Toutes sortes de gens, toutes les différentes raisons, mais surtout c'était l'indignation totale, la colère, le chagrin, tout combiné, et tout ce qui suivait son cours. Ce sont les policiers qui ont fait la majeure partie de la destruction. Nous essayions vraiment de rentrer et de nous libérer. Et nous sentions que nous avions enfin la liberté, ou la liberté de montrer au moins que nous réclamions la liberté. Nous n'allions pas marcher doucement dans la nuit et les laisser nous bousculer – c'est comme se tenir debout pour la première fois et d'une manière très forte, et c'est ce qui a surpris la police par surprise. Il y avait quelque chose dans l'air, la liberté attendue depuis longtemps, et nous allons nous battre pour cela. Cela a pris différentes formes, mais en fin de compte, nous n'allions pas partir. Et nous ne l'avons pas fait. "

Drapeau de la fierté célébrant le Stonewall Inn

Photo: Photos de Christopher Penler / Shutterstock

Pourquoi le Stonewall Inn?

De nombreux bars gays ont dû faire face à des raids inattendus pendant cette période, alors qu'est-ce qui a rendu le Stonewall Inn si spécial? Pour vraiment comprendre, il faut regarder le contexte de l'époque. Pendant cette période, la communauté LGBTQIA + était très divisée. De nombreux bars gays n'autorisaient pas les lesbiennes, les reines, les hommes trop efféminés ou les clients trans par leurs portes. Certains bars étaient également tout simplement trop chers pour ceux qui n'avaient pas de revenus solides. Stonewall était différent.

Plus qu'un simple bar, c'était la pierre de touche pour les membres marginalisés de la communauté. "Les" drags "et les" reines ", deux groupes qui trouveraient une réception froide ou une porte barrée dans la plupart des autres bars et clubs gays, ont formé les" habitués "au Stonewall", se souvient Dick Leitsch, journaliste et cadre supérieur. directeur de la Mattachine Society. "Dans une large mesure, le club était pour eux … Mis à part le Goldbug et le One Two Three, les" drags "et les" reines "n'avaient d'autre place que le Stonewall."

Leitsch souligne que Stonewall s'adressait également à une grande partie, mais souvent ignorée, de la population gay de New York – les jeunes hommes sans-abri. Avec autant de personnes expulsées de leurs maisons après la révélation de leur homosexualité, des jeunes hommes se sont précipités en masse dans la ville. De 16 à 25 ans, ils sont arrivés sans argent, sans emploi ni toit au-dessus de leur tête. Pour seulement 3 $, n'importe qui peut entrer à Stonewall pour la nuit et prendre deux boissons. Ces jeunes mendieraient pendant la journée pour gagner leur argent d'admission et passeraient ensuite la soirée dans la sécurité et la chaleur de Stonewall.

Dans ce contexte, il est facile de voir pourquoi le Stonewall Inn était bien plus qu'un bar pour cette communauté. Et il est également facile de voir pourquoi ces membres de la population négligés avaient suffisamment de frustration accumulée pour prendre position.

Premier défilé de la fierté à New York

Défilé du jour de la libération de Christopher Street, 1970. (Photo: Kay Tobin via NYPL)

L'impact de la rébellion de Stonewall

La rébellion de Stonewall a été un tournant pour la communauté gay, non seulement à New York et aux États-Unis, mais à l'échelle internationale. Par la suite, un nouveau sens de l'activisme s'est installé, plus radical. Des groupes de défense des droits des homosexuels comme la Mattachine Society et le Filles de Bilitis existait depuis les années 50 mais avait une approche plus douce. Non seulement ils ont délibérément utilisé des noms vagues pour masquer leur véritable objectif, mais ils s'adressaient spécifiquement aux homosexuels ou aux lesbiennes sans jamais se mélanger.

Stonewall a suscité la solidarité au sein de la communauté et, pour la première fois, des associations mixtes gays, lesbiennes et personnes trans ont été formées. le Front de libération gay (GLF) et Alliance des activistes gays (GAA) étaient deux groupes créés à la suite de l'insurrection de Stonewall qui ont placé leur front et centre queerness dans leurs noms.

En plus d'organiser des manifestations publiques, les membres de ces groupes organiseraient des confrontations avec des politiciens dans des forums publics. Cela a nécessité que les politiciens soient mis au courant des problèmes auxquels la communauté gay est confrontée et donnent leurs réponses publiquement, souvent à la caméra. Ceci, associé à des perturbations des réunions publiques, a repoussé les limites de l'acceptation de la part de l'établissement et a contribué à établir une tendance de politiques non discriminatoires à partir des années 1970.

La rébellion de Stonewall a également donné naissance à Mois de la fierté. Le 28 juin 1970 a été nommé Journée de libération de la rue Christopher pour marquer le premier anniversaire de la rébellion de Stonewall. Il y avait une grande assemblée par le Stonewall Inn, ainsi que des marches simultanées à Chicago et Los Angeles. Ce seront les premières marches de la Gay Pride aux États-Unis.

Les marcheurs de New York couvriraient 15 pâtés de maisons, agitant des bannières et portant des pancartes pour montrer leur fierté. The Village Voice a rapporté la scène, l'appelant «la résistance extérieure qui est née du raid de la police sur le Stonewall Inn il y a un an».

New York Pride 2019

New York Pride Parade 2019. (Photo: Photos de Ryan Rahman / Shutterstock)

L'année suivante, des marches ont eu lieu dans d'autres villes américaines comme Boston, Dallas et Milwaukee. Il y a également eu des marches internationales à Berlin, Paris, Londres et Stockholm. Alors que l'activisme gay a continué de croître dans les années qui ont suivi Stonewall, il est devenu clair que cet événement était un moment galvanisant dans la lutte pour les droits des homosexuels.

Cela n'a été renforcé que par l'inscription du Stonewall Inn au registre national des lieux historiques en 1999 et la désignation par le président Obama du site comme monument national en 2016.

La rébellion de Stonewall marque un tournant dans l'histoire américaine et le mouvement des droits des homosexuels. Déclenché par l'indignation, il a fait pencher la balance et a appelé une communauté à l'action en les regroupant et en luttant contre la discrimination.

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La restauration de la peinture a mal tourné la Vierge Marie en un «morceau déformé»

La restauration de tableaux centenaires est essentielle à la préservation du patrimoine culturel. Mais parfois, ceux qui sont chargés de réparer une œuvre d'art n'enlèvent pas seulement des couches de saleté et de crasse. Parfois, ils finissent par ruiner un tableau en le défigurant au-delà de la reconnaissance. Ce type de botching a fait les gros titres au fil des ans, l'exemple le plus notable étant celui d'une paroissienne espagnole du nom de Cecilia Giménez qui s'est essayée à la fixation d'une peinture fanée de Jésus-Christ accrochée dans son église. Ce qui en a résulté n'a pas été une réparation fidèle, mais un tableau si non identifiable qu'il a valu les surnoms de «Bête Jésus» et «Singe Christ».

Une autre restauration maladroite, également en Espagne, a récemment été mise au jour. Une copie du tableau Immaculée Conception de Los Venerables par l'artiste baroque Bartolomé Esteban Murillo a été endommagé au-delà de la reconnaissance quand un collectionneur d'art privé a payé un restaurateur de meubles pour le nettoyer. Semblable à «Bête Jésus», le tableau a commencé comme un rendu réaliste de la Vierge Marie, mais a finalement été transformé, en deux tentatives distinctes, en un «morceau déformé» d'une personne. Maintenant, c'est le sujet du ridicule et un autre exemple douloureux de la raison pour laquelle les restaurateurs d'art professionnels rendent un service vital quand il s'agit de maintenir la culture historique.

Cet incident a incité des experts de la conservation en Espagne à encourager un resserrement des lois qui régissent les personnes pouvant effectuer ces services. Ils exhortent le gouvernement à limiter les restaurations aux restaurateurs formés qui prendront soin de s'assurer qu'ils aident à maintenir ces œuvres d'art au lieu de les endommager à jamais.

h / t: (Le gardien)

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Le Getty Museum Challenge a pris le monde d'assaut. Pendant la quarantaine COVID-19, lorsque les institutions culturelles ont été (et beaucoup sont toujours) fermées, le projet d'art à domicile a inspiré les gens à recréer des peintures emblématiques avec des choses qu'ils ont sous la main. Cette activité anti-ennui plait autant aux enfants qu'aux adultes, y compris aux résidents de la communauté des personnes âgées Amenida à Surrey, en Colombie-Britannique, au Canada. Ils ont accepté le Getty Museum Challenge et l'ont bercé en se déguisant en peintures de Paul Gauguin, Pierre Renoir, Mary Cassatt, etc.

Karen Schaefer est la directrice des loisirs chez Amenida et a eu l'idée d'essayer le projet après avoir vu à quel point la pandémie était angoissante pour les aînés de son complexe. Étant dans un groupe à haut risque, ils ont besoin d'isoler et n'ont pas autorisé les visiteurs depuis mars.

Schaefer a lancé le Getty Museum Challenge en imprimant une demi-douzaine de portraits et en les donnant à la communauté. Les résidents sont ensuite allés à la chasse pour trouver des accessoires, qui comprenaient tout, de l'abat-jour aux fausses fleurs en passant par du papier improvisé dans le cadre d'une robe. Bien que ce ne soit pas la même chose que d'être dans le monde, l'activité aide à garder le moral.

"Ce qui m'a vraiment touché, c'est qu'ils demandent:" Vais-je être sur Facebook? Allez-vous envoyer les photos à ma fille ou à mon amie par courrier électronique? », Explique Schaefer. "Ou ils diront:" Je dois appeler ma sœur, ma fille, mon frère pour les en informer. ""

Des personnes âgées de la communauté des aînés d'Amenida à Surrey, en Colombie-Britannique, au Canada, ont relevé le populaire défi Getty Museum.

Défi du musée Getty

«Portrait de Luise Halbe dans un chapeau de paille», par Lovis Corinth, 1898 | Sel d'Eunice

Défi du musée Getty

«Enfant au chapeau de paille», par Mary Cassatt, 1886 | Trudy Castagner

Défi du musée Getty

«Dame à la table de thé», Mary Cassatt, 1883 | Dorothy Weijer

Les résidents ont recréé des portraits célèbres à l'aide de matériaux qu'ils avaient sous la main.

Défi du musée Getty

Artiste impressionniste inconnu, vers 1880 | Kathie Stanley

Défi du musée Getty

«Femme à la mangue» de Paul Gauguin, 1892 | Florence Grewal

Défi du musée Getty

«Portrait avec un tournesol», Anthony van Dyke, 1632 | Jim Cullina

Défi du musée Getty

Portrait d'une femme de la dynastie Joseon 1392–1910, artiste non identifié, ca. 1920 – 40 | Young Ok Yang

Défi du musée Getty

«Moine au vin», artiste inconnu, vers 1900 | Jim Smith

Défi du musée Getty

«Kim Eun-ho», Miindo, 1935, encre et couleur sur soie | Chong Soon Jung

Défi du musée Getty

«Portrait d'une fille avec un chien blanc», par John Russell, 1790 | Brenda Hawkes et son chien, Ellie

Défi du musée Getty

Artiste non identifié | Jung Ja Lee

Défi du musée Getty

«Autoportrait» de Sesshū Tōyō, 1495 | Tadashi Horii

Défi du musée Getty

«Portrait d'une jeune femme» d'Isaac Israels, 1920 | Dorothy Hannah

Défi du musée Getty

«Jeune fille au chapeau de paille» de Pierre Renoir, 1884 | Margaret Beaver

Défi du musée Getty

«Reine Marie de Roumanie» de Philip de Laszlo, 1924 | Ursula Fraatz

Communauté des aînés d'Amenida: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de la communauté des personnes âgées Amenida.

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David Weiller capture le motif des yeux des tigres sur les ailes de la pyrale de Brahmain

Lors d’une des nombreuses expéditions de David Weiller dans la forêt tropicale, il a été attiré comme un papillon de nuit par une flamme vers un papillon de nuit endormi de Brahmaea Hearseyi occupant un tronc d'arbre à proximité. «Ce fut une trouvaille chanceuse car elle a été attirée la nuit par la lumière de mon bungalow», explique le photographe animalier. Qu'est-ce qui rend ce papillon de nuit si différent des autres? Eh bien, ses ailes ressemblent à une paire d'yeux de tigre.

«Quand j'ai vu (le Brahmin Moth), fraîchement éclos et avec ses motifs frappants, j'ai été tellement surpris. Après l'avoir observé voler un moment autour de la lumière, il s'est installé pour la nuit sur un tronc d'arbre à proximité », explique Weiller. «Le lendemain matin, à l'aube, il était toujours assis tranquillement au même endroit. J'ai installé mon trépied, mon appareil photo et mon objectif macro, et j'ai commencé à prendre quelques photos et vidéos de celui-ci se réchauffant lentement en battant des ailes. Quelques minutes plus tard, le soleil s'est levé et s'est envolé vers le ciel bleu. »

Weiller a dû se rendre à Bornéo pour trouver ces papillons à motifs uniques originaires de Birmanie, de l'ouest de la Chine et de l'Himalaya du Nord-Est. Heureusement, ces instants matinaux avant que les insectes colorés n'aient eu la chance de se réchauffer suffisamment les ailes pour voler sont fréquemment documentés et partagés par les photographes passionnés de la faune. La vidéo HD que Weiller a capturée (qui peut être visionnée ci-dessous) vous permet de voir de près les marques du papillon qui ressemblent aux yeux de tigre sous un angle et aux yeux de hiboux du point de vue opposé. Ce camouflage caméléon aide ces grands papillons à se fondre dans la flore ligneuse de leurs habitats d'origine. La vidéo et les photographies de Weiller nous permettent de voyager pour voir les marques uniques de ces papillons en personne sans jamais avoir à monter dans un avion.

Weiller partage son temps entre se reposer en France et voyager dans des endroits exotiques pour capturer la faune locale dans leurs habitats naturels. La première incursion de l’artiste dans la photographie animalière remonte à 2008, lorsque lui et son collègue photographe, Thomas Marent, se sont rendus en Afrique pour prendre des photos du prochain livre de Marent sur les primates. À partir de ce moment, Weiller a consacré son temps libre à partager la faune insaisissable avec le monde. Vous pouvez voir encore plus de photographies de Weiller sur Instagram et suivre ses premiers aperçus de la nature sur YouTube.

Le photographe animalier David Weiller a capturé un superbe papillon brahmane en train de réchauffer ses ailes au petit matin sur film.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=M-nHHrGRKT0 (/ intégré)

Ces papillons sont connus pour la coloration et les motifs uniques sur leurs ailes qui ressemblent à des yeux de tigre.

David Weiller capture le motif des yeux des tigres sur les ailes de la pyrale de Brahmain

De l'angle opposé, on dit qu'ils ressemblent à des hiboux.

David Weiller capture le motif des yeux des tigres sur les ailes de la pyrale de BrahmainDavid Weiller: site Web | Instagram | Twitter | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de David Weiller.

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Restauration de photos par Mario Unger

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Le photographe autrichien Mario Unger a mené une vie éclectique, passant 33 ans en tant que professeur de musique avant de tourner sa passion vers la photographie. Maintenant, il a également développé un ensemble exceptionnel de compétences Photoshop et les met à profit pour restaurer et coloriser de vieilles photographies.

La transition vers la restauration photo était tout à fait naturelle pour Unger. «J'ai trouvé une vieille photographie et j'ai pensé que je devais apprendre à la rendre nouvelle», explique-t-il à My Modern Met. Pour la pratique, il a commencé à se procurer des photographies du domaine public auprès de la Bibliothèque du Congrès et a commencé à perfectionner son art.

Unger se met constamment au défi avec des restaurations difficiles qu'il trouve en ligne et par l'intermédiaire de clients qui lui envoient des souvenirs bien-aimés à réparer. Le travail peut durer de trois à 40 heures selon l'image et le niveau de détail requis.

Non seulement Unger est habile à reconstituer les détails d'une photographie en ruine, mais il applique souvent habilement la couleur. En transformant ces images en noir et blanc d'hier en photographies couleur, il fait le lien entre l'histoire et le présent.

Lorsqu'il ne passe pas son temps à travailler sur des restaurations photo, il travaille sur sa propre photographie. Qu'il s'agisse de macrophotographies d'insectes, d'art numérique surréaliste ou de paysages époustouflants, son travail prouve vraiment qu'il est un homme de tous les métiers.

Le photographe Mario Unger passe des heures à restaurer méticuleusement de vieilles photographies.

Restauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerRestauration de photos par Mario UngerMario Unger: site Web | Facebook | Instagram | 500px | Redbubble

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Mario Unger.

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Art sculpté de fruits et légumes par Takehiro Kishimoto

Des boîtes à bento aux sculptures en radis, transformer la nourriture en art est un passe-temps populaire au Japon. Inspiré par l'art traditionnel de la décoration intérieure du pays (connu sous le nom de mukimono) et la sculpture de fruits thaï, le chef japonais et artiste culinaire Takehiro Kishimoto sculpte des motifs et des motifs complexes dans les fruits et légumes.

L'art de la sculpture de fruits thaï était à l'origine utilisé pour décorer les tables de la famille royale, et impliquait souvent de sculpter des motifs 3D élaborés (tels que des fleurs) dans la chair molle des pommes, des pastèques et plus encore. L'art japonais du mukimono a des centaines d'années et consiste à créer des garnitures décoratives pour les repas. En fusionnant les deux traditions, Kishimoto a développé son propre style hybride, où les produits frais prennent les motifs des deux cultures.

Rendu à l'aide d'une lame tranchante, Kishimoto sculpte méticuleusement ses créations en avocats, pommes, carottes, brocolis et plus encore. Dans certains cas, il transforme des produits frais en fleurs élégantes, tandis que d'autres morceaux de fruits et légumes sont gravés de motifs géométriques inspirés des textiles japonais traditionnels. Chaque chef-d'œuvre comestible met en valeur le talent et la patience incroyables de l'artiste – certaines pièces peuvent prendre plusieurs heures à compléter! Mais qu'advient-il des créations de Kishimoto quand il a fini? Il dit: «Je le sculpte et le mange.»

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des arts culinaires de Kishimoto et découvrez-en plus dans son portfolio sur Instagram.

L'artiste culinaire japonais Takehiro Kishimoto sculpte à la main des motifs complexes dans les fruits et légumes.

Art sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro Kishimoto

Il s’inspire à la fois de la sculpture sur fruits thaïlandaise et de l’art japonais de la décoration décorative, mukimono.

Art sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro Kishimoto

Chaque chef-d'œuvre comestible est rendu à l'aide d'une lame tranchante.

Art sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoArt sculpté de fruits et légumes par Takehiro KishimotoTakehiro Kishimoto: Instagram
h / t: (Colossal)

Toutes les images via Takehiro Kishimoto.

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10 créateurs LGBTQ + sur Etsy Crafting Creative Products Pendant le mois de la fierté et au-delà

LGBTQ + Makers

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Juin est le mois de la fierté. Bien que les événements de cette année, en particulier les marches, soient différents, il y a toujours lieu de se réjouir. C'est le 50e anniversaire de la première Marche des fiertés, et l'esprit du défilé est bien vivant.

La fierté consiste à affirmer les identités et à accroître la visibilité des lesbiennes, des gays, des bisexuels et des transgenres – ceux qui ont été marginalisés et qui ont dit que ce qu’ils étaient n’importe pas. Faire de l'art peut être à la fois thérapeutique et productif, et de nombreux créateurs s'expriment ainsi. Certains vendent ce qu'ils produisent sur Etsy.

Souvent, ces magasins comblent les lacunes où les produits pour les personnes LGBTQ + font défaut. Little Pickle Memories, par exemple, est né après que les mamans Emma et Nat eurent du mal à trouver un livre pour bébé qui représentait fidèlement leur famille. Ce qui a commencé comme un livre est maintenant une gamme de produits qui présentent toutes sortes de familles, des couples de même sexe aux parents seuls.

Faites défiler vers le bas pour aider les créateurs LGBTQ + à produire des produits créatifs à célébrer pendant la fierté et au-delà.

Voici les boutiques Etsy qui aident à soutenir les créateurs LGBTQ +.

Boutique de design de Bianca

LGBTQ + Makers

Photo: Bianca’s Design Shop

Bianca Negron est la personne derrière Bianca’s Design Shop, un fournisseur en ligne de cadeaux LGBTQ +. Des t-shirts aux patchs en passant par les épingles, elle crée des choses qui ont du sens et une joie à regarder.

Dites-le fier

Carte de voeux de fierté

Photo: Dites-le fier

Say It Proud se consacre à la création de «messages positifs et encourageants centrés sur les principaux jalons et événements de la vie LGBTQ +». Leur boutique contient des cartes et des imprimés colorés qui commémorent la chirurgie d'affirmation de genre, l'adoption pour les parents de même sexe, la fierté et bien plus encore.

Sorts GRRRL

Broche émail

Photo: Sorts GRRRL

Si vous aimez l'horreur et l'occulte, vous voudrez peut-être jeter un œil à GRRRL Spells, une marque de vêtements et d'art queer et féministe. Leur stock comprend des épingles, des patchs, des imprimés, des chemises, des chaussettes, etc., le tout avec une touche fantasmagorique.

Junebug et Darlin

Créateurs LGBTQ + Etsy

Photo: Junebug et Darlin

Connus pour leurs «kits de point de croix subversifs pour les fabricants modernes», Junebug et Darlin permettent à tout le monde de coudre. Beaucoup de leurs kits utilisent des mots et des phrases pour transmettre un message progressif.

Little Pickle Memories

Livres pour bébés

Photo: Petits souvenirs de cornichons

Little Pickle Memories a commencé en 2016 après qu'Emma et Nat ont eu du mal à trouver un livre pour bébé qui reflétait leur famille de deux mères. Depuis, ils ont élargi leur seul livre en une gamme de livres et de produits pour tous les types de familles.

