7 oeuvres de Joan Miró qui sont des visualisations abstraites de ce qui était dans son esprit

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Créant toujours de l'art à partir de sa propre imagination ou de ses souvenirs, artiste espagnol Joan Miró a exprimé son sens du jeu enfantin en expérimentant sans limitation. Ses formes abstraites caractéristiques, ses formes biomorphiques et ses couleurs pures aident à développer son œuvre unique qui va des peintures aux grandes sculptures en bronze en passant par la céramique.

Bien que Miró soit souvent associé au surréalisme précoce et ait eu une influence sur les expressionnistes abstraits et les peintres de Color Field, il reste l’un des artistes les plus radicaux de l’art moderne avec un vocabulaire visuel qui lui est indéniablement propre. Poursuivez votre lecture pour découvrir sept célèbres œuvres d'art de Joan Miró qui montrent comment sa pratique artistique a évolué au cours de sa longue carrière.

Voici sept Joan Miró emblématique qui ont contribué à définir sa carrière artistique.

La ferme, 1920-21

Rempli d'animaux, de matériel agricole et de plantes, La ferme représente une vue de la propriété familiale de Miró à Majorque. Les peintures de l’artiste à cette époque étaient souvent qualifiées de «detailistes» en raison de la quantité de motifs et d’éléments qu’il place sur les toiles. Miró explique: «La ferme était un résumé de toute ma vie à la campagne. Je voulais mettre tout ce que j'aimais du pays dans cette toile – d'un arbre énorme à un petit escargot.

Miró réfléchit La ferme parmi ses œuvres les plus importantes, car elle a marqué un tournant dans son style. Présentant des références à la fois à l'art populaire catalan et au cubisme, cette peinture de style hybride a été réalisée peu de temps avant que Miró ne se tourne vers le surréalisme.

Miró était ami avec Ernest Hemingway, et l'écrivain a acheté La ferme et l'a gardé toute sa vie. «Je ne l'échangerais contre aucune image au monde», a écrit Hemingway. «Il contient tout ce que vous ressentez sur l'Espagne lorsque vous y êtes et tout ce que vous ressentez lorsque vous êtes absent et que vous ne pouvez pas y aller.»

Carnaval d'Arlequin, 1924-25

Joan Miró ...Carnaval d'Arlequin est un des premiers exemples des œuvres surréalistes de Miró et présente également certaines des premières formes biomorphiques de l’artiste. Il dépeint une scène festive et bondée où des personnages abstraits semblent être pris dans une fête. La figure représentée dans la partie centrale gauche de la toile – avec un masque mi-rouge, mi-bleu et un motif en losange sur leur tunique – fait référence à l'Italie commedia dell'arte. Dans cette forme de théâtre, l'arlequin est un personnage insensé qui échoue constamment en amour. Le trou dans l'estomac du personnage fait peut-être référence à la propre faim et pauvreté de Miró au moment où il a créé le tableau. Il a dit un jour: «J'avais l'habitude de rentrer à la maison le soir sans avoir rien mangé.»

Représentés en train de jouer et de danser, les autres personnages tout au long de la composition semblent passer un moment merveilleux. Il y a même des notes de musique qui semblent flotter dans l'air comme des êtres vivants. De nombreux critiques d'art pensent que cette peinture capture l'esprit subconscient humain et était un moyen pour Miró de visualiser certaines de ses propres expériences de vie. Il a déjà expliqué une partie de la signification symbolique de la peinture, déclarant que le triangle noir à la fenêtre symbolise la tour Eiffel et l'échelle sur le côté gauche de la peinture représente à la fois l'élévation et l'évasion.

Intérieur néerlandais (I), 1928

Joan Mirò 1928 «Interno olandese I» (néerlandais-intérieur-I) (Olio su tela. 92 x 73 cm) (MoMa - New York)Intérieur néerlandais I est basé sur une peinture du XVIIe siècle par Hendrick Martensz Sorgh qui représente un joueur de luth. Cette œuvre est la première d’une série de trois que Miró peint après avoir visité les Pays-Bas pour la première fois en 1928. L’artiste a acheté une carte postale de Sorgh. Le luttiste au Rijksmuseum d'Amsterdam quelques mois avant de commencer sa propre version.

