5 des peintures les plus célèbres de René Magritte qui capturent l'esprit fascinant du surréaliste

René Magritte est l'un des artistes les plus célèbres du mouvement surréaliste du XXe siècle. Dans les années 1920, le peintre belge a rejoint un groupe de jeunes artistes qui souhaitaient créer une œuvre qui célébrait l'inconscient et le monde des rêves. Pendant ces années et au-delà, Magritte a défini son style artistique unique que les critiques ont appelé le «réalisme magique». Tout au long de sa longue carrière, il a produit des peintures qui brouillaient la frontière entre réalité et fantaisie et invitaient le spectateur à remettre en question ce qu'il pensait savoir.

Voici cinq tableaux de René Magritte qui donnent un aperçu de l’esprit de l’artiste.

La trahison des images, 1929

Photo: «La trahison des images» de René Magritte (1929). Wikimedia Commons (domaine public)

Peint quand Magritte avait 30 ans, La trahison des images fait partie d'une série de tableaux mettant en scène des images associées à des mots. Cette pièce particulière montre une pipe avec la phrase française, «Ceci n'est pas une pipe» («This is not a pipe»). Magritte a voulu souligner que la peinture n'est pas une pipe, mais plutôt une image d'une. La trahison des images est l'une des œuvres d'art les plus emblématiques du mouvement surréaliste, car elle défie les paradoxes du langage et de la représentation visuelle.

Les amoureux II, 1928

Cette peinture à l'huile sur toile représente un homme et une femme enfermés dans une étreinte et s'embrassant à travers des tissus enroulés autour de leur tête. La scène mystérieuse invite les spectateurs à se demander pourquoi les amoureux sont incapables de vraiment communiquer ou toucher.

Il est difficile de spéculer sur une signification singulière, mais les teintes du tableau évoquent certains thèmes. La couleur bleue en arrière-plan est associée à l'eau, qui symbolise souvent la vie. La femme porte du rouge, représentant peut-être l'amour ou la passion. L'homme du tableau porte un costume noir, une couleur fréquemment associée à la mort. Les voiles sont de couleur blanchâtre ou grisâtre, représentant éventuellement une pureté ou une pureté entachée. Certains interprètent l'œuvre comme un portrait de l'isolement humain et une représentation de l'incapacité de comprendre pleinement même nos compagnons les plus proches.

Le 12 mars 1912, la mère de Magritte est malheureusement décédée par suicide après s’être noyée dans la Sambre, dans le nord de la France. Lorsqu'elle a été retrouvée, Magritte, 13 ans, était présente sur les lieux. Sa robe couvrait son visage, une image qui a peut-être influencé plusieurs peintures à l'huile que l'artiste a peintes de personnes avec du tissu obscurcissant leurs visages, y compris Les amoureux II.

Le faux miroir, 1929

L'œil humain était un sujet qui fascinait de nombreux artistes surréalistes, car ils pensaient qu'il représentait le pont entre le soi et le monde extérieur. Le faux miroir, peint en 1929, présente un seul œil qui consomme toute la toile. Il fixe le spectateur avec des détails et une texture réalistes. La pupille de l’œil flotte contre un ciel rempli de nuages, donnant l’impression que l’iris est une fenêtre circulaire. Le photographe surréaliste Man Ray, propriétaire de l'œuvre de 1933 à 1936, a reconnu la dualité de Le faux miroir, lorsqu'il a décrit l'œuvre comme une peinture qui «voit autant qu'elle est vue».

Golconde, 1953

Bien que Magritte ait vécu une vie tranquille de classe moyenne, il a réussi à transformer l'ordinaire en quelque chose de merveilleux. Golconde dépeint une scène de banlieue surréaliste où d'innombrables hommes presque identiques vêtus de pardessus sombres et de chapeaux melons flottent dans les airs comme des ballons. Magritte lui-même a vécu dans un environnement similaire et s'est habillé de la même manière que les sujets du tableau, il est donc facile de supposer que cette pièce est peut-être un autoportrait. Cependant, le titre Golconde a été fourni par l’ami et poète de Magritte, Louis Scutenaire. Golconda est une ville en ruine dans l'État d'Andhra Pradesh, en Inde, près d'Hyderabad. Du milieu du XIVe siècle à la fin du XVIIe siècle, la ville était la capitale de deux royaumes riches et le centre de la légendaire industrie du diamant de la région. Dans le tableau, le grand homme près de la cheminée de la maison à droite de la composition est censé représenter Scutenaire.

Le fils de l'homme, 1964

Peut-être l’œuvre la plus célèbre de Magritte, Le fils de l'homme peint en 1964 est la version de l’artiste d’un autoportrait. La peinture à l'huile représente l'artiste lui-même, vêtu d'un pardessus et d'un chapeau melon, debout à côté d'un petit mur avec un décor de bord de mer en arrière-plan. Son visage est en grande partie obscurci par une pomme verte planante, mais si vous regardez suffisamment près, vous pouvez à peu près voir ses yeux jeter un œil sur le bord du fruit et ses feuilles.

Le tableau fait partie d'une série et est souvent regroupé avec deux autres œuvres produites la même année. Le premier est celui de Magritte Homme au chapeau melon qui présente une figure similaire dont le visage est masqué par un oiseau en vol. Le second est La grande guerre des façades qui représente une femme élégamment vêtue avec des fleurs épanouies bloquant son visage.

Parler de Le fils de l'homme, Magritte a déclaré: «Au moins, cela cache le visage en partie. Eh bien, vous avez donc le visage apparent, la pomme, cachant le visible mais caché, le visage de la personne. C'est quelque chose qui se produit constamment. Tout ce que nous voyons cache autre chose, nous voulons toujours voir ce que cache ce que nous voyons. Il y a un intérêt pour ce qui est caché et que le visible ne nous montre pas. Cet intérêt peut prendre la forme d'un sentiment assez intense, une sorte de conflit, pourrait-on dire, entre le visible qui est caché et le visible qui est présent.

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