Dans nos propres mots

Créateurs LGBTQ + Etsy

Photo: Dans nos propres mots

La boutique Etsy In Our Own Words a été créée après que les propriétaires n'aient pas trouvé de cartes de voeux pour la famille et les amis LGBTQ + qui «n'étaient pas grossières, stupides, sarcastiques ou vulgaires», et ils avaient accumulé une collection de photographies mettant en vedette des hommes, des femmes fiers , et les enfants. Les sentiments présentent ces images comme des cartes pour une variété d'occasions.

Lèvres de fierté

Lèvres de fierté

Photo: Lèvres de fierté

Vous voulez un peu d'éclat lorsque vous êtes en déplacement? Pride Lips a été lancé par Raiden en 2019 comme un moyen d'exercer sa créativité et d'incorporer les influences LGBTQ + dans quelque chose de différent de la marchandise Pride fabriquée en masse. Le brillant coloré est disponible dans une variété de saveurs et de couleurs, y compris un mélange arc-en-ciel.

Sootmegs

Créateurs LGBTQ + Etsy

Photo: Sootmegs

Sootmegs a créé une sélection d'épingles qui aident à dire des choses dont vous pourriez être fatigué de parler ou que vous voulez dire aux gens sans les dire. Appelant les articles «badges fonctionnels», ils ont l'intention de diffuser la sensibilisation pour rendre les jours difficiles plus faciles et l'invisible visible.

Lisa Congdon

Boutique Etsy du mois de la fierté

Photo: Lisa Congdon

L'illustratrice Lisa Congdon utilise son travail – en particulier ses pièces combinant l'art et le lettrage à la main – comme un moyen de transmettre des messages de justice sociale, d'optimisme et d'acceptation. Les articles de sa boutique vont des épingles, des patchs et des cartes aux livres, sacs fourre-tout et au-delà.

Femmebroidery

Créateurs LGBTQ + Etsy

Photo: Femmebroidery

Femmebroidery combine le féminisme et la broderie pour créer des kits et des modèles téléchargeables qui vont des questions de droits de l'homme au changement climatique. Les projets de bricolage sont de niveau débutant avec beaucoup d'instructions.

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De luxueuses piscines géothermiques surplombant l'océan Atlantique s'ouvriront en Islande

Spa géothermique Sky Lagoon Islande

Juste à l'extérieur de Reykjavík, une nouvelle expérience de voyage permettra aux visiteurs de se détendre tout en profitant de l'océan. Lorsque Sky Lagoon sera terminé, le lagon géothermique comprendra une énorme piscine à débordement qui mélange l'environnement à l'Atlantique. Grâce à sa proximité avec la ville et l'océan, il offrira aux clients le meilleur des deux mondes.

«La retraite rajeunissante et relaxante, située dans le contexte dramatique de l'océan Atlantique, pourtant si proche du centre urbain animé de Reykjavík, permettra aux clients de se connecter avec l'esprit, le corps et l'esprit à travers les pouvoirs rayonnants des eaux géothermiques tout en profitant d'une telle impressionnante vue sur l'océan », a déclaré Dagny Petursdottir, directeur général de Sky Lagoon. «Passer du temps à se détendre dans les eaux géothermiques naturelles fait partie intégrante de notre culture ici en Islande. L'oasis multisensorielle du Sky Lagoon présentera une conception à débordement au bord de l'océan en plus des expériences de piscine froide et de sauna.

Sky Lagoon comprendra également un bar en milieu de piscine, des expériences culinaires et des espaces de vente au détail. Pour rester dans la tradition islandaise, plusieurs détails de conception sont un clin d'œil à la culture. Cela comprend les toits en gazon, qui sont une caractéristique typique de l'architecture islandaise.

L'installation est actuellement en construction sous la direction du groupe hôtelier Pursuit. Leur annonce de la Sky Lagoon coïncide avec la décision de l'Islande de rouvrir ses frontières aux voyageurs internationaux après la pandémie de coronavirus. Le lagon géothermique est un point lumineux à envisager dans le futur et promet d'être une nouvelle destination pour se détendre et profiter de la nature islandaise, y compris les aurores boréales.

Le lagon islandais Sky comprendra des piscines géothermiques artificielles surplombant l'océan Atlantique.

Spa géothermique Sky Lagoon IslandeSpa géothermique Sky Lagoon IslandeSpa géothermique Sky Lagoon IslandeSpa géothermique Sky Lagoon IslandeSauna en IslandeSky Lagoon: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sky Lagoon.

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La Vespa électrique réinvente le design emblématique du passé fusionné avec la technologie du futur

Vespa Vintage revisitée

La société indienne de design industriel Mightyseed a réinventé le scooter Vespa classique dans un nouveau concept élégant. Depuis sa première conception dans les années 1940 par Piaggio, le scooter adoré est devenu une icône du design italien. Avec Vespa 98, Mightyseed conserve des touches du passé tout en améliorant le vélo pour les cyclistes d'aujourd'hui.

En étudiant attentivement l'histoire du design de la Vespa, Mightyseed a pu apporter sa perspective unique à la moto tout en respectant le passé. «Le concept ressemble beaucoup plus à une incarnation moderne avec des éléments de style élégants avec des fonctionnalités rationalisées», explique la société. "En un mot, cela ressemble à un scooter moderne avec une sensation rétro."

Un nouveau look audacieux est mis en valeur par le guidon. Courbés et extra-larges, ils donnent le ton au reste du scooter. Conformément à la tradition, le phare à LED est installé dans le garde-boue avant, mais cette fois il est plus compact. Les progrès technologiques signifient qu'aucun rétroviseur n'est nécessaire. Cette Vespa moderne utilise à la place un système lidar.

Tournant vers l'arrière du scooter, la roue du moteur du moyeu a un look plus sportif que l'original. Lorsqu'il est couplé à la bande inclinée qui forme le feu arrière, il est clair que le Vespa 98 le concept se suffit à lui-même. Mightyseed a même conçu pour les voyageurs en créant un grand espace pour ranger des objets dans le ventre du vélo.

Pour compléter les choses, Mightyseed a équipé le scooter d'une batterie au lithium-ion de 30 Ah. Cela rend leur Vespa non seulement belle, mais aussi respectueuse de l'environnement. Bien qu'il ne s'agisse que d'un concept, le Vespa 98 montre les incroyables possibilités de conception obtenues en regardant le passé tout en concevant pour l'avenir.

Cette version réinventée de la Vespa classique a des touches élégantes et modernes.

Revamped Vespa par MightyseedVespa électrique par Mightyseed

C'est même électrique!

Vespa électrique par MightyseedVespa électrique par MightyseedMightyseed: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (designboom)

Toutes les images via Mightyseed.

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Comment le National Endowment for the Arts plaide pour l'avancement artistique depuis 50 ans

Logo Fonds national de dotation pour les arts

Le logo de l'AEN (Photo: L'AEN)

Saviez-vous que Dotation nationale pour les arts plaide pour l'avancement artistique aux États-Unis depuis plus de 50 ans? Visant à rendre l'art accessible à tous, l'agence indépendante facilite les politiques et finance des projets qui permettent aux Américains de tous horizons «de participer aux arts, d'exercer leur imagination et de développer leurs capacités créatives».

Ces dernières années, l'AEN est devenue un sujet de discussion controversé, tant sur le paysage politique que sur la scène de l'art contemporain. Ici, nous examinons de plus près cette agence importante afin d’illustrer les tenants et aboutissants du financement fédéral des arts de l’AEN.

Qu'est-ce que l'AEN?

Fonds national de dotation pour les arts

Constitution Center, où la NEA est basée (Photo: Stock Photos from 010110010101101 / Shutterstock)

Fondée en 1965 et basée à Washington, D.C., la Dotation nationale pour les arts, ou NEA, est une agence indépendante du gouvernement fédéral qui «finance, promeut et renforce» les arts aux États-Unis d'Amérique (y compris les territoires américains).

Le financement

Les particuliers et les organisations peuvent demander des subventions de l'AEN. Le financement octroyé par la NEA va principalement aux organisations à but non lucratif projets– des performances et expositions aux programmes d'éducation artistique – dans une gamme de domaines artistiques, comme le design, les arts médiatiques, la musique, etc. En plus des projets, le soutien financier de l'AEN facilite les arts recherche, spécial initiatives, partenariats (avec les agences étatiques, régionales et fédérales; les organisations philanthropiques; et les personnalités locales), et les réalisations de toute une vie récompenses.

Les distinctions accordées par la NEA sont les suivantes: la National Heritage Fellowship, la plus haute distinction en art populaire; la bourse NEA Jazz Masters pour des musiciens et des experts de jazz exceptionnels; et la National Medal of Arts, qui célèbre ceux qui «méritent une reconnaissance spéciale en raison de leur contribution exceptionnelle à l'excellence, à la croissance, au soutien et à la disponibilité des arts aux États-Unis».

Consultatif

La NEA est dirigée par un président nommé par le Congrès et confirmé par Président. Le président exerce un mandat de quatre ans et est conseillé par le Conseil national des arts, un comité composé de 18 membres choisis par le président et approuvés par le Sénat. Les membres du Conseil national des arts ont un mandat de six ans.

Le président est également conseillé par six membres du Congrès qui «siègent d'office, sans droit de vote, pour un mandat de deux ans». Deux de ces membres du Congrès sont nommés par le Président de la Chambre et deux sont choisis par le leader de la majorité du Sénat. De plus, un membre est choisi par le leader minoritaire de la Chambre et un autre est nommé par le leader minoritaire du Sénat.

Établissement

Lyndon B Johnson

Le président Lyndon B. Johnson prononce une allocution lors de la signature du projet de loi de la National Foundation on the Arts and the Humanities Act. (Photo: Bibliothèque présidentielle LBJ (domaine public))

En 1964, le président Lyndon B. Johnson a promulgué la Bonne société, une série d'initiatives et de programmes politiques destinés à éliminer la pauvreté et à promouvoir l'égalité. Johnson a principalement recherché une réforme sociale par l'éducation, la santé, le logement et d'autres secteurs étroitement liés. Cependant, il voyait également un potentiel stratégique dans les arts.

S'inspirant du Federal Art Project de Franklin Delano Roosevelt – une agence du New Deal qui a recruté plus de 8 millions de personnes pour produire de l'art public qui, à son tour, a stimulé l'économie – Johnson a signé le Loi sur la Fondation nationale des arts et des sciences humaines en septembre 1965. Proposé par le représentant William S. Moorhead de Pennsylvanie et inspiré d'un rapport de 1963 du Commission nationale des sciences humaines, cette législature a créé deux agences indépendantes approuvées par le Congrès: la Dotation nationale pour les arts et Dotation nationale pour les sciences humaines (NEH), qui «soutient la recherche, l'éducation, la préservation et les programmes publics en sciences humaines».

L'AEN aujourd'hui

Bâtiment national de dotation pour les arts

Photo: Photos de Stephen B. Goodwin / Shutterstock

En 1965, l'AEN a affecté 2 898 308 $ en subventions. En 2020, le financement totalise 162 250 000 $, soit seulement 0,003% du budget fédéral. Ces fonds sont répartis sur 2 400 subventions dans chaque district du Congrès, l'accent étant mis sur l'accessibilité. Selon l'agence, 65% des subventions de l'AEN sont allouées aux petites et moyennes organisations; 40% de la programmation existe dans les quartiers très pauvres; et 36% des subventions vont à des organisations au service des «personnes handicapées, des personnes en institution et des anciens combattants».

Grâce aux efforts de l'AEN, il y a eu une «croissance des activités artistiques dans des régions du pays qui étaient auparavant mal desservies ou pas du tout desservies», aboutissant au type d'accessibilité aux arts que les fondateurs du pays envisageaient. "Les arts et les sciences sont essentiels à la prospérité de l'État et à l'ornement et au bonheur de la vie humaine", a déclaré George Washington en 1781, "ils ont une revendication primordiale à l'encouragement de chaque amoureux de son pays et de l'humanité."

Pourtant, l’existence apparemment inaliénable de l’AEN n’a pas été sans défis. Outre les problèmes de censure et les controverses entourant le contenu de ses expositions financées, la NEA a été confrontée à plusieurs menaces d'élimination: d'abord en 1981 sous l'administration Reagan; puis en 1995 par le président de la Chambre, Newt Gingrich; et, enfin, aussi récemment que cette année aux mains de l'administration Trump.

En 2017, 2018, 2019 et 2020, le président Trump a cherché à abolir entièrement la National Endowment for the Arts, la Commission nationale des sciences humaines, l'Institut des services de musée et de bibliothèque et la Corporation for Public Broadcasting. Dans chaque cas, cependant, les deux chambres du Congrès ont nié ses efforts et les agences ont continué à rendre l'art accessible au public, tout comme Washington, Johnson et d'autres présidents l'ont voulu.

"Nous devons soutenir nos artistes et célébrer leur travail", a déclaré le président Obama en 2015, "et faire notre part pour veiller à ce que l'esprit créatif américain qui nous a définis dès le début prospère pour les générations à venir."

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Les adorables outils de cuisine Monster Loch Ness ajoutent une pincée de plaisir à chaque repas

Ustensiles de cuisine Nessie

Ils disent qu'une famille qui mange ensemble reste ensemble. Eh bien, maintenant, vous pouvez faire de chaque repas une affaire de famille avec la gamme d'ustensiles de cuisine inspirés des monstres du Loch Ness par OTOTO! Il y a papa, maman et même un bébé Nessie. Chacun imite la ressemblance à long terme de la créature mythique et est prêt à vous aider à servir des repas légendaires.

Si les pâtes sont au menu, vous feriez mieux d'appeler la cuillère à pâtes Papa Nessie pour obtenir de l'aide. Ce charmant ustensile de cuisine comprend un long cou qui se double d'une poignée et des jambes solides pour saisir la forme de pâtes de votre choix. Après avoir servi le dîner, vous pouvez laisser la cuillère à l'intérieur du pot pour garder vos restes.

Bien que les glucides soient excellents, il est également important de manger votre portion de légumes. Alors que Papa s'occupe des pâtes, la cuillère à passoire Mama Nessie sera la figure maternelle de la cuisine et s'occupera des légumes. Son corps en forme de passoire est idéal pour ramasser du brocoli et du chou-fleur bouillis, et les minuscules perforations de la cuillère draineront tout excès d'eau. De plus, Mama Nessie a quatre pieds robustes pour l'aider à se tenir debout sur le comptoir lorsqu'elle a fini de travailler.

Après le dîner, il est temps de déguster un dessert et une tasse de thé chaud. Heureusement, l'infuseur Baby Nessie Tea n'a aucun problème à plonger dans les profondeurs de votre tasse de thé chaude. Séparez simplement le dessus en silicone du bas et placez votre thé à feuilles mobiles de votre choix à l'intérieur. Ensuite, plongez l'infuseur dans une tasse d'eau chaude et attendez que les feuilles infusent. Étant donné que cet outil est réutilisable et va à l’eau de vaisselle, il vous assurera de vous tenir compagnie dans de nombreux futurs goûter.

Pour ceux qui ne supportent pas de briser la famille, il y a le Nessie Family Kitchen Pack. Cet ensemble de trois comprend la Mama Nessie, la Louche Nessie et Baby Nessie. Chacun d'eux a son propre rôle et, ensemble, rend l'expérience de la cuisine et du repas complète.

Faites défiler vers le bas pour voir des ustensiles de cuisine inspirés par Nessie et rendez-vous sur My Modern Met Store pour acheter des cadeaux de cuisine plus fantaisistes.

Ces ustensiles fantaisistes inspirés du monstre du Loch Ness font des cadeaux de cuisine idéaux!

Cuillère à passoire Mama Nessie

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Cuillère à pâtes Papa Nessie

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Femme transforme Dowdy Thrift Store en robes à la mode

Transformation de friperie

Caitlin Trantham, batteuse et créatrice passionnée, a le don de transformer ses trouvailles de vêtements d'occasion en tenues élégantes. Avec la capacité innée de voir les possibilités d'une robe, elle regarde au-delà des éléments démodés qui font que les autres l'ignorent. Une fois à la maison, elle prend sa machine à coudre pour que sa vision devienne réalité.

«L'année dernière, je me suis vraiment passionnée pour les vêtements vintage», explique Trantham à My Modern Met. «Le style que je voulais était difficile à trouver et cher. Un jour, je suis tombé sur cette merveille du plaid des années 80. Des manches énormes, un col fou – beaucoup de qualités qui décourageraient les gens de l'acheter! » Tout ce qu'elle pouvait penser, cependant, c'était que cela pourrait être incroyable si elle pouvait réparer son faux pas de mode évident. "C'était mon premier flip majeur et depuis lors, je suis obsédé par la découverte du potentiel caché d'un vêtement!"

Mais Trantham n'est pas un débutant dans une machine à coudre. «J'ai commencé à coudre il y a 7 ans», admet-elle, «mais je n'ai fait que du matelassage. Les vêtements étaient effrayants! Personne ne se soucie d'une courtepointe avec des défauts, mais les vêtements avec des défauts ne sont pas aussi bien reçus. » En démontant les vêtements – ce que Trantham appelle des «robes à volants» – elle a pu en apprendre davantage sur la construction de vêtements. "Après avoir lancé les premiers, j'ai commencé à utiliser des patrons, puis j'ai rapidement commencé à dessiner les miens!"

Si vous souhaitez transformer des vêtements d'occasion en tenues entièrement nouvelles, Trantham a une astuce simple. «Commencez juste! Retourner des vêtements est moins cher que d'acheter du tissu et pas aussi douloureux si cela ne fonctionne pas. Commencez à couper, commencez à coudre et ne vous inquiétez pas du nombre de fois où vous devez utiliser le découseur! "

Caitlin Trantham transforme ses trouvailles de vêtements d'occasion en robes à la mode.

Transformation de friperieModification des vêtements des friperiesTransformation de friperieModification des vêtements de friperie

Certaines de ses «robe flips» ont besoin de plus de travail que d'autres…

Modification des vêtements de friperieTransformation de friperieTransformation de friperieTransformation de friperieTransformation de friperie

… Mais chaque pièce est spectaculaire une fois qu'elle a travaillé sa magie.

Transformation de friperieModification des vêtements de friperieModification des vêtements de friperieTransformation de friperieModification des vêtements de friperieCaitlin Trantham: Instagram | TIC Tac

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Caitlin Trantham.

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Un musicien transforme des chansons pop classiques en chansons de couverture de style médiéval

Chansons de couverture médiévales Hildegard von Blingin '

Vous avez probablement entendu des versions acoustiques de vos morceaux préférés, mais avez-vous déjà entendu des reprises de chansons remixées pour sonner comme si elles étaient d'une époque complètement différente? La chanteuse Hildegard von Blingin ’transforme des tubes connus tels que Se glisser, Mauvais roman, et Qu'est-ce que l'amour—En ballades de style médiéval. Elle décrit le genre comme «Bardcore pour le pasteur exigeant, noble ou paysan ramasseur de boue».

Le nom Hildegard von Blingin ’est une interprétation ludique de l’abbesse et compositrice du XIIe siècle Saint Hildegarde de Bingen. Démontrant un flair similaire pour le langage poétique, Von Blingin 'retravaille les paroles de chansons pop classiques en vers anglais anciens. Pour Pumped Up Kicks (à l'origine par Foster The People) la chanteuse intelligente chante:

Tous vous intimidateurs avec vos bottes de buskin
Meilleur vous allez, mieux vous allez
Dépasser mon arc
Tous vous intimidateurs avec vos bottes de buskin
Meilleur vous allez, mieux vous allez, plus vite que ma flèche

Hildegard von Blingin ’a même utilisé un arrangement instrumental de style médiéval de Cornelius Link, mettant en vedette les sons d’une harpe et d’une flûte à bec en bois. Vous pouvez simplement imaginer des bouffons danser pour divertir les invités de la cour.

Découvrez quelques-unes des reprises de Hildegard Von Blingin ci-dessous et découvrez-en plus sur YouTube et Soundcloud.

Écoutez les reprises de style médiéval de Hildegard von Blingin de succès bien connus, tels que Se glisser, Mauvais roman, et Qu'est-ce que l'amour.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=cRIfsFefatg (/ incorporé)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=i2zpbcW-h-c (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=TeFiIjMIlRw (/ intégré)

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=Kbj4bulZX2Y (/ intégré)

Hildegard von Blingin »: YouTube | Soundcloud
h / t: (Culture ouverte)

Toutes les images via Hildegard von Blingin ’.

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Une tortue créditée pour avoir sauvé son espèce rentre enfin à la maison pour prendre sa retraite

Diego la tortue des Galapagos

Photo: Photos de gdvcom / Shutterstock

Une tortue qui a consacré sa vie à aider son espèce se repose enfin. Diego, une tortue des Galápagos qui a plus de 100 ans, a passé plus des trois quarts de sa vie en captivité et, pendant une grande partie de ce temps, a été dans un programme d'élevage spécial. Diego, avec 14 autres tortues, va enfin prendre sa retraite et rentrer chez lui maintenant que le parc national des Galápagos a mis fin à son programme d'élevage en captivité.

Diego explique en grande partie pourquoi le programme peut prendre fin. Éleveur prolifique, il est responsable d'environ 40% de la population de 2 000 tortues que le programme a produite. Il est entré en captivité il y a 80 ans et s'est retrouvé au zoo de San Diego après avoir été emmené de chez lui lors d'une expédition scientifique. Plus tard, en 1977, il a été transféré à Santa Cruz pour faire partie du programme d'élevage en captivité.

En retournant sur son île inhabitée d'Española, la vie a bouclé la boucle pour la tortue. Au moment où le programme de sélection a commencé, il n'y avait que deux exemples mâles et 12 femelles de Chelonoidis hoodensis, et ils étaient trop dispersés pour pouvoir se rencontrer et se reproduire. En engendrant à lui seul au moins 800 tortues des Galápagos, Diego a fait un sacrifice incroyable pour garder son espèce en vie.