La peinture présente une forme abstraite très basique d'un homme jouant de la guitare. Le corps de l'homme est une énorme goutte blanche sans parties du corps reconnaissables. Cependant, le haut de la figure comporte un cercle rouge, représentant le visage. Un chien est également assis aux pieds du personnage. La critique d'art Karen Rosenberg a écrit un jour: «les présences deviennent flottantes, les apparitions surréalistes – non amarrées et ambiguës mais toujours espiègles», devenant «une fantaisie vertigineuse en vert et orange, avec le joueur de luth comme une sorte de joueur de flûte pour divers oiseaux et bêtes».

Chien qui aboie à la lune, 1926

De 1925 à 1928 – sous l'influence des dadaïstes, des surréalistes et de Paul Klee – Miró a peint une série «d'images de rêve» et de «paysages imaginaires». Dans Chien qui aboie à la lune, un chien coloré et déformé se dresse sur une terre brune, regardant la demi-lune et l'oiseau au-dessus de lui. Les sujets créent une ambiance ludique, mais les couleurs sombres et l'espace vide évoquent un sentiment de solitude. Une échelle atteint un espace vide, représentant peut-être la montée vers le succès de Miró. La critique d'art Laura Cummings a écrit que «l'espace quasi-cubiste s'inclinait à la verticale; et probablement parce que Miró célèbre la croissance ascendante florissante de la maison.

Le bel oiseau révélant l'inconnu à une paire d'amoureux, 1941

En 1939, lors du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, Miró a fui Paris avec sa famille vers un petit village de Normandie qui a souvent connu des pannes de courant. Il a écrit: «J'avais toujours aimé regarder par les fenêtres la nuit et voir le ciel, les étoiles et la lune, mais maintenant nous n'avions plus le droit de le faire, alors j'ai peint les fenêtres en bleu et j'ai pris mes pinceaux et peinture, et ce fut le début de la Constellations. »

La série de 24 peintures sur papier a apporté une forme illustrative aux émotions de Miró et l’a aidé à faire face à ses circonstances de vie difficiles à l’époque. Il a dit: «Quand je peignais le Constellations, J'avais le sentiment sincère que je travaillais en secret, mais c'était une libération pour moi dans la mesure où j'ai cessé de penser à la tragédie qui m'entourait.

Le bel oiseau révélant l'inconnu à une paire d'amoureux représente une constellation complexe contre le ciel nocturne. Il y a des signes, des planètes, des étoiles et des yeux qui peuplent la toile parmi un tourbillon vertigineux de lignes noires.

Bleu II, 1961

Les trois tableaux grand format de Miró Bleu I – III font partie d'une série de triptyques qu'il a peints au début des années 60 dans son atelier de Majorque. Il était de renommée internationale à l'époque, et peut-être que l'énorme échelle des trois toiles de 12 pieds sur neuf pieds était une représentation audacieuse de sa confiance.

Miró a souvent utilisé de grands champs de bleu dans son travail, car il identifiait la couleur avec le ciel et aussi avec le monde des rêves. Le trait rouge diagonal dramatique ajoute du contraste, soulignant l'espace vacant, tandis qu'une série de formes rondes floues et noires dérivent au milieu de la toile. Les symboles attirent le spectateur, mais finalement la teinte bleue intense domine les toiles. Ces peintures capturent les sentiments de Miró, comme il l'écrivait: «Le spectacle du ciel me submerge. Je suis bouleversé quand je vois, dans un ciel immense, le croissant de lune, ou le soleil. Là, dans mes photos, des formes minuscules dans d'immenses espaces vides. Espaces vides, horizons vides, plaines vides – tout ce qui est dénudé m'a toujours beaucoup impressionné.

Pájaro lunaire (Moonbird), 1966

Miró se tourne vers la sculpture dans les années 1940. «C'est dans la sculpture que je créerai un monde vraiment fantasmagorique de monstres vivants», a-t-il déclaré. «Ce que je fais en peinture est plus conventionnel.» Pájaro lunaire (Moonbird) représente une créature hybride avec un visage en forme de lune et des cornes ainsi que deux bras qui ressemblent à des ailes. La forme tridimensionnelle fait référence à la tradition de la tauromachie espagnole, donnant un clin d'œil à son héritage catalan. Sculptée à la main à partir de bronze, la pièce montre des traces des mains de cet artiste sur sa surface. Dans les années 1960, Miró a agrandi la pièce originale pour en faire des répliques moulées, que l'on peut trouver dans les musées et les parcs sculpturaux du monde entier.

Joan Miró: Site Web

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