5 tableaux de Matisse qui ont révolutionné l'art moderne

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Photographie d'Henri Matisse

Henri Matisse à Paris (1913) (Photo: Alvin Langdon Coburn (domaine public))

Au début du XXe siècle, un petit groupe d'artistes a tracé une voie qui allait changer à jamais la façon dont le monde voyait l'art. En brisant les frontières et en dépassant les limites de la tradition, ils ont ouvert la voie à l'art moderne. En tant que membre de ce groupe, Henri Matisse est un pionnier et a fondé l'un des premiers mouvements d'art moderne – le fauvisme.

Sans se laisser décourager par la critique, Matisse a aiguisé son instinct et est allé à l'encontre des tendances pour développer un style expressif qui aurait des ramifications massives. À la fois ami et rival de Picasso, qui avait 11 ans de moins, Matisse a repoussé les limites et inspiré d'autres artistes à suivre son exemple.

Avec une carrière qui a duré 50 ans, l'artiste français est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands créateurs du XXe siècle. De son utilisation précoce des couleurs vives pour créer de la lumière et des ombres à son travail ultérieur avec du papier découpé, Matisse repoussait continuellement les limites de sa créativité. Pour célébrer son art et sa contribution à l'histoire de l'art, jetons un coup d'œil à 5 ​​des peintures les plus célèbres de Matisse.

Ces célèbres peintures d'Henri Matisse ont contribué à révolutionner le monde de l'art.

Femme au chapeau (1905)

Femme au chapeau par Matisse

Femme au chapeau, 1905 (Photo: domaine public via Wikipedia)

Lorsque ce portrait de la femme de Matisse, Amélie, a été montré aux côtés de sculptures plus classiques au Salon d’Automne, exposition d'art indépendante à Paris, elle a contribué à donner naissance au mouvement fauve. À l'époque, le travail a été balayé par les critiques, qui ont trouvé ses coups de pinceau lâches, ses couleurs artificielles et sa qualité inachevée choquantes. Pour Matisse, Femme au chapeau a marqué un voyage vers un nouveau style expressif. Certes, la peinture a aidé à jeter les bases d’un nouveau type de portrait, qui ne respectait pas les représentations strictement réalistes.

Bien que Matisse ait été initialement démoralisé lors de la réception de ce tableau, son moral a été remonté lorsqu'il a été acheté par la famille Stein, qui comprend les célèbres collectionneurs Gertrude et son frère Leo. Gertrude, en particulier, était une championne de l'avant-garde et a été immortalisée dans son propre portrait de Picasso.

The Green Stripe (1905)

Henri Matisse, The Green Stripe (Portrait de Mme Matisse), 1905. National Gallery Copenhagen

«La bande verte (Portrait de Madame Matisse)», 1905 (Photo: domaine public via Wikipedia)

Le deuxième portrait de la femme de Matisse s’est avéré tout aussi controversé que le premier. Ici, Matisse pousse son utilisation audacieuse de la couleur à l'extrême en peignant une ligne verte au centre de son visage. Ce qui peut sembler extrême était en fait la tentative de Matisse de produire de la lumière, des ombres et du volume sans utiliser de techniques traditionnelles. Une fois de plus, les critiques ont tourné en dérision l’image, l’une déclarant qu’elle obligeait les spectateurs à voir la femme du peintre sous «un aspect étrange et terrible». Pourtant, quand on regarde les portraits cubistes ultérieurs de Picasso, l'influence de Matisse est indéniable.

Le bonheur de vivre (1905/1906)

Le bonheur de vivre de Henri Matisse

«Le bonheur de vivre», 1905/1906 (Photo: Wikipedia)

Avec sa peinture à l'huile monumentale Le bonheur de vivre (La joie de vivre), Matisse a doublé ce qu’il avait commencé au Salon d’automne de 1905. La grande toile était la façon dont Matisse confirmait qu’il adhérait à tout ce que les Fauvistes représentaient, même si les critiques de l’époque n’appréciaient pas leur approche novatrice de l’art. Les couleurs vives et le refus de Matisse d’utiliser les normes spatiales ont été une révolution. Ignorant comment l'art occidental joue généralement avec l'échelle et les proportions, Matisse a renversé la tradition. Et, ce faisant, il a créé ce que certains considèrent comme l'une des pierres angulaires de l'art moderne.

Achetée par Gertrude Stein, elle a été suspendue dans l'appartement parisien où elle avait ses salons hebdomadaires. C'est là qu'un jeune Picasso a vu le tableau et était tellement déterminé à surpasser Matisse qu'il a commencé à travailler sur Les Demoiselles d’Avignon—Un autre pilier de l'art du XXe siècle.

La danse (deuxième version) (1909/1910)

La danse de Matisse

«La danse (deuxième version)», 1909/1910 (Photo: domaine public via Wikipedia)

En utilisant un motif que nous pouvons déjà voir en arrière-plan de Le bonheur de vivre, La danse a été créé pour l'homme d'affaires et collectionneur d'art russe Sergei Shchukin. Dans ce document, un groupe de danseurs virevolte en cercle. Leur mouvement et leur tension sont palpables. La capacité de Matisse à peindre une œuvre aussi expressive en utilisant des couleurs limitées et en se concentrant sur les lignes, plutôt que sur les ombres et les reflets, est une réalisation incroyable.

Il s'agit de la version finalisée d'une peinture bien connue située dans le MoMA de New York. Cette première version, que Matisse considérait comme un croquis préparatoire, a une humeur et une énergie beaucoup plus légères. Pour la version finale de La danse, Matisse a assombri la palette de couleurs et a donné aux personnages une puissance qui fait défaut dans le croquis. Grâce à son utilisation magistrale de la ligne et de la couleur, pour beaucoup La danse est considéré comme le point culminant de la carrière de Matisse et un tournant dans l’art moderne.

Nus bleus (1952)

Blue Nude II

Après avoir reçu un diagnostic de cancer de l'estomac en 1941, Matisse a été confiné à une chaise. Mais il n'a jamais laissé cet obstacle entraver sa créativité. Il a commencé à créer des collages de papier découpé avec l'aide d'assistants, qui peindraient de grandes feuilles de papier à la gouache pour l'artiste. Matisse découperait ensuite le papier en différentes formes et créerait des compositions. Souvent, comme c'est le cas avec son Nus bleus série, ils ont ensuite été transformés en lithographies.

Nus bleus est une série triomphale de quatre nus. Chacun a été soigneusement planifié par Matisse, qui a créé des études dans ses cahiers et a passé plusieurs semaines à obtenir les arrangements en papier découpé à son goût. Bien qu'il se soit appuyé sur des couleurs limitées dans ses peintures, ces œuvres en papier découpé favorisent également les tons plats simples. Inspiré par sa visite à Tahiti vingt ans plus tôt, Matisse a créé du volume en utilisant des formes qui se chevauchent, démontrant une fois de plus son œil pour l'avant-garde. Deux ans seulement après avoir terminé cette série innovante, Matisse a perdu la vie.

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