Pesant un peu plus de 175 livres et mesurant 35 pouces de long et 5 pieds de haut à pleine allure, Diego est une figure imposante. Lui, ainsi que les autres tortues qui ont été relâchées, a été placé en quarantaine avant d'être mis en liberté sur l'île pour s'assurer qu'ils ne contamineraient pas l'île avec des graines étrangères.

Comme les tortues des Galapagos ont une espérance de vie d'environ 200 ans, Diego a encore beaucoup de vie en lui. Compte tenu de sa libido élevée, il contribuera sûrement également à maintenir la population de tortues d'Espagnolola en place – programme d'élevage ou non. Pour l'instant, son île l'attend «à bras ouverts», selon au ministre de l'environnement Paulo Proaño Andrade.

Diego la tortue des Galapagos s'est retirée sur son île natale après avoir aidé à sauver son espèce de l'extinction.

h / t: (Le gardien)

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Un collectionneur de livres rares révèle un livre tibétain imprimé avant la Bible de Gutenberg

Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410

L'imprimerie Gutenberg a véritablement révolutionné la société occidentale avec son introduction d'imprimés produits en masse à un prix relativement bon marché, ce qui a contribué à encourager l'alphabétisation des classes inférieures. Cependant, la pratique de l'impression de livres existait en fait bien avant 1450 en Extrême-Orient. Un collectionneur de livres rares sur Twitter a récemment lancé un «livre plié en accordéon» sino-tibétain qui aurait été imprimé à Pékin vers 1410. Ce livre magnifiquement préservé de récitations bouddhistes a été créé environ 40 ans avant la mise en circulation de la Bible de Gutenberg.

Utilisateur Twitter Incunabula explique que le livre contient "des dhāranīs sanskrits et des illustrations de diagrammes de mantras protecteurs et des divinités" et ses pages intérieures d'encre rouge vif sont protégées par des revêtements extérieurs noirs qui comportent 20 icônes de Tathāgatas peintes en or – un nom sanskrit pour Bouddha. Le texte a été conçu pour les lecteurs européens et asiatiques. Selon Incunabula: "Le livre peut être lu à la manière indo-tibétaine en tournant les pages de droite à gauche ou en style chinois en tournant de gauche à droite."

Le script du livre est Ranjana / Lantsha, une forme de post-Gupta Brahmi, et la façon dont ces chants bouddhistes sont entrelacés dans les illustrations de figures religieuses sur les pages du livre créent une harmonie visuelle et linguistique. Certaines de ces récitations détaillent kalpas, qui sont des périodes de temps insondablement longues qui rappellent aux humains la bénédiction d'être né si près des enseignements bouddhistes. Bien qu'il ait été créé à 40 ans d'intervalle, ce livre de récitations bouddhistes et la Bible de Gutenberg montrent que l'humanité remet en question depuis longtemps leurs origines et leur rôle dans l'univers – un univers qui continue d'inspirer les humains à ce jour.

Ce texte sino-tibétain de récitations bouddhistes a été imprimé 40 ans avant la Bible de Gutenberg.

Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Pages d'un texte bouddhiste tibétain vers 1410Incunables: Twitter
h / t: (Culture ouverte)

Toutes les images via Incunabula.

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Photos de chaton mignon

Un chat nommé Narnia a une coloration unique qui a rendu Internet attentif à sa belle apparence. Le minou est «à deux faces», avec un côté de son gris noggin et l'autre noir, divisé de manière égale de chaque côté de sa tête. Grâce à son compte Instagram populaire géré par son humaine Stephanie Jiminez, le monde a pu suivre la vie de Narnia.

En dépit d'être le centre d'attention pendant des années, l'attention de Narnia s'est tournée vers quelques chatons qu'il a engendrés au printemps 2019. Bien que les chatons ne partagent pas le visage bicolore de leur père, chaque progéniture adorable contient l'une des couleurs trouvées sur Narnia. visage. «Mes enfants ont chacun pris une part de moi», a écrit Jiminez en tant que Narina sur Instagram. Une adorable flûte est entièrement grise tandis que l'autre est entièrement noire, à l'exception de la touffe de cheveux blancs sur sa poitrine. Jiminez a capturé une image des deux assis ensemble dans l'ordre de coloration du visage de Narnia – à gauche nous voyons le gris et à droite nous voyons le noir.

Jiminez dirige la Chatterie de la Grace, qui est un petit éleveur familial de chatons britanniques à poils longs et à poils courts, de sorte que la progéniture de Narnia est depuis partie vivre avec d'autres familles. Faites défiler vers le bas pour voir plus de Narnia et suivez-le sur Instagram pour admirer ses ébats de votre flux.

Narnia est un chat «à deux faces» avec la moitié de sa couleur grise et l'autre moitié noire.

British Shorthair Cat

Le monde a suivi la vie de Narnia grâce à son humaine, Stephanie Jiminez.

British Shorthair Cat

Au printemps 2019, Narnia a engendré deux chatons, chacun ayant la moitié de sa coloration.

Photos de chaton mignon

«Mes enfants ont chacun pris une part de moi», explique Narnia (via son humain).

British Shorthair CatvBritish Shorthair CatBritish Shorthair CatBritish Shorthair CatChat à deux faces NarinaNarnia: Instagram
Chatterie de la Grace: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Stephanie Jiminez.

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Tatoueur Pony Reinhardt

Le tatoueur Pony Reinhardt crée un art corporel qui voit la nature à travers l'objectif du mystique. Issu d'un langage visuel construit sur «des napperons rituels et des diagrammes alchimiques», le dessin au trait délicat présente une variété d'animaux, de plantes, de champignons et du cosmos qui se réunissent souvent dans des compositions de type collage. Les résultats sont des pièces qui s'étendent sur la longueur ou la largeur d'un bras ou d'une poitrine avec leurs différents éléments vous invitant à réfléchir à leur signification globale.

Reinhardt travaille sur des pièces personnalisées avec des clients, et elle est tellement recherchée qu'elle prend rendez-vous près de six mois à l'avance dans son Studio Tenderfoot. «Je pense aux tatouages ​​comme à un sort», révèle-t-elle. "Il y a trois parties: les ingrédients, l'intention et le rituel." (Le rituel est l'acte de tatouer et l'intention est quelque chose que vous trouvez en vous-même.) Reinhardt s'occupe des ingrédients. «Ma façon préférée de concevoir votre pièce est avec une liste de sujets spécifiques, en particulier lorsqu'ils sont associés à un concept ou une histoire globale», explique-t-elle. «Ensuite, j'ai la liberté d'assembler les parties et la racine de l'histoire pour ajouter des détails si nécessaire. J'adore les mythologies et les histoires intéressantes enracinées dans l'histoire ou la science. »

Faites défiler vers le bas pour voir quelques-unes des dernières pièces de Reinhardt. Ensuite, suivez-la sur Instagram pour voir sur quoi elle travaille ensuite.

Le tatoueur Pony Reinhardt crée un art corporel à grande échelle qui présente une variété d'éléments inspirés de la nature.

Poney Reinhardt TattooTatoueur Pony ReinhardtTatoueur Pony ReinhardtTatoueur Pony ReinhardtPoney Reinhardt TattooPoney Reinhardt TattooPoney Reinhardt TattooPoney Reinhardt TattooPoney Reinhardt TattooTatoueur Pony ReinhardtTatoueur Pony ReinhardtTatoueur Pony ReinhardtPoney Reinhardt TattooPoney Reinhardt TattooTatoueur Pony ReinhardtTatoueur Pony ReinhardtTatoueur Pony ReinhardtPony Reinhardt: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos par Tenderfoot Studio.

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Remises en bois préfabriquées

Photo: banque de photos de ppa / Shutterstock

Ajouter à votre maison ne signifie pas mettre une ou plusieurs pièces hors service pendant quelques semaines ou mois. En fait, vous pouvez avoir un espace entièrement nouveau sans toucher aucune partie de votre maison actuelle. Les hangars préfabriqués sont un moyen relativement facile d'ajouter un bureau, un studio de fitness, une maison d'hôtes – la liste est longue – à votre propriété. Mieux encore, ils peuvent être fabriqués hors site et livrés chez vous, et ils sont souvent assez petits pour que vous n'ayez pas besoin d'un permis pour en installer un sur votre propriété.

Vous n'avez pas à casser la banque pour obtenir un hangar préfabriqué. Les prix commencent à partir de seulement 5 000 $, selon les caractéristiques que vous recherchez et la taille de l'endroit. Pour les petites unités de 50 à 80 pieds carrés, vous serez dans la partie inférieure de la fourchette de prix. Mais si vous êtes prêt à payer plus, vous pouvez obtenir une multitude de fonctionnalités qui imitent l'apparence d'une maison pleine grandeur, y compris une terrasse latérale, une isolation complète et des fenêtres panoramiques. C'est une excellente option pour les maisons d'hôtes qui pourraient même être transformées en Airbnb.

Faites défiler vers le bas pour quelques hangars préfabriqués chics que vous pouvez acheter. Pour des choix de maison plus petits, assurez-vous de vérifier les modèles que vous pouvez acheter sur Amazon.

Ajoutez un bureau, un studio ou même une maison d'hôtes lorsque vous achetez l'un de ces abris préfabriqués contemporains.

Studio Shed

Kits de remise préfabriqués

Photo: Studio Shed

Que vous recherchiez un cabanon moderne du milieu du siècle ou une petite cabane, Studio Shed est là pour vous. Comprenant quatre modèles allant d'une serre Sprout Studio à l'espace invité de la cour arrière de la série Summit, ils auront quelque chose pour répondre à vos besoins. Le prix commence à 10 500 $ pour leur studio d'une pièce et à 24 000 $ pour leur plus grande série Summit, qui peut mesurer jusqu'à 42 pieds de large.

Summerwood

Remise préfabriquée

Photo: Summerwood

Semblable à Studio Shed, Summerwood propose également une variété de modèles pour répondre à vos besoins de conception. Ils sont une autre option de bricolage et ont des kits qui sont prédécoupés ou pré-assemblés (pour un prix plus élevé). Avec un tel éventail de modèles, il peut être difficile de savoir par où commencer. Voici donc l'une de nos préférées: la petite cabine Nomade.

Cabanons illimités

Remises en bois préfabriquées

Photo: Remises illimitées

Disponible dans des tailles de 8 à 12 pieds de large, la remise moderne Urban 360 de Sheds Unlimited comprend des fenêtres isolées et un toit en métal à joint debout. Les prix varient de 8 895 $ à un peu plus de 20 000 $.

Cour arrière Eichler

Remises en bois préfabriquées

Photo: arrière-cour Eichler

Le hangar Eichler s'inspire d'une esthétique moderne du milieu du siècle. Il s'agit d'un espace de 10 pieds par 12 pieds qui comprend une porte et une fenêtre coulissantes et est entièrement isolé. Il y a d'autres options disponibles, y compris un puits de lumière et des portes françaises. Le prix de cette unité commence à 27 000 $ et ils desservent actuellement la région de la baie de San Francisco.

Hangar moderne

Kits de remise préfabriqués

Photo: hangar moderne

Modern-Shed a trois tailles différentes pour leur unité: Small 8X, Medium 10x et Large 10x. Ils disent que leurs utilisations typiques sont pour un bureau à domicile, un studio d'art ou une chambre d'amis, et ils ont une variété d'options pour rendre votre remise sur mesure à votre goût.

Chambre Kwik Moderne

Kits de remise préfabriqués

Photo: Chambre Kwik moderne

La salle Kanga Kwik est conçue pour les bricoleurs. Ils vendent des kits de coquilles qui viennent avec tout ce dont vous avez besoin pour construire votre propre remise élégante – des murs pré-encadrés aux fenêtres, portes et toit. Les kits commencent à 5 000 $ et vont jusqu'à plus de 18 000 $ (sans compter les frais d'expédition ou de branchement électrique). Si vous êtes local au Texas, vous avez la possibilité d'installer le hangar sur site ainsi que des modules complémentaires d'installation.

h / t: (Bordé)

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Un artiste peint en plein air pour créer des scènes de paysage vibrantes inspirées des maîtres anciens

Peintures de paysages d'Erik Koeppel

Inspiré par les vieux maîtres de la peinture de paysage, Erik Koeppel profite des grands espaces pour capturer la nature environnante en plein air. Des forêts automnales aux majestueuses scènes de montagne à Jackson, New Hampshire, chaque peinture colorée célèbre la beauté de notre planète.

«J'ai cherché à découvrir cette plus haute connaissance de la beauté, poétique et philosophique, qui a été le fil conducteur de tous les grands maîtres de l'art», révèle Koeppel dans une déclaration d'artiste. «J'ai passé des heures à regarder les plus beaux chefs-d'œuvre des musées du monde entier dans le but de déchiffrer cet effet méditatif qui distingue la grandeur de la compétence, et j'ai fait de la création de ce sentiment mon objectif principal en tant qu'artiste.»

Le travail acharné et le souci du détail de Koeppel ont certainement porté leurs fruits. Chacune de ses peintures met en valeur sa capacité à capter la lumière et comment elle interagit avec les arbres, les lacs et les rochers. Ses œuvres transportent le spectateur dans un autre monde – comme si vous pouviez presque entrer dans la toile et partir à l'aventure, serpentant à travers les coups de pinceau. «Je suis convaincu qu'expérimenter la beauté de notre existence ici dans ce magnifique paysage est le seul chemin vers le bonheur», dit-il. "Mon intention en tant qu'artiste est de partager cette beauté."

Faites défiler vers le bas pour voir certaines des peintures de paysages de Koeppel et découvrez-en plus dans son portfolio sur Instagram. Si vous aimez ses œuvres d'art, vous pouvez acheter votre propre peinture originale sur son site Web.

L'artiste Erik Koeppel célèbre la beauté de la nature avec ses peintures de paysages vibrantes.

Peintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik Koeppel

Il est inspiré par les peintres Old Masters.

Peintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelPeintures de paysages d'Erik KoeppelErik Koeppel: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission d'utiliser des photos d'Erik Koeppel.

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5 faits inestimables sur le collectionneur d'art avant-garde Peggy Guggenheim

Portrait de Peggy Guggenheim

Peggy Guggenheim sur les marches de la terrasse du Grand Canal, à l'occasion du premier spectacle qu'elle a organisé au Palazzo Venier dei Leoni, Mostra di Scultura Contemporanea, Venise, septembre 1949. Photo Archivio Cameraphoto Epoche. Fondation Solomon R. Guggenheim, Venise, Don, Cassa di Risparmio di Venezia, 2005.

Peu de noms familiers signifient plus pour l'art moderne que «Guggenheim». Famille de mineurs devenus philanthropes, les Guggenheims ont fait fortune au 19e siècle, amassant une fortune qui a depuis déclenché et alimenté de grands mouvements modernistes.

Aujourd'hui, l'héritage de Guggenheim est en grande partie lié au musée Guggenheim de New York, une institution fondée par Solomon R. Guggenheim en 1937. Ce site n'est cependant pas le seul musée d'art moderne de Guggenheim important. Le long du Grand Canal de Venise se trouve la Collection Peggy Guggenheim, un palais devenu musée fondé par Peggy Guggenheim. Bien plus que la nièce de Salomon, cette passionnée d'art avant-gardiste est l'une des conservatrices les plus influentes du modernisme – et l'une des collectionneurs féminines les plus performantes de tous les temps.

Découvrez la vie extraordinaire de Peggy Guggenheim avec ces cinq faits inestimables.

Son père est décédé à bord du Titanic.

Benjamin Guggenheim

Benjamin Guggenheim (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En 1898, Marguerite «Peggy» Guggenheim est née à New York de Florette Seligman et Benjamin Guggenheim. Fils du magnat des mines Meyer Guggenheim, le père de Peggy avait hérité de beaucoup d'argent, lui permettant de partager son temps entre New York et Paris. Le 10 avril 1912, le millionnaire est monté à bord du Titanic, un navire à destination de la Big Apple, à Cherbourg, en France. À l'époque, le paquebot de 2 453 passagers était célèbre pour sa taille étonnante. Quelques jours plus tard, cependant, il prendrait tragiquement un nouvel héritage lorsqu'il frappait un iceberg et coulait, tuant plus de la moitié de sa capacité – un Benjamin Guggenheim impeccablement habillé inclus.

"Nous nous sommes habillés de notre mieux", aurait déclaré Benjamin Guggenheim à James Etches, un steward adjoint, quand il a remarqué que le magnat et son valet de chambre avaient renoncé à des gilets de sauvetage pour le soir "et sont prêts à descendre comme des messieurs".

Peggy Guggenheim n'avait que 14 ans au moment de la mort de son père. En 1919, à son 21e anniversaire, elle a hérité de 2,5 millions de dollars (environ 37 millions de dollars aujourd'hui). L'année suivante, elle s'installe à Paris, où elle rencontre et se mêle aux artistes d'avant-garde de la ville – dont beaucoup elle fera plus tard la promotion en tant que mécène des arts.

Elle a «découvert» Jackson Pollock.

Jackson Pollock,

Jackson Pollock, «Mural», 1943

En 1938, Guggenheim ouvre Guggenheim Jeune, sa première galerie, à Londres. Cette même année, elle a commencé à collectionner sérieusement l'art, investissant son héritage dans le surréalisme, les œuvres abstraites et d'autres mouvements et styles modernistes. «Je me suis mise sous régime pour acheter une photo par jour», se souvient-elle plus tard.

Beaucoup de pièces achetées par Guggenheim ont été présentées pour la première fois dans des expositions au Guggenheim Jeune et, à partir de 1941, dans sa galerie Art of This Century à New York. En plus de présenter des œuvres d'artistes établis tels que Pablo Picasso, Georges Braque et Constantin Brâncuși, les spectacles de Guggenheim comprenaient des pièces d'artistes émergents, comme Robert Motherwell, Clyfford Still et Jackson Pollock, dont Guggenheim a commandé Mural a lancé sa brillante carrière en 1943.

"La fresque a été un bond en avant pour Pollock, et pas seulement en termes esthétiques", Helen A Harrison, auteur de Jackson Pollock, explique. "Avec Guggenheim comme patron, Pollock a rejoint les rangs d'une avant-garde qui a été prise au sérieux par les critiques, les collectionneurs et les conservateurs dont les opinions comptaient."

Guggenheim nommera plus tard sa «découverte» de Pollock comme son «plus grand accomplissement», se classant plus haut que sa collection elle-même.

Le Louvre a refusé de loger sa collection pendant la Seconde Guerre mondiale.

Peggy Guggenheim dans sa maison

Peggy Guggenheim dans la salle à manger du Palazzo Venier dei Leoni, Venise, 1960. De gauche à droite: Vasily Kandinsky, Paysage aux taches rouges, n ° 2 (Landschaft mit roten Flecken, n ° 2, 1913); Georges Braque, The Clarinet (La Clarinette, été-automne 1912); Giacomo Balla, Vitesse abstraite + son (Velocità astratta + rumore, 1913–14); Louis Marcoussis, The Regular (L’Habitué, 1920); Umberto Boccioni, Dynamisme d'un cheval excès de vitesse + maisons (Dinamismo di un cavallo in corsa + case, 1914–15); Albert Gleizes, Femme aux animaux (Madame Raymond Duchamp-Villon) (La Dame aux bêtes (Madame Raymond Duchamp-Villon), achevée en février 1914; toutes les œuvres de la Collection Peggy Guggenheim. Photo Archivio Cameraphoto Epoche. Fondation Solomon R. Guggenheim, Venise , Cadeau, Cassa di Risparmio di Venezia, 2005.

Dans un court laps de temps, le plan «une image par jour» de Guggenheim s’est avéré efficace. En 1939, elle avait acquis 10 Picassos, 40 Ernsts, huit Mirós, quatre Magrittes, trois Man Rays, trois Dalís, un Klee et un Chagall, entre autres. Selon les normes actuelles, ces fonds constituent une collection pratiquement inestimable. Le goût de Guggenheim était cependant en avance sur son temps. Même le musée du Louvre, de renommée mondiale, à Paris, n'a pas reconnu sa valeur, refusant de l'abriter pendant l'invasion nazie et forçant Guggenheim à l'expédier aux États-Unis en tant qu '«articles ménagers».

Avec sa précieuse collection en sécurité à New York, Guggenheim a décidé d'ouvrir Art of This Century, un «avant-poste américain pour l'avant-garde européenne». À la fin de la guerre et d'un mariage de cinq ans avec l'artiste Max Ernst, Guggenheim est retourné en Europe, cette fois pour de bon.

Elle s'installe dans un palais inachevé du XVIIIe siècle à Venise.

Collection Peggy Guggenheim

La Collection Peggy Guggenheim, Palazzo Venier dei Leoni, Venise. © Collection Peggy Guggenheim, Venise. Photo Matteo De Fina

En 1947, Guggenheim s'installe à Venise. L’année suivante, elle expose sa collection à la célèbre biennale de la ville et, en 1949, elle achète la Palazzo Venier dei Leoni (le «Palais inachevé des Lions».)

L'histoire derrière le palais de Guggenheim est la suivante: en 1749, les Veniers – une noble famille vénitienne – ont chargé l'architecte Lorenzo Boschetti de concevoir un palais de cinq étages perché sur le Grand Canal. Malheureusement, des circonstances atténuantes ont entravé la construction du projet et le palazzo à un étage est resté inachevé. Le bâtiment a changé de mains plusieurs fois avant que Guggenheim n'en fasse son lieu de résidence permanent et, peu de temps après, un musée d'art.

Guggenheim a ouvert sa maison au public en 1951, invitant les visiteurs à parcourir sa collection – exposée à l'intérieur du palazzo et ses magnifiques jardins – gratuitement jusqu'à son décès en 1979.

Elle est enterrée à côté de ses 14 chiens.

Les chiens de Peggy Guggenheim

Peggy Guggenheim avec ses terriers Lhasa Apsos sur la terrasse du Grand Canal du Palazzo Venier dei Leoni, Venise, 1960. Photo Archivio Cameraphoto Epoche. Fondation Solomon R. Guggenheim, Venise, Don, Cassa di Risparmio di Venezia, 2005.

Après sa mort, les cendres de Guggenheim ont été cachées dans un coin de son jardin de sculptures. Aujourd'hui, en plus de visiter la tombe de la figure révolutionnaire, les visiteurs de la Collection Peggy Guggenheim peuvent également rendre hommage à d'autres Guggenheims importants: ses 14 défunts Lhasa Apsos. «Ici se trouvent mes bébés bien-aimés», indique une plaque au-dessus de la tombe de son chiot. Il répertorie ensuite chacun de ses chiens, de Cappucino (1949-1953) à Cellida (1964-1979).

Avec ses chiens, son art et le Grand Canal («Si quelque chose peut rivaliser avec Venise dans sa beauté», songea Guggenheim, «ce doit être son reflet au coucher du soleil sur le Grand Canal») à ses côtés, il est difficile d'imaginer un lieu de repos plus exceptionnel pour une personne aussi extraordinaire.

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22 outils de cuisine créatifs qui mettent le «plaisir» dans le fonctionnel

Outils de cuisine créatifs

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Cuisiner dans votre cuisine est généralement du bon temps, mais si vous préparez régulièrement quelque chose de savoureux, il est peut-être temps de mettre à niveau vos ustensiles de cuisine. Alors que vous pourriez être tenté de chercher une cuillère en bois ordinaire ou un éplucheur à légumes ho-hum, pourquoi ne pas envisager d'emprunter une voie plus ludique? Il existe de nombreux outils de cuisine ludiques qui ajouteront de la fantaisie aux tâches de cuisine les plus ennuyeuses.

Certains des ustensiles les plus charmants transforment des objets autrement ordinaires en quelque chose de mythique. OTOTO a perfectionné cela avec leur collection d'articles inspirés des monstres du Loch Ness. Leur louche Nessie était la première de cette série et reste l'un de leurs modèles les plus populaires. Alliant plaisir et fonctionnalité, le bout de la poignée ressemble à la petite tête de Nessie car il s'incline gracieusement vers son corps en forme de cuillère avec de minuscules pieds. C'est à la fois un détail de conception adorable et un moyen intelligent de s'assurer que la poche reste droite.

Alors qu'OTOTO fabrique certains de nos ustensiles de cuisine préférés, ils ne sont pas les seuls à créer ce type d'ustensiles. Faites défiler vers le bas pour la créativité que vous pouvez utiliser pendant la cuisson.

Rendez la cuisine amusante avec ces outils de cuisine créatifs.

Louche Nessie

Outils de cuisine créatifs

OTOTO | 16 $ US

Passoire poisson-ange

Doit avoir des outils de cuisine

Entrepôt de Boston | 15,98 $

Bacon Bac

Doit avoir des outils de cuisine

Talisman Designs | 14,95 $

Repose-cuillère pratique

Doit avoir des outils de cuisine

Zeal | 5,96 $

Infuseur à thé narval

Doit avoir des outils de cuisine

Fred et ses amis | 10,95 $

Cuillères de service Monster Pasta

Outils de cuisine créatifsOutils de cuisine créatifs

OTOTO | 17 $

Louche flottante chic

Outils de cuisine créatifs

OTOTO | 19 $

Coupe-pizza Pie-Ranha

Doit avoir des outils de cuisine

Entrepôt de Boston | 15 $

Cloud Slicer

Doit avoir des outils de cuisine

DOIY | 19,99 $

Verres empilables Saguaro Cactus (Ensemble de 6)

Outils de cuisine créatifs

DOIY | 59,99 $

Porte-bouteille de vin de baleine

Accessoires de cuisine

Anthropologie | 48 $

Décortiqueuse de fraises

Accessoires de cuisine

Chef’N Stemgem | 8 $

Spatule florale

Accessoires de cuisine

Sur La Table | 14 $ US

Pot de miel ours floral

Accessoires de cuisine

Anthropologie | 20 $

Planche de service en bambou Lotus

Accessoires de cuisine

Michael et Ania Shepler | 48 $

Moule Pop Pop

Accessoires de cuisine

Zoku | 19,95 $

Étreintes d'avocat

Accessoires de cuisine

Farberware | 7,95 $

Crack a Smile Egg Mold

Outils de cuisine créatifs

Fred et ses amis | 9,95 $

Cuillère à fente Jungle

Outils de cuisine créatifs

OTOTO | 16 $ US

Remi Spoon Rest

Accessoires de cuisine

Anthropologie | 14 $ US

Dessous de plat Grizzly Hot Pot

Outils de cuisine créatifs

OTOTO | 16 $ US

Éplucheur de légumes singe

Doit avoir des outils de cuisine

Entrepôt de Boston | 13,09 $

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Un couple nomade transforme un autobus scolaire ordinaire en une petite maison chic sur roues

Conversion d'autobus scolaire

La vie sur la route ouverte semble tentante pour beaucoup d'entre nous; et, pour certaines personnes, l'appel est tout simplement trop grand pour rester sans réponse. Tyler Hjorting et Lexi O’Brien sont un couple qui a quitté la Californie – où ils dépensaient trop en loyer – et a fait la transition vers la vie nomade dans un autobus scolaire converti, alias un skoolie, à temps plein.

Hjorting et O’Brien appellent leur skoolie One Wild Ride, et leur véhicule rénové est aussi confortable que n'importe quelle petite maison. Avec des planchers en bois et des panneaux sur les murs et les plafonds, l'esthétique a une touche rustique chic. Couplé avec des armoires blanches, des couleurs d'accent coucher de soleil et beaucoup de plantes, il est difficile de croire que ce véhicule transportait autrefois des charges de personnes quotidiennement.

La création de One Wild Ride a duré près de deux ans. Une fois que le couple a décidé qu'il voulait adopter un style de vie nomade (au moins pendant un petit moment), il a passé un an à faire des recherches et à chercher un bus qui conviendrait. Après avoir acheté un bus hors de Craigslist, le travail de l'éviscération a commencé. «Nous avons rénové notre bus en un peu moins de huit mois tout en y travaillant après le travail et le week-end», expliquent-ils à My Modern Met. En plus d'avoir un style parfait, ils ont inclus d'autres incontournables dans la décoration intérieure. "Certaines des nécessités que nous nous sommes assurés d'inclure dans notre skoolie étaient un réfrigérateur de la taille d'un appartement, un lit queen-size et une table à manger."

Depuis qu'il s'est lancé dans sa grande aventure, le couple a pris racine. Ils ont acheté un terrain et garé leur bus au Texas où ils construisent une collection de minuscules cabines appelées The Pond Collective et ont d'autres projets, y compris le Ice Plant Venue, qui est un espace événementiel situé au centre-ville de La Grange.

Intéressé à construire votre propre skoolie? Hjorting et O’Brien ont quelques conseils. «Si nous devions donner des conseils à quiconque envisage une conversion en autobus scolaire, ce serait de dépenser l'argent pour un bon système solaire et une bonne alimentation électrique.» Et n’ayez pas peur de penser plus petit. "Une autre chose que nous avons réalisé après seulement quelques mois sur la route, c'est que nous aurions pu y aller avec un bus encore plus petit!"

Tyler Hjorting et Lexi O’Brien ont transformé un bus scolaire par ailleurs ordinaire en un skoolie confortable et chic appelé One Wild Ride.

Conversion de bus

L'intérieur a été vidé pour inclure du bois de couleur claire et beaucoup de plantes.

Conversion de bus

Conversion de bus

One Wild Ride Skoolie

One Wild Ride Skoolie

Conversion de bus

Conversion de bus

Conversion d'autobus scolaire

Conversion d'autobus scolaire

One Wild Ride: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de One Wild Ride.

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Photos de rue surprenantes

Le photographe Anthimos Ntagkas, alias Daganth, a le penchant d'être au bon endroit au bon moment. Son portfolio présente des personnes, des animaux, des objets et des publicités aléatoires qui interagissent les uns avec les autres de manière souvent humoristique. Dans une scène, un homme géant semble prêt à avaler un groupe de minuscules personnes alignées sur un plongeoir. Une autre photo rappelle également la nourriture; une femme dans la rue, vêtue d'une veste de couleur barbe à papa, se tient à la base d'une sculpture publique qui a exactement la même nuance de rose que son manteau. Leur fusion visuelle la transforme essentiellement en art aussi.

Instagram de Ntagkas présente des photos qui visent avant tout à trouver des juxtapositions inattendues dans le monde entier. Ils représentent des gens qui ne réalisent pas qu’ils créent des œuvres d’art éphémères. Au contraire, ils ne font que passer leur journée. Mais grâce à l'œil vif de Ntagkas et au doigt à tir rapide sur son obturateur, on nous offre une autre façon de voir le monde. Dans son récit, nous nous rappelons que ces moments créatifs et magiques sont présents dans notre vie quotidienne. Nous avons juste besoin d'avoir les yeux ouverts pour eux.

Faites défiler vers le bas pour voir les photos de Ntagkas, puis suivez-le sur Instagram pour voir ce qu'il va filmer ensuite.

Anthimos Ntagkas capture une photographie de rue franche qui met en évidence les coïncidences visuelles dans la vie quotidienne.

Photographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotos de rue surprenantesPhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotos de rue surprenantesPhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue candidePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue candidePhotographie de rue candidePhotographie de rue candidePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotos de rue surprenantesPhotographie de rue candidePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattenduePhotographie de rue inattendueAnthimos Ntagkas: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Anthimos Ntagkas.

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Jessica Stewart est rédactrice et spécialiste des médias numériques pour My Modern Met, ainsi que conservatrice et historienne de l'art. Elle a obtenu sa maîtrise en études de la Renaissance à l'University College de Londres et vit maintenant à Rome, en Italie. Elle a cultivé une expertise en art de la rue qui a conduit à l'achat de ses archives photographiques par l'Encyclopédie italienne Treccani en 2014. Lorsqu'elle ne passe pas de temps avec ses trois chiens, elle gère également le studio d'un artiste de rue à succès. En 2013, elle est l'auteur du livre «Street Art Stories Roma» et a récemment contribué à «Crossroads: A Glimpse Into the Life of Alice Pasquini». Vous pouvez suivre ses aventures en ligne sur @romephotoblog.

Découvrez l'histoire des ventilateurs pliants traditionnels chinois

Histoire des fans chinois

Un groupe de femmes chinoises avec des éventails du photographe Afong Lai (vers 1880). Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 2.0)

Si vous avez déjà passé du temps en Chine au cours de l'été, vous vous souvenez probablement d'avoir vu des gens dans les rues agiter leurs ventilateurs portables pour tenter de combattre la chaleur. Mais le ventilateur pliant traditionnel chinois n'est pas seulement un outil de refroidissement. C'est une partie importante de la culture chinoise qui a plus de 3000 ans d'histoire.

Certains historiens pensent que ce sont les Japonais qui ont conçu l'éventail pliable après s'être inspirés des ailes de chauve-souris. L'invention a ensuite été présentée aux Chinois et est rapidement devenue un accessoire de mode à la fois pour les riches et la classe ouvrière.

Lisez la suite pour découvrir l'histoire de cet appareil pratique.

Histoire des fans chinois

Histoire des fans chinois

Un fan de plumes chinois. Photo: Wikimedia Commons (CC0 1.0)

L'histoire de l'éventail chinois remonte à plus de 3000 ans, autour de la dynastie Shang (vers 1600 – 1046 avant notre ère). Nommé Shanhan, l'un des premiers "fans" connus n'était pas comme ceux que l'on voit encore aujourd'hui. Celles-ci étaient attachées à une calèche et utilisées pour bloquer la chaleur du soleil et protéger les passagers de la pluie (un peu comme le parapluie d'aujourd'hui). Cependant, le Shanhan est rapidement devenu un ventilateur à long terme appelé Zhangshan. Fabriqué en plumes de soie ou d'oiseaux fines mais résistantes, ce type d'éventail était principalement utilisé par la garde d'honneur de l'empereur pour la décoration. Ce n'est qu'à la dynastie Zhou, il y a plus de 2000 ans, que les gens ont commencé à utiliser des ventilateurs pliants pour se refroidir.

Le «ventilateur à plumes» est devenu populaire dans l'aristocratie parce qu'il était extrêmement coûteux à produire. Fait de plumes d'oiseaux, il était largement reconnu comme le symbole de la richesse, de l'autorité et de la sagesse.

Histoire des fans chinois

Éventail circulaire en soie avec calligraphie, peinture et manche laqué. Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0)

Pendant la dynastie Han (206 BCE – 220 CE), l'éventail est devenu populaire parmi les gens du commun car des ventilateurs en bambou plus abordables et des ventilateurs en feuilles de quenouilles tissés à la main ont été inventés. La popularité de ces fans a continué jusqu'à la dynastie des Song (960 – 1279 CE). Pourtant, à la même époque, un nouveau type d'éventail en soie a également été introduit. Favorisées par les jeunes femmes du palais impérial, les éventails en soie étaient ronds pour ressembler à la lune et sont souvent appelés «éventails ronds» ou tuánshàn. Plus tard, cet éventail en forme de lune a pris de nombreuses autres formes, notamment des ovales plats et même la forme d'une fleur de prunier ou de tournesol chinois.

Les côtes de ces éventails ronds en soie étaient traditionnellement fabriqués à partir de bambou ou d'os d'animaux. Les poignées étaient généralement gravées de motifs décoratifs et d'embellissements, tandis que la «face» principale de l'éventail était souvent brodée ou peinte à la main avec de la calligraphie et des scènes inspirées de la nature telles que des montagnes ou des fleurs. Ces fans particuliers sont restés populaires dans la Chine ancienne pendant près de 1000 ans, et ils sont toujours considérés comme une forme d'art importante de la culture chinoise aujourd'hui.

L'art derrière les ventilateurs pliants

Histoire des fans chinois

Panneaux d'un ventilateur pliant peint. Photo: Wikimedia Commons (CC0 1.0)

L'industrie de la fabrication de ventilateurs en Chine était principalement constituée d'entreprises familiales qui produisaient leurs créations en petites quantités et les vendaient depuis le devant de leurs ateliers. La ville de Hangzhou était le centre de l'industrie pendant la dynastie des Song du Sud (1127 – 1279 CE).

Composés de panneaux et de nervures, les ventilateurs pliants sont conçus pour tourner autour du rivet à la tête. Pour les côtes, les artisans ont utilisé une variété de matériaux, y compris le bois de santal, l'ébène, l'écaille de tortue, l'ivoire, la nacre, les os et le bambou (les plus courants).

Les panneaux du ventilateur pliant étaient généralement faits de papier, de soie ou d'autres tissus. En tant que surface principale de l'éventail, cette partie a fourni une toile aux artisans et aux artistes pour ajouter de la calligraphie et des scènes peintes.

Fanisme Symbolisme Peinture

Histoire des fans chinois

Éventail «Square Relief» de Zheng Meisheng, Honolulu Museum of Art. Photo: Wikimedia Commons (CC0 1.0)

À partir de la dynastie Song, la peinture en éventail est devenue une forme d'art à part entière. Les écrivains et les artistes de la Chine ancienne avaient tendance à orner les objets qu'ils aimaient avec leur art et leurs histoires, il n'est donc pas surprenant que les fans soient devenus une toile pour de nombreux créateurs de l'époque. Les fans décorés de peintures et de calligraphies sont devenus des «fans de savants» et reflètent souvent le statut d'une personne.

Les œuvres d'art représentant des oiseaux et des fleurs symbolisaient la beauté et la grâce, ce qui en faisait un sujet populaire parmi les jeunes femmes. Les érudits, cependant, préféraient les fans ornés de la calligraphie d'histoires anciennes qui dépeignaient la sagesse et la connaissance. Les créatures mythiques étaient également des choix populaires – les dragons étaient souvent peints sur les fans des hommes tandis que les femmes préféraient généralement les phénix.

Les fans chinois aujourd'hui

Histoire des fans chinois

Un éventail pliant en papier doré. Photo: Wikimedia Commons (CC0 1.0)

De ses humbles débuts pendant la dynastie Shang à plus de 500 sortes de ventilateurs en Chine aujourd'hui, les ventilateurs pliants ont résisté à l'épreuve du temps et sont toujours très populaires, non seulement en Chine mais dans le monde entier. Les fans peuvent maintenant être vus aux enchères d'art, et ceux peints par des artistes célèbres valent de grosses sommes d'argent.

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Photos dynamiques d'une Lamborghini de luxe créée avec un petit jouet sur un tapis roulant

Séance photo de modèle réduit Lamborghini par Kunal Kelkar

Le photographe professionnel Kunal Kelkar passe beaucoup de son temps autour d'automobiles incroyables. Mais avec le verrouillage actuel limitant sa capacité à sortir et à faire le travail qu'il aime, il a dû faire preuve de créativité. Inspiré par un projet Lamborghini qui a échoué, le photographe automobile a décidé de réaliser sa propre séance photo à la maison en utilisant une maquette du véhicule de luxe.

Pour créer une atmosphère dynamique, Kelkar a cherché ce qu'il avait sous la main et a trouvé la scène parfaite pour la voiture miniature – un tapis roulant. Il a eu l'idée après avoir terminé un entraînement et noté que le tapis roulant donnerait l'effet d'une route floue. Maintenant, il avait juste besoin de comprendre comment donner vie à sa vision.

«Une fois que l'idée m'est venue à l'esprit, j'ai eu hâte de tester le modèle réduit sur le tapis roulant, et voyant que cela fonctionnait, j'ai passé du temps à étudier les angles de la voiture, l'équipement dont j'avais besoin et le genre d'humeurs que je pouvais créer. », A déclaré Kelkar à My Modern Met. «Je savais que je voulais tirer la nuit car cela aiderait à garder l'attention uniquement sur la voiture, en m'assurant qu'il n'y avait rien d'autre en arrière-plan qui déformerait la perspective du modèle 1:18. Après la préparation créative, il était temps de trouver comment stabiliser le modèle à l'échelle sur la courroie mobile du tapis roulant. »

Modèle réduit de voiture sur tapis roulant pour une séance photo

Il a fallu environ deux heures à Kelkar pour effectuer tous les ajustements nécessaires et mettre en place la scène, qui comprenait le maintien du modèle Lamborghini en place avec une chaîne attachée au tapis roulant. Fixer correctement la voiture sur le tapis roulant était un gros obstacle, car elle avait tendance à rebondir. Mais une fois qu'il a bien maîtrisé la technique, il a pulvérisé un peu d'eau sur la scène pour créer un peu de pluie et a commencé son tournage.

Pour Kelkar, le projet était un moyen d'exprimer sa créativité même lorsqu'il était piégé à l'intérieur. Et heureusement pour lui, son succès a ouvert de nouveaux yeux sur son portfolio de photographie automobile. Ce fut une excellente leçon d'apprentissage et il espère que d'autres pourront également tirer quelque chose des résultats.

«Être limité a apporté une nouvelle perspective sur la créativité. En tant que photographe qui passe beaucoup de temps à l'extérieur et ne pouvant pas le faire, c'est définitivement un obstacle », partage-t-il. "Mais demandez-vous, êtes-vous photographe uniquement à cause des sujets que vous photographiez ou êtes-vous photographe parce que vous avez l'œil pour voir le monde différemment et raconter cette histoire à travers votre appareil photo?"

"COVID-19 peut vous avoir enfermé dans vos maisons, mais cela ne signifie pas qu'il a bloqué votre capacité à faire preuve de créativité et à expérimenter avec les ressources limitées dont vous disposez. Observez chaque petit détail et laissez libre cours à votre esprit et je suis sûr que vous pouvez trouver de nombreuses idées pour défier votre créativité. "

Le photographe automobile Kunal Kelkar est connu pour ses photos dynamiques de véhicules de luxe.Séance photo de modèle réduit Lamborghini par Kunal Kelkar

Mais sa dernière séance photo Lamborghini n'est pas ce qu'il semble.

Séance photo de modèle réduit Lamborghini par Kunal Kelkar

Ce trajet à grande vitesse n'a pas eu lieu sur une route pluvieuse …

Séance photo de modèle réduit Lamborghini par Kunal Kelkar

… Kelkar est devenu intelligent pendant l'accouchement et a transformé son tapis roulant en un ensemble parfait.

Dans les coulisses de la prise de photos automatique à l'échelleDans les coulisses de la prise de photos automatique à l'échelleDans les coulisses de la prise de photos automatique à l'échelleDans les coulisses de la prise de photos automatique à l'échelle

Kunal Kelkar: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Kunal Kelkar.

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Grand-mère japonaise Chronicles Sweet Bond entre ses petits-enfants et 3 caniches géants

Amis animaux

Les enfants et les chiens sont souvent parfaits. Une raison? Les petits humains sont aussi gros que les chiens adultes! Et dans le cas d'une fille japonaise nommée Mame, son frère Mugi et leurs compagnons caniche géants nommés Riku, Gaku et Qoo, ils ne pourraient pas être plus adorables. L'équipe est soudée et profite du meilleur de la vie ensemble en s'habillant en costumes, en explorant le plein air et en faisant beaucoup de siestes. Tout cela est relaté par la grand-mère de Mame et Mugi, qui se trouve être l'humain des chiots.

Mame et les caniches sont des accessoires sur Instagram depuis des années et ont d'abord volé nos cœurs lorsque la fille n'avait qu'un an. Depuis ce temps, Gaku et Mugi ont rejoint le groupe, et chaque chien semble avoir son propre rôle. Qoo est le plus âgé à 13 ans et agit comme l'homme d'État le plus âgé en veillant sur tout le monde. Riku, 11 ans, est une présence apaisante et fera la sieste avec les enfants tandis que Gaku, qui n'a que trois ans, apporte de l'énergie et du plaisir. Mais malgré les différentes personnalités – et les jeunes enfants – les cinq fabuleux s'entendent sans trop exagérer.

Faites défiler vers le bas pour certaines de nos photos préférées des enfants et des chiots. Ensuite, suivez-les sur Instagram pour encore plus de leurs ébats.

Mame et son frère Mugi ont trouvé les meilleurs amis dans leurs compagnons caniche géants nommés Riku, Gaku et Qoo.

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My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de @ tamanegi.qoo.riku.

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Vous pouvez obtenir un masque personnalisé de votre propre visage pour qu'il semble que vous n'en portiez pas

Masque propre par Maskalike alias Danielle Baskin

Le port de masques protecteurs fait désormais partie de la «nouvelle norme» et les créateurs du monde entier vendent des revêtements en tissu de qualité non médicale qui nous permettent d'exprimer de manière colorée notre personnalité. Cependant, si vous vous ennuyez de vos masques unis ou à motifs et que vous voulez simplement montrer votre joli visage, la designer de San Francisco, Danielle Baskin, a peut-être une solution originale. Elle est la créatrice de Maskalike, une entreprise qui imprime votre propre visage sur des revêtements en tissu – et ils sont étrangement réalistes.

Baskin conçoit toutes sortes «d'articles dystopiques à la mode», y compris une collection de masques respiratoires N95 qui fonctionnent avec un logiciel de reconnaissance faciale, et QuarantineChat – un service téléphonique crypté qui relie les personnes en quarantaine entre elles. La dernière gamme de masques en coton lavables en machine de Baskin peut être commandée sur mesure pour afficher l’image de votre choix, y compris votre propre visage. «Nous sommes un service qui imprime des images sur des masques protecteurs. Que ce soit une réplique de votre propre visage ou de votre mème préféré, nous nous soucions des détails », explique Baskin. «Nos masques sont sûrs de faire en sorte que les gens autour de vous fassent des prises doubles et passent une journée plus lumineuse.»

Baskin vend également un masque préimprimé qui présente l'image du mème «Hide the Pain Harold». "Votre mème préféré sur un masque protecteur", dit-elle. "Ayez l'air inconfortable en permanence tout en essayant d'être heureux et apportez l'énergie de Harold partout où vous allez." Le design hilarant est actuellement épuisé, mais gardez un œil sur le site Maskalike pour son retour.

Découvrez le masque facial de Baskin ci-dessous. Quand elle l'enlève, on dirait qu'elle se décolle le visage! Heureusement, son visage réel est toujours intact.

Danielle Baskin est la créatrice de Maskalike, une entreprise qui imprime votre propre visage sur des revêtements en tissu – et ils sont étrangement réalistes!

Elle a également créé un masque préimprimé qui présente l'image du mème «Hide the Pain Harold».

Masque propre par Maskalike alias Danielle BaskinMasque propre par Maskalike alias Danielle BaskinMasque facial par Maskalike alias Danielle Baskin

Vous pouvez même obtenir un masque facial «Getty Images», afin que personne ne puisse voler votre visage protégé par des droits d'auteur!

Danielle Baskin: Site Web | Instagram | Twitter | Patreon
Maskalike: Site Web

h / t: (totalement la bombe)

Toutes les images via Danielle Baskin / Maskalike.

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Ancienne église trouvée cachée sous les eaux du lac Iznik

Basilique sous-marine du lac Iznik, Turquie

Aujourd'hui, la ville turque d'Iznik est surtout connue pour ses superbes céramiques. Mais historiquement, c'était un centre culturel important pendant les périodes byzantine et paléochrétienne. Ces racines anciennes se sont manifestées en 2014 lorsqu'une basilique vieille de 1600 ans a été découverte submergée au bord du lac Iznik.

Incroyablement, les ruines antiques étaient passées inaperçues jusqu'à ce que des arpenteurs du gouvernement tombent sur eux. Pour le Dr Mustafa Şahin, chef de l'archéologie à l'Université Bursa Uludağ, c'était une surprise. «Quand j'ai vu les images du lac pour la première fois, j'ai été assez surpris de voir une structure d'église aussi clairement», se souvient-il. "Je faisais des enquêtes sur le terrain à Iznik (depuis 2006), et je n'avais pas découvert une structure aussi magnifique comme ça."

En 2015, le Dr Şahin a dirigé une équipe dans une excavation sous-marine pour en savoir plus sur cette basilique, qui s'étend de six à 10 pieds sous l'eau et 165 pieds au large. L'équipe a pu en apprendre un peu plus sur l'église paléochrétienne lors de leur fouille. Non seulement ils ont daté la basilique de la fin du IVe siècle ou du début du Ve siècle de notre ère, mais ils ont appris qu'elle était très probablement construite sur une structure préexistante.

Basilique sous-marine du lac Iznik, Turquie

C'était une pratique courante à l'époque et expliquerait pourquoi le plancher était à l'origine 1,6 pied plus bas que les murs. Ils n'ont également trouvé aucune preuve de sols en mosaïque ou en pierre, ce qui a conduit les chercheurs à croire que la structure existante avait probablement un sol en terre ou en bois. Ils ont également trouvé plusieurs tombes sur place, ainsi que les squelettes de plusieurs jeunes enfants et d'un adulte d'âge moyen.

Les enterrements sur le site auraient été courants à l'époque, en raison du lien étroit entre l'église et Saint-Néophytos. Ce saint a été martyrisé à Nicée quand il a refusé de faire un sacrifice aux dieux païens sous les ordres du gouverneur. On pense que la basilique, qui a été construite à l'extérieur des murs de la ville, se trouve sur le site de la tombe de Saint-Néophytos et il n'était pas rare que les fidèles veuillent que leurs tombes soient proches de celles d'un saint.

Alors que les archéologues poursuivent leur travail, ils cherchent à percer un autre mystère. Le Dr Şahin pense que le bâtiment sur lequel se trouve l'église pourrait être un temple païen dédié à Apollon. Les archives anciennes montrent que l'empereur romain Commode a construit ce temple à Nicée juste à l'extérieur des murs de la ville. Des fouilles ont permis de trouver des pièces et des fragments de lampes anciennes qui datent correctement de la construction du temple.

Alors que les archéologues poursuivent leurs recherches, il est prévu de transformer le site en musée sous-marin afin de donner à plus de gens la chance de voir cette merveille engloutie.

En 2014, les chercheurs ont découvert une ancienne basilique submergée dans le lac Iznik en Turquie.

Ancienne basilique coulée sous l'eau en TurquieAncienne basilique coulée sous l'eau en Turquie

h / t: (Science en direct, Revue d'archéologie biblique)

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Dr Mustafa Şahin.

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Regardez comment les gens réagissent en voyant la Lune à travers un télescope de grande puissance

Court métrage sur la lune

Voir la Lune dans le ciel nocturne n'a rien de nouveau. Vous avez sans aucun doute été témoin d'innombrables fois du satellite de la Terre, mais l'avez-vous déjà vraiment regardé? Quand vous regardez le court-métrage de Wylie Overstreet et Alex Gorosh intitulé Une nouvelle vue de la lune, vous aurez l'impression que peut-être vous ne le savez pas aussi bien que vous pensez que vous le faites. Et une fois que vous le regardez à travers la lentille droite, le corps céleste est vraiment un spectacle à voir.

La vidéo de trois minutes montre Gorosh transportant son télescope de haute puissance dans les rues de Los Angeles. "Une nuit, je me suis ennuyé dans mon appartement et j'ai décidé de sortir mon télescope sur le trottoir", explique-t-il au début du film. En le déplaçant en public, des personnes curieuses commencent à l'approcher et Gorosh les invite à jeter un coup d'œil dans le viseur.

Les passants sont impressionnés par ce qu'ils voient. "Oh mon Dieu!" est la réponse la plus populaire. "Vous pouvez voir les cratères!" s'exclame un autre spectateur. "Je n'ai jamais vu ça auparavant", se demande quelqu'un d'autre. Cela montre que, bien que la Lune soit une partie omniprésente de notre ciel, il est difficile de comprendre à quoi elle ressemble jusqu'à ce que vous ayez l'occasion de la voir à travers un télescope de grande puissance.

À la fin du film, Gorosh réfléchit aux raisons pour lesquelles les gens ont réagi avec tant d'enthousiasme. "Cela vous fait réaliser que nous sommes tous sur une petite petite planète, et nous avons tous la même réaction aux univers dans lesquels nous vivons", dit-il. "C'est un rappel que nous devons rechercher plus souvent."

Faites défiler pour regarder Une nouvelle vue de la lune et ressentez l'excitation de voir ce beau rocher dans le ciel.

Regardez comment les gens réagissent en voyant la Lune dans un télescope de grande puissance dans le court métrage Une nouvelle vue de la lune.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=XCrJ3NflOpE (/ intégré)

Alex Gorosh: Site Web
Wylie Overstreet: Site Web | Instagram

Toutes les images via YouTube.

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6 artistes contemporains de la peinture sur verre qui perpétuent l'art ancien

Artistes de peinture sur verre

Photo: Stock Photos de DangBen / Shutterstock
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Qu'il soit soufflé, moulé, découpé ou coloré, le verre a des possibilités artistiques infinies. Le matériau a été adopté par les anciens Égyptiens qui l'ont utilisé pour créer des bibelots et des perles colorées. À partir du 1er siècle, les Romains ont utilisé le verre pour créer des vases décoratifs et des mosaïques. Cependant, ce n'est qu'au Moyen Âge que les artisans ont commencé à peindre le matériau transparent avec des pigments colorés pour créer des designs de vitraux vibrants.

Traditionnellement utilisé pour décorer les fenêtres des cathédrales européennes, l'art de peinture sur verre a parcouru un long chemin depuis ses débuts. Aujourd'hui, les artistes pratiquent encore ce métier séculaire, souvent avec leur propre touche moderne.

Une brève histoire de la peinture sur verre

Développé pour la première fois en Allemagne au 9ème siècle, l'art du vitrail a été principalement trouvé dans les églises. Au 17ème siècle, la demande de verre coloré a augmenté de façon spectaculaire, car de nombreuses cathédrales gothiques ont adopté la forme d'art comme un moyen d'illustrer des scènes de la Bible à une foule analphabète. Les tout premiers motifs étaient abstraits et comprenaient de nombreux morceaux de verre coloré, les artistes n'ayant pas les outils nécessaires pour créer des formes figuratives. Cependant, au moyen âge, les artistes du vitrail maîtrisaient l'artisanat et les peintures sur les fenêtres devenaient plus grandes et plus élaborées.

Au XVIe siècle, des pigments d'émail spéciaux ont donné naissance au type de peinture sur verre que nous connaissons aujourd'hui. Les couleurs peuvent être mélangées et appliquées comme n'importe quelle autre peinture, ce qui permet une plus grande créativité. Aujourd'hui, les artistes travaillant le verre peuvent choisir parmi une multitude de peintures à base d'eau et d'huile et une panoplie d'outils. Non seulement cela, mais ils choisissent de peindre sur bien plus que des fenêtres plates, et leurs sujets vont au-delà du symbolisme religieux. Les artistes contemporains de la peinture sur verre transforment des objets en trois dimensions tels que des verres à vin et d'autres objets en de beaux objets décoratifs qui présentent toutes sortes de designs.

Artistes contemporains de peinture sur verre

Vitraaze

L'artiste ukrainien de peinture sur verre Vita (de Vitraaze) crée des tasses, des théières, des verres à vin et plus encore qui sont peints à la main avec des motifs inspirés de la nature. Chaque pièce est non seulement jolie, mais est également fabriquée avec de la peinture non toxique puis thermodurcie afin que les motifs ne se détachent pas au lavage, ce qui les rend également très fonctionnels! «J'adore l'idée que je crée non seulement quelque chose de beau mais aussi d'utile», explique Vita. «J'espère que mes œuvres seront utilisées et aimées et apporteront beaucoup d'énergie positive et de sourires dans vos vies.»

Si vous aimez les créations d'art en verre colorées de cette artiste, vous pouvez acheter sa vaisselle unique sur Etsy.

Artistes de peinture sur verreArtistes de peinture sur verre

Milica Dimitrova

L'artiste bulgare Milica Dimitrova a commencé à travailler avec le verre en 2010 lorsqu'elle a été inspirée pour créer un design décoratif pour son propre espace de vie. «J'ai été très impressionnée par l'élégance de ce matériau», dit-elle. «Ses qualités profondes et transparentes; sa sophistication et sa diversité profondes; et sa capacité inhérente à transmettre un message significatif à travers une belle gamme de couleurs. " Aujourd'hui, elle crée des horloges en verre artisanales incroyables qui sont peintes des deux côtés avec de la peinture acrylique. Inspirée par la nature, ses créations accrocheuses célèbrent souvent les 4 saisons.

Vous pouvez acheter votre propre horloge de sa collection sur Etsy.

Artistes de peinture sur verreArtistes de peinture sur verre

Galerie d'art Sun Glass

Inspirée par la façon dont la lumière du soleil interagit avec le verre coloré, l'artiste ukrainienne Nata (alias Sun Art Glass Gallery) fabrique à la main un art du verre vibrant conçu pour être accroché à côté d'une fenêtre. «Je suis enthousiaste à l'idée de travailler avec lui car ces dégradés de couleurs sont magnifiques», explique l'artiste. "Et je suis incroyablement heureux de savoir et d'imaginer que mes créations sont accrochées chez vous." Des oiseaux aux fleurs, le portefeuille toujours croissant de Nata célèbre son amour de Mère Nature.

Vous pouvez acheter les magnifiques «capteurs de soleil» de Nata sur Etsy.

Artistes de peinture sur verreArtistes de peinture sur verre

Dobriela Koeva

L'artiste bulgare en verre teinté Dobriela Koeva crée des tentures murales colorées inspirées de la nature qui célèbrent son amour de la nature et l'artisanat de la peinture sur verre. Chacune de ses pièces regorge de beaux détails et a sa propre histoire à raconter.

L'art du verre fait main de Koeva est actuellement disponible sur Etsy.

Artistes de peinture sur verreArtistes de peinture sur verre

Artanett

L'artiste russe Artanett transforme des objets ordinaires tels que des verres à vin et des babioles en œuvres d'art décoratives. Chaque design inspiré de la nature est délicatement peint à la main avec un pigment coloré et non toxique. Trouvez plus de son portfolio sur Instagram.

ISAURE

L'artiste française ISAURE, 20 ans, utilise le verre comme toile pour peindre ses portraits expressifs. Elle a d'abord expérimenté la peinture sur une surface claire et brillante lorsqu'elle était coincée en quarantaine sans toiles traditionnelles. L'artiste ingénieuse privilégie désormais le verre et la peinture à l'huile pour ses études faciales rapprochées. Retrouvez plus de son travail sur Instagram.

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Les aquarelles éthérées évoquent la fluidité insouciante des eaux d'un bleu profond

Peintures bleues Yuliya Martynova

Chaque été, les gens affluent vers les lacs et les plages à la recherche de la sérénité que l'eau apporte. L'artiste londonienne Yuliya Martynova capture la tranquillité idéalisée des jours de l'océan paresseux dans sa série de peintures abstraites à l'acrylique et à l'aquarelle.

La série, intitulée Blue Bay, se concentre sur les vues aériennes des marinas parsemées de bateaux. Martynova combine la fluidité du médium aquarelle avec l'opacité de l'acrylique pour créer ces images. «Je me souviens clairement d'avoir eu le moment de l'ampoule lorsque mon œil a attrapé un coup de pinceau blanc sur un bleu profond et que le petit bateau flottant et l'ombre ont pris vie», se souvient l'artiste à My Modern Met. Alors que les taches aquatiques de diverses teintes bleues imitent le lent mouvement de l'eau, les voiliers blancs immaculés se distinguent comme des sujets relaxants pour que l'œil se repose.

Martynova a passé beaucoup de temps à expérimenter différents médiums avant de décider que l'aquarelle représentait le mieux la profondeur de l'océan. De plus, l'artiste est déterminée par la taille de son travail. Blue Bay les images sont toutes peintes sur de petites et moyennes toiles pour rendre les mondes maritimes monochromes plus personnels et immersifs pour les téléspectateurs.

Vous pouvez posséder des œuvres de la Blue Bay en visitant la boutique en ligne de Martynova.

L'artiste Yuliya Martynova explore la sérénité de l'eau dans ses peintures marines.

Peintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya Martynova Peintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya Martynova

Sa Blue Bay la série se concentre sur les vues aériennes des marinas.

Peintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya Martynova

Les peintures sont minimalistes – montrant des zones sporadiques de bleus profonds et des voiliers occasionnels.

Peintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaPeintures bleues Yuliya MartynovaYuliya Martynova: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Yuliya Martynova.

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Un officier de navire de charge capture de superbes clichés de la Voie lactée au milieu de l'océan

Voie lactée depuis un cargo par Santiago Olay

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Le jour, Santiago Olay travaille comme officier de pont sur un grand cargo. Mais la nuit, il explore sa passion pour la photographie en prenant des images incroyables du ciel. Combattre les vibrations et les mouvements, Olay a mis au point une configuration qui lui permet de repartir avec de belles photos de la Voie lactée.

L'Espagnol a développé un intérêt pour la photographie dès son plus jeune âge grâce à son père, un véritable homme de la Renaissance qui était un ingénieur de métier, mais a tâté dans de nombreux domaines. Après être passé à la photographie numérique il y a plusieurs années, Olay a acheté un Nikon D750, qui l'accompagne désormais lors de ses voyages en mer. En pleine eau, il pointe souvent son objectif vers le ciel nocturne et les étoiles.

Bien que les images d'Olay soient vraiment spectaculaires, capturer ce type d'astrophotographie à longue exposition sur l'eau n'est pas une tâche simple. "La partie la plus difficile de la prise de vue de ce type de longues expositions est que vous devez faire face aux mouvements inhérents au navire et aux vibrations produites par le système de propulsion", partage le photographe qualifié avec My Modern Met. «Pour faire face à cela, il n'y a que peu de choses que vous pouvez faire. Vous devez attendre
les conditions météorologiques appropriées, ajustez la vitesse d'obturation en fonction des mouvements résiduels du navire et des conditions du ciel, et prenez autant de photos que possible.

Pour aider à minimiser les mouvements, Olay tient l'appareil photo d'une main pendant qu'il est monté sur un trépied. Cela lui permet d'amortir les vibrations tout en lui donnant de la souplesse dans la composition des photographies. Bien qu'il puisse également accomplir cela en renonçant au trépied et en appuyant la caméra contre une surface solide, il note que la conception du navire limite les positions de ces surfaces et donc ses choix de composition seraient assez limités.

Voie lactée depuis un cargo par Santiago Olay

Olay est également limité à certaines zones du bateau lors de tournages de nuit, pour des raisons de sécurité. «Nous sommes sur un cargo dangereux, je ne peux donc utiliser l'appareil photo que depuis une zone non dangereuse», explique-t-il, «qui est désigné au moyen d'un plan spécifique pour les zones dangereuses, et même dans ce cas, j'utilise un détecteur de gaz portable uniquement pour rester du bon côté. "

Avec quoi Olay est capable de s'en sortir, étant donné ses limites, est incroyable. Et pendant qu'il commençait à prendre ces photos pour les envoyer à ses amis et à sa famille, il a vu la réaction positive qu'ils ont gagnée et cela l'a amené à en montrer plus au public. Maintenant qu'il commence à publier régulièrement sur Instagram, il a également vu une belle connexion entre son travail et son passe-temps.

«J'aime l'idée que les gens en sachent un peu plus sur nous les gens de mer et notre vie à bord, car nous sommes également un maillon important de la chaîne d'approvisionnement», partage Olay. «Notre métier est souvent moins connu et toujours soumis à de vieux mythes, légendes et stéréotypes, très éloignés de la vie à bord de nos jours. Une fois qu'ils ont vu les photos, beaucoup de gens sont curieux et vont poser des questions sur notre vie à bord et des choses de ce genre, et j'essaie de répondre et de les expliquer le plus gentiment possible. Leur réponse est toujours très agréable et gentille, donc ma satisfaction est double, car ils apprécieront mes photos mais j'aime aussi l'interaction. »

Les commentaires positifs ont également poussé Olay à continuer sa photographie à bord et à pousser ses compétences, nous sommes donc sûrs de continuer à voir des photos éblouissantes dans son flux Instagram.

Santiago Olay travaille sur un cargo le jour; et la nuit, il explore sa passion pour la photographie.

Voie lactée depuis un cargo par Santiago OlayVoie lactée depuis un cargo par Santiago Olay

Ses belles photos de la Voie lactée sont un exploit incroyable compte tenu des mouvements du bateau.

Astrophotographie sur un navireVoie lactée depuis un cargo par Santiago OlayVoie lactée depuis un cargo par Santiago OlayGalaxie de la voie lactée

Santiago Olay: Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Santiago Olay.

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L'artiste utilise l'évier comme toile pour des aquarelles extraordinaires

Aquarelles dans l'évier de Marta Grossi

La directrice artistique et artiste Marta Grossi venait de déménager à Milan lorsque la pandémie de coronavirus a obligé l'Italie à mettre le pays en lock-out. Piégée à l'intérieur et incapable de voir sa famille, elle a commencé un nouveau projet créatif pour rester en bonne santé mentale et physique. Chaque jour, Grossi a utilisé son évier comme toile pour de belles aquarelles éphémères.

«Aujourd'hui plus que jamais, nous devons rester positifs et trouver la beauté même dans les endroits inattendus», explique Grossi. COVID-19 et les rappels de santé scrupuleux ont eu un impact sur la façon dont beaucoup de gens voient les éviers. L'artiste italien les qualifie de «compagnons silencieux» lors de cet événement sans précédent. En fait, Grossi a commencé à peindre dans son évier par nécessité, lorsqu'elle a manqué de papier à dessin et n'a pas pu acheter de nouvelles fournitures au magasin. Alors, réfléchissant sur ses pieds, elle a vu la porcelaine blanche éclatante de son évier comme une opportunité pour un autre type d'art.

Grossi étend son imagination à des endroits au-delà des limites de son appartement et utilise sa brosse pour remplir l'évier avec des rendus colorés de papillons, de fleurs, de feuilles et d'animaux. «Chaque jour, je peins (un nouveau sujet) avec des aquarelles et après 24 heures, je laisse l'eau détruire l'œuvre d'art», dit-elle. La courte durée de vie de cette œuvre fait partie du processus. Une fois qu'elle a terminé la peinture du jour, Grossi la documente avec son téléphone. Puis, quand il est temps d'essuyer l'ardoise, l'artiste italien enregistre une vidéo de la façon dont l'eau efface les couches délicates de peinture en savourant la fin de chaque illustration éphémère.

Faites défiler vers le bas pour voir plus des peintures fantastiques de l'évier de Grossi et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste italienne Marta Grossi utilise son évier comme toile pour de magnifiques aquarelles.

Aquarelles dans l'évier de Marta Grossi

Elle a commencé à travailler sur la série lorsque l'Italie a été mise en lock-out et qu'elle n'a pas pu quitter son appartement…

Aquarelles dans l'évier de Marta Grossi

Quand Grossi a manqué de papier à dessin, elle a décidé de remplir son évier avec des peintures.

Aquarelles dans l'évier de Marta Grossi

Bien que chaque pièce ne dure qu'une journée, l'artiste affirme que l'éphéméralité fait partie du processus thérapeutique.

Aquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta GrossiAquarelles dans l'évier de Marta Grossi

Regardez cette vidéo inversée pour voir comment l'eau lave la peinture…

Marta Grossi: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Marta Grossi.

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Une rare «ceinture de feu» éclipse solaire ornera le ciel ce week-end

Eclipse solaire annulaire 2012

Éclipse solaire annulaire de 2011. (Photo: NASA)

Nous avons tous entendu parler d'une éclipse solaire, mais savez-vous éclipse solaire annulaire est? Sinon, c'est le moment d'apprendre, car cette rare gâterie ornera le ciel ce week-end. Il est visible à travers l'hémisphère oriental, où les observateurs d'étoiles le long de son chemin pourront profiter de cet «anneau de feu».

L'éclipse annulaire de 2020 commencera le 21 juin à 4 h 47 UTC et culminera environ deux heures plus tard à 6 h 40 UTC. L'événement complet se terminera en un peu moins de quatre heures à 8:32 UTC. Pendant ce temps, ceux qui vivent sur son chemin verront la Lune se déplacer directement devant le Soleil. Cependant, contrairement à une éclipse totale, la Lune n'est pas assez grande pour tout couvrir. Cela conduit à un «anneau de feu» sur les bords alors que le soleil brille le long des bords.

Ce type d'éclipse solaire se produit lorsque la Lune est aussi éloignée que possible de son orbite depuis la Terre. Cela le fait apparaître plus petit par rapport au Soleil et laisse les bords du Soleil légèrement découverts. La dernière éclipse solaire annulaire s'est produite en décembre 2019, visible à travers le Moyen-Orient et l'Asie du Sud-Est.

Eclipse solaire annulaire 2019

Eclipse solaire annulaire du 19 décembre vue de Doha, Qatar. (Photo: banque de photos de Furcoi Sorin / Shutterstock)

Cette fois-ci, les téléspectateurs d'Afrique centrale, de la péninsule arabique australe, du Pakistan, du nord de l'Inde et du sud de la Chine auront la meilleure vue de l'éclipse solaire annulaire. Ceux qui vivent en Europe du Sud et de l'Est, en Asie, en Afrique et en Australie du Nord pourront toujours profiter de l'éclipse partielle.

Comme chaque emplacement aura une bonne vue de l'éclipse pendant environ 30 à 90 secondes, il est important de bien planifier votre visionnement. La NASA a une excellente carte qui vous aidera à planifier votre fête d'observation. Bien sûr, il est fondamental de s'assurer que vous vous protégez si vous prévoyez de regarder l'éclipse solaire annulaire. Comme pour toute éclipse solaire, vous aurez besoin de lunettes de vue spéciales pour protéger vos yeux.

Si vous n'êtes pas sur le chemin d'observation de l'éclipse et que vous ne pourrez pas voyager pour le voir, vous devrez attendre l'année prochaine pour avoir un aperçu. La prochaine éclipse solaire annuelle aura lieu le 10 juin 2021 et traversera le nord du Canada, le Groenland et le nord-est des États-Unis.

h / t: (CNN, Science Alert)

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String Art par Ben Koracevic

À première vue, l'illustration détaillée de Ben Koracevic, basé à Londres, semble avoir été rendue au crayon graphite. Cependant, un examen plus approfondi révèle que ses portraits de personnes et d'animaux sont en réalité réalisés avec de la ficelle.

À l'aide de milliers de clous soigneusement positionnés sur une toile blanche vierge, Koracevic passe d'innombrables heures à enrouler méticuleusement de longues longueurs de ficelle noire autour des boulons métalliques. Dans les grandes œuvres, un seul morceau de ficelle peut mesurer jusqu'à près de 2 500 mètres (environ 8 200 pieds) de long. Au fil du temps, chaque pièce prend vie sous la forme d'un dessin complexe, où la profondeur et le ton sont obtenus en croisant le fil sur lui-même. Plus la corde passe sur une zone, plus la tonalité est sombre et opaque.

Souvent passant jusqu'à 500 heures sur un seul portrait, Koracevic dit que la clé de son travail est «Persistance, Passion, Patience». L'artiste autodidacte est animé par sa passion de repousser les limites de son métier. Il déclare: «Créer l'émotion et l'expression à partir de cette forme d'art rare est un défi constant. Cela me motive à produire des œuvres d'art aux détails uniques qui sont consommées avec des heures de fierté et de plaisir. »

Des portraits d'animaux majestueux aux représentations photoréalistes de célébrités, chacun des chefs-d'œuvre de cordes de Koracevic est incroyablement détaillé. Si vous voulez apprécier de près la complexité de ces œuvres, vous pouvez voir une sélection organisée du portefeuille de Koracevic à THE LINE Contemporary Art Space à Londres du 2 juillet au 30 octobre 2020.

Découvrez quelques-uns des fantastiques arts de la chaîne de Koracevic ci-dessous.

L'artiste Ben Koracevic crée des portraits incroyablement détaillés de personnes et d'animaux à partir de ficelle.

Il passe d'innombrables heures à enrouler méticuleusement de longues longueurs de ficelle noire autour d'ongles soigneusement positionnés sur la toile.

String Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben Koracevic

Au fil du temps, chaque pièce prend vie sous la forme d'un dessin entrecroisé complexe.

String Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicString Art par Ben KoracevicBen Koracevic / The String Art Guy: Site Web | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Ben Koracevic / The String Art Guy.

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Les gens partagent des photos visuellement attrayantes des cycles de vie des baies

Nous savons tous que la nature est belle, mais si vous avez besoin d'un rappel, consultez Twitter. C’est là que @AlfieDaye partagé un intéressant photo du cycle de vie d'une mûre. Dans une image visuellement attrayante, Alfie est en mesure de nous rappeler à quel point la nature est vraiment incroyable.

En exposant la croissance d'une mûre, du bourgeon à la fleur au fruit, il nous a tous ramenés à l'école. Compte tenu de la popularité du tweet, il semble que beaucoup de gens étaient ravis de réfléchir à la nature. En fait, depuis que Alfie a tweeté sa photo pour la première fois le 16 juin, elle a déjà été aimée un million de fois et retweetée par plus de 163 000 personnes.

La transformation étonnante est une transformation qui se répète avec beaucoup de fruits différents, que les gens ont commencé à partager dans le fil. Les fraises et les bleuets étaient partagés, ainsi que les grains de café et même une mûre mexicaine. Toutes ces baies fonctionnent de la même manière, avec des fleurs qui mûrissent finalement dans les délicieuses friandises que nous aimons. Dans le cas du café, les cerises de café que la plante produit sont ce que recherchent les cultivateurs. Enterré dans les cerises sont des grains de café précieux qui sont ensuite traités et finissent par nous donner notre dose de caféine.

Bien sûr, ces plantes ne font pas tout cela seules. Ils ont besoin de l'aide de plusieurs autres animaux pour les aider à répandre leurs graines et éventuellement à devenir des fruits. Les oiseaux, les écureuils, les cerfs et les ours aident tous en mangeant les fruits mûrs puis en dispersant les graines à travers leurs excréments. Et, bien sûr, rien ne serait possible sans les abeilles qui pollinisent les fleurs de la plante. Ce sont ces fleurs pollinisées qui se transformeront lentement en fruits luxuriants que nous apprécions tous.

Alors asseyez-vous et profitez de photos incroyables qui vous feront apprécier les merveilles du monde naturel.

Sur Twitter, les gens ont partagé des photos visuellement satisfaisantes du cycle de vie des baies.

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Des claquements de mains géants sont projetés dans le monde pour dire «merci»

I Clap For par Ian Berry

L'artiste Ian Berry n'est pas étranger à travailler avec le denim. Son vaste portefeuille d'art témoigne de son habileté à transformer le tissu robuste en une multitude de scènes visuelles multicouches – d'une laverie garnie de machines à une vue sur la piscine d'un hôtel californien à une installation de «jardin secret» remplie avec feuillage denim. Au milieu de la pandémie mondiale, cependant, il a opté pour une image plus simple avec un sens sans doute plus profond: une paire de mains qui battent des mains.

Inspiré par la façon dont ses compatriotes londoniens et d'autres au Royaume-Uni ont applaudi tous les soirs à 20 heures pour les travailleurs de première ligne, Berry a décidé de créer une puissante manifestation de solidarité avec les travailleurs essentiels sous la forme de mains, tout en utilisant son médium de choix préféré. Cette pièce était particulièrement spéciale car il a collaboré avec son fils de six ans, Elliott. Le garçon a pris des photos des mains de son père, qui ont ensuite été traduites en denim. Cela a commencé comme un moyen pour le duo d'envoyer un message de gratitude et de répandre l'amour à la famille et aux amis via des cartes imprimées, mais il est devenu beaucoup plus.

Pompiers avec I Clap For Projection

Londres

Plus qu'une simple œuvre d'art, Berry a transformé cette pièce collaborative en une campagne intitulée Je tape pour, avec l'intention de partager son sentiment sincère à travers le monde. «Cela a commencé par une idée entre père et fils», explique Berry. "Maintenant, le but de" I Clap For "est de créer une plate-forme pour créer une communauté et un message de remerciement pendant la pandémie de COVID-19 et continuer au-delà de ce moment pour se souvenir tout de ceux qui ont risqué leur vie en première ligne. »

Berry a réussi à impliquer le monde entier dans son spectacle artistique de gratitude, grâce à l'idée d'Elliott d'utiliser un projecteur. Les deux ont commencé par rayonner l'image de battements de mains depuis leur balcon à Londres. À partir de là, il a décollé et est maintenant projeté dans tout le Royaume-Uni – d'Édimbourg à Manchester à Plymouth – et au-delà, y compris aux États-Unis, au Mexique, en Italie, en Suède et au Brésil. Pour le rendre encore plus collaboratif, Je tape pour a lancé un site Web où les gens du monde entier peuvent soumettre pour qui ils applaudissent. Cet élément interactif se manifeste par des projections numériques ou simplement en vivant sur le site Web du projet inspirant.

J'applaudis pour les infirmières sur Angel of the North

Ange du Nord

En plus de I Clap For, Berry a maintenant inclus ses mains dans une initiative appelée #PinYourThanks. C'est une autre façon pour les gens de montrer leur gratitude aux travailleurs de première ligne, en particulier ceux du Royaume-Uni. #PinYourThanks a demandé à un certain nombre d'artistes et de célébrités de concevoir des épingles (appelées «La médaille du peuple») qui sont maintenant vendues au public dans le but de remercier et de collecter des fonds pour des œuvres de bienfaisance comme NHS Charities Together. L'épinglette des mains de Berry est rejointe par des créations de Keira Knightley, Ringo Starr, David James, etc.

Pour acheter votre propre épingle, rendez-vous sur le #PinYouThanks site Internet. Et même si les applaudissements à 20 heures ont pris fin au Royaume-Uni, Je tape pour a encore plus de gratitude à promouvoir. Le projet devrait avoir un rappel le 5 juillet. Si vous avez un projecteur et un endroit sûr pour projeter, vous pouvez télécharger le fichier pour projeter sur Je tape pourLe site Web de.

Ian Berry et son fils Elliott, 6 ans, ont créé une brillante façon de dire «Merci» aux travaux de première ligne au milieu de la pandémie mondiale.

Ils ont transformé les battements de mains de Berry en un magnifique symbole de gratitude qui est maintenant projeté partout dans le monde.

Projection des mains battantes

Brixton

Projection des mains en denim

Cardiff

Mains frappantes géantes

Londres

Projection de claquement de main

Edinbourg

J'applaudis les travailleurs sociaux sur Angel of the North

Ange du Nord

J'applaudis pour les enseignants sur Angel of the North

Ange du Nord

I Clap for par Ian Berry

Boston, États-Unis

J'applaudis pour une projection au Brésil

Brésil

Je frappe pour la projection

Bristol

Projection des mains battantes

Greenwich

Projection de claquements de mains dans le Loch Ness

Loch Ness

J'applaudis pour projection à Manchester

Manchester

Battements de mains pour les travailleurs de première ligne

Blackpool

Ce geste symbolique est également une épinglette dans un effort pour amasser des fonds pour des organismes de bienfaisance bénéficiant aux travailleurs de première ligne.

Les autres contributeurs incluent, l'icône musicale Ringo Starr…

Footballeur David James…

… Et l'acteur Keira Knightley

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Portrait technique mixte par Nneka Jones

"Champ de tir"

L'artiste Nneka Jones crée des portraits mettant en valeur des femmes de couleur qui ont subi des injustices dans le monde. Certains abus sont manifestes tandis que d'autres sont ancrés dans le tissu de notre société et sont donc souvent négligés. Mais pour les gens dans ses techniques mixtes et ses portraits brodés, les effets sont traumatisants. Les femmes et les filles noires représentées dans le travail de Jones sont victimes d'abus sexuels et de trafic sexuel.

Les éléments circulaires sont un motif de conception audacieux dans le travail de Jones; mais, plus important encore, ce sont des symboles puissants. Nous pouvons reconnaître leur signification en un instant. Les cercles concentriques sont représentés de différentes manières. Certaines pièces ont une cible de champ de tir qui se trouve au centre du visage des enfants. Ce placement explique comment les jeunes filles de couleur sont considérées comme des cibles.

Autres œuvres, faisant partie de Jones ’ Cibles panachées série, utilisez un œil de bœuf pour «tirer parti des problèmes sociaux des femmes de couleur considérées comme des cibles sexuelles, physiques, émotionnelles et verbales». Alors qu'ils sont victimes, Jones a décidé d'imprégner le symbole d'une signification alternative à mesure que la série grandissait. Le motif est une façon de célébrer l'essence de ces femmes noires qui ont continué à vivre malgré un monde dangereux.

Nous avons eu l'occasion de parler avec Jones de ses portraits puissants – ainsi que de la prochaine étape pour la récente diplômée de l'université. Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Portrait technique mixte par Nneka Jones

«Champ de tir daltonien»

Vous «peignez sans peinture» et intégrez beaucoup de broderie dans votre travail. Quelle a été l'inspiration pour cette utilisation de la combinaison de ces deux matériaux?

La création d'œuvres d'art à l'aide de la broderie n'a jamais été une pensée dans mon esprit il y a plus d'un an. Je dirais toujours à tous ceux qui me demandent que je veux être artiste et peintre pour être exact. Après avoir pris la décision de quitter ma famille et mes amis et de poursuivre mes études d'art aux États-Unis, j'ai trouvé ma nouvelle maison à l'Université de Tampa en tant que majeure en art. C'est en troisième année que j'avais suivi un cours de peinture expérimentale qui avait mis les élèves au défi de dépasser la surface de la toile.

Mon professeur voulait que nous créions une peinture sans utiliser de peinture, et je ne savais pas comment j'allais faire ça, surtout avec l'ironie de ma volonté de devenir peintre. J'ai recherché différents matériaux pendant quelques heures, mais le fil à broder semblait être le plus intéressant. Je savais que j'allais tenter de faire un portrait, mais j'ai décidé de m'utiliser au cas où quelque chose se passerait mal et d'éviter d'offenser qui que ce soit. Alors oui, ma première peinture, sans peinture, était un simple autoportrait et le seul endroit où j'avais utilisé de la peinture était le fond; mes traits, mes yeux, mon nez, mes lèvres, mon bandage et mes bijoux étaient tous constitués de milliers de points à la main.

Portrait technique mixte par Nneka Jones

"Lumière jaune"

La broderie est un art méticuleux. Lors de la création de vos portraits, comment l'acte du «slow craft» vous a-t-il fait considérer les sujets que vous représentez?

Les sujets de mon œuvre sont toujours soigneusement planifiés et recherchés avant de créer l'œuvre d'art réelle. Je me considère comme une artiste activiste, une artiste qui utilise son art pour communiquer avec les téléspectateurs et exigeant une sorte de réaction, d'émotion ou de conversation. Une fois que j'ai commencé à assembler cette image, je commence à raconter une histoire. Je commence toujours par les yeux de l'individu et je me dirige vers l'extérieur pour développer la silhouette. Cela aide à me rappeler pourquoi je crée la pièce et avec chaque point supplémentaire et chaque heure que je passe à travailler sur les pièces, c'est symbolique des longues heures, jours, semaines, mois et années que ces femmes et ces filles ont a dû endurer la douleur et l'injustice.

Mixed Media Portrait of a Black Women par Nneka Jones

"Lumière verte"

Mixed Media Portrait of a Black Girl par Nneka JonesMixed Media Portrait of a Black Girl par Nneka Jones

«Feu vert» (détail, travaux en cours)

Vous utilisez l'oeil de boeuf comme un moyen de symboliser une cible – dans ce cas, les filles et les femmes de couleur sont considérées comme une seule. Comment le symbole change-t-il tout au long de votre travail, selon qui il est apposé?

Au début, lorsque j'ai commencé à travailler dans la broderie et d'autres médias mixtes, le symbole cible bull-eye a mis l'accent sur la victimisation dans chaque pièce. Je voulais que le spectateur regarde directement dans les yeux de la jeune fille et expérimente l'innocence dans leurs yeux par rapport aux dures réalités auxquelles ils sont confrontés, émotionnellement, physiquement, sexuellement. J'ai commencé avec le simple symbole gravé sur leurs visages et j'ai commencé à passer à l'incorporation d'autres symboles pour communiquer le même message. Cela comprenait l'élimination de l'oeil de boeuf et l'utilisation de trous de balle, d'un jeu de fléchettes et de tests de daltonisme.

Cependant, plus je créais de travail, plus je réalisais que même si je voulais que mon travail sensibilise à ces injustices sociales impliquant des abus sexuels sur des jeunes femmes et filles, je voulais plus pour que mon travail s'y oppose. Je suis passé de la «création et de la représentation» de ces victimes à la capture de l'essence des femmes et des filles qui en ont assez et qui récupèrent maintenant ce qui leur appartenait au départ: leur corps, leurs opinions, leur beauté. Cela a conduit à la création du Cibles panachées série, mon travail de broderie le plus récent et le dernier travail réalisé à l'Université de Tampa.

Mixed Media Portrait of a Black Women par Nneka Jones

"Lumière rouge"

Les feux de circulation informent également votre travail. Pouvez-vous décrire leur signification dans vos pièces?

le Cibles panachées également connue sous le nom de Feu de circulation série, est utilisé pour arrêter les téléspectateurs dans leurs pistes et exiger leur attention, faisant juste celle d'un feu de circulation. J'utilise les couleurs, rouge, jaune et vert, chacune mettant en évidence une femme ou une jeune fille différente d'âges différents. Cette série visait à affirmer que les femmes et les enfants de tous âges sont touchés, pas seulement les jeunes filles. C'est celui dans lequel je développe des figures avec l'affirmation et le sens de l'autorité qui contrastent avec les visages innocents capturés dans ma série précédente. Ce ne sont plus des victimes. Ils sont là pour vous informer ainsi que tout le monde qu'il y a des problèmes de violence sexuelle, émotionnelle et physique qui existent dans la société, mais cela doit cesser maintenant. Par conséquent, les symboles cibles ne sont plus dominants dans cette série et sont davantage utilisés pour ajouter de la profondeur et de l'éclat aux couleurs vives.

Mixed Media Portrait of a Black Girl par Nneka Jones

«Cible de jeu de fléchettes»

Qu'espérez-vous que les téléspectateurs retirent de votre travail?

J'espère que les spectateurs pourront regarder au-delà de la surface texturée de la toile et du fait que les portraits sont brodés à la main. Je veux qu'ils réfléchissent vraiment aux symboles utilisés, aux expressions faciales, aux couleurs, à la composition et à la façon dont cela peut se rapporter au monde dans lequel nous vivons actuellement. Je veux qu'ils posent des questions, entament des conversations à ce sujet et enquêtent au-delà du simple fait d'être une œuvre d'art.

Sur quoi travaillez-vous maintenant? Quelque chose que vous pouvez partager avec nous?

Je travaille actuellement sur plus de portraits brodés à la main et bien que je ne sois pas en mesure de partager des images pour le moment, je suis ravi de voir la direction que prendra mon travail depuis mon diplôme et comment il se développera dans les années à venir.

Portrait technique mixte par Nneka Jones

Série «Cibles variées»

Portrait technique mixte par Nneka Jones

«Cible» (comprenant des préservatifs et de la peinture)

Mixed Media Portrait of a Black Girl par Nneka Jones

«Champ de tir daltonien» (comprenant des préservatifs et de la peinture)

Mixed Media Portrait of a Black Girl par Nneka Jones

«Quartier rouge» | «Quartier rouge II» (comprenant des préservatifs et de la peinture)

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10+ meilleurs ensembles de crayons de couleur pour les amateurs de livres à colorier et les artistes professionnels

Les meilleurs crayons de couleur pour les livres à colorier

Photo: Mehmet Cetin / Shutterstock
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Les crayons de couleur sont souvent associés à l'enfance, mais avec l'engouement des livres de coloriage pour adultes, il est clair que les adultes aiment aussi les utiliser. Cependant, ces outils peuvent faire bien plus que colorer les lignes intérieures. Les artistes utilisent régulièrement des crayons de couleur dans leurs dessins, car ils offrent un éventail de possibilités, en particulier dans leurs teintes. Bien que de nombreux ensembles professionnels incluent une multitude de belles couleurs, vous pouvez les superposer pour créer encore plus de dimension dans votre travail.

Déterminer les meilleurs crayons de couleur peut être un défi. En fin de compte, cela dépend de vos préférences personnelles, mais pour vous aider à démarrer sur la bonne voie, nous avons identifié certains des meilleurs crayons à essayer. Ces marques sont disponibles à l'achat en ligne, il est donc facile de tester quelques crayons différents sans se ruiner. Il est important de trouver vos favoris; en prenant le temps de perfectionner vos outils, vous rendrez la production de votre art plus agréable. Assurez-vous d'essayer vos crayons en utilisant ces techniques essentielles de crayon de couleur. Ils vous permettront de savoir si vous aimerez dessiner avec eux à long terme.

Vous cherchez des crayons à dessin en graphite? Nous vous avons couvert dans notre guide des meilleurs crayons à dessin.

Comment pouvez-vous dire la qualité des crayons de couleur?

Bien entendu, l'un des aspects les plus cruciaux est la couleur. Professionnel ou Artiste les fournitures de qualité sont généralement de meilleure qualité que les matériaux étiquetés comme Étudiant. En termes de crayons de couleur, cela signifie qu'ils fourniront des teintes plus riches et plus vibrantes une fois que vous les aurez mis sur papier. Évitez les tons ternes ou pâles, car ils sont de qualité inférieure avec moins de pigments dans le plomb.

Une autre caractéristique importante est la façon dont le crayon glisse sur le papier. Les crayons les mieux colorés semblent se déplacer sans effort lorsque vous les faites glisser sur une surface. C'est grâce à leurs ingrédients. Si vous recherchez les crayons haut de gamme, optez pour quelque chose qui est à base d'huile par opposition à la cire. La cire dure, en particulier, peut être cassante, ce qui rend plus difficile le mélange des couleurs.

Meilleurs crayons de couleur

Crayons Prismacolor Premier Soft Core (lot de 72)

Les meilleurs crayons de couleur pour les livres à colorier

Prismacolor | 71,29 $

Prismacolor Premier est considéré par beaucoup comme idéal pour les débutants ainsi que les meilleurs crayons de couleur pour les livres à colorier. Ils sont à petit prix par crayon (seulement environ 0,60 $ par crayon lorsque vous achetez cet ensemble de 150!) Et sont faits de cire molle; ils se marient bien avec une application beurrée. Donc, si vous venez d'acheter votre premier livre de coloriage, essayez cet ensemble.

Crayons de couleur pour artistes Blick Studio (ensemble de 48)

Crayons de couleur Blick Studio

Blick | 33,50 $

L'un des plus grands magasins de fournitures d'art d'Amérique a développé ses propres crayons de couleur en interne, sous la direction d'artistes de la Colored Pencil Society of America (CPSA). En tant que tels, les crayons de couleur des artistes Blick Studio sont un mélange de qualité professionnelle à un prix abordable. Très pigmentée et résistante à la décoloration, la ligne propose 91 coloris vendus à l'unité ou en sets.

Crayons de couleur Staedtler Ergosoft (lot de 24)

Les meilleurs crayons de couleur pour les livres à colorier

Staedtler | 32,91 $

Un autre ensemble idéal pour les débutants et les amateurs de livres de coloriage occasionnels est Staedtler Ergosoft; Cet ensemble de 24 crayons de couleurs a un noyau doux et affiche des couleurs crémeuses. «Vous pouvez superposer facilement les couleurs et l'ensemble de 24 couleurs vous offre suffisamment de variété pour la plupart des projets», déclare un critique. Une poignée antidérapante vous procurera des heures de plaisir à colorier.

Crayons à base de cire professionnels ARTEZA (lot de 48)

Crayons de couleur professionnels

ARTEZA | 18,99 $

Destiné aux artistes, le jeu de crayons à cœur à base de cire d'ARTEZA offre une qualité professionnelle à un prix abordable. L'ensemble de 48 crayons se concentre sur des couleurs brillantes qui feront ressortir votre œuvre d'art. Ces aspects en font un succès. "Ces crayons ont l'air très classe", partage un critique, "et comme un produit final beaucoup plus élevé que le prix ne le suggère."

Crayons de couleur Fantasia (lot de 48)

Crayons de couleur Fantasia

Fantasia | 33,48 $

Pour les débutants, Fantasia est un excellent moyen d'entrer dans des crayons de couleur sans investir trop lourdement. Leurs noyaux extra-épais et mélangeables les rendent parfaits pour la superposition et le mélange. «Je les ai obtenues pour mon fils de 8 ans, donc je pourrais avoir son propre« bon ensemble »de crayons dans une boîte comme une maman», a commenté un critique. «Je les ai essayés et en fait j'aime ceux-ci presque autant que mes Prisma et plus que certains des autres crayons beaucoup plus chers que j'ai essayés.»

Crayons de couleur Cretacolor Mega (lot de 24)

Crayons de couleur Cretacolor Mega

Cretacolor | 37,77 $

Ces crayons de couleur très épais ont un noyau de 6,4 mm qui permet de larges traits. Leur formulation cireuse les rend parfaits pour le mélange et les couches et comme ils sont conçus pour tous les niveaux de compétence, les débutants et les professionnels apprécieront leur riche pigmentation. Les crayons de couleur Cretacolor Mega sont disponibles en 36 couleurs et sont disponibles dans une gamme d'ensembles.

Crayons Derwent Colorsoft (lot de 24)

Les meilleurs crayons de couleur pour les artistes

Derwent | 38,49 $

Essayez les crayons Derwent si vous cherchez à aller au-delà des ensembles pour débutants. Créés en pensant aux artistes, ils ont une palette plus discrète, notamment de belles terres cuites et du cadmium. Il est recommandé de les utiliser pour un travail où il y a beaucoup d'ombrage et de fusion, car ils sont moins aptes à représenter des détails fins et nets.

Crayon de couleur Luminance Caran D’ache (lot de 20)

Les meilleurs crayons de couleur pour les artistes

Caran D’ache | 57,70 $

Les crayons de couleur Caran D’ache sont connus pour leur capacité à se fondre. Beaucoup de ceux qui commencent avec le Prismacolor Premier apprécient le Caran D’ache parce que vous pouvez facilement et magnifiquement brunir les teintes. C'est une excellente nouvelle si vous aimez le dessin réaliste, car cela aidera à développer une forme en trois dimensions. Vous voulez un ensemble un peu plus petit (et moins cher)? Essayez le noyau «doux et incassable» de Caran D’ache avec 12 crayons de couleur dans un récipient en étain.

Crayons de couleur caméléon (tons de 25)

Crayons de couleur caméléon

Caméléon | 42,99 $

Cet ensemble de 25 crayons de couleur contient deux fois plus de punch grâce au fait que chacun est livré avec la couleur de mélange parfaite à l'autre extrémité. Il facilite l'appariement des couleurs pour les débutants et fournit 50 couleurs au total pour jouer avec. Les tons de couleur caméléon sont fabriqués en pensant au mélange grâce à leur couleur riche et à leur consistance beurrée. Mieux encore, ils sont livrés avec un étui de rangement pratique qui se transforme en chevalet pour faciliter la sélection de vos crayons tout en colorant.

Crayons de couleur Faber-Castell Polychromos (lot de 120)

Les meilleurs crayons de couleur pour les artistes

Faber-Castell | 172,36 $

Les couleurs à base d'huile Faber-Castell Polychromos sont louées pour leurs riches pigments qui se glissent facilement sur le papier, et vous n'avez pas besoin d'appuyer aussi fort pour obtenir des tons saturés brillants. "Ma qualité préférée de ces crayons, en plus de la façon dont ils donnent une belle couleur riche, c'est qu'ils sont nommés de véritables noms de pigments", écrit un critique, "Donc, si vous avez déjà peint, vous serez familier avec ces couleurs."

Crayons d'art LYRA Rembrandt Polycolor (lot de 100)

Crayons de couleur professionnels

LYRA | 181,68 $

Avec leur prix, les LYRA Rembrandts à base d'huile sont probablement dans votre catégorie «folie», mais cet ensemble particulier est idéal pour les artistes sérieux qui aiment dessiner. En plus de ses 100 crayons, le kit est livré avec une gomme à pétrir, des essuie-tout, un bloc de papier de verre, un taille-crayon et un couteau. En plus du papier, vous pouvez également les utiliser sur les matériaux synthétiques, le bois et les textiles.

Quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous achetez des crayons de couleur

Si vous hésitez à dépenser de l’argent pour ce type d’outil artistique, souvenez-vous qu’ils sont destinés à durer. «Les crayons de couleur sont différents des peintures et des marqueurs que nous utilisons parce que nous les avons généralement beaucoup plus longtemps», conseille Cheryl Trowbridge de Teach Kids Art. "Ils ne sèchent pas comme les marqueurs, et ils ne s'utilisent pas aussi vite que les marqueurs et la peinture."

Meilleurs crayons de couleur professionnels

Photo: Portraits au crayon de couleur

Comment tirer le meilleur parti de vos crayons de couleur préférés

Une fois que vous avez vos crayons de couleur et trouvé une marque que vous aimez, perfectionnez vos compétences avec des cours en ligne! Skillshare propose de nombreux cours sur leur utilisation. Pourquoi ne pas essayer l'une des solutions suivantes?

Plus important encore: amusez-vous et ne cessez jamais de créer!

Cet article a été mis à jour et édité.

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Illustrations aquarelles de contes inspirées de l'animation japonaise et des dessins animés suédois

Illustration à l'aquarelle par Heikala

L'illustrateur finlandais Heikala crée des aquarelles de moments magiques. Les scènes ressemblant à un livre de contes présentent des personnages qui traversent des paysages pittoresques, souvent avec un animal compagnon à leurs côtés. Dans ces illustrations tranquilles, les sujets semblent être à l'aube d'un grand voyage ou parfois au milieu de celui-ci. Ces instantanés peints séduisants nous amènent à nous demander quelle est la prochaine étape pour une fille et son loup; ou, dans une autre image, un personnage se produisant sur un fossile géant.

La nature, l'animation et les œuvres d'art des autres influencent tous le travail de Heikala. «J'ai une collection de divers livres d'art que je cherche à trouver l'inspiration chaque fois que je manque d'idées», dit-elle à My Modern Met. «L'animation japonaise inspire beaucoup mes œuvres. Les choses qui m'inspirent le plus sont les peintures de fond et la façon dont les personnages interagissent avec leur environnement. J'ai visité le Japon plusieurs fois maintenant et je prends souvent des photos de référence pour une utilisation ultérieure dans mes œuvres. "

En plus des films d'animation et des spectacles japonais, Heikala dit: «L'autre grande influence pour mon art sont les œuvres de Tove Jansson. Moomins a été une grande partie de mon enfance et les œuvres de Tove m'inspirent énormément – son dessin au trait, ses formes et la façon dont elle dépeint la nature dans ses œuvres me laisse toujours en admiration. "

Les illustrations de Heikala sont extrêmement populaires sur Instagram; et, sur la plateforme, elle présente ses pièces finies ainsi que leurs vidéos en cours. Faites défiler vers le bas pour voir certaines de ses belles peintures. Pour acheter son travail sous forme d'imprimés, d'épingles à émail ou sur des vêtements, visitez sa boutique en ligne.

L'artiste finlandais Heikala crée des illustrations de type contes inspirées de l'animation japonaise et des Moomins.

Illustration à l'aquarelle par HeikalaTechniques d'illustration aquarelleTechniques d'illustration aquarelleTechniques d'illustration aquarelleIllustration à l'aquarelle par HeikalaIllustration à l'aquarelle par HeikalaIllustration aquarelle par HeikalaIllustration à l'aquarelle par HeikalaIllustration aquarelle par HeikalaIllustration aquarelle par HeikalaIllustration aquarelle par HeikalaIllustration du livre de contes par HeikalaIllustration aquarelle par HeikalaIllustration aquarelle par HeikalaTechniques d'illustration aquarelleTechniques d'illustration aquarelleTechniques d'illustration aquarelleIllustration à l'aquarelle par HeikalaIllustration à l'aquarelle par HeikalaIllustration du livre de contes par HeikalaIllustration aquarelle par Heikala

Heikala partage son travail en cours à travers des vidéos instructives sur Instagram. Voici un aperçu de son processus:

Vous voulez en voir plus? My Modern Met est sur YouTube:

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=QkKnvJEh674 (/ intégré)

Heikala: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Heikala.

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Ces superbes antilopes en Afrique ont des cornes en spirale incroyablement symétriques

Grand Koudou mâle

Photo: Photos de John Michael Vosloo / Shutterstock

Avec leur grande stature et leurs cornes spirales symétriques, le grand koudou coupe un chiffre impressionnant. Originaires d'Afrique orientale et australe, ces antilopes des bois sont des herbivores qui passent une grande partie de leur temps à chercher des pousses et des feuilles. Ce bel animal peut encore être trouvé en grand nombre dans la partie sud de leur territoire, car il est protégé dans de nombreux pays et existe en grand nombre dans des réserves comme le parc national Kruger.

En tant que l'une des plus grandes espèces d'antilopes, un mâle adulte peut peser entre 260 et 700 livres et tenir jusqu'à 60 pouces de hauteur à l'épaule. L'une de leurs caractéristiques les plus impressionnantes est peut-être leurs cornes torsadées, que seuls les mâles possèdent. Ils forment généralement deux ou deux torsions et demie et atteignent, en moyenne, jusqu'à 47 pouces s'ils sont redressés. Un mâle a même été enregistré comme ayant des cornes de 73,87 pouces de long! Ces cornes commencent à se développer lorsque le taureau a entre six et 12 mois et atteindront leur pleine longueur au moment où le taureau aura six ans.

Mais même si ces cornes pourraient causer des dommages, le grand koudou n'est généralement pas un animal agressif. Parfois, les mâles verrouillent les cornes, surtout s'ils ont la même taille et la même taille. Dans ces cas, la domination est déterminée lorsqu'un homme se tient sur le côté pour se faire paraître aussi grand que possible et que l'autre recule. Dans les rares cas où personne ne recule, ils peuvent rester enfermés jusqu'à ce qu'ils meurent de faim.

Grand Koudou mâle debout au coucher du soleil

Photo: Stock Photos de LouieLea / Shutterstock

Les kudus ont tendance à rester à l'écart des grands espaces ouverts et leurs rayures les aident à se fondre dans la végétation. Ils resteront complètement immobiles pour se cacher, même sous le soleil de plomb. Cela les protège de leurs principaux prédateurs, qui sont des lions, des chiens africains et des hyènes tachetées. Ils ne sont pas aussi rapides que les autres espèces de koudous, les petits koudous, donc plutôt que de s'échapper sur un terrain dégagé, ils sautent à travers les arbustes et autour de petits arbres pour secouer les prédateurs.

Les hommes resteront généralement solitaires, mais en tant que célibataires, ils peuvent former de petits groupes. C'est assez différent des femelles, qui formeront de petits groupes de trois à dix avec leurs mollets. Un mâle ne rejoindra le troupeau que pendant la saison des amours. Le grand koudou a une période de gestation de huit mois et la femelle enceinte se séparera du groupe pour accoucher. Elle cachera ensuite son veau dans la brousse pendant quatre à cinq semaines, ne revenant qu’aux soins infirmiers.

Après cela, le veau commencera à rejoindre sa mère dans la nature et de trois à quatre mois sera toujours à ses côtés. Le grand koudou grandit rapidement et, d'ici six mois, sera assez indépendant.

Bien que le grand koudou ne soit pas considéré comme menacé, il subsiste des inquiétudes quant à l'espèce. Comme c'est le cas pour de nombreux animaux, leur habitat est érodé à mesure que les gens le transforment en terres agricoles. Ils peuvent également être ciblés par des braconniers pour la viande et les cornes. Heureusement, à ce stade, la population est encore suffisamment importante pour que les écologistes ne les considèrent pas comme menacées ou en danger.

Le grand koudou est une grande antilope originaire d'Afrique orientale et australe.

Grand Koudou debout près des oiseaux

Photo: Photos de Michael Sheehan / Shutterstock

Grande Antilope Koudou en Afrique

Photo: Stock Photos de EcoPrint / Shutterstock

Les mâles adultes sont connus pour leurs incroyables cornes en spirale symétriques.

Grand Koudou

Photo: banque de photos de kkphotography2 / Shutterstock

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Key West dévoile des passages pour piétons arc-en-ciel permanents à temps pour la fierté

Rainbow Crosswalk

Photo: Stock Photos de Linus Strandholm / Shutterstock

Alors que le mois de la fierté 2020 semble un peu différent de la normale, de nombreuses villes des États-Unis trouvent toujours des moyens de soutenir et d'embrasser la communauté LGBTQIA +. Dans le passé, de nombreuses villes ont peint des passages pour piétons avec des drapeaux arc-en-ciel pour l'occasion, mais maintenant une ville devient en permanence colorée. Key West vient de dévoiler ses nouveaux passages pour piétons dynamiques et ils sont là pour rester.

La ville du sud de la Floride a été la première de l'État à créer des passages pour piétons arc-en-ciel en 2015. Mais lorsque la construction, il y a quelques années, les a fait déterrer, la ville a commencé à chercher une nouvelle solution permanente. Maintenant, quatre nouveaux passages pour piétons viennent d'être inaugurés par le maire Teri Johnston et d'autres responsables de la ville.

Alors que les passages pour piétons d'origine ont été créés en coloriant dans l'espace vide entre les blocs blancs, les versions mises à jour sont un peu plus durables. Fabriquées en thermoplastique préformé, les longues rayures colorées sont fixées en permanence sur la rue après avoir été traitées avec des torches au propane. Situés à l'intersection des rues Duval et Petronia, ils sont situés au cœur du quartier des divertissements de Key West.

Cet hommage inclusif est conforme à la devise de Key West – One Human Family. «Les passages pour piétons arc-en-ciel signifient que tout le monde est le bienvenu, tout le monde est égal, tout le monde est reconnu et que nous respectons vraiment l’esprit d’une famille humaine», a déclaré le maire Johnston.

Les passages pour piétons arc-en-ciel sont apparus pour la première fois aux États-Unis en 2012, lorsqu'une intersection à West Hollywood, en Californie, a été peinte pour célébrer le mois de la fierté. Depuis ce temps, ces passages pour piétons colorés sont apparus dans de nombreuses villes, dont Minneapolis, Saint-Louis, Atlanta et San Diego.

Découvrez les nouveaux passages piétons arc-en-ciel de Key West.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=wkcGVGaFymQ (/ intégré)

h / t: (soie mentale)

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BAND-AID annonce une nouvelle gamme de bandages pour les tons de peau noirs et bruns

Bandages marron et noir par BAND-AID

De Crayola's Couleurs du monde crayon mis à la gamme diversifiée de Barbie de Mattel, de nombreuses marques font leur part pour représenter les gens de tous les tons de peau. BAND-AID est la dernière entreprise à soutenir la lutte contre le racisme – elle a récemment annoncé une gamme de bandages dans les tons noir et marron.

La société a annoncé les nouveaux produits sur Instagram avec une image qui montre les bandages dans 5 tons de peau différents, y compris des nuances claires, moyennes et profondes de brun et de noir. "Nous vous entendons. Nous vous voyons. Nous vous écoutons », déclare BAND-AID. «Nous sommes solidaires de nos collègues, collaborateurs et communauté noirs dans la lutte contre le racisme, la violence et l'injustice. Nous nous engageons à prendre des mesures pour créer un changement tangible pour la communauté noire. »»

BAND-AID – qui fait partie de Johnson & Johnson – a précédemment lancé en 2005 une gamme de bandages dans plusieurs tons de peau, appelée Mélange parfait. Le produit a malheureusement été abandonné 3 ans plus tard, mais sa dernière gamme montre l'engagement continu de la marque à représenter les personnes de tous les tons de peau. «Nous nous consacrons à l'inclusivité et fournissons les meilleures solutions de guérison, pour mieux vous représenter», déclare BAND-AID. «Nous pouvons, nous devons et nous ferons mieux.»

En plus des nouveaux bandages, BAND-AID fait un don de 100 000 $ à la Black Lives Matter Foundation.

Découvrez la nouvelle gamme de bandages ci-dessous.

Afin de représenter les personnes de tous les tons de peau, BAND-AID a récemment annoncé une gamme de bandages dans les tons de noir et de brun.

BAND-AID: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube
h / t: (designboom)

Toutes les images via BAND-AID.

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Ces sculptures de girafe grandeur nature tiennent des lustres dans leur bouche

Lustres Girafe par Marcantonio

Si vous êtes un fan de tout ce qui est étrange et merveilleux, surtout en ce qui concerne la décoration intérieure, vous êtes sûr d'apprécier cette sculpture de girafe grandeur nature tenant un lustre. Le designer italien Marcantonio s'est associé à Qeeboo pour créer Girafe amoureuse. Les concepteurs disent: «Girafe amoureuse représente l'ironie et la légèreté: la girafe est amoureuse mais elle ne le sait pas encore parce que son cœur est loin de sa tête et qu'elle vit l'amour avec légèreté.

Marcantonio s'inspire de la relation entre l'homme et la nature, mais ses pièces ont toujours un côté ludique. Il canalise souvent son imagination enfantine pour trouver ses créations fantaisistes, et Girafe à LovLa pièce ne fait pas exception. Disponible dans une variété de couleurs, y compris le noir, le blanc et une gamme de teintes pastel, il mesure 2,6 mètres de haut (environ 8,5 pieds), imitant la taille moyenne d'une vraie jeune girafe. Chaque pièce contient un lustre classique de style Marie-Thérèse dans sa bouche qui est complètement résistant au vent et à l'eau, permettant aux clients de choisir entre placer Girafe amoureuse à l'intérieur ou à l'extérieur.

Si vous n'avez pas l'espace pour une girafe grandeur nature, vous pouvez opter pour une version murale (173 cm / 5,7 pieds) ou une version miniature debout qui ne mesure que 1 mètre de haut (3,3 pieds). Et si les girafes ne sont pas votre truc, Marcantonio a conçu tout un zoo de luminaires pour animaux qui ne manqueront pas de faire ressortir votre côté sauvage.

Check-out Girafe amoureuse ci-dessous, ainsi que les autres créations inspirées des animaux de Marcantonio. Si vous aimez cette collection, vous pouvez acheter la vôtre ici.

Marcantonio s'est associé à Qeeboo pour créer Girafe amoureuse—une sculpture de girafe grandeur nature tenant un lustre.

Lustres Girafe par Marcantonio

Chaque pièce contient un lustre classique de style Marie-Thérèse dans sa bouche.

Lustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par Marcantonio

Il est également disponible en version murale plus petite.

Lustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par Marcantonio

Si vous n'avez pas de place pour une girafe géante dans votre maison, jetez un œil aux autres luminaires inspirés des animaux de Marcantonio.

Lustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioLustres Girafe par MarcantonioMarcantonio: Site Web | Facebook | Instagram
Qeeboo: Webiste | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Marcantonio.

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Les propriétaires d'animaux font des peintures de fleurs à la patte avec les pattes de leur chien

Peintures de fleurs d'impression de patte de chien

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Le mois dernier, nous vous avons présenté un collectif d'art de rats qui créent de minuscules peintures abstraites avec leurs pattes, mais ces animaux ne sont pas les seuls animaux au talent artistique. Les propriétaires de chiens ont récemment découvert que leurs chiots sont de grands co-créateurs. Les internautes peignent les pattes de leur chien avec de la peinture lavable (non toxique), tamponnent leurs pattes sur du papier et transforment les jolis imprimés en magnifiques peintures florales.

L'idée est venue d'une femme nommée LJ, qui a décidé de peindre les pattes de son chien, nommé Biscuit. Les imprimés adorables ressemblaient à la forme d'une fleur, alors LJ a décidé de remplir les tiges et les feuilles avec un pinceau pour compléter l'image. L'idée a décollé en ligne, et il y a même un hashtag Instagram (#dogpawpainting) dédié à l'artisanat. Les œuvres finies sont non seulement assez jolies pour être accrochées à votre mur, mais elles sont très amusantes à réaliser et constituent une excellente expérience de liaison pour vous et votre chiot.

Envie de créer vos propres peintures de fleurs à empreintes de pattes? Vous aurez besoin de peinture non toxique (essayez plusieurs couleurs), d'un pinceau, de papier et, bien sûr, de la patte de votre chien. Découvrez quelques peintures de pattes ci-dessous pour l'inspiration.

Les propriétaires d'animaux ont créé de jolies peintures de fleurs avec les empreintes de pattes de leurs chiens.

Peintures de fleurs d'impression de patte de chien

À l'aide de peinture non toxique, l'idée est un moyen amusant et sûr de co-créer avec votre animal de compagnie.

Peintures de fleurs d'impression de patte de chienPeintures de fleurs d'impression de patte de chienPeintures de fleurs d'impression de patte de chien

Découvrez quelques-unes des peintures de fleurs de pattes que nous avons trouvées en ligne.

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de LJ.

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Un village italien médiéval englouti dans le lac refait surface pour la première fois en 27 ans

Photographie de la prise de Fabbriche di Careggine en 1994 lors de sa dernière réfection

Photo: Wikimedia Commons (domaine public)

Ce n'est pas tous les jours que vous avez la chance de parcourir les rues d'une ville fantôme médiévale, mais cette opportunité unique devrait se produire l'année prochaine. La ville du XIIe siècle de Fabbriche di Careggine – qui réside dans la province de Lucques en Toscane, en Italie – a été inondée. Lorsque la zone a été endiguée en 1947, les eaux qui ont englouti le village sont devenues le lac Vagli. Au cœur du bassin artificiel, sous 34 millions de mètres cubes d'eau, se trouvent les pierres du cimetière de Fabbriche di Careggine, l'église romane et les propriétés résidentielles.

Les personnes qui vivaient encore dans le village historique au moment de ce changement radical ont été transférées à Vagli di Sotto, une ville voisine conçue pour imiter l'architecture de Fabbriche di Careggine. Une fois le barrage terminé quelques années plus tard, le bassin a été rempli et Fabbriche di Careggine a rejoint les annales des trésors engloutis comme le Titanic et Port Royal. Étonnamment, la dernière fois que la ville a été refaite, c'était en 1994, lorsque le bassin a été vidé pour le nettoyage et l'entretien. Maintenant, le lac devrait être vidé en 2021, et la grande révélation attirera certainement des milliers de touristes dans la petite ville italienne.

Le père de Lorenza Giorgi était maire de Vagli di Sotto, lors de la dernière apparition de leur ville fantôme bien-aimée. Dans un récent article sur Facebook, elle écrit: «J'espère que l'année prochaine… avec l'aide des réseaux sociaux, nous pourrons répéter et surmonter le grand succès, avec autant d'attention.» La société propriétaire du barrage, Enel, travaille également sur un «protocole d'accord» qui vise à accroître le tourisme dans la région, et y répondra aux préoccupations concernant la vidange du lac pendant une période prolongée.

Cet été 1994, lorsque Fabbriche di Careggine a vu le jour pour la dernière fois, la ville a été inondée de plus d'un million de personnes qui voulaient avoir un aperçu des ruines incroyablement préservées de la ville. Bien qu'il n'y ait eu aucune annonce quant à la façon dont la distanciation sociale peut avoir un impact sur cette grande révélation, les habitants de Vagli di Sotto sont impatients de marcher dans les rues de leur ville voisine bien-aimée pour la première fois en 27 ans.

Il y a un village italien médiéval appelé Fabbriche di Careggine qui est complètement submergé dans un lac.

Vue sur le lac Vagli en Toscane, Italie

Lac Vagli (Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Le lac devrait se vider et la célèbre ville fantôme médiévale va réapparaître en 2021.

Vagli di Sotto en bordure du lac Vagli

Vagli di Sotto (Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Parfois, les habitants de Vagli de Sotto peuvent voir les pointes de l'église de la ville fantôme furtivement au-dessus de l'eau.

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h / t: (LADbible)

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Les gens installent des «piscines de sable» dans leur jardin pour leur apporter la plage

Idées de conception de piscine

Vous souhaitez apporter la beauté de la plage à votre propre arrière-cour? Maintenant vous pouvez! Grâce à la société espagnole Piscinas de Arena NaturSand, votre piscine déjà existante peut être transformée en une oasis de sable juste au-delà des murs de votre maison. Avec le sable blanc et l'eau bleu clair, vous vous sentirez comme au bord de la mer, même si vous êtes enclavé.

Tout baigneur sait que le sable peut partout si vous ne faites pas attention. Pour s'assurer que votre rive reste en place, Piscinas a développé un béton spécial qui est mélangé avec du sable. (Ils appellent cela du sable compacté.). Cela fait ressembler à la plage tout en ayant la structure et la force nécessaires pour une piscine.

Bien que la scène semble au naturel, Piscinas de Arena NaturSand a d'autres avantages associés à une piscine ordinaire. Un gros avantage: le sable ne chauffe pas. Il peut également être nettoyé et entretenu comme une piscine conventionnelle, et vous n'avez pas besoin d'une échelle ou de marches pour entrer. «L'entrée des piscines de sable se fait à partir du niveau zéro, sur une rampe molle, comme si c'était l'entrée d'une plage», écrit la société. "De cette façon, il est idéal pour le plaisir de tous."

L'installation de la piscine en faux sable ne prend pas longtemps. Dans certains cas, si le temps le permet, l'installation peut être terminée en un mois.

Piscinas de Arena NaturSand transformera votre piscine conventionnelle en une oasis de sable dans votre jardin.

Conception de la piscine de sableConception de la piscine de sableConception de la piscine de sableIdées de conception de piscine

En utilisant une combinaison de sable et de béton, les conceptions ressemblent à la plage, mais elles peuvent être entretenues comme une piscine conventionnelle.

Idées de conception de piscineConception de la piscine de sableIdées de conception de piscineIdées de conception de piscine

Conception de la piscine de sableConception de la piscine de sableConception de la piscine de sableConception de la piscine de sablePiscinas de Arena NaturSand: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Piscinas de Arena NaturSand.

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Top 8 des abonnements à des magazines d'art qui célèbrent la créativité imprimée

Abonnements à un magazine d'art

Photo: Stock Photos de Cozine / Shutterstock

Alors que de nombreux éditeurs embrassent le monde numérique, d'autres font campagne pour maintenir la vie imprimée. Quand il s'agit de lire des articles et des fonctionnalités, de nombreux lecteurs préfèrent toujours l'expérience tangible de feuilleter des pages brillantes. Il y a quelque chose de spécial à s'asseoir avec une tasse de café et à tenir un magazine entre les mains – sans oublier qu'un abonnement à un magazine nous offre une pause bienvenue sur nos écrans et quelque chose à attendre par la poste!

Dans le monde de l'art, il existe de nombreuses publications qui favorisent l'impression par rapport au numérique; certains magazines fonctionnent bien depuis plusieurs décennies. Dans cette liste, nous avons inclus à la fois des éditeurs indépendants de longue date et de nouveaux éditeurs indépendants parmi lesquels vous pouvez choisir. Donc, si vous cherchez du matériel de lecture axé sur l’art, découvrez quelques-uns des meilleurs abonnements à des magazines d'art vous pouvez commander en ligne dès aujourd'hui.

ARTnews

Abonnements à un magazine d'art

Fondé en 1902, ARTnews est l'un des magazines d'art les plus anciens et les plus connus. Il rend compte de l'art, des personnes, des problèmes, des tendances et des événements qui façonnent le monde de l'art international. Il est publié sur papier quatre fois par an et compte 180 000 lecteurs dans 124 pays. En savoir plus ici, où vous pouvez vous abonner à un ou deux ans de magazines qui arriveront directement à votre porte.

Salut-fructose

Abonnements à un magazine d'artHi-Fructose est un magazine d'art imprimé trimestriel fondé par des artistes Attaboy et Annie Owens en 2005. La publication populaire est magnifiquement conçue et couvre le monde de l'art contemporain. Ils se concentrent sur des artistes émergents et distingués avec un accent sur l'étrange et le merveilleux. Abonnez-vous ici.

Apollon

Abonnements à un magazine d'art

Fondé en 1925, Apollo est l'un des magazines les plus anciens et les plus respectés au monde sur les arts visuels. Publié tous les mois, il couvre tout, des actualités et débats sur l'art au travail et à la vie d'artistes inspirants, passés et présents. Il propose également des interviews exclusives avec certains des plus grands collectionneurs et créatifs. Abonnez-vous ici pour commencer à recevoir un magazine par mois. La meilleure partie? Le premier numéro est gratuit!

Choc bénéfique!

Abonnements à un magazine d'artChoc bénéfique! est un magazine semestriel pour les cinéphiles et les amateurs d'illustration qui défend la pensée progressiste. Chaque numéro suit un thème (comme «l'esprit» et «la guerre et la paix») et présente visuellement des idées de manière humoristique et non conventionnelle. Vous pouvez acheter un abonnement de deux ans ici.

Aesthetica

Abonnements à un magazine d'artAesthetica explore le meilleur de l'art contemporain international, du design, de la photographie, du cinéma, de la musique et de la performance avec des fonctionnalités approfondies. Vous pouvez choisir entre un abonnement papier ou numérique. Au moment de la rédaction, Aesthetica a actuellement une vente de 50%, plus les trois premiers numéros sont gratuits. Vérifiez le ici.

Eyeyah

Abonnements à un magazine d'art

Avec la conviction que les enfants sont des «apprenants visuels», le magazine basé à Singapour Eyeyah vise à encourager la créativité chez les enfants. La publication vibrante présente des illustrations, des puzzles et des activités accrocheuses qui initient les enfants à la créativité contemporaine tout en leur enseignant des questions sociales importantes telles que le réchauffement climatique. Achetez vos exemplaires ici.

Juxtapoz

Abonnements à un magazine d'artLe magazine Juxtapoz célèbre le monde de l'art contemporain souterrain, mettant particulièrement en valeur le street art, le graffiti et l'illustration. Le premier numéro a été publié en 1994 par un groupe d'artistes et de collectionneurs d'art qui souhaitaient partager leur affinité avec la culture pop de la Californie du Sud et s'affranchir des conventions du monde de l'art «établi» de New York. Aujourd'hui, il continue de donner une voix à un large éventail de genres alternatifs. Abonnez-vous ici.

Couler

Abonnements à un magazine d'art

Publié plus de 8 fois par an, Flow met l'accent sur la psychologie positive, la pleine conscience, la créativité et la beauté de l'imperfection. Le magazine est imprimé sur différents types de papier et chaque numéro regorge d'illustrations inspirantes. «Nous rêvions d'un magazine avec lequel nous pourrions explorer notre amour du papier», expliquent les fondateurs. «Un magazine sur le temps libre, consacré à faire les choses différemment et à faire de nouveaux choix. Petit bonheur, vie quotidienne et la beauté de ne pas toujours réussir à être parfait. C'est ainsi que Flow a commencé. » Inscrivez-vous ici pour commencer à recevoir des copies.

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Un homme transforme sa peur des insectes en une carrière primée de photographe de macro-insectes

Scarabée bijou

Scarabée bijou. «Également appelé« pur », avec son pelage brillant et coloré, il est l'un des insectes les plus colorés du monde. Une coccinelle pond ses œufs dans des branches mortes pour les protéger des prédateurs. »

Le photographe saoudien Mofeed Abu Shalwa a eu une entrée inhabituelle dans la profession de son choix. Shalwa, qui se spécialise dans la photographie macro d'insectes, a en fait été incité à poursuivre sa passion par sa peur d'enfance de ses sujets rampants. Maintenant, il est un photographe et chercheur scientifique primé qui utilise son objectif pour ouvrir le monde caché des petits insectes.

Shalwa a concentré une grande partie de son travail sur les scarabées et les scarabées bijou. En fait, il a voyagé à travers le monde et dans des forêts en Indonésie, en Malaisie, en Autriche et en Papouasie-Nouvelle-Guinée pour suivre ces animaux. «Les insectes, en général, sont les premières créatures qui sont apparues sur Terre – depuis 435 millions d'années. Mon attention envers les coléoptères était parce qu'ils sont le plus haut rang d'insectes, ce qui signifie que 40% des insectes sont des coléoptères », explique Shalwa à My Modern Met.

«La recherche m'a également conduit à l'histoire reliant les secrets des pharaons au scarabée sacré, sur lequel j'ai écrit de nombreux articles, car ils utilisaient des scarabées à des fins générales, et des scarabées étaient utilisés dans les joints de cylindre et les boutons de scellage, et ils étaient utilisés comme bijoux pour les bagues et les colliers. L'histoire des coléoptères à travers les âges s'étend jusqu'à être l'un des secrets que les archéologues ont tenté de résoudre dans les mystères des peintures des scarabées. »

En utilisant la macro photographie, Shalwa est capable de distinguer les moindres détails de ces magnifiques coléoptères et de révéler leur beauté au monde. Alors qu'il a commencé son exploration dans sa propre arrière-cour, qui est entourée d'une oasis de jardins, il s'est lentement étendu et a commencé ses voyages. Cela l'a mis dans des situations intéressantes, notamment le fait d'être assommé par un scorpion dans une forêt française et de patauger dans les marais à la recherche de libellules.

Pour Shalwa, l'aventure fait partie du voyage pour faire la lumière sur ces incroyables insectes. Ses photographies ont un double objectif d'aider la communauté scientifique à identifier les insectes, tout en ouvrant ce monde magique à un public plus large.

Voir plus de photos macro incroyables de coléoptères par Mofeed Abu Shalwa.

Charançon rouge des palmiers

Charançon rouge des palmiers. "Une larve de charançon de couleur rouge rouille peut creuser des trous dans le tronc d'un palmier jusqu'à un mètre de long, ce qui affaiblit et finit par tuer la plante hôte."

Coléoptère des fleurs de cuivre

Coléoptère des fleurs de cuivre. «Les coléoptères des fleurs sont un groupe de scarabées qui se nourrissent généralement à l'âge adulte des fleurs de diverses plantes. Bien qu'il y ait quelques espèces intéressantes dans cette sous-famille du Nouveau Monde, la grande majorité des espèces grandes et colorées se trouvent dans les régions indo et australienne et en Malaisie et en Indonésie. »

Prosopocoilus astacoides

Prosopocoilus astacoides. «Cyclommatus est un genre de la famille des Lucanidae, également connu sous le nom de coléoptère. Les principales caractéristiques distinctives de ce genre sont ses mandibules impressionnantes, qui peuvent parfois être aussi longues que son corps, ainsi que son exosquelette métallique brillant, qui peut aller du rouge, du brun, du vert, du violet, de l'or et d'un bleu-noir plus rare. Les coléoptères mâles du genre cyclommatus sont généralement plus gros que les femelles de la même espèce et présentent des exosquelettes plus brillants et brillants par rapport aux femelles. »

Phaedimus zebuanus

Phaedimus zebuanus. «Phaedimus est un genre de coléoptères appartenant à la famille des Scarabaeidae, sous-famille des Cetoniinae. Base d'or de taille moyenne (de préférence 20-30 millimètres), légèrement oblongue, plus ou moins métallique. Les mâles ont des protubérances en forme de corne sur la tête et le pronotum, qui peuvent être assez longues chez certaines espèces et se rapprocher pour former une pincée. Les jambes sont assez fines. L'apparition des mâles, avec les pattes avant et les cornes allongées sur la tête, indique qu'ils se battent pour les femelles. La couleur qui change en bleu ou vert en fonction de l'angle. La plupart des espèces vivent en Asie du Sud-Est. »

Dicranocephalus wallichi

Dicranocephalus wallichi. «Ce coléoptère inhabituel avec des couleurs velours et or verdâtre a des cornes rouges qui ressemblent à des bois de renne. Ce coléoptère est communément appelé coléoptère des rennes. Bassin en or pollinisé gris-jaune de taille moyenne (20-32 millimètres), la couleur du fond est noire mais cela n'est généralement visible que dans une paire de bandes étroites sur le pronotum, les mâles ont deux cornes plutôt longues, courbes et ramifiées qui sont très similaires à un bois de cerf. Le pronotum est ovale (coins arrières arrondis) avec deux bandes noires brillantes. Les couvertures ont une ligne noire incurvée sur les épaules. »

Coléoptère vert

Coléoptère vert. «Les coléoptères sont un groupe d'environ 1 200 espèces de coléoptères de la famille des Lucanidae, les adolphines sont une espèce relativement facile à reproduire. Les femelles pondent des œufs dans du bois pourri blanc tendre. Certaines femelles de mon élevage creusaient profondément dans des morceaux de bois et créaient de longs systèmes de tunnels avant de pondre. »

Goliathus orientalis

Goliathus orientalis. «Ce coléoptère est l'une des plus grandes espèces du genre Goliathus, avec une longueur corporelle d'environ 50 à 100 millimètres (2,0 à 3,9 pouces) chez les mâles, d'environ 50 à 65 millimètres (2,0 à 2,6 pouces) chez les femelles. Les coléoptères Goliath (nommé d'après le géant biblique Goliath) sont l'une des cinq espèces du genre Goliathus. Les coléoptères de Goliath sont parmi les plus gros insectes de la Terre, s'ils sont mesurés en termes de taille, de volume et de poids. Ils font partie de la sous-famille des Cetoniinae, au sein de la famille des Scarabaeidae. Les coléoptères Goliath se trouvent dans de nombreuses forêts tropicales africaines, où ils se nourrissent principalement de sève et de fruits. »

Oxysternon conspicillatum

Oxysternon conspicillatum. «C'est une espèce de bousier. Il est répandu et commun dans les forêts sempervirentes et à feuilles caduques d'Amérique centrale et du nord de l'Amérique du Sud, et adhère généralement aux plaines, aux forêts tropicales sèches et aux bambous. Les larves se nourrissent de champignons, de matières organiques en décomposition et d'autres matières organiques présentes dans les boules de bouse ou les charognes. »

Charançon d'Eupholus

Charançon d'Eupholus. «Eupholus est un genre de scarabée de la famille des Curculionidae. Le genre comprend certains des charançons les plus colorés. La couleur peut servir d'avertissement aux prédateurs qu'ils sont de mauvais goût. La plupart des espèces se nourrissent de feuilles d'igname, dont certaines sont toxiques pour d'autres animaux. L'espèce est présente en Nouvelle-Guinée et dans les îles adjacentes. Ce genre a été décrit par l'entomologiste français Jean-Baptiste Alphonse Dechauffour de Boisduval en 1835. »

Coléoptères bijou

Coléoptères bijou

Mofeed Abu Shalwa: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Mofeed Abu Shalwa.